[700x466]
На вул. Приходька (15.08.2016)
температура повітря: +22 °C

1967 - скончался Рене́ Франсуа́ Гисле́н Магри́тт /René François Ghislain Magritte/(21 ноября 1898, Лессин — 15 августа 1967, Брюссель)
[403x287]
[267x399] [250x402]

— бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин.

Биография
Магритт родился в маленьком бельгийском городке Лессине. Детство и юность провёл в небольшом промышленном городе Шарлеруа. Жизнь была тяжёлой.

В 1912 году его мать утопилась в реке Самбре, что, видимо, оказало большое влияние на бывшего тогда ещё подростком будущего художника, однако, вопреки расхожему мнению, не стоит переоценивать влияние этого события на творчество автора. Магритт вынес из детства ряд других, не столь трагичных, но не менее загадочных воспоминаний, про которые сам говорил, что они нашли отражение в его творчестве (лекция 1938 года).

Два года Магритт проучился в Королевской Академии Изящных Искусств в Брюсселе, которую покинул в 1918 году. В это время он познакомился с Жоржеттой Бергер, на которой женился в 1922 году и с которой прожил до самой смерти в 1967.

Магритт работал художником плакатов и рекламы на фабрике бумажной продукции вплоть до 1926 года, когда контракт с брюссельской галереей Сенто позволил ему полностью посвятить себя живописи.

В 1926 году Магритт создаёт сюрреалистическую картину «Потерянный жокей», которую считал своей первой удачной картиной такого рода. В 1927 году устраивает свою первую выставку. Критики признают её неудачной, и Магритт с Жоржеттой уезжают в Париж, где знакомятся с Андре Бретоном и вступают в его кружок сюрреалистов. В этом кружке Магритт не потерял свою индивидуальность, но вступление в него помогло Магритту обрести тот фирменный своеобразный стиль, по которому узнаются его картины. Художник не боялся спорить с другими сюрреалистами: например, Магритт отрицательно относился к психоанализу и особенно к его проявлениям в искусстве. Действительно, природа его творчества не столько психологическая, сколько философски-поэтическая, порой основанная на парадоксах логики.

С 1932 по 1945 художник трижды вступал в Коммунистическую партию Бельгии и также трижды покидал её ряды.

После расторжения контракта с галереей Сенто Магритт возвращается в Брюссель и снова работает с рекламой, а затем вместе с братом открывает агентство, которое даёт им постоянный доход. Во время германской оккупации Бельгии во время Второй мировой войны Магритт сменяет цветовую гамму и стилистику своих картин, приближаясь к стилистике Ренуара: художник считал важным взбодрить людей и вселить в них надежду.

Однако после войны Магритт перестаёт писать в таком «солнечном» стиле и возвращается к образам своих довоенных картин. Перерабатывая и совершенствуя их, он окончательно формирует свой странный стиль и добивается широкого признания.

Магритт умер от рака поджелудочной железы 15 августа 1967 года, оставив недописанным новый вариант своей, возможно, самой известной картины «Империя света». Похоронен на Схарбекском кладбище.

2 июня 2009 г. в Брюсселе открыт музей Магритта.

Философия и стиль
Для картин Магритта характерен отстранённый, как бы невозмутимый стиль. На них изображаются обычные предметы, которые у Магритта, в отличие от других крупных сюрреалистов (Дали, Эрнст), почти никогда не теряют своей «предметности»: они не растекаются, не превращаются в собственные тени. Однако само странное сочетание этих предметов поражает и заставляет задуматься. Невозмутимость стиля только усугубляет это удивление и погружает зрителя в некое поэтическое оцепенение, вызванное самой тайной вещей.

Цель Магритта, по его собственному признанию, — заставить зрителя задуматься. Из-за этого картины художника часто напоминают ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия: Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
Известен цикл работ художника, в которых он под обычными предметами пишет: это не он. Особенно популярна картина «Вероломство образов», на которой изображена курительная трубка с подписью «Это не трубка». Таким образом, Магритт снова напоминает зрителю о том, что образ предмета — не сам предмет.

Вообще названия картин играют у Магритта особую роль. Они почти всегда поэтичны и никак, на первый взгляд, не связаны с самим изображением. И именно в этом видел их значимость сам художник: он считал, что скрытая поэтическая связь названия и картины способствуют тому магическому Читать далее...

Беэр-Шева, Беэр-Шева (ивр. , «колодец клятвы»[4]; араб. «Бир-эс-Саба»; библ. Вирсавия) — город на юге Израиля.

Население — 197 269 человек (по данным Центрального бюро статистики на 2012 год). Ежегодный прирост — 0,4 % в год.

В настоящее время в Беэр-Шеве проживает около 200 тысяч человек. Город является административным центром юга Израиля. Здесь расположен ряд учебных учреждений, в том числе Университет Бен-Гуриона, больница Сорока (вторая по величине в Израиле), окружной суд, городской театр, региональные отделения различных правительственных служб. В настоящее время город также является крупным культурным и промышленным центром. Библейская Вирсавия (Тель Беэр-Шева) расположена северо-западнее современного города; в 2005 году получила статус объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО.

История
Согласно Библии, Авраам (а впоследствии и Исаак) вырыли здесь колодцы; здесь же Авраам заключил союз с Авимелехом, царем Герары, принеся при этом в жертву — в знак клятвы верности — семерых овец. Название «Беэр-Шева» возводится к обоим этим событиям. Сейчас на месте легендарного колодца работает музей.

Расположена Беэр-Шева в Северном Негеве, в 81 км от Иерусалима, в 115 км от Тель-Авива и в 240 км от Эйлата. Если считать возраст города от первого упоминания в письменных источниках, а именно в Торе, получается цифра около 3700 лет.

Со времен Авраама и до наших дней Беэр-Шева остаётся транспортным узлом, контролирующим дороги к Красному морю, Египту и Палестине. Вследствие этого за контроль над этим важным стратегическим пунктом из века в век разгорались кровопролитные бои. Здесь проливали кровь и египтяне, и римляне, и византийцы, и крестоносцы.

Бесконечные войны не способствовали росту численности населения Беэр-Шевы, и в XIII веке город прекратил своё существование. Но в 1900 году, во времена турецкого правления, Беэр-Шеву начали отстраивать заново как административный центр, контролирующий южные территории Палестины. В ходе кровопролитных боев войска Британской империи под командованием генерала Алленби в 1917 году выбили турок из Беэр-Шевы. В 1948 году Британская империя покидает Палестину, и, в ходе Войны за независимость Израиля, Беэр-Шева вошла в состав Израиля.

Медный век (4—3 тысячелетия до н. э)
В период халколита на берегах вади Беэр-Шева существовала т. н. беэр-шевская культура, от которой сохранилось 7 объектов, из которых три находятся в пределах города: колодец Абу-Матар, колодец Цафад (район Неве-Ной) и руины Батар. По некоторым мнениям, эти поселения никак не были связаны между собой, по другим, они являлись частями большой разбросанной деревни, причём каждая часть специализировалась на производстве разных орудий: в Абу-Матар плавили металл, а в Цафад изготавливали предметы из кости, камня и слоновой кости.

Интересно развитие в этой культуре жилья, которое на ранних этапах характеризовалось подземными помещениями, что уникально для Палестины (некоторые исследователи усматривают в этом доказательство того, что население этих жилищ пришло в данный регион из мест, где почва позволяла строить подобное жильё). На первом этапе выкапывались большие залы, служившие для ночлега и хранения, вход в которые был через дворик на склоне холма, где занимались ремеслом; из-за величины помещений, выкопанных в мягком лёсе, своды часто обрушались, поэтому на следующем этапе жители перешли к строительству небольших подземных помещений, которые соединялись узкими коридорами. После этого все объекты были заброшены на некоторое время. На третьем этапе строения являлись полуподземными, то есть землянками- это были круглые помещения, обычно устроенные на месте обрушения подземных залов. И, наконец, на последнем этапе появились настоящие каменные надземные дома. Существует мнения, что подземные помещения никогда не являлись жилыми, а лишь служили складами.

В Беэр-Шеве были сделаны и другие находки, выделяющие её из остальных археологических объектов Палестины: например, известные статуэтки из слоновой кости, изображающие мужчину с углублениями на лице (видимо, символизировавшие волосы), и женщину с подчёркнутыми половыми органами, названную «беэр-шевской Венерой» и другие предметы из этого материала. Слоновая кость, несомненно, доставлялась из Африки, что указывает на связь с Египтом; а базальтовые инструменты, которые не могли быть изготовлены в Беэр-Шеве, демонстрируют наличие связей с северным Ханааном.

Ещё можно отметить то, что в Беэр-Шеве найдены свидетельства существования металлургии, самые древние в Израиле. В основном, там выплавлялись медные предметы среднего качества. Выплавка производилась в небольших печках радиусом 30-40 см и высотой 12-15 см, которые были сделаны из глины, укреплённой соломой.

Экономика данной культуры была основана на культивации пшеницы и ржи и разведении овец и коз.

Культура медного века исчезла в Беэр-Шеве и остальном Ханаане ок. 3150 г. до н. э. так же внезапно, как и появилась. В бронзовом веке, в течение около 2000 лет, этот район был полностью Читать далее...

1875 - родился Мстислав Валерианович Добужинский (14 августа 1875 г., Новгород — 20 ноября 1957 г., Нью-Йорк)
[399x304]
[297x402] [309x403]
— русский и американский художник, мастер городского пейзажа, участник творческого объединения «Мир искусства», художественный критик, мемуарист.

Биография
Его отец служил в петербургском Михайловском артиллерийском училище и вышел в отставку в чине генерал-майора. После рождения сына родители разошлись, и мать, артистка, певица и либералка уехала. Отец забрал сына на воспитание, и всё своё детство он делил между любящими его родителями, поочерёдно проживая то у одного, то у другого. Ребёнком три года жил с отцом в Кишинёве, где поступил во второй класс 2-й городской гимназии. Гимназическое образование завершил в Виленской гимназии. Затем учился в Петербурге в Императорской школе общества поощрения художеств (1885—1887), в школе Антона Ажбе (Мюнхен, 1899—1901) и у Ш. Холлоши (Надьбанья, Венгрия). В 1901 году изучал гравюру под руководством Василия Матэ.

Участвовал в выставках с 1902 года. Член объединения «Мир искусства». Одним из первых оценил талант М. К. Чюрлёниса. Первый директор Витебского художественного училища (1919). Работал над оформлением спектаклей БДТ в первые годы его работы. Преподавал в Петербурге в частных художественных школах, с 1922 г. был профессором Академии художеств в Петрограде.

В 1924 году при содействии Ю. Балтрушайтиса художник принял литовское гражданство и уехал из СССР. В 1925 г. работал для Рижского театра, с 1926 по 1929 год — для парижского театра Н. Ф. Балиева «Летучая мышь». С 1929 года Добужинский был ведущим художником литовского Государственного театра (Каунас). Преподавал в частной художественной школе, сотрудничал в литовских изданиях. В 1935 году с группой каунасского театра уехал в Англию.

Был членом парижской масонской ложи «Юпитер» № 536 (Великая Ложа Франции). Посвящён в степень ученика — 20 октября 1927 года, возведён в степень подмастерья — 21 июня 1928, в степень мастера — 17 января 1929 года. Оставался членом ложи по 1938 год.

С 1939 года жил в США. Последнее интервью Мстислав Добужинский дал за два дня до своей смерти, 19 ноября 1957 года, корреспонденту Радио «Свобода» Борису Оршанскому.

Мстислав Добужинский похоронен на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа (Sainte-Geneviève-des-Bois) в Париже.

Семья
Жена (с 1899 года) — Елизавета Осиповна Волькенштейн (26 июля 1876 — 12 октября 1965), племянница известных адвокатов Михаила Филипповича (Моисея Фишелевича) Волькенштейна (1859—1934) и Льва Филипповича (Исаака-Лейба Фишелевича) Волькенштейна (1858—1935), гимназических товарищей А. П. Чехова; двоюродная сестра драматурга В. М. Волькенштейна, адвоката Ф. А. Волькенштейна и публициста О. А. Волькенштейн.

Адреса в Петрограде
1910 год — Дровяной переулок, 4 кв.10
1920 год — ДИСК — проспект 25-го Октября, 15.

Творчество
В начале творческого пути (1902—1905) испытывал влияние югендстиля и известнейших художников Серебряного века — А. Н. Бенуа и К. А. Сомова. По стилю Добужинский был близок к символистам.

По его словам, в его любимом городе Петербурге его как художника интересовали не столько общепризнанные красоты, сколько детали «изнанки» — закоулки, дворы и тому подобное.

Работал в области станковой и книжной графики (оформлял журналы «Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон»), подобно другим членам «Мира Искусства» писал исторические картины («Пётр Великий в Голландии»). Оформлял театральные спектакли Московского художественного театра («Месяц в деревне» И. С. Тургенева, 1909; «Николай Ставрогин» по Ф. М. Достоевскому, 1913), антрепризы С. П. Дягилева и др.

Добужинский много работал в жанре книжной графики, став автором иллюстраций к рассказу «Ночной принц» С. А. Ауслендера (1909), «Барышне-крестьянке» и другим произведениям А. С. Пушкина, «Свинопасу» Андерсена (1922), «Белым ночам» Достоевского (1923), «Трём толстякам» Ю. Олеши (1928) и многим другим произведениям.

См. также
Бармалей. История возникновения персонажа.
Изобразительное искусство Ленинграда
Примечания[править | править вики-текст]
↑ Перейти к: 1 2 Добужинский Мстислав Валерианович — 3-е изд. — М.: Советская энциклопедия, 1969.
↑ Национальная библиотека Франции: open data platform — 2011.
↑ Воспоминания М. В. Добужинского
↑ Париж. ложа Юпитер
↑ Последнее интервью Мстислава Добужинского 19.11.1957 г.. Программа Читать далее...

[700x466]
The hotel "Kremen" (08/12/2016)
temperature: +24 ° C

1799 - скончался Василий Иванович Баженов (12 марта 1738, Москва — 13 августа 1799, Санкт-Петербург)
[261x400]
— русский архитектор, художник, теоретик архитектуры и педагог, представитель классицизма, зачинатель русской псевдоготики, масон. Член Российской академии с 1784 года.

Биография
Василий Баженов, сын дьячка одной из придворных кремлёвских церквей Ивана Фёдоровича Баженова (1711—после 1773), свой природный талант к искусству обнаружил ещё в детстве, когда срисовывал всякого рода здания в древней столице. Эта страсть к рисованию обратила на Баженова внимание архитектора Д. В. Ухтомского, принявшего его в свою школу. Из школы Ухтомского Баженов — по ходатайству И. И. Шувалова — перешёл в Академию художеств; там его способности к архитектуре раскрылись в такой мере, что преподаватель архитектуры С. И. Чевакинский сделал талантливого молодого человека своим помощником при постройке Никольского морского собора. В сентябре 1759 года Баженов был направлен для развития своего таланта в Париж (став первым пенсионером Академии художеств, отправленным за границу).

Поступив в ученики к профессору Шарлю Девайи, Баженов занялся изготовлением моделей архитектурных частей из дерева и пробки и выполнил несколько моделей знаменитых зданий. В Париже он сделал, соблюдая строгую пропорциональность частей, модель Луврской галереи, а в Риме — модель собора Св. Петра, учился гравированию. Вслед за Ж.-Ж. Суффло, К.-Н. Леду и другими мастерами французского классицизма того времени Баженов усвоил «вкус к грандиозным масштабам проектируемых сооружений, чьи композиции, план и декор содержали сложную, часто масонскую символику» и не всегда были осуществимы в реальности.

По возвращении в Россию, живя в Москве, Баженов участвовал в издании труда Витрувия (перевод Ф. В. Каржавина). Баженов был одним из лучших практиков-строителей своего времени, отличаясь как искусством планировки, так и изяществом формы проектируемых зданий (что в полной мере проявил после возвращения на родину). Являлся одним из проводников т. н. французского вкуса (стиля) в русской архитектуре, ярким памятником которого является Пашков дом. Своё мастерство выказал в академической программе на степень профессора комплекса увеселительных сооружений для Екатерины; однако ожидаемой должности Баженов не получил и взял увольнение от академической службы, после чего князь Г. Г. Орлов определил его в своё Артиллерийское ведомство главным архитектором с чином капитана.

В этой должности Баженов предположительно построил в Москве дом Пашкова, а в окрестностях столицы — дворцовый комплекс в Царицыне. В Московском Кремле, вместо стен, служащих оградой святынь и дворцов, Баженов проектировал сплошной ряд зданий, которым была сделана торжественная закладка. «Форум великой империи» на Боровицком холме проектировался как грандиозный общественный центр, к которому должны были сходиться все улицы Москвы. Исторический контекст при этом практически не учитывался: многие допетровские здания Кремля предполагалось снести, заодно закрыв со стороны реки обзор храмов Соборной площади, что неминуемо исказило бы исторический облик твердыни. Кремлёвские стены уже начали было разбирать (снеся часть обращённого к Москве-реке участка стены с шестью башнями), но при рытье котлована у подножия Кремлёвского холма на стенах древних соборов появились трещины, и, по воле императрицы, строительство было отложено, а потом оставлено совсем (в 1775 году); снесённая часть стен Кремля позже была восстановлена М. Ф. Казаковым.

Такая же судьба постигла царицынский ансамбль Баженова, представлявший собой новаторский сплав элементов нарышкинского барокко конца XVII века и западноевропейского готического декора. Впервые Баженов опробовал это сочетание в 1775 году, работая вместе с М. Ф. Казаковым над временными увеселительными павильонами Ходынского поля, где праздновалось заключение Кючук-Кайнарджийского мира с турками. Екатерина летом 1785 года приехала на три дня в первопрестольную, посетила работы по сооружению дворцов в Царицыне (собственного и великокняжеского) и, возмутившись их равными размерами, повелела снести оба; архитектор от осуществления проекта был отстранён.

В это же время в Москве Баженов предпринимает попытку организовать «партикулярную» (частную) академию и набрать учеников. Видимо, затея не удалась, так как, по словам Баженова, «препятствиев к моему намерению весьма есть много».

До сих пор Баженову приписывается утраченный памятник Санкт-Петербурга, Старый Арсенал на Литейной улице (в XIX веке его занимал Окружной суд, сожжён в 1917 г., разобран в конце 1920-х годов); но, вероятнее всего, к нему зодчий не имеет никакого отношения. Строительство здания началось под руководством архитектора Артиллерийского ведомства В. Т. фон Дидерихштейна весной 1766 года и велось архитектором Инженерного корпуса К. И. Шпекле. Баженов же в конце 1766 г. Читать далее...

1934 - скончался Хендрик Петрюс Берлаге /Hendrik Petrus Berlage/, часто встречается вариант «Петрус», 21 февраля 1856, Амстердам — 12 августа 1934, Гаага)
[402x347]
[299x399] [264x399]
— выдающийся нидерландский архитектор. Воззрения Берлаге на пути развития архитектуры, изложенные им в многочисленных теоретических трудах, оказали большое влияние на современное нидерландское зодчество.

Ранние годы
Берлаге родился в богатой, либерально настроенной семье, проживавшей на набережной канала Кейзерсграхт /Keizersgracht/ в самом центре Амстердама. Через несколько лет семья Берлаге переехала в Арнем, где Хендрик получил среднее школьное образование. За время арнемского периода жизни будущего архитектора его мать умерла, а отец повторно женился.

В течение года Хендрик Петрюс посещал курсы живописи в Государственной академии изящных искусств в Амстердаме, но затем предметом его интересов стала архитектура. В 1875—1878 годах Берлаге учился в Швейцарской высшей технической школе Цюриха, где познакомился с идеями Готфрида Земпера, профессора архитектуры этого учебного заведения с 1855 по 1871 годы, и концепцией «идеального дома» Эжена Виолле-ле-Дюка. Чтобы углубить полученные теоретические знания, в 1880—1881 годах Хендрик Берлаге предпринял поездку по ряду стран Европы, посетив Италию, Австрию и Германию.

По возвращении в Нидерланды Берлаге, совместно с Теодорусом Сандерсом /Theodorus Sanders/, основал архитектурное бюро в Амстердаме. Вместе с Сандерсом они спроектировали ряд зданий в неоренессансном стиле.

Независимый архитектор
В 1889 году Берлаге начал самостоятельную работу, открыв собственное архитектурное бюро. Первоначально он следовал господствовавшим в то время архитектурным стилям, но затем начал экспериментировать, смешивая в своих проектах элементы модерна и рационализма. Одним из плодов этих экспериментов стало оформление зданий Страховой компании Нидерландов, к работе над которыми в 1890-х годах Берлаге был приглашён в качестве дизайнера. Примерно в то же время архитектором были созданы проекты виллы Хенни в Гааге и здания Синдиката огранщиков брильянтов в Амстердаме (1899—1900). Уже в 1889 году он представил на Всемирной выставке в Париже оригинальный проект мавзолея[2]. К этому же периоду относятся многочисленные публикации Берлаге в изданиях, посвящённых архитектуре.

В 1897—1903 годах по проекту Хендрика Петрюса Берлаге было построено здание Амстердамской биржи (в настоящее время называется биржей Берлаге), наиболее известное творение архитектора, включённое ЮНЕСКО в нидерландский список объектов всемирного наследия.
В своём проекте Берлаге гармонично объединил средневековые традиции национальной нидерландской архитектуры с современными техническими решениями. Характерными отличиями стиля здания являются «честное» использование материалов (все материалы должны легко узнаваться) и чёткость конструкции, лишённой ненужных украшений. Основной строительный материал — неоштукатуренный кирпич, совмещённый с природным светлым камнем. Стиль, в котором построена Амстердамская биржа, впоследствии станет известен как рационализм. Влияние этого стиля будет ощущаться в нидерландской архитектуре до 50-х годов двадцатого века.

Берлаге является автором ряда масштабных градостроительных проектов. Так, в 1902 он разработал планы расширения Амстердама (южная часть города должна была быть полностью реконструирована, и трущобные районы предстояло заменить экономичными домами для рабочего класса), реконструкции Гааги (1908—1909) и Утрехта (1921). Его проекты предполагали гармоничную связь исторического центра города с новыми районами, которые планировалось застраивать блочными домами небольшой высоты, и которые образовывали бы чёткие перспективы.

Особенностью стиля Берлаге был функциональный подход к проектированию зданий с использованием лаконичных, но очень эстетичных деталей. Помимо собственно архитектурных проектов, Берлаге занимался также проектированием мебели, дизайном обоев, ковров и стеклянной утвари. Мебель Берлаге продавалась в амстердамском магазине «Het Binnenhuis», специализировавшемся на продаже предметов прикладного искусства в стиле нидерландский модерн.

Берлаге отстаивал концепцию «красоты обнажённой стены». В одной из лекций он так определяет своё архитектурное кредо:

«Прежде всего, мы должны показать всю красоту обнаженной стены… Опоры и колонны не должны иметь выступающих капителей; места примыканий этих элементов должны сливаться с чистой поверхностью стены»
В 1911 году Берлаге посетил США. Этот Читать далее...

1932 - скончался Максимилиан Александрович Волошин (фамилия при рождении — Кириенко-Волошин; 16 [28] мая 1877, Киев, Российская империя — 11 августа 1932, Коктебель, Крымская АССР, СССР)
[401x267]
[319x400] [269x400]
— русский поэт, переводчик, художник-пейзажист, художественный и литературный критик.


Биография
Максимилиан Кириенко-Волошин родился 16 (28) мая 1877 года в Киеве в семье юриста, коллежского советника.

Вскоре после рождения сына у родителей Волошина произошёл разрыв отношений, Максимилиан остался с матерью, Еленой Оттобальдовной (урождённой Глазер, 1850—1923), родственные и творческие отношения с ней поэт поддерживал до конца её жизни. Отец Максимилиана умер в 1881 году.

Раннее детство прошло в Таганроге и Севастополе.

Своё среднее образование Волошин начал в 1-й Московской гимназии.

Когда они с матерью переехали в Крым в Коктебель (1893), Максимилиан пошёл в Феодосийскую гимназию (здание сохранилось, ныне в нём Феодосийский государственный финансово-экономический институт (ФГФЭИ)). Пешеходный путь из Коктебеля в Феодосию по гористой пустынной местности был долгим, поэтому Волошин жил на съёмных квартирах в Феодосии (в доме М. Рафанович).

С 1897 по 1899 год Максимилиан учился в Московском университете, был отчислен «за участие в беспорядках» с правом восстановления, продолжать обучение не стал, занялся самообразованием. Участвовал в научной экспедиции в Среднюю Азию. В 1900-х много путешествовал (Франция, Германия, Испания), занимался в библиотеках Европы, слушал лекции в Сорбонне, познакомился с крупнейшими деятелями культуры. В Париже он также брал уроки рисования и гравюры у художницы Е. С. Кругликовой.

Вернувшись в начале 1903 года в Москву, легко становится «своим» в среде русских символистов; начинает активно публиковаться. С этого времени, живя попеременно то на родине, то в Париже, много делает для сближения русского и французского искусства; с 1904 года из Парижа регулярно посылает корреспонденции для газеты «Русь» и журнала «Весы», пишет о России для французской прессы.

23 марта 1905 года в Париже стал масоном, получив посвящение в масонской ложе «Труд и истинные верные друзья» № 137 (ВЛФ). В апреле того же года перешёл в ложу «Гора Синайская» № 6 (ВЛФ).

В апреле 1906 года женится на художнице Маргарите Васильевне Сабашниковой и поселяется с ней в Петербурге. Их сложные отношения отразились во многих произведениях Волошина.

В 1907 году Волошин принимает решение об отъезде в Коктебель. Пишет цикл «Киммерийские сумерки». С 1910 года он работает над монографическими статьями о К. Ф. Богаевском, А. С. Голубкиной, М. С. Сарьяне, выступает в защиту художественных групп «Бубновый валет» и «Ослиный хвост» (хотя сам стоит вне литературных и художественных групп).

22 ноября 1909 года между Волошиным и Н. Гумилёвым состоялась дуэль на Чёрной речке. Секундантом Гумилёва стал Евгений Зноско-Боровский. Секундантом Волошина был граф Алексей Толстой. Причиной дуэли была поэтесса Елизавета Дмитриева, с которой Волошин сочинил весьма успешную литературную мистификацию — Черубину де Габриак. Её он просил о ходатайстве для вступления в антропософское общество, их переписка длилась всю жизнь, до смерти Дмитриевой в 1928 году.

Первый сборник «Стихотворения. 1900—1910» вышел в Москве в 1910 году, когда Волошин стал заметной фигурой в литературном процессе: влиятельным критиком и сложившимся поэтом с репутацией «строгого парнасца». В 1914 году выходит книга избранных статей о культуре — «Лики творчества»; в 1915 — книга страстных стихотворений об ужасе войны — «Anno mundi ardentis 1915» («В год пылающего мира 1915»). В это время он всё больше внимания уделяет занятиям живописью, пишет акварельные пейзажи Крыма, выставляет свои работы на выставках «Мира искусства».

13 февраля 1913 года Волошин в Политехническом музее прочитал публичную лекцию «О художественной ценности пострадавшей картины Репина». В лекции им была высказана мысль, что в самой картине «таятся саморазрушительные силы», что именно её содержание и художественная форма вызвали агрессию против неё.

Летом 1914 года, увлечённый идеями антропософии, Волошин приезжает в Дорнах (Швейцария), где вместе с единомышленниками более чем из 70 стран (в том числе Андрей Белый, Ася Тургенева, Маргарита Волошина и др.) приступает к постройке Первого Гётеанума — культурного центра основанного Р. Штейнером антропософского общества. (Первый Гетеанум сгорел в ночь с 31 декабря 1922 года по 1 января 1923 года).

В 1914 году Волошин пишет Читать далее...

[700x466]
Перекресток улиц Небесной Сотни и Игоря Сердюка

1737 - родился Анто́н Па́влович Лосе́нко (укр. Антон Павлович Лосенко, 30 июля (10 августа) 1737, Глухов, Гетманщина — 23 ноября (4 декабря) 1773, Санкт-Петербург, Российская империя)
[245x402]
— русский живописец украинского происхождения, ученик Ж. М. Вьена. Представитель классицизма, основоположник русской исторической живописи.

Биография
Родился в городе Глухове возле Чернигова в 1737 году. В семилетнем возрасте (после смерти родителей) был привезён в Санкт-Петербург в придворный хор.

С 1753 учился живописи у Ивана Петровича Аргунова, с 1759 в Петербургской академии художеств. Продолжил учёбу в Париже (где ему покровительствовал Д. М. Голицын) и Французской академии в Риме. Считается (наряду с Баженовым) первым пенсионером Академии.

После возвращения в Россию снискал известность полотном «Владимир и Рогнеда» (1770) — несколько наивным и мелодраматичным, но впервые представившим русскую древность наглядно, на принятом в то время художественном языке.

«Программа на звание академика: «Владимир, утвердясь на новгородском владении, посылает к полоцкому князю Роговльду, чтобы ему отдал дочь свою Рогнеду в супружество; гордым ответом Рогнеды раздраженный Владимир подвигнул все свои силы, столичный полоцкий город взял силою, Роговольда с двумя сынами лишив жизни, с высокосмысленною Рогнедою неволею сочетался».
За эту картину Лосенко получил звание академика и должность адъютант-профессора, вскоре он стал профессором. В 1772 году Лосенко становится директором Академии художеств, разделив эту должность с Н. Жилле.

Портреты кисти Лосенко немногочисленны, но отличаются выразительностью и чётким следованиям принципам классицизма.

Скончался от водянки в 1773 году. Художник похоронен на Смоленском кладбище в Петербурге. В советской литературе встречается информация, что из-за отсутствия заказов и стеснённого материального положения нестарый ещё художник «от унижений и отчаяния спился». Другие авторы, напротив, отмечают «воздержный образ жизни» художника и то, что белое вино он употреблял как лекарство от болезни.

Работы
«Чудесный улов» (1762)
«Жертвоприношение Авраама» или «Авраам приносит в жертву сына своего Исаака» (1765)
«Каин и Авель» (1768)
«Зевс и Фетида» (1769)
«Святой апостол Андрей Первозванный» (1769)
«Владимир перед Рогнедой» (1770)
«Прощание Гектора с Андромахой» (1773, картина не закончена)
портрет И. И. Шувалова (1760)
портрет писателя А. Сумарокова (1760)
портрет актёра Ф. Волкова (1763) и др.

[504x700]
[521x700]
[566x700]
[576x700]
[596x700]
[700x531]
[700x537]
[700x548]

Street 1905 (08/09/2016)
temperature: +28 ° C
[700x466]

1861 - родился Джон Уильям Годвард / John William Godward/(9 августа 1861 — 13 декабря 1922)
[576x700]
— английский художник-неоклассицист.
Подобно сэру Лоуренсу Альма-Тадеме, причисляется к «Мраморной школе», однако стиль его живописи не вполне соответствует канонам викторианского академизма. Возможно, он так и не получил систематического художественного образования. Практически все его работы представляют изображения женщин в античных драпировках среди мраморных террас и растений. Хотя в период 1887—1905 годов он выставлялся в Королевской Академии художеств, Годвард не получил признания своего творчества и не вписывался в художественную среду Англии. В 1911—1921 годах жил в Риме, который на фоне распространения авангардизма оставался оплотом неоклассического искусства. Из-за невостребованности покончил с собой в 1922 году. Его родственники, занятые в страховом бизнесе, уничтожили почти все следы деятельности художника, не сохранилось ни одной его фотографии. Только с 1970-х годов, на волне интереса к декоративному и салонному искусству, живопись Годварда стала привлекать искусствоведов и коллекционеров, а его работы стали цениться на антикварном рынке.


Происхождение. Становление
Предки Годварда известны с XVIII века, причём старший сын в каждом поколении носил имя Джон; они происходили из Бэлэма в графстве Суррей. Джон Годвард — отец художника, родился в 1836 году и после женитьбы поселился в Баттерси; этот городок на Темзе вошёл ныне в состав Лондона. Он служил в страховой компании на Флит-стрит и благодаря выгодным вложениям в Северные железные дороги составил семейное состояние. Семейство принадлежало к среднему классу, считалось респектабельным, но пуританским. У Джона Годварда и его жены — урождённой Сары Эборолл — было пятеро детей.

Джон Уильям Годвард был первенцем в семье и родился дома в Баттерси, в пятницу, 9 августа 1861 года. Назвали его в честь отца и деда. Был крещён в церкви Св. Марии в Баттерси 27 октября; родители его принадлежали консервативной Высокой церкви.
В 1864 году семья переехала в более престижный район Фулэм, расположенный на противоположном берегу Темзы, там родилась сестра Джона — Мария-Фредерика, в семье её называли «Нин»; в течение всей жизни она ближе всех общалась с художником и тоже была своего рода «белой вороной» в семье. По мере роста благосостояния, в 1866 году семья Годвардов в очередной раз переехала в более просторный дом в Фулэме, там они прожили по крайней мере до 1872 года. Судя по статистическому справочнику 1876 года, семья Годвардов тогда жила уже в Уимблдоне.

Точно неизвестно, когда Джон Уильям пошёл в школу. Поскольку большая часть семейного архива была уничтожена, сложно судить, в каких предметах он успевал. Уже в детстве проявился его характер — ему были свойственны уступчивость и застенчивость, поэтому биограф — В. Суонсон — полагал, что, кроме рисования, он не слишком успевал в школьных предметах. Отец стремился, чтобы его дети последовали по наследственной стезе страхового клерка, причём все сыновья, кроме старшего, преуспели в бизнесе. Обстоятельства, при которых Джон избрал профессию художника, остаются неизвестными. Джон Уильям Годвард жил в родительском доме до 26-летнего возраста, поэтому невозможно говорить о семейном конфликте. В дальнейшем он вёл замкнутый образ жизни и всячески ограничивал свой круг общения.

По некоторым данным, семейство Годвардов общалось с художником и декоратором Уильямом Хоффом Уонтнером (1814—1881), который работал в престижной фирме Messrs. Holland and Sons, имел награды Всемирной выставки в Лондоне 1851 года, а его архитектурные проекты демонстрировались на выставке Академии художеств. Жил он недалеко от Уимблдона. По мнению В. Суонсона, если Джон Уильям Годвард рано проявил артистические способности, глава семьи мог посчитать профессию архитектора или дизайнера соответствующей социальному положению семьи. Вероятно, Годвард-младший учился у Уонтнера в 1879—1881 годах, однако часть времени он проводил в страховой фирме отца, готовясь вступить в семейное дело[4].

Самая ранняя живописная работа Годварда датируется 1880—1881 годами, это портрет бабушки художника, написанный с фотографии (она скончалась ещё в 1866 году). По Суонсону, портрет демонстрирует внимание к психологии и тщательно отделан технически, но архаичен по стилю. Возможно, Джон Годвард учился вместе со старшим сыном Уонтнера — Уильямом Кларком, поскольку в дальнейшем они дружили и вместе выставляли свои произведения в Королевской Академии художеств[4]. У. Уонтнер скончался в феврале 1881 года, на этом прервалось первоначальное художественное образование Годварда.

В 1882 году семейство Годвардов в очередной раз переехало в более просторный дом в Уимблдоне; Джон Уильям жил там до переезда в Лондон в 1889 году[5]. По мнению В. Суонсона, Годвард мог получать образование экстерном в Читать далее...

[700x466]
Str. Pervomayskaya (08/08/2016)
temperature: +25 ° C

1646 - родился Готфрид Кнеллер /Gottfried Kneller/, в Великобритании известен под англизированным именем Годфри / Godfrey/ 1648—1723)
[332x400]
— немецкий живописец, портретист.

Биография
Готфрид Кнеллер родился 8 августа 1646 года в северогерманском городе Любеке. Ученик Фердинанда Боля в Амстердаме; провёл несколько лет в Венеции, изучал там произведения Тициана и Тинторетто.

Поселившись с 1674 года в Лондоне состоял до конца своей жизни королевским придворным живописцем и исполнял заказы, во множестве сыпавшиеся к нему со стороны английской знати. Георг I пожаловал ему достоинство баронета.

Кнеллер писал чрезвычайно быстро и только одни головы; остальное в его портретах дописывали ученики и помощники. Произведения его хороши по рисунку и письму, но часто рассчитаны на театральный эффект.

Во время первого путешествия русского царя Петра Великого за границу он написал в Утрехте его портрет, не раз воспроизвёденный в гравюрах (оригинал находится в Гемптонкорте, близ Лондона; копии Белли — в Эрмитаже). В Эрмитаже также есть образец работ этого художника — портрет философа Локка.

Готфрид Кнеллер умер 19 октября 1723 года в британской столице.

Интересные факты
Живший в это время в Лондоне менее знаменитый художник Шарль Дагар не имел привычки подписывать свои работы. В результате сходства в манере письма некоторые сделанные им портреты традиционно приписывались Готфриду Кнеллеру.

Литература
Сомов А. И. Кнеллер, Готфрид // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.

[411x700]
[425x700]
[446x700]
[560x700]
[564x700]
[565x700]
[567x700]
[632x700]

1859 - родился Фёдор О́сипович (Франц-Альберт) Ше́хтель (26 июля (7 августа) 1859, Санкт-Петербург — 7 июля 1926, Москва)
[301x401] [255x400]
— русский архитектор, живописец, сценограф. Один из наиболее ярких представителей стиля модерн в русском и европейском зодчестве, принадлежит к числу крупнейших зодчих рубежа XIX—XX столетий. Кавалер орденов Св. Анны и Св. Станислава.

Биография
Происхождение и ранние годы
Будущий архитектор происходил из семьи колонистов из Баварии, прибывших в июне 1766 года в колонию Шукк. В 1820-х годах дед Ф. О. Шехтеля перебрался в Саратов. Шехтели торговали вином, золотыми и серебряными изделиями, табаком, различным мануфактурным товаром. Представители семьи пользовались в Саратове большим уважением, им принадлежало несколько магазинов и домовладений, гостиница, ткацкая фабрика и крахмальный завод. Магазины Шехтелей были также в Красноярске, Енисейске, Москве, Нижнем Новгороде и Санкт-Петербурге.
Основы процветания Шехтелей заложил дед будущего зодчего, Осип Осипович, его дело продолжили пятеро сыновей — Франц, Антон, Иван, Алоиз и Осип, состоявших по завещанию «в нераздельном капитале».

Старший из сыновей Осипа Шехтеля, купец 1-й гильдии Франц Осипович Шехтель, играл заметную роль в общественной жизни Саратова. В 1840 году он стал одним из основателей первого в городе литературно-музыкального купеческого кружка — Немецкого танцевального клуба; в 1858 году выступил учредителем саратовского Коммерческого клуба; наконец, в 1859 году Ф. О. Шехтель устроил в своём загородном саду увеселительный сад «Тиволи» и построил в нём деревянный летний театр с партером и ложами. Театр, впоследствии неоднократно горевший и перестраивавшийся, положил начало истории Саратовского академического театра драмы, здание которого стоит в настоящее время на месте небольшого деревянного театра Франца Шехтеля.

Младший из братьев — отец будущего архитектора Осип (Иосиф[4]) Осипович Шехтель в середине 1840-х годов был послан на учёбу в Санкт-Петербург, где в 1857 году окончил Технологический институт. В 1855 году инженер-технолог О. О. Шехтель женился на происходившей из петербургской купеческой семьи Дарье Карловне (Розалии Доротее) Гетлиб. 26 июля (7 августа) 1859 года у них родился сын Франц-Альберт (будущий Фёдор) Шехтель. Здесь же родились старший брат архитектора Осип (1858) и сёстры Александра (1860), Юлия (1862) и Мария (1863). В сентябре 1859 года Франц-Альберт (или, как его звали в семье — Адя) был крещён в католическую веру в церкви Святой Екатерины.

Принятию О. О. Шехтелем решения о переезде с семьёй из Санкт-Петербурга в Саратов способствовал, видимо, его старший брат Франц. Общее дело братьев требовало постоянного внимания, а Франц Осипович тяжело болел, других братьев — Антона, Ивана и Алоиза, уже не было в живых. К тому же в городе вот-вот должен был открыться новый каменный Городской театр и Ф. О. Шехтель опасался потерять зрителей в своём загородном деревянном театре. Осенью 1865 года Городская дума передала Городской театр в аренду на пять лет О. О. Шехтелю, так как из всех претендентов он предложил наиболее выгодные для города условия. Вероятно, свою роль в принятии положительного решения сыграла известность его брата на театральном поприще, а также мнение гласного Городской думы Т. Е. Жегина, женатого на дочери Ф. О. Шехтеля. Семья Шехтеля прибыла на постоянное жительство в Саратов в феврале 1866 года, когда будущему архитектору Фёдору Шехтелю было шесть лет.

Несмотря на неопытность Шехтеля-антрепренёра, за следующий после переезда в Саратов год в театре было поставлено 35 спектаклей, 20 из которых были премьерами. Спектакли имели успех у публики, положительно оценивались критиками, а декорации и костюмы отличались «вкусом и возможною роскошью».
В феврале 1867 года О. О. Шехтель простудился в театре и в конце месяца скоропостижно скончался. Опекунство над семьёй брата и антрепризу в театре поначалу взял на себя Ф. О. Шехтель, однако и он спустя два месяца умер от продолжительной болезни.
После смерти Ф. О. Шехтеля остались запутанные торговые дела и долги, чему способствовали привычка купца «жить на широкую ногу», а также неудачи, постигшие в бизнесе средних братьев. Так как братья были в «нераздельном капитале», оставшаяся без кормильца семья будущего архитектора осталась без средств к существованию, а большая часть имущества была продана с торгов для погашения задолженности. При этом, у нигде не работавшей Д. К. Шехтель находилось на иждивении шестеро детей (летом 1867 года, уже после смерти супруга, она родила сына Виктора Иоанна). Материальное положение семьи было настолько тяжёлым, что Дарья Карловна отдала двухлетнего Читать далее...

1856 - родился Аполлинарий Михайлович Васнецов (25 июля (6 августа) 1856 — 23 января 1933)
[298x401] [268x403]
— русский художник, мастер исторической живописи, искусствовед, брат Виктора Васнецова.

Аполлинарий Васнецов родился 25 июля (6 августа) 1856 года в селе Рябово под Вяткой (ныне Кировская область), в многодетной семье священника, происходившего из древней вятской фамилии Васнецовых.

В тринадцать лет мальчик остался круглым сиротой. Обладая недюжинным талантом, Аполлинарий не получил систематического художественного образования. Учась в Вятском духовном училище, он начал брать уроки у польского художника Михала Эльвиро Андриолли, сосланного в Вятку.

Васнецов посещал Андриолли каждое воскресенье и приносил ему на отзыв рисунки, выполненные дома, а также рисовал у него с натуры вид из окна или копировал горные и лесные ландшафты швейцарского художника А. Калама.

В 1872 году окончил Вятское духовное училище и по настоянию старшего брата, Виктора Васнецова, переехал в Петербург, где жил с 1872 по 1875 год. Учился живописи у Виктора Васнецова, а также у таких мастеров, как В. Д. Поленов, И. Е. Репин, М. М. Антокольский, В. М. Максимов.

В 1875 году Аполлинарий отказался от идеи поступить в Академию художеств и сдал экзамен на звание народного учителя, после чего уезжает работать в село Быстрица Орловской губернии. Вскоре, однако, он разочаровался в народнических идеях.
В 1878 году Аполлинарий Васнецов покинул деревню, уехал в Москву, к брату, и с тех пор уже полностью посвятил себя искусству.

С 1882 года Аполлинарий Васнецов ежегодно проводил лето на даче у брата в селе Ахтырка близ Абрамцева, имения Саввы Ивановича Мамонтова, много общался с членами абрамцевского кружка.

С 1883 года Аполлинарий Васнецов начал показывать свои произведения на экспозициях Товарищества передвижных художественных выставок.

В 1885—1886 годах художник путешествовал по Российской империи, посещал Украину и Крым.

В 1898 году совершил путешествие по Франции, Италии и Германии.

В 1900 году Васнецов стал академиком петербургской Академии художеств. В 1903 году участвовал в организации Союза русских художников.

В 1901—1918 годах руководил пейзажным классом Московского училища живописи, ваяния и зодчества.

С 1918 году возглавлял Комиссию по изучению старой Москвы и проводил археологические исследования при земляных работах в центральной части города.

В 1931 году стал единственным из художников, публично выступившим против сноса храма Христа Спасителя, написав письмо в газету «Известия».

Аполлинарий Васнецов умер в Москве 23 января 1933 года, похоронен на Введенском кладбище (20 участок). В столице действует мемориальная квартира-музей художника.

Известные работы
«Северный край. Сибирская река» (1899).
«Родина» (1886, ГТГ).
«Тайга на Урале. Синяя гора» (1891).
«Кама» (1895, ГТГ).
«Улица в Китай-городе. Начало XVII века» (1900, Русский музей).
«Красная площадь во 2-й половине XVII века» (1925, Музей истории и реконструкции Москвы).
Эскизы к театральным постановкам «Хованщина» (1897), «Сказание о невидимом граде Китеже…» (1907).
Книжные иллюстрации: «Великокняжеская, царская и императорская охота на Руси», «Картины по русской истории»

Музеи
Государственный Кировский областной художественный музей им. В. М. и А. М. Васнецовых в г. Кирове Кировской области.
Мемориальный дом-музей В. М. и А. М. Васнецовых в с. Рябово Кировской области.
Мемориальный музей-квартира А. М. Васнецова в Москве.

Память
Памятник в Кирове.
В 1956 году была выпущена почтовая марка СССР, посвящённая А. М. Васнецову.


[461x700] [525x700]
[523x700]
[525x700]
[602x700]
Читать далее...

1844 - родился Илья Ефимович Репин (24 июля [5 августа] 1844, Чугуев, Российская империя — 29 сентября 1930, Куоккала, Финляндия)
[294x400]

— русский художник-живописец. Сын солдата, в юности работал иконописцем. Занимался в Рисовальной школе под руководством И. Н. Крамского, продолжил обучение в Петербургской Академии художеств.

С 1878 года — член Товарищества передвижных художественных выставок. Академик Императорской Академии художеств. Профессор — руководитель мастерской (1894—1907) и ректор (1898—1899) Академии художеств, преподаватель школы-мастерской Тенишевой; среди его учеников — Б. М. Кустодиев, И. Э. Грабарь, И. С. Куликов, Ф. А. Малявин, А. П. Остроумова-Лебедева, Н. И. Фешин. Непосредственный наставник В. А. Серова.

Уже с самого начала своего творческого пути, с 1870-х годов, Репин стал одной из ключевых фигур русского реализма. Художнику удалось решить задачу отражения в живописном произведении всего разнообразия окружающей жизни, в своём творчестве он сумел охватить все стороны современности, затронуть темы, волнующие общественность, живо реагировал на злобу дня. Репинскому художественному языку была свойственна пластичность, он воспринимал различные стилистические направления от испанцев и голландцев XVII века до Александра Иванова и современных французских импрессионистов.

Расцвет творчества Репина пришёлся на 1880-е годы. Он создаёт галерею портретов современников, работает как исторический художник и мастер бытовых сцен. В области исторической живописи его привлекала возможность раскрыть эмоциональную выразительность предложенной ситуации. Стихией художника была современность, и, даже создавая картины на темы легендарного прошлого, он оставался мастером животрепещущего настоящего, сокращая дистанцию между зрителем и героями своих произведений. По мнению искусствоведа В. В. Стасова, творчество Репина — «энциклопедия пореформенной России». Последние 30 лет жизни Репин провёл в Финляндии, в своём имении Пенаты в Куоккале. Он продолжал работать, хотя уже не так интенсивно, как прежде. В последние годы он обратился к библейским сюжетам. В Куоккале Репин написал мемуары, ряд его очерков вошёл в книгу воспоминаний «Далёкое близкое».

Илья Ефимович Репин родился в городе Чугуеве, Харьковской губернии. Его дед по отцовской линии — неслуживый казак Василий Ефимович Репин — вёл торговлю и владел постоялым двором. Согласно метрическим книгам, он умер в 1830-х годах, после чего все хозяйственные заботы легли на плечи его жены Натальи Титовны Репиной.
Отец художника Ефим Васильевич (1804—1894) был в семье старшим из детей. В мемуарных очерках, посвящённых детству, Илья Ефимович упоминал об отце как о «билетном солдате», который вместе с братом ежегодно ездил на «Донщину» и, преодолевая расстояние в триста вёрст, пригонял оттуда табуны лошадей на продажу. За время службы в Чугуевском уланском полку Ефим Васильевич успел поучаствовать в трёх военных кампаниях, имел награды. Связь с родным городом, Слобожанщиной и Украиной Илья Репин пытался сохранять до конца жизни, а украинские мотивы занимали важное место в творчестве художника.

Дед художника по материнской линии — Степан Васильевич Бочаров — также много лет отдал военной службе. Его женой стала Пелагея Минаевна, девичью фамилию которой исследователям установить не удалось.
В начале 1830-х годов дочь Бочаровых Татьяна Степановна (1811—1880) вышла замуж за Ефима Васильевича. На первых порах Репины жили под одной крышей с родителями мужа; позже, скопив денег на торговле лошадьми, глава семьи сумел поставить просторный дом на берегу Северского Донца. Татьяна Степановна, будучи женщиной грамотной и деятельной, не только занималась образованием детей, читая им вслух произведения Пушкина, Лермонтова, Жуковского, но и организовала небольшую школу, которую посещали и крестьянские ребята, и взрослые. Учебных предметов в ней было немного: чистописание, арифметика и Закон Божий. В семье периодически возникали проблемы с деньгами, и Татьяна Степановна шила на продажу шубы на заячьем меху.

Акварельные краски в дом Репиных впервые принёс двоюродный брат Ильи Ефимовича — Трофим Чаплыгин. Как вспоминал впоследствии сам художник, его жизнь изменилась в тот момент, когда он увидел «оживление» арбуза: чёрно-белая картинка, размещённая в детской азбуке, внезапно обрела яркость и сочность.
С этого дня идея преображения мира с помощью красок уже не оставляла мальчика:
Чтобы меня утешить, Трофим оставил мне свои краски, и с этих пор я так впился в красочки, прильнув к столу, что меня едва отрывали для обеда и срамили, что я совсем сделался мокрый, как мышь, от усердия и одурел со своими красочками за эти дни.

В 1855 году родители отдали одиннадцатилетнего Илью на учёбу в школу топографов — эта специальность, связанная со съёмочными и чертёжными работами, Читать далее...

[700x466]
Вулиця Соборна (05.08.2016)
температура повітря: +29 °C

[700x466]
На зупинці «Козацька» (04.08.2016)
температура повітря: +28 °C

1757 - родился Владимир Лукич Боровиковский (4 августа 1757, Миргород, Гетманщина — 18 апреля 1825 года, Петербург)
[399x300]
[300x400] [307x400]
— русский художник украинского происхождения, мастер портрета.

Биография[править | править вики-текст]
Родился в семье казака Луки Ивановича Боровиковского (1720—1775). Отец, дядя и братья будущего художника были иконописцами. В молодости В. Л. Боровиковский учился иконописи под руководством отца.

С 1774 года служил в Миргородском казачьем полку, одновременно занимаясь живописью. В первой половине 1780-х годов Боровиковский в чине поручика выходит в отставку и посвящает себя занятиям живописью. Пишет образа для местных храмов.

В 1770-х годах Боровиковский близко познакомился с В. В. Капнистом и выполнял его поручения по росписи интерьера дома в Кременчуге, предназначавшегося для приёма императрицы. Екатерина II отметила работу художника и повелела ему переехать в Петербург.

В 1788 году Боровиковский поселяется в Петербурге. В столице первое время жил в доме Н. А. Львова и познакомился с его друзьями — Г. Р. Державиным, И. И. Хемницером, Е. И. Фоминым, а также Д. Г. Левицким, который стал его учителем. Несколько лет занимался живописью у И. Б. Лампи.

В 1795 году В. Л. Боровиковский за портрет великого князя Константина Павловича удостоен звания академика живописи. В 1803 году стал советником Академии художеств. С 1798 по 1820 гг. жил в доходном доме на Миллионной улице, 12.

Боровиковский умер 6 (18) апреля 1825 года в Петербурге, и был погребён на Петербургском Смоленском православном кладбище. В 1931 году прах был перезахоронен в Александро-Невской лавре. Памятник остался прежний — гранитный саркофаг на львиных ногах.

Своё имущество он завещал раздать нуждающимся.

Творчество
Сравнительно поздно, в конце 1790-х годов, Боровиковский приобретает славу известного портретиста.
В его творчестве преобладает камерный портрет.
В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. На двойном портрете «Лизонька и Дашенька» (1794) портретист с любовью и трепетным вниманием запечатлел горничных семьи Львовых: мягкие локоны волос, белизна лиц, лёгкий румянец.

Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определённую ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей. Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной».

Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796). В 1795 году В. Л. Боровиковский пишет «Портрет торжковской крестьянки Христиньи», отзвуки этой работы мы найдём в творчестве ученика мастера — А. Г. Венецианова.

В 1810-е Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.).

В. Л. Боровиковский — автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера» (1801—1802). Парадные портреты Боровиковского наиболее ярко демонстрируют совершенное владение художником кистью в передаче фактуры материала: мягкость бархата, блеск золочёных и атласных одеяний, сияние драгоценных камней.

Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции Русского музея хранятся работы, принадлежащие его кисти, — портреты А. А. Менеласа, В. В. Капниста, Н. И. Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.

Творчество В. Л. Боровиковского являет собой слияние развивавшихся в одно и то же время стилей классицизма и сентиментализма.

В свои последние годы Боровиковский вернулся к религиозной живописи, в частности написал несколько икон для строящегося Казанского собора, иконостас церкви Смоленского кладбища в Петербурге. Давал уроки живописи начинающему тогда художнику Алексею Венецианову.

Произведения
Портрет М. И. Лопухиной.
Муртаза Кули-хан.
Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке.

[показать]Читать далее...