В этот день
02-10-2016 10:06
1839 - родился Ганс То́ма (/Hans Thoma/(2 октября 1839, Бернау (Шварцвальд) — 7 ноября 1924, Карлсруэ)
[399x293]
[272x400]
[281x399]
— немецкий художник и график.
Жизнь и творчество
Вначале получил ремесленное образование у литографа, затем у мастера по росписи корпусов часов. С 1859 года учился в Академии искусств в Карлсруэ. По окончании жил и работал в Дюссельдорфе, Мюнхене, Франкфурте-на-Майне и в Карлсруэ, где с 1899 года был директором Художественного музея и профессором искусств в местной Академии. В 1874 году совершает поездку в Италию. В 1886 году посещает Париж.
Творческое наследие Г. Тома огромно: оно включает в себя около 900 картин, гравюр и литографий. Работы художника, зачастую рассматриваемые как «народная живопись», «простые» и т. п. при внимательном рассмотрении выявляют совершенно противоположные элементы. С одной стороны он — великолепный пейзажист-реалист. Он рисует в Шварцвальде и Таунусе, на Верхнем Рейне и Майне. Эти полотна дают перспективу изображаемой природы, как правило показанной с некоторой высоты (например, с вершины холма) так, что видна уходящая к горизонту даль (Долина в Таунусе, 1890, Мюнхен). С другой стороны, Г. Тома любил вводить в свои пейзажи и некие сказочные фигуры, образы из старинных саг. Здесь на работы Тома сказывается влияние А. Бёклина и Ханса фон Маре, в то время как в его реалистических произведениях, в том числе и в портретной живописи, угадываются черты барбизонской школы и Г. Курбе. Промежуточное положение между двумя этими тенденциями в творчестве Г. Тома являются картины, изображающие идиллические сценки из танцующих и поющих детей, задумчивых крестьян. Эти работы на рубеже XIX-ХХ столетий принесли Тома славу «второго Людвига Рихтера».
Большое собрание работ Г. Тома хранится в Художественном музее Карлсруэ. В 1949 году в Бернау был открыт музей Г. Тома.
Семья
Был женат на младшей дочери известного немецкого учёного Августа Фёппля.
«Старшим» зятем Фёппля был крупный учёный-аэродинамик Людвиг Прандтль.
[458x700]
[481x700]
[498x700]
[508x700]
[546x700]
[700x484]
[700x512]
[700x486]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1839 - родился Ганс То́ма (/Hans Thoma/(2 октября 1839, Бернау (Шварцвальд) — 7 ноября 1924, Карлсруэ)
[399x293] [272x400] [281x399]— немецкий художник и график.
Жизнь и творчество
Вначале получил ремесленное образование у литографа, затем у мастера по росписи корпусов часов. С 1859 года учился в Академии искусств в Карлсруэ. По окончании жил и работал в Дюссельдорфе, Мюнхене, Франкфурте-на-Майне и в Карлсруэ, где с 1899 года был директором Художественного музея и профессором искусств в местной Академии. В 1874 году совершает поездку в Италию. В 1886 году посещает Париж.
Творческое наследие Г. Тома огромно: оно включает в себя около 900 картин, гравюр и литографий. Работы художника, зачастую рассматриваемые как «народная живопись», «простые» и т. п. при внимательном рассмотрении выявляют совершенно противоположные элементы. С одной стороны он — великолепный пейзажист-реалист. Он рисует в Шварцвальде и Таунусе, на Верхнем Рейне и Майне. Эти полотна дают перспективу изображаемой природы, как правило показанной с некоторой высоты (например, с вершины холма) так, что видна уходящая к горизонту даль (Долина в Таунусе, 1890, Мюнхен). С другой стороны, Г. Тома любил вводить в свои пейзажи и некие сказочные фигуры, образы из старинных саг. Здесь на работы Тома сказывается влияние А. Бёклина и Ханса фон Маре, в то время как в его реалистических произведениях, в том числе и в портретной живописи, угадываются черты барбизонской школы и Г. Курбе. Промежуточное положение между двумя этими тенденциями в творчестве Г. Тома являются картины, изображающие идиллические сценки из танцующих и поющих детей, задумчивых крестьян. Эти работы на рубеже XIX-ХХ столетий принесли Тома славу «второго Людвига Рихтера».
Большое собрание работ Г. Тома хранится в Художественном музее Карлсруэ. В 1949 году в Бернау был открыт музей Г. Тома.
Семья
Был женат на младшей дочери известного немецкого учёного Августа Фёппля.
«Старшим» зятем Фёппля был крупный учёный-аэродинамик Людвиг Прандтль.
[458x700] [481x700] [498x700] [508x700] [546x700] [700x484] [700x512] [700x486]
В этот день
01-10-2016 10:56
1620 - родился Николас (Клас) Питерс Берхем Старший /Nicolaes (Claesz/ Pieterszoon (Pietersz) Berchem the Elder/(1 октября 1620, Харлем — 18 февраля 1683, Амстердам) —
[298x401]
голландский живописец, график и гравёр. Прозван по месту своего рождения «ван Харлем», но получил благодаря своему таланту прозвище «Теокрита живописи».
Биография
Берхем родился в семье живописца Питера Класа, в начале 1620-х гг. переехавшего в Харлем из Берхема близ Антверпена. Творческий путь Николас начал в 14 лет, но хотя его первым учителем был отец, специализировавшийся в написании натюрмортов, мы не знаем ни одного натюрморта кисти Берхема.
Позднее Николас обучался в мастерской Яна ван Гойена и именно тогда взял себе имя «Берхем». Затем юный художник обучается в Амстердаме у Николаса Муйарта, писавшего главным образом сюжеты из Священного Писания и аркадийские пейзажи с животными.
Возможно, выбор наставника из Амстердама был обусловлен смертью матери Николаса в 1634 г. и вторичной женитьбой отца год спустя.
Влияние Муйарта заметно в изображении животных на ранней работе Берхема «Иаков у источника». До конца 1630-х гг. Николас сменил ещё нескольких учителей: Питера Греббера, Яна Вилса, и Яна Баптиста Веникса (которого Берхем называл кузеном).
С 1642 г. Берхем (зарегистрированный как Клас Питерсен) — член харлемской гильдии св. Луки. У него появляются ученики. Берхем добивается известности, изготовляя гравюры, распространяемые издателями и книготорговцами Харлема и Амстердама.
В серии офортов, изображающих коров (1644) ещё заметен стиль Муйарта.
В 1645 г. художник присоединяется к голландской реформистской церкви. Свидетелем его при этом вступлении был Ян Вилс, с которым, вероятно, Берхем совместно проживал в тот период.
Традиционно считается, что Берхем окончательно сформировался как художник после совершённой вместе с Вениксом поездки в Италию в 1640-х гг. (хотя ряд исследователей оспаривает факт его путешествия в страну, давшую вдохновение его дальнейшему творчеству).
После этой поездки типичными для живописца стали написанные в тёплых тонах виды Италии, подчас населённые мифологическими или библейскими персонажами.
Произведения этого жанра были в большой моде в Голландии. Помимо них, Берхем писал городские пейзажи, зимние и пасторальные сцены в традициях нидерландского натурализма, аллегорические и жанровые картины.
По возвращении из Италии Берхем в 1646 г. женился на Катарине Клас де Грот, падчерице Яна Вилса. Берхем совершенно подчинился жене, женщине злой, своенравной, в высшей степени скупой и алчной. Целые дни и ночи она держала его за работой и продавала его произведения по своему усмотрению. Некоторые картины она даже продавала заранее.
У супругов было по меньшей мере четверо детей: два сына и две дочери. Один из сыновей, Николас, также стал живописцем (Николас Берхем Младший).
Понемногу к художнику приходила известность. В 1647 г. он рассматривался как одна из кандидатур для работ по оформлению королевского дворца Huis ten Bosch. Правда, в итоге этот заказ получили другие, более именитые мастера того времени. Зато в избранном Берхемом жанре пасторального пейзажа ему мало кто в Голландии мог составить конкуренцию.
Около 1650 г. Берхем совершил поездку в Вестфалию вместе с Якобом ван Рёйсдалем. Предполагают, что после этого он вновь отправился в Италию, работал там в 1651—1653 гг. и наряду с Яном Ботом стал одним из заметнейших представителей итальянского направления в голландской пейзажной живописи XVII в.
Вернувшись в Харлем, художник в 1656 г. приобрёл собственный дом с садом. Он стал деканом гильдии, а два года спустя удостоился звания мастера. По его инициативе в гильдии была введена традиция: каждый художник, покидающий город, должен был предоставлять одну из своих картин для украшения зала гильдии. Первым такой пример подал сам Берхем, который в 1660-х гг. уехал в Амстердам, где картограф Николас Висшер привлёк его к оформлению нового атласа.
Сотрудничество Берхема с Висшером продолжалось на протяжении первой половины 60-х гг. XVII в. В Амстердаме Берхем прожил свыше десяти лет, вернувшись в Харлем только весной 1670 г. Но в 1677 г. художник вновь переезжает в Амстердам — теперь уже навсегда. Мастер продолжает писать пейзажи, портреты, изображает вымышленных лиц и животных.
В Гааге художник сотрудничал с Йорисом ван дер Хаагеном, рисовал фигуры на его пейзажах.
Берхем умер в 1683 г. и был похоронен в церкви Вестеркерк. Его картины и рисунки были проданы чуть позднее в этом же году.
Характеристика творчества
Берхем, исключительно плодовитый мастер, создал более 800 полотен, которые высоко ценились коллекционерами произведений искусства конца XVIII — начала XIX века.
Ему также принадлежат 50 или 80 гравюр и около 500 графических работ.
В число известных произведений мастера входятЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1620 - родился Николас (Клас) Питерс Берхем Старший /Nicolaes (Claesz/ Pieterszoon (Pietersz) Berchem the Elder/(1 октября 1620, Харлем — 18 февраля 1683, Амстердам) —
[298x401]голландский живописец, график и гравёр. Прозван по месту своего рождения «ван Харлем», но получил благодаря своему таланту прозвище «Теокрита живописи».
Биография
Берхем родился в семье живописца Питера Класа, в начале 1620-х гг. переехавшего в Харлем из Берхема близ Антверпена. Творческий путь Николас начал в 14 лет, но хотя его первым учителем был отец, специализировавшийся в написании натюрмортов, мы не знаем ни одного натюрморта кисти Берхема.
Позднее Николас обучался в мастерской Яна ван Гойена и именно тогда взял себе имя «Берхем». Затем юный художник обучается в Амстердаме у Николаса Муйарта, писавшего главным образом сюжеты из Священного Писания и аркадийские пейзажи с животными.
Возможно, выбор наставника из Амстердама был обусловлен смертью матери Николаса в 1634 г. и вторичной женитьбой отца год спустя.
Влияние Муйарта заметно в изображении животных на ранней работе Берхема «Иаков у источника». До конца 1630-х гг. Николас сменил ещё нескольких учителей: Питера Греббера, Яна Вилса, и Яна Баптиста Веникса (которого Берхем называл кузеном).
С 1642 г. Берхем (зарегистрированный как Клас Питерсен) — член харлемской гильдии св. Луки. У него появляются ученики. Берхем добивается известности, изготовляя гравюры, распространяемые издателями и книготорговцами Харлема и Амстердама.
В серии офортов, изображающих коров (1644) ещё заметен стиль Муйарта.
В 1645 г. художник присоединяется к голландской реформистской церкви. Свидетелем его при этом вступлении был Ян Вилс, с которым, вероятно, Берхем совместно проживал в тот период.
Традиционно считается, что Берхем окончательно сформировался как художник после совершённой вместе с Вениксом поездки в Италию в 1640-х гг. (хотя ряд исследователей оспаривает факт его путешествия в страну, давшую вдохновение его дальнейшему творчеству).
После этой поездки типичными для живописца стали написанные в тёплых тонах виды Италии, подчас населённые мифологическими или библейскими персонажами.
Произведения этого жанра были в большой моде в Голландии. Помимо них, Берхем писал городские пейзажи, зимние и пасторальные сцены в традициях нидерландского натурализма, аллегорические и жанровые картины.
По возвращении из Италии Берхем в 1646 г. женился на Катарине Клас де Грот, падчерице Яна Вилса. Берхем совершенно подчинился жене, женщине злой, своенравной, в высшей степени скупой и алчной. Целые дни и ночи она держала его за работой и продавала его произведения по своему усмотрению. Некоторые картины она даже продавала заранее.
У супругов было по меньшей мере четверо детей: два сына и две дочери. Один из сыновей, Николас, также стал живописцем (Николас Берхем Младший).
Понемногу к художнику приходила известность. В 1647 г. он рассматривался как одна из кандидатур для работ по оформлению королевского дворца Huis ten Bosch. Правда, в итоге этот заказ получили другие, более именитые мастера того времени. Зато в избранном Берхемом жанре пасторального пейзажа ему мало кто в Голландии мог составить конкуренцию.
Около 1650 г. Берхем совершил поездку в Вестфалию вместе с Якобом ван Рёйсдалем. Предполагают, что после этого он вновь отправился в Италию, работал там в 1651—1653 гг. и наряду с Яном Ботом стал одним из заметнейших представителей итальянского направления в голландской пейзажной живописи XVII в.
Вернувшись в Харлем, художник в 1656 г. приобрёл собственный дом с садом. Он стал деканом гильдии, а два года спустя удостоился звания мастера. По его инициативе в гильдии была введена традиция: каждый художник, покидающий город, должен был предоставлять одну из своих картин для украшения зала гильдии. Первым такой пример подал сам Берхем, который в 1660-х гг. уехал в Амстердам, где картограф Николас Висшер привлёк его к оформлению нового атласа.
Сотрудничество Берхема с Висшером продолжалось на протяжении первой половины 60-х гг. XVII в. В Амстердаме Берхем прожил свыше десяти лет, вернувшись в Харлем только весной 1670 г. Но в 1677 г. художник вновь переезжает в Амстердам — теперь уже навсегда. Мастер продолжает писать пейзажи, портреты, изображает вымышленных лиц и животных.
В Гааге художник сотрудничал с Йорисом ван дер Хаагеном, рисовал фигуры на его пейзажах.
Берхем умер в 1683 г. и был похоронен в церкви Вестеркерк. Его картины и рисунки были проданы чуть позднее в этом же году.
Характеристика творчества
Берхем, исключительно плодовитый мастер, создал более 800 полотен, которые высоко ценились коллекционерами произведений искусства конца XVIII — начала XIX века.
Ему также принадлежат 50 или 80 гравюр и около 500 графических работ.
В число известных произведений мастера входят
В этот день
30-09-2016 14:15
1915 - скончался Константин Егорович Маковский (8 (20) июня 1839 — 17 (30) сентября 1915)
[272x400]
— русский художник, присоединившийся к передвижникам. Многие из его исторических картин, например «Наряд русской невесты» (1889), демонстрируют идеализированный взгляд на жизнь в России в предыдущие столетия. Является также представителем академизма.
Биография
Родился в Москве, старшим сыном в семье российского деятеля искусств и художника-любителя, Егора Ивановича Маковского.
Егор Маковский был основателем «Натурного класса», художественного училища, которое потом стало известно как Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Брат художника Маковского Владимира Егоровича. Среди друзей семьи были Карл Брюллов и Василий Тропинин. Все дети (кроме Марии - артистка) Егора Ивановича стали выдающимися художниками (см. Маковский).
Позднее Константин писал: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу».
В 1851 году Константин поступил в Московское училище живописи и ваяния, где он стал первым студентом, легко получая все доступные награды. Его учителями были М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкий, С. К. Зарянко, все — ученики Карла Брюллова. Склонность Маковского к романтизму и декоративным эффектам можно объяснить влиянием Брюллова.
В 1858 году Маковский поступил в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. С 1860 года он участвовал в выставках Академии с такими картинами как «Исцеление слепых» (1860) и «Агенты Димитрия Самозванца убивают сына Бориса Годунова» (1862). В 1863 году Маковский, вместе с 13 другими студентами, выбранными для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии, отказался писать картину на тему Скандинавской мифологии и покинул Академию, не получив диплом.
Маковский присоединился к артели художников, возглавляемой Иваном Крамским, создавая картины повседневной жизни (Вдова (1865), Продавец сельди (1867) и т. д.). В 1870 году он стал одним из основателей «Товарищества передвижных художественных выставок» и продолжал работать над картинами, посвящёнными повседневной жизни. Он выставлял свои работы как на выставках Академии, так и на передвижных художественных выставках.
Значительные изменения в его стиле произошли после путешествия в Египет и Сербию в середине 1870-х. Его интересы сместились от социальных и психологических проблем к художественным проблемам цвета и формы.
В 1880-х он стал модным автором портретов и исторических картин. На Всемирной выставке 1889 года в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара». Он был одним из самых высоко ценимых и высокооплачиваемых российских художников того времени. Многие критики-демократы рассматривали его как предателя идеалов Передвижников, создающего, как Генрих Семирадский, поразительные но поверхностные работы, тогда как другие видели в нём предвестника Русского импрессионизма.
В 1915 году он участвует в учреждении Общества возрождения художественной Руси, наряду со многими другими художниками своего времени.
Маковский стал жертвой несчастного случая (в его экипаж врезался трамвай) и скончался в 1915 году в Петрограде. Похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры (могила не сохранилась).
Семья
Внебрачная дочь — Наталья Константиновна Маковская (Лебедева) — (1860—1939).
Жена, с 11 ноября 1866 года — Елена Тимофеевна Буркова (сценическая фамилия Черкасова). Артистка драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге, внебрачная дочь графа В. А. Адлерберга, бывшего министром Двора при Николае I. Сын Владимир (1871—1871) . В марте 1873 года художник овдовел.
Второй брак, с 22 января 1875 г., Юлией Павловной Летковой (1859 — 23.11.1954). Её сестра — Леткова, Екатерина Павловна. Сёстры Летковы, известные в своё время красавицы, неоднократно служили Маковскому моделями для его работ.
В браке родились дети Сергей Константинович, известный деятель русской культуры Серебряного века, дочь Елена Лукш-Маковская, художница, прожившая большую часть жизни в Германии, сын Владимир (р. 1883). Развод 26 мая 1898 года.
Третий брак, с 6 июня 1898, с Марией Алексеевной Матавтиной (1869—1919). Дети от этого брака — Константин, Ольга, Марина, Николай.
Адреса в Санкт-Петербурге — Петрограде: 1909 — 17.09.1915 года — 1-я линия, 56.
Работы[
Агенты Дмитрия Самозванца убивают Фёдора Годунова. 1862.
Портрет императрицы Марии Фёдоровны, жены Александра III.
Дети, бегущие от грозы 1872.
Портрет Марии Михайловны Волконской.
Боярышня.
Семейный портрет Волковых.
Боярский свадебный пир. 1883.
Минин на площади Нижнего Новгорода, призывающий народ к пожертвованиям. 1896.
Портрет поручика Лейб-Гвардейского Гусарского полка, графа Г.А. Бобринского. 1879 (МузейЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1915 - скончался Константин Егорович Маковский (8 (20) июня 1839 — 17 (30) сентября 1915)
[272x400]— русский художник, присоединившийся к передвижникам. Многие из его исторических картин, например «Наряд русской невесты» (1889), демонстрируют идеализированный взгляд на жизнь в России в предыдущие столетия. Является также представителем академизма.
Биография
Родился в Москве, старшим сыном в семье российского деятеля искусств и художника-любителя, Егора Ивановича Маковского.
Егор Маковский был основателем «Натурного класса», художественного училища, которое потом стало известно как Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Брат художника Маковского Владимира Егоровича. Среди друзей семьи были Карл Брюллов и Василий Тропинин. Все дети (кроме Марии - артистка) Егора Ивановича стали выдающимися художниками (см. Маковский).
Позднее Константин писал: «Тем, что из меня вышло, я считаю обязанным себя не академии, не профессорам, а исключительно моему отцу».
В 1851 году Константин поступил в Московское училище живописи и ваяния, где он стал первым студентом, легко получая все доступные награды. Его учителями были М. И. Скотти, А. Н. Мокрицкий, С. К. Зарянко, все — ученики Карла Брюллова. Склонность Маковского к романтизму и декоративным эффектам можно объяснить влиянием Брюллова.
В 1858 году Маковский поступил в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. С 1860 года он участвовал в выставках Академии с такими картинами как «Исцеление слепых» (1860) и «Агенты Димитрия Самозванца убивают сына Бориса Годунова» (1862). В 1863 году Маковский, вместе с 13 другими студентами, выбранными для участия в конкурсе на Большую золотую медаль Академии, отказался писать картину на тему Скандинавской мифологии и покинул Академию, не получив диплом.
Маковский присоединился к артели художников, возглавляемой Иваном Крамским, создавая картины повседневной жизни (Вдова (1865), Продавец сельди (1867) и т. д.). В 1870 году он стал одним из основателей «Товарищества передвижных художественных выставок» и продолжал работать над картинами, посвящёнными повседневной жизни. Он выставлял свои работы как на выставках Академии, так и на передвижных художественных выставках.
Значительные изменения в его стиле произошли после путешествия в Египет и Сербию в середине 1870-х. Его интересы сместились от социальных и психологических проблем к художественным проблемам цвета и формы.
В 1880-х он стал модным автором портретов и исторических картин. На Всемирной выставке 1889 года в Париже он получил Большую золотую медаль за картины «Смерть Ивана Грозного», «Суд Париса» и «Демон и Тамара». Он был одним из самых высоко ценимых и высокооплачиваемых российских художников того времени. Многие критики-демократы рассматривали его как предателя идеалов Передвижников, создающего, как Генрих Семирадский, поразительные но поверхностные работы, тогда как другие видели в нём предвестника Русского импрессионизма.
В 1915 году он участвует в учреждении Общества возрождения художественной Руси, наряду со многими другими художниками своего времени.
Маковский стал жертвой несчастного случая (в его экипаж врезался трамвай) и скончался в 1915 году в Петрограде. Похоронен на Никольском кладбище Александро-Невской лавры (могила не сохранилась).
Семья
Внебрачная дочь — Наталья Константиновна Маковская (Лебедева) — (1860—1939).
Жена, с 11 ноября 1866 года — Елена Тимофеевна Буркова (сценическая фамилия Черкасова). Артистка драматической труппы Императорских театров в Санкт-Петербурге, внебрачная дочь графа В. А. Адлерберга, бывшего министром Двора при Николае I. Сын Владимир (1871—1871) . В марте 1873 года художник овдовел.
Второй брак, с 22 января 1875 г., Юлией Павловной Летковой (1859 — 23.11.1954). Её сестра — Леткова, Екатерина Павловна. Сёстры Летковы, известные в своё время красавицы, неоднократно служили Маковскому моделями для его работ.
В браке родились дети Сергей Константинович, известный деятель русской культуры Серебряного века, дочь Елена Лукш-Маковская, художница, прожившая большую часть жизни в Германии, сын Владимир (р. 1883). Развод 26 мая 1898 года.
Третий брак, с 6 июня 1898, с Марией Алексеевной Матавтиной (1869—1919). Дети от этого брака — Константин, Ольга, Марина, Николай.
Адреса в Санкт-Петербурге — Петрограде: 1909 — 17.09.1915 года — 1-я линия, 56.
Работы[
Агенты Дмитрия Самозванца убивают Фёдора Годунова. 1862.
Портрет императрицы Марии Фёдоровны, жены Александра III.
Дети, бегущие от грозы 1872.
Портрет Марии Михайловны Волконской.
Боярышня.
Семейный портрет Волковых.
Боярский свадебный пир. 1883.
Минин на площади Нижнего Новгорода, призывающий народ к пожертвованиям. 1896.
Портрет поручика Лейб-Гвардейского Гусарского полка, графа Г.А. Бобринского. 1879 (Музей
В этот день
29-09-2016 22:43
1571 - родился Микеланджело Меризи да Караваджо/Michelangelo Merisi da Caravaggio/
(29 сентября 1571, Милан — 18 июля 1610, Порто-Эрколе)
[408x231]
— итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.
Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены Лючии Аратори, дочери землевладельца из городка Караваджо, неподалеку от Милана. Отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. В 1576 во время чумы умерли отец и дед, мать с детьми переехала в Караваджо.
Первыми покровителями будущего художника были герцог и герцогиня Колонна.
В 1584 в Милане Микеланджело Меризи приходит в мастерскую Петерцано (Simone Peterzano), считавшегося учеником Тициана. В то время в художественном мире Италии господствовал маньеризм, но в Милане были сильны позиции ломбардского реализма.
Первые работы художника, написанные в Милане, жанровые сцены и портреты, до наших дней не дошли.
Уже к концу 1580-х годов жизнь вспыльчивого по характеру Меризи омрачается скандалами, драками и тюремными заключениями, которые будут сопровождать его всю жизнь.
В 1589 художник приезжает домой продать свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в деньгах. Последний раз он посещает дом после смерти матери в 1590.
Осенью 1591 он вынужден бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством. Заехав сначала в Венецию, он направляется в Рим.
Рим 1592—1594
В Риме Меризи заметил Пандольфо Пуччи, пригласил его в свой дом, обеспечил существование, поручив выполнять копии с церковных картин.
Борромео, познакомившийся с Караваджо в пору его римской жизни, описал его как «человека неотёсанного, с грубыми манерами, вечно облачённого в рубище и обитающего где придётся. Рисуя уличных мальчишек, завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он выглядел вполне счастливым человеком». Борромео признавал, что в картинах художника ему не всё нравилось[4].
В столице по обычаю итальянских художников того времени он получает прозвище, связанное с местом рождения, как, например, это было с Веронезе или Корреджо. Так Микеланджело Меризи стал Караваджо.
В 1593 году Караваджо поступает в мастерскую Чезари д’Арпино, который поручает Караваджо писать на фресках цветы и листья. В мастерской д’Арпино он познакомился с меценатами и художниками, в частности, Яном Брейгелем Старшим.
Ранние работы Караваджо написаны под влиянием Леонардо да Винчи (с «Мадонной в скалах» и «Тайной вечерей» он познакомился ещё в Милане), Джорджоне, Тициана, Джованни Беллини, Мантеньи.
Первая дошедшая до нас картина — «Мальчик, чистящий фрукт» (1593).
В мастерской д’Арпино Караваджо знакомится с Марио Миннити, который стал его учеником и моделью ряда картин, первой из которых является «Юноша с корзиной фруктов» (1593—1594).
После драки Караваджо попадает в тюрьму Тор ди Нона, где происходит его встреча с Джордано Бруно.
Вскоре он порывает с Чезари д’Арпино, бездомного Караваджо пригласил к себе Антиведуто Грамматика.
В 1593 заболел римской лихорадкой (одно из названий малярии), шесть месяцев он находился в госпитале на грани жизни и смерти. Возможно, под впечатлением от болезни создаёт картину «Больной Вакх» (1593) — первый свой автопортрет.
Первые многофигурные картины созданы в 1594 году — это «Шулеры» и «Гадалка» (Капитолийские музеи). Жорж де Латур впоследствии напишет свою «Гадалку» с идентичной композицией.
В этих работах он выступает как смелый новатор, бросивший вызов главным художественным направлениям той эпохи — маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства.
Герой Караваджо — человек из уличной толпы, — римский мальчишка или юноша, наделённый грубоватой чувственной красотой и естественностью бездумно-жизнерадостного бытия; герой Караваджо предстает то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щёголя, внимающего лукавой цыганке, то в облике и с атрибутами античного бога. Эти жанровые по своей сути персонажи, залитые ярким светом, вплотную придвинуты к зрителю, изображены с подчеркнутой монументальностью и пластической ощутимостью.
Осенью 1594 Караваджо начинает работать на кардинала Франческо дель Монте, перебирается в его виллу Мадама, где он встречается с Галилеем, Кампанеллой, Делла Порта, поэтами Марино и Милези.
Рим 1595—1599
Этот период жизни, проведённый на вилле Мадама, оказался для Караваджо весьма плодотворным, кроме того, картины, созданные в это время почти все сохранились до наших дней.
На картине «Музыканты» (1595) в центре изображён Марио Миннити, а рядом художник разместил себя с рожком. Развернутую к зрителю партитуру прочитать невозможно. В образе Амура сЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1571 - родился Микеланджело Меризи да Караваджо/Michelangelo Merisi da Caravaggio/
(29 сентября 1571, Милан — 18 июля 1610, Порто-Эрколе)
[408x231]— итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко. Одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. Не обнаружено ни одного рисунка или эскиза, художник свои сложные композиции сразу реализовывал на холсте.
Сын архитектора Фермо Меризи и его второй жены Лючии Аратори, дочери землевладельца из городка Караваджо, неподалеку от Милана. Отец служил управляющим у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо. В 1576 во время чумы умерли отец и дед, мать с детьми переехала в Караваджо.
Первыми покровителями будущего художника были герцог и герцогиня Колонна.
В 1584 в Милане Микеланджело Меризи приходит в мастерскую Петерцано (Simone Peterzano), считавшегося учеником Тициана. В то время в художественном мире Италии господствовал маньеризм, но в Милане были сильны позиции ломбардского реализма.
Первые работы художника, написанные в Милане, жанровые сцены и портреты, до наших дней не дошли.
Уже к концу 1580-х годов жизнь вспыльчивого по характеру Меризи омрачается скандалами, драками и тюремными заключениями, которые будут сопровождать его всю жизнь.
В 1589 художник приезжает домой продать свой земельный надел, по-видимому, нуждаясь в деньгах. Последний раз он посещает дом после смерти матери в 1590.
Осенью 1591 он вынужден бежать из Милана после ссоры за карточной игрой, завершившейся убийством. Заехав сначала в Венецию, он направляется в Рим.
Рим 1592—1594
В Риме Меризи заметил Пандольфо Пуччи, пригласил его в свой дом, обеспечил существование, поручив выполнять копии с церковных картин.
Борромео, познакомившийся с Караваджо в пору его римской жизни, описал его как «человека неотёсанного, с грубыми манерами, вечно облачённого в рубище и обитающего где придётся. Рисуя уличных мальчишек, завсегдатаев трактиров и жалких бродяг, он выглядел вполне счастливым человеком». Борромео признавал, что в картинах художника ему не всё нравилось[4].
В столице по обычаю итальянских художников того времени он получает прозвище, связанное с местом рождения, как, например, это было с Веронезе или Корреджо. Так Микеланджело Меризи стал Караваджо.
В 1593 году Караваджо поступает в мастерскую Чезари д’Арпино, который поручает Караваджо писать на фресках цветы и листья. В мастерской д’Арпино он познакомился с меценатами и художниками, в частности, Яном Брейгелем Старшим.
Ранние работы Караваджо написаны под влиянием Леонардо да Винчи (с «Мадонной в скалах» и «Тайной вечерей» он познакомился ещё в Милане), Джорджоне, Тициана, Джованни Беллини, Мантеньи.
Первая дошедшая до нас картина — «Мальчик, чистящий фрукт» (1593).
В мастерской д’Арпино Караваджо знакомится с Марио Миннити, который стал его учеником и моделью ряда картин, первой из которых является «Юноша с корзиной фруктов» (1593—1594).
После драки Караваджо попадает в тюрьму Тор ди Нона, где происходит его встреча с Джордано Бруно.
Вскоре он порывает с Чезари д’Арпино, бездомного Караваджо пригласил к себе Антиведуто Грамматика.
В 1593 заболел римской лихорадкой (одно из названий малярии), шесть месяцев он находился в госпитале на грани жизни и смерти. Возможно, под впечатлением от болезни создаёт картину «Больной Вакх» (1593) — первый свой автопортрет.
Первые многофигурные картины созданы в 1594 году — это «Шулеры» и «Гадалка» (Капитолийские музеи). Жорж де Латур впоследствии напишет свою «Гадалку» с идентичной композицией.
В этих работах он выступает как смелый новатор, бросивший вызов главным художественным направлениям той эпохи — маньеризму и академизму, противопоставив им суровый реализм и демократизм своего искусства.
Герой Караваджо — человек из уличной толпы, — римский мальчишка или юноша, наделённый грубоватой чувственной красотой и естественностью бездумно-жизнерадостного бытия; герой Караваджо предстает то в роли уличного торговца, музыканта, простодушного щёголя, внимающего лукавой цыганке, то в облике и с атрибутами античного бога. Эти жанровые по своей сути персонажи, залитые ярким светом, вплотную придвинуты к зрителю, изображены с подчеркнутой монументальностью и пластической ощутимостью.
Осенью 1594 Караваджо начинает работать на кардинала Франческо дель Монте, перебирается в его виллу Мадама, где он встречается с Галилеем, Кампанеллой, Делла Порта, поэтами Марино и Милези.
Рим 1595—1599
Этот период жизни, проведённый на вилле Мадама, оказался для Караваджо весьма плодотворным, кроме того, картины, созданные в это время почти все сохранились до наших дней.
На картине «Музыканты» (1595) в центре изображён Марио Миннити, а рядом художник разместил себя с рожком. Развернутую к зрителю партитуру прочитать невозможно. В образе Амура с
В этот день
29-09-2016 12:07
1518 или 1519 - родился Якопо Робусти, более известный как Тинторетто / Jacopo Robusti, Jacopo Comin, Tintoretto/ (1518 или 1519—1594)
[285x401]
— живописец венецианской школы позднего Ренессанса.
Биография
Художник родился в Венеции, по разным источникам (между концом сентября и началом октября 1518 — согласно 'Documentazione sull’uomo e l’artista' — в 1519 либо 1518 году.
Своё прозвище Тинторетто («маленький красильщик») он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника.
После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело.
Он даже написал в видном месте на стене у себя в мастерской девиз своего искусства:
Рисунок – как у Микелеанджело, колорит – как у Тициана
Но влияние флорентийского и венецианского художников не заглушило в нём самостоятельности: заимствованные от них элементы переработались у него в новый, индивидуальный стиль, отличительные качества которого — живая драматичность композиции, смелость мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок, широкий приём письма.
Сочиняя и исполняя свои произведения с удивительной лёгкостью, занимаясь ими день и ночь, простирая свою нестяжательность до такой степени, чтобы работать даром для своих товарищей и возмещать себе только расход на краски, Тинторетто не замедлил приобрести громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе. Однако, не все его работы хороши в одинаковой степени, что объясняется поспешностью, с какой они иногда исполнялись. В первое время он занимался ими не торопясь, более внимательно, а потому почти все они выходили удачными; впоследствии же, будучи осаждаем заказами, он нередко писал наскоро, небрежно, и тогда из-под его кисти порой появлялись вещи, недостойные его имени.
Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности:
«Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные совершенно в духе Тициана (обе находятся в венецианской академии художеств)
«Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», две огромные картины в хоре церкви Санта-Мариа дель Орто, в Венеции, в которых уже заметна его оригинальность
в полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо св. Марка» (в Галерее академии), «Брак в Кане Галилейской» (в ризнице церкви Санта-Мариа делла Салуте), «Философ Диоген» (в Новой Библиотеке, в Венеции), «Открытие мощей св. Марка в Александрии» и «Перенесение их на корабль» (в Ст. Библиотеке, там же) многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям, например «Венера, Вулкан и Амур» (в Старой Пинакотеке, в Мюнхене), «Рождество Христово» и «Омовение ног» (в Эскориальском дворце, в Мадриде), «Несение креста» (в венской галерее), «Девять муз» (в Гемптонкортском музее в Лондоне), «Юдифь» (в мадридском музее дель-Прадо) и «Рождество Иоанна Крестителя» (в Эрмитаже, в СПб.).
С наибольшей яркостью характеризуют искусство Тинторетто работы, составившие циклы декоративных панно и позволившие его «манере письма» воплотиться в грандиозных и драматичных композициях.
Из его настенных панно и плафонов, также созданных в технике масляной живописи, особенно великолепны находящиеся в Скуола ди Сан Рокко («Распятие, или Голгофа», «Избиение младенцев», «Мария Магдалина в пустыне», «Медный змий» и др.) и во Дворце дожей в Венеции (колоссальное «Воскресение праведников, или Рай», «Венеция — богиня морей», «Завоевание Цары» и др.).
Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения. Таковы, например, портреты дожа Николо де Понте (в венской галерее), адмирала Н. Капелло (у герцога Девонширского, в Англии), медика А. Везалия (в мюнхенской пинакотеке), самого художника (в копенгагенском музее) и некоторые др.
Всецело преданный искусству, Тинторетто воспитал в любви к нему и своих детей. Его дочь, Мариетта Робусти (1560—1590), образовавшаяся под отцовским руководством, успешно занималась портретной живописью. Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расстаться с отцом. Брат художницы, Доменико Робусти (en:Domenico Tintoretto) (1562—1637), подобно сестре, ученик своего отца, усвоил себе его манеру и пользовался известностью преимущественно как искусныйЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1518 или 1519 - родился Якопо Робусти, более известный как Тинторетто / Jacopo Robusti, Jacopo Comin, Tintoretto/ (1518 или 1519—1594)
[285x401]— живописец венецианской школы позднего Ренессанса.
Биография
Художник родился в Венеции, по разным источникам (между концом сентября и началом октября 1518 — согласно 'Documentazione sull’uomo e l’artista' — в 1519 либо 1518 году.
Своё прозвище Тинторетто («маленький красильщик») он получил по профессии отца, бывшего красильщиком (tintore). Очень рано обнаружив необыкновенную способность к живописи, он поступил в ученики к Тициану и под его руководством делал столь быстрые успехи, что этот мастер, как гласит предание, не захотел держать его дольше у себя, предугадывая в нём опасного себе соперника.
После выхода из школы Тициана, Тинторетто не перестал, однако, благоговеть перед своим бывшим наставником и стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело.
Он даже написал в видном месте на стене у себя в мастерской девиз своего искусства:
Рисунок – как у Микелеанджело, колорит – как у Тициана
Но влияние флорентийского и венецианского художников не заглушило в нём самостоятельности: заимствованные от них элементы переработались у него в новый, индивидуальный стиль, отличительные качества которого — живая драматичность композиции, смелость мастерского рисунка, своеобразная живописность в распределении света и теней, теплота и сила красок, широкий приём письма.
Сочиняя и исполняя свои произведения с удивительной лёгкостью, занимаясь ими день и ночь, простирая свою нестяжательность до такой степени, чтобы работать даром для своих товарищей и возмещать себе только расход на краски, Тинторетто не замедлил приобрести громкую известность наравне с Тицианом и Паоло Веронезе. Однако, не все его работы хороши в одинаковой степени, что объясняется поспешностью, с какой они иногда исполнялись. В первое время он занимался ими не торопясь, более внимательно, а потому почти все они выходили удачными; впоследствии же, будучи осаждаем заказами, он нередко писал наскоро, небрежно, и тогда из-под его кисти порой появлялись вещи, недостойные его имени.
Наиболее замечательны картины Тинторетто, относящиеся к первой поре его деятельности:
«Грехопадение Адама и Евы» и «Убийство Авеля», исполненные совершенно в духе Тициана (обе находятся в венецианской академии художеств)
«Поклонение золотому тельцу» и «Страшный Суд», две огромные картины в хоре церкви Санта-Мариа дель Орто, в Венеции, в которых уже заметна его оригинальность
в полном блеске талант Тинторетто выказывают «Чудо св. Марка» (в Галерее академии), «Брак в Кане Галилейской» (в ризнице церкви Санта-Мариа делла Салуте), «Философ Диоген» (в Новой Библиотеке, в Венеции), «Открытие мощей св. Марка в Александрии» и «Перенесение их на корабль» (в Ст. Библиотеке, там же) многие другие картины, рассеянные по разным европейским музеям, например «Венера, Вулкан и Амур» (в Старой Пинакотеке, в Мюнхене), «Рождество Христово» и «Омовение ног» (в Эскориальском дворце, в Мадриде), «Несение креста» (в венской галерее), «Девять муз» (в Гемптонкортском музее в Лондоне), «Юдифь» (в мадридском музее дель-Прадо) и «Рождество Иоанна Крестителя» (в Эрмитаже, в СПб.).
С наибольшей яркостью характеризуют искусство Тинторетто работы, составившие циклы декоративных панно и позволившие его «манере письма» воплотиться в грандиозных и драматичных композициях.
Из его настенных панно и плафонов, также созданных в технике масляной живописи, особенно великолепны находящиеся в Скуола ди Сан Рокко («Распятие, или Голгофа», «Избиение младенцев», «Мария Магдалина в пустыне», «Медный змий» и др.) и во Дворце дожей в Венеции (колоссальное «Воскресение праведников, или Рай», «Венеция — богиня морей», «Завоевание Цары» и др.).
Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения. Таковы, например, портреты дожа Николо де Понте (в венской галерее), адмирала Н. Капелло (у герцога Девонширского, в Англии), медика А. Везалия (в мюнхенской пинакотеке), самого художника (в копенгагенском музее) и некоторые др.
Всецело преданный искусству, Тинторетто воспитал в любви к нему и своих детей. Его дочь, Мариетта Робусти (1560—1590), образовавшаяся под отцовским руководством, успешно занималась портретной живописью. Немецкий император Максимилиан и король Филипп II Испанский приглашали её к себе на службу, но она не захотела расстаться с отцом. Брат художницы, Доменико Робусти (en:Domenico Tintoretto) (1562—1637), подобно сестре, ученик своего отца, усвоил себе его манеру и пользовался известностью преимущественно как искусный
Кременчуг сегодня
28-09-2016 16:23
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
28-09-2016 12:48
1900 — Бори́с Ефимович Ефимов (настоящая фамилия — Фридлянд; 15 (28) сентября 1900, Киев — 1 октября 2008, Москва)
[400x310]
[402x368]
[296x400]
[295x400]
— советский и российский художник-график, мастер политической карикатуры. Академик АХ СССР (1975; член-корреспондент 1954). Народный художник СССР (1967). Герой Социалистического Труда (1990). Лауреат Государственной премии СССР (1972) и двух Сталинских премий второй степени (1950, 1951).
Биография
Борис Фридлянд родился в Киеве в семье Ефима Моисеевича Фридлянда (1860—1945), ремесленника-обувщика, и Рахили Савельевны (1880—1969). Борис начал рисовать уже с пяти лет. После переезда родителей в Белосток Борис поступил в реальное училище, где учился и его старший брат Михаил. Там они вместе издавали рукописный школьный журнал. Брат (будущий публицист и фельетонист Михаил Кольцов) редактировал издание, а Борис — иллюстрировал. В 1915 году он оказался в Харькове — шла война, и русские войска были вынуждены оставить город Белосток.
В 1917 году Борис Ефимов был учеником 6-го класса Харьковского реального училища. Перейдя в седьмой класс, он переехал в Киев. В 1918 году в киевском журнале «Зритель» появились первые шаржи Бориса Ефимова на А. А. Блока, Веру Юреневу, Александра Кугеля. В 1919 году Ефимов стал одним из секретарей редакционно-издательского отдела Народного комиссариата по военным делам Советской Украины.
С 1920 года Ефимов работал в качестве художника-карикатуриста в газетах «Коммунар», «Большевик», «Вісти», руководителем отдела изобразительной агитации ЮгРОСТА (Южное бюро Украинского отделения Российского телеграфного агентства) в Одессе.
С 1922 года художник переехал в Москву, где сотрудничал с газетами «Правда» и «Известия», с журналом «Крокодил», а с 1929 года с журналом «Чудак».
После ареста Михаила Кольцова, в конце 1938 года, художник был уволен из газеты «Известия» и вынужден был переключиться на работу в книжной иллюстрации (произведения М. Е. Салтыкова-Щедрина).
В 1940 году под псевдонимом В. Борисов вернулся к политической карикатуре (газета «Труд») и после прямого указания Вячеслава Молотова был вновь включён в обойму мастеров советской политической карикатуры, с возобновлением публикаций в «Правде», «Крокодиле», «Агитплакате» и проч.
В 1966—1990 годах Ефимов — главный редактор творческо-производственного объединения «Агитплакат». Автор политически злободневных карикатур на международные темы.
Вместе с Дени, Д. С. Моором, Л. Г. Бродаты, М. М. Черемных, Кукрыниксами создал в мировой культуре уникальный[источник не указан 1072 дня] феномен — «положительная сатира».
Активно участвовал во всех политических кампаниях советского правительства: борьба с «социал-фашистами» — социал-демократическими партиями Запада, борьба с троцкистами, бухаринцами и др., с космополитами, с генетиками — «вейсманистами-морганистами, душегубами-мухолюбами», с Ватиканом, «врачами-убийцами», с маршалом Тито, со «вражескими голосами» — радиостанциями Западной Европы и Америки и т. д.
В августе 2002 года возглавил отделение искусства карикатуры Российской академии художеств.
28 сентября 2007 года, в свой 107-й день рождения, он был назначен на должность главного художника газеты «Известия».
И в 107 лет Борис Ефимов продолжал работать. В основном он писал мемуары и рисовал дружеские шаржи, принимал активное участие в общественной жизни, выступая на всевозможных памятных и юбилейных встречах, вечерах, мероприятиях.
Проживал в Москве, по адресу Кутузовский пр., д. 1, в доме, построенном для сотрудников издательства «Известия».
Борис Ефимов скончался в ночь на 1 октября 2008 года в Москве на 109-м году жизни. Урна с прахом замурована в колумбарии Новодевичьего кладбища.
Двоюродный брат советского фотографа и журналиста Семёна Фридлянда.
Награды
В этом разделе не хватает ссылок на источники информации.
Герой Социалистического Труда (6 ноября 1990) — за особые заслуги в развитии советского изобразительного искусства
орден Почёта (19 мая 2005) — за заслуги в области культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность
три ордена Ленина
орден Октябрьской Революции
три ордена Трудового Красного Знамени
орден «Знак Почёта»
орден «Кирилла и Мефодия» I степени (Болгария)
заслуженный деятель искусств РСФСР (1932)[9]
Сталинская премия второй степени (1950) — за политические карикатуры
Сталинская премия второй степени (1951) — за альбомЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1900 — Бори́с Ефимович Ефимов (настоящая фамилия — Фридлянд; 15 (28) сентября 1900, Киев — 1 октября 2008, Москва)
[400x310] [402x368] [296x400] [295x400]— советский и российский художник-график, мастер политической карикатуры. Академик АХ СССР (1975; член-корреспондент 1954). Народный художник СССР (1967). Герой Социалистического Труда (1990). Лауреат Государственной премии СССР (1972) и двух Сталинских премий второй степени (1950, 1951).
Биография
Борис Фридлянд родился в Киеве в семье Ефима Моисеевича Фридлянда (1860—1945), ремесленника-обувщика, и Рахили Савельевны (1880—1969). Борис начал рисовать уже с пяти лет. После переезда родителей в Белосток Борис поступил в реальное училище, где учился и его старший брат Михаил. Там они вместе издавали рукописный школьный журнал. Брат (будущий публицист и фельетонист Михаил Кольцов) редактировал издание, а Борис — иллюстрировал. В 1915 году он оказался в Харькове — шла война, и русские войска были вынуждены оставить город Белосток.
В 1917 году Борис Ефимов был учеником 6-го класса Харьковского реального училища. Перейдя в седьмой класс, он переехал в Киев. В 1918 году в киевском журнале «Зритель» появились первые шаржи Бориса Ефимова на А. А. Блока, Веру Юреневу, Александра Кугеля. В 1919 году Ефимов стал одним из секретарей редакционно-издательского отдела Народного комиссариата по военным делам Советской Украины.
С 1920 года Ефимов работал в качестве художника-карикатуриста в газетах «Коммунар», «Большевик», «Вісти», руководителем отдела изобразительной агитации ЮгРОСТА (Южное бюро Украинского отделения Российского телеграфного агентства) в Одессе.
С 1922 года художник переехал в Москву, где сотрудничал с газетами «Правда» и «Известия», с журналом «Крокодил», а с 1929 года с журналом «Чудак».
После ареста Михаила Кольцова, в конце 1938 года, художник был уволен из газеты «Известия» и вынужден был переключиться на работу в книжной иллюстрации (произведения М. Е. Салтыкова-Щедрина).
В 1940 году под псевдонимом В. Борисов вернулся к политической карикатуре (газета «Труд») и после прямого указания Вячеслава Молотова был вновь включён в обойму мастеров советской политической карикатуры, с возобновлением публикаций в «Правде», «Крокодиле», «Агитплакате» и проч.
В 1966—1990 годах Ефимов — главный редактор творческо-производственного объединения «Агитплакат». Автор политически злободневных карикатур на международные темы.
Вместе с Дени, Д. С. Моором, Л. Г. Бродаты, М. М. Черемных, Кукрыниксами создал в мировой культуре уникальный[источник не указан 1072 дня] феномен — «положительная сатира».
Активно участвовал во всех политических кампаниях советского правительства: борьба с «социал-фашистами» — социал-демократическими партиями Запада, борьба с троцкистами, бухаринцами и др., с космополитами, с генетиками — «вейсманистами-морганистами, душегубами-мухолюбами», с Ватиканом, «врачами-убийцами», с маршалом Тито, со «вражескими голосами» — радиостанциями Западной Европы и Америки и т. д.
В августе 2002 года возглавил отделение искусства карикатуры Российской академии художеств.
28 сентября 2007 года, в свой 107-й день рождения, он был назначен на должность главного художника газеты «Известия».
И в 107 лет Борис Ефимов продолжал работать. В основном он писал мемуары и рисовал дружеские шаржи, принимал активное участие в общественной жизни, выступая на всевозможных памятных и юбилейных встречах, вечерах, мероприятиях.
Проживал в Москве, по адресу Кутузовский пр., д. 1, в доме, построенном для сотрудников издательства «Известия».
Борис Ефимов скончался в ночь на 1 октября 2008 года в Москве на 109-м году жизни. Урна с прахом замурована в колумбарии Новодевичьего кладбища.
Двоюродный брат советского фотографа и журналиста Семёна Фридлянда.
Награды
В этом разделе не хватает ссылок на источники информации.
Герой Социалистического Труда (6 ноября 1990) — за особые заслуги в развитии советского изобразительного искусства
орден Почёта (19 мая 2005) — за заслуги в области культуры и искусства, многолетнюю плодотворную деятельность
три ордена Ленина
орден Октябрьской Революции
три ордена Трудового Красного Знамени
орден «Знак Почёта»
орден «Кирилла и Мефодия» I степени (Болгария)
заслуженный деятель искусств РСФСР (1932)[9]
Сталинская премия второй степени (1950) — за политические карикатуры
Сталинская премия второй степени (1951) — за альбом
В этот день
27-09-2016 12:07
1626 - родился Карел Дюжарден /Karel Dujardin/(27 сентября 1626, Амстердам — 20 ноября 1678, Венеция)
[304x400]
[301x400]
— нидерландский художник и гравёр.
Карел Дюжарден учился у Клааса Берхема и Паулюса Поттера. Он побывал в Италии и проживал в Лионе. В 1656 г. он участвовал в создании общества «Pictura» в Гааге. Позднее он некоторое время проживал в Амстердаме, потом уехал в Италию и умер в Венеции.
Дюжарден писал в основном пейзажи Италии, на которых изображал для оживления животных, жанровые картины и изящные портреты и исторические полотна. Особенно известны его сцены из сельской жизни. Большое количество работ Дюжардена находится в Лувре и в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, а также в Амстердаме, Гааге, Касселе и Берлине.
В начале творчества Дюжарден предпочитал чистые золотистые цвета, а с 1660 г. он писал в холодных серебристых тонах. 52 гравюры Дюжардена являются шедеврами этого направления искусства.
Галерея
Св. Павел исцеляет хромого в Листре. 1663. Рейксмузей. Амстердам
Больная коза. Середина XVII в. Дворец Шлайсхайм. Мюнхен
Мальчик-пастух. Середина XVII в. Маурицхёйс. Гаага
Остановка на итальянском постоялом дворе. Середина XVII в. Национальная галерея Шотландии. Эдинбург
Пастух с пегой лошадью. Ок. 1675. Лувр. Париж
Пейзаж с фигурами. Национальная картинная галерея Армении
[548x700]
[567x700]
[575x700]
[576x700]
[591x700]
[700x525]
[700x535]
[700x594]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1626 - родился Карел Дюжарден /Karel Dujardin/(27 сентября 1626, Амстердам — 20 ноября 1678, Венеция)
[304x400] [301x400]— нидерландский художник и гравёр.
Карел Дюжарден учился у Клааса Берхема и Паулюса Поттера. Он побывал в Италии и проживал в Лионе. В 1656 г. он участвовал в создании общества «Pictura» в Гааге. Позднее он некоторое время проживал в Амстердаме, потом уехал в Италию и умер в Венеции.
Дюжарден писал в основном пейзажи Италии, на которых изображал для оживления животных, жанровые картины и изящные портреты и исторические полотна. Особенно известны его сцены из сельской жизни. Большое количество работ Дюжардена находится в Лувре и в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, а также в Амстердаме, Гааге, Касселе и Берлине.
В начале творчества Дюжарден предпочитал чистые золотистые цвета, а с 1660 г. он писал в холодных серебристых тонах. 52 гравюры Дюжардена являются шедеврами этого направления искусства.
Галерея
Св. Павел исцеляет хромого в Листре. 1663. Рейксмузей. Амстердам
Больная коза. Середина XVII в. Дворец Шлайсхайм. Мюнхен
Мальчик-пастух. Середина XVII в. Маурицхёйс. Гаага
Остановка на итальянском постоялом дворе. Середина XVII в. Национальная галерея Шотландии. Эдинбург
Пастух с пегой лошадью. Ок. 1675. Лувр. Париж
Пейзаж с фигурами. Национальная картинная галерея Армении
[548x700] [567x700] [575x700] [576x700] [591x700] [700x525] [700x535] [700x594]
В этот день
26-09-2016 17:24
1791 - родился Жан Луи́ Андре́ Теодо́р Жерико́ /Jean-Louis-André-Théodore Géricault/
[400x300]
[287x400]
[290x402]
(26 сентября 1791, Руан — 26 января 1824, Париж) — французский живописец, крупнейший представитель европейской живописи эпохи романтизма. Его картины, в том числе «Плот „Медузы“» и «Скачки в Эпсоме», стали новым словом в живописи, хотя их подлинное значение в развитии изобразительного искусства было осознано гораздо позднее. Среди исследователей нет единой точки зрения на то, представителем какого направления был художник: его считают предтечей романтизма, реалистом, опередившим своё время, или одним из последователей Давида.
Биография
Семья. Детские годы и юность[править | править вики-текст]
Теодор Жерико родился в 1791 году в Руане. Его отец, Жорж-Никола Жерико, был состоятельным человеком: владельцем табачных плантаций и крупным торговцем табаком, а мать, Луиза-Жанна-Мари Карюэль де Сен-Мартен, происходила из семьи, принадлежавшей к аристократии Нормандии.
Семья Жерико в 1796 году перебралась в Париж.
В 1801 году Теодора поместили в интернат частного пансиона Дюбуа-Луазо, а затем отец перевёл его в пансион Рене Ришара Кастеля.
В 1804 году Жерико поступил в Императорский лицей. После смерти матери воспитанием Теодора занимался отец. Мальчик рано стал проявлять интерес к живописи, этому способствовало общение с его дядей — Жаном-Батистом Каруэлем, который коллекционировал произведения фламандских и нидерландских художников. Знакомые дяди, начинающие художницы и ученицы Герена, Аделаида де Монгольфьер и Луиза Сватон, брали Теодора с собой в музей, где копировали произведения старых мастеров. Каникулы мальчик проводил в Нормандии, где, по словам одного из его друзей, много рисовал.
Годы учёбы
В конце 1808 года Жерико поступил в обучение к Карлу Верне, мастеру батальных и жанровых сцен, в творчестве которого отразилась вся жизнь императорского Парижа. В мастерской Верне начинающий художник большей частью практиковался в изображении лошадей, знакомился с анатомическим рисунком животного, здесь же он имел возможность видеть эстампы, выполненные с произведений английских анималистов, копировал картины Верне. Жерико также посещал Лувр, где изучал конные сцены, украшающие античные саркофаги. Теодор стал вхож в дом Верне, вместе с ним бывал в цирке Франкони, манежах и конных заводах Парижа и его ближайших окрестностей. В годы учёбы у Верне началась его дружба с сыном учителя — Орасом, возможно эти дружеские отношения являются причиной того, что Жерико так долго оставался в мастерской Верне[2].
В 1810 году Жерико покинул мастерскую Верне, чтобы продолжить учёбу у Пьера Герена, который, по словам Этьена Делеклюза, был «единственным в то время — после Давида во всяком случае, — кто питал действительное расположение к педагогике»[3]. В начале XIX века французская публика и критики видели в Герене художника, который отошёл от искусства Давида и его последователей. В этой тенденции немалую роль сыграла антидавидовская реакция, по сути же дела реформы Герена продолжались в направлении, указанном давидовской школой. Как бы то ни было, но из мастерской Герена, «адепта давидовской школы» и наименее «преромантичного»[4] мастера своего времени, вышли наиболее яркие представители романтизма[4]. О методах обучения в мастерской Герена сохранилось мало достоверных сведений. Известно лишь то, что он не навязывал ученикам своих взглядов, и последние не получали систематического профессионального образования. Жерико посещал ателье Герена нерегулярно около шести месяцев, вероятно, чтобы иметь возможность писать с натуры и общаться с другими учениками мэтра. Один из них, художник Шампионе, писал по-новому — «жирным мазком», это повлияло на манеру письма Жерико, а позднее и на манеру ещё одного ученика Герена — Эжена Делакруа. Теодор продолжал бывать у Герена и после окончания учёбы, поддерживая с ним и его учениками связь. Впоследствии Теодор первым пригласил Герена посмотреть только что завершённый «Плот „Медузы“».
Как и в ателье Верне, Жерико копировал у Герена произведения учителя, а также перерисовывал анатомические листы. Картины, написанные им в то время («Самсон и Далила», «Отплытие Одиссея с острова Итаки», «Оборона Фермопильского ущелья»), по словам Шарля Клемана, биографа художника, отличала «„энергичная“ кисть»; движения персонажей, лишённые однообразия; «композиционные ритмы», восходящие к живописи Давида. С обучения у Герена для Жерико началсяЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1791 - родился Жан Луи́ Андре́ Теодо́р Жерико́ /Jean-Louis-André-Théodore Géricault/
[400x300] [287x400] [290x402](26 сентября 1791, Руан — 26 января 1824, Париж) — французский живописец, крупнейший представитель европейской живописи эпохи романтизма. Его картины, в том числе «Плот „Медузы“» и «Скачки в Эпсоме», стали новым словом в живописи, хотя их подлинное значение в развитии изобразительного искусства было осознано гораздо позднее. Среди исследователей нет единой точки зрения на то, представителем какого направления был художник: его считают предтечей романтизма, реалистом, опередившим своё время, или одним из последователей Давида.
Биография
Семья. Детские годы и юность[править | править вики-текст]
Теодор Жерико родился в 1791 году в Руане. Его отец, Жорж-Никола Жерико, был состоятельным человеком: владельцем табачных плантаций и крупным торговцем табаком, а мать, Луиза-Жанна-Мари Карюэль де Сен-Мартен, происходила из семьи, принадлежавшей к аристократии Нормандии.
Семья Жерико в 1796 году перебралась в Париж.
В 1801 году Теодора поместили в интернат частного пансиона Дюбуа-Луазо, а затем отец перевёл его в пансион Рене Ришара Кастеля.
В 1804 году Жерико поступил в Императорский лицей. После смерти матери воспитанием Теодора занимался отец. Мальчик рано стал проявлять интерес к живописи, этому способствовало общение с его дядей — Жаном-Батистом Каруэлем, который коллекционировал произведения фламандских и нидерландских художников. Знакомые дяди, начинающие художницы и ученицы Герена, Аделаида де Монгольфьер и Луиза Сватон, брали Теодора с собой в музей, где копировали произведения старых мастеров. Каникулы мальчик проводил в Нормандии, где, по словам одного из его друзей, много рисовал.
Годы учёбы
В конце 1808 года Жерико поступил в обучение к Карлу Верне, мастеру батальных и жанровых сцен, в творчестве которого отразилась вся жизнь императорского Парижа. В мастерской Верне начинающий художник большей частью практиковался в изображении лошадей, знакомился с анатомическим рисунком животного, здесь же он имел возможность видеть эстампы, выполненные с произведений английских анималистов, копировал картины Верне. Жерико также посещал Лувр, где изучал конные сцены, украшающие античные саркофаги. Теодор стал вхож в дом Верне, вместе с ним бывал в цирке Франкони, манежах и конных заводах Парижа и его ближайших окрестностей. В годы учёбы у Верне началась его дружба с сыном учителя — Орасом, возможно эти дружеские отношения являются причиной того, что Жерико так долго оставался в мастерской Верне[2].
В 1810 году Жерико покинул мастерскую Верне, чтобы продолжить учёбу у Пьера Герена, который, по словам Этьена Делеклюза, был «единственным в то время — после Давида во всяком случае, — кто питал действительное расположение к педагогике»[3]. В начале XIX века французская публика и критики видели в Герене художника, который отошёл от искусства Давида и его последователей. В этой тенденции немалую роль сыграла антидавидовская реакция, по сути же дела реформы Герена продолжались в направлении, указанном давидовской школой. Как бы то ни было, но из мастерской Герена, «адепта давидовской школы» и наименее «преромантичного»[4] мастера своего времени, вышли наиболее яркие представители романтизма[4]. О методах обучения в мастерской Герена сохранилось мало достоверных сведений. Известно лишь то, что он не навязывал ученикам своих взглядов, и последние не получали систематического профессионального образования. Жерико посещал ателье Герена нерегулярно около шести месяцев, вероятно, чтобы иметь возможность писать с натуры и общаться с другими учениками мэтра. Один из них, художник Шампионе, писал по-новому — «жирным мазком», это повлияло на манеру письма Жерико, а позднее и на манеру ещё одного ученика Герена — Эжена Делакруа. Теодор продолжал бывать у Герена и после окончания учёбы, поддерживая с ним и его учениками связь. Впоследствии Теодор первым пригласил Герена посмотреть только что завершённый «Плот „Медузы“».
Как и в ателье Верне, Жерико копировал у Герена произведения учителя, а также перерисовывал анатомические листы. Картины, написанные им в то время («Самсон и Далила», «Отплытие Одиссея с острова Итаки», «Оборона Фермопильского ущелья»), по словам Шарля Клемана, биографа художника, отличала «„энергичная“ кисть»; движения персонажей, лишённые однообразия; «композиционные ритмы», восходящие к живописи Давида. С обучения у Герена для Жерико начался
В этот день
26-09-2016 09:01
1599 - родился Франческо Борромини /Francesco Borromini/ собственно Франческо Кастелли, /Francesco Castelli/( 25 сентября 1599, Биссоне, Тичино — 2 августа 1667, Рим)
[300x400]
[450x297]
— великий итальянский архитектор, работавший в Риме. Наиболее радикальный представитель раннего барокко.
Биография[править
Сын каменотёса, сам учился на каменотёса в Милане.
С 1619 работал в Риме на Карло Мадерно, своего дальнего родственника, в соборе Святого Петра.
После смерти Мадерно присоединился к группе Бернини, достраивавшей палаццо Барберини.
В дальнейшем работал в Риме в постоянном соперничестве с Бернини за папское внимание.
Для его творческой манеры были характерны отсутствие прямых линий, изобилие затейливых и причудливых архитектурных деталей, усложнённая планировка интерьеров с головокружительными перепадами уровней.
Кругу он неизменно предпочитал эллипс. Завершив капеллу Фальконьери в церкви Сан-Джованни деи Фьорентини, 22 июля 1667 года почувствовал себя тяжело больным и больше не выходил из дома. Сжёг рукописи и рисунки, затем покончил с собой.
Основные постройки
1622 — Сант-Андреа-делла-Валле (Sant’Andrea della Valle)
1629—1631 — Палаццо Барберини (Palazzo Barberini)
1631—1633 — Собор Святого Петра (San Pietro) (Ватикан)
1634—1637 — Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане (San Carlo alle Quattro Fontane)
1637 — Oratorio de San Felipe Neri
1637—1638 — Chiesa di Santa Lucia in Selci
1642—1660 — Сант-Иво алла Сапиенца (Sant’Ivo della Sapienza)
1645—1650 — Palazzo Pamphili
1652—1653 — Перспективная Галерея в римском палаццо Спада
1646—1667 — Colegio de Propaganda Fide
1647—1650 — Собор Святого Иоанна Латеранского (San Giovanni in Laterano), (реконструкция)
До 1655 — Chiesa di Santa Maria dei Sette Dolori
1653—1657 — Сант-Аньезе-ин-Агоне (Sant’Agnese in Agone)
1653—1665 — Сант-Андреа-делле-Фратте (Sant’Andrea delle Fratte)
1667- Сан-Джованни-деи-Фиорентини (Chiesa di San Giovanni dei Fiorentini)
На родине архитектора в Лугано поставлена модель церкви Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане в разрезе.
[356x700]
[467x700]
[477x700]
[700x398]
[700x549]
[700x686]
[700x557]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1599 - родился Франческо Борромини /Francesco Borromini/ собственно Франческо Кастелли, /Francesco Castelli/( 25 сентября 1599, Биссоне, Тичино — 2 августа 1667, Рим)
[300x400] [450x297]— великий итальянский архитектор, работавший в Риме. Наиболее радикальный представитель раннего барокко.
Биография[править
Сын каменотёса, сам учился на каменотёса в Милане.
С 1619 работал в Риме на Карло Мадерно, своего дальнего родственника, в соборе Святого Петра.
После смерти Мадерно присоединился к группе Бернини, достраивавшей палаццо Барберини.
В дальнейшем работал в Риме в постоянном соперничестве с Бернини за папское внимание.
Для его творческой манеры были характерны отсутствие прямых линий, изобилие затейливых и причудливых архитектурных деталей, усложнённая планировка интерьеров с головокружительными перепадами уровней.
Кругу он неизменно предпочитал эллипс. Завершив капеллу Фальконьери в церкви Сан-Джованни деи Фьорентини, 22 июля 1667 года почувствовал себя тяжело больным и больше не выходил из дома. Сжёг рукописи и рисунки, затем покончил с собой.
Основные постройки
1622 — Сант-Андреа-делла-Валле (Sant’Andrea della Valle)
1629—1631 — Палаццо Барберини (Palazzo Barberini)
1631—1633 — Собор Святого Петра (San Pietro) (Ватикан)
1634—1637 — Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане (San Carlo alle Quattro Fontane)
1637 — Oratorio de San Felipe Neri
1637—1638 — Chiesa di Santa Lucia in Selci
1642—1660 — Сант-Иво алла Сапиенца (Sant’Ivo della Sapienza)
1645—1650 — Palazzo Pamphili
1652—1653 — Перспективная Галерея в римском палаццо Спада
1646—1667 — Colegio de Propaganda Fide
1647—1650 — Собор Святого Иоанна Латеранского (San Giovanni in Laterano), (реконструкция)
До 1655 — Chiesa di Santa Maria dei Sette Dolori
1653—1657 — Сант-Аньезе-ин-Агоне (Sant’Agnese in Agone)
1653—1665 — Сант-Андреа-делле-Фратте (Sant’Andrea delle Fratte)
1667- Сан-Джованни-деи-Фиорентини (Chiesa di San Giovanni dei Fiorentini)
На родине архитектора в Лугано поставлена модель церкви Сан-Карло-алле-Куаттро-Фонтане в разрезе.
[356x700] [467x700] [477x700] [700x398] [700x549] [700x686] [700x557]
Кременчуг вчера
24-09-2016 10:40
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
24-09-2016 10:30
1821 - родился Циприан Камиль Норвид /Cyprian Kamil Norwid/( 24 сентября 1821, д. Лясково-Глухы, Царство Польское
[363x547]
[260x402]
[265x399]
— 23 мая 1883, Париж, Франция) — польский поэт, драматург, прозаик, живописец.
Биография
Родился в имении матери в деревне Лясково-Глухы, в 40 км северо-восточнее Варшавы. Отец — из обедневшей шляхетской семьи. В апреле 1825 года умирает мать поэта. В июле 1835 года в варшавской долговой тюрьме умирает отец.[1]
В 1837 году уходит из пятого класса гимназии в частную школу живописи. В 1840 году дебютирует в печати.
В 1842 году Норвид легально выехал в Дрезден, официально — для совершенствования в скульптурном искусстве, и остался в эмиграции. Жил в Венеции и Флоренции, в 1844 году обосновался в Риме. В Берлине посещал лекции в университете и собрания польских эмигрантов. В 1846 году был арестован и выслан из Пруссии. Жил в Брюсселе, затем в Риме, где познакомился с Адамом Мицкевичем и Зыгмунтом Красинским.
В 1849—1852 годах жил в Париже, познакомился с Юлиушем Словацким и Фредериком Шопеном, также с И. С. Тургеневым и А. И. Герценом. Терпел нужду, страдал от непонимания критики и недоразумений в отношениях с окружающими людьми. Постепенно терял зрение и слух.
При содействии Владислава Замойского в декабре 1852 года выехал в Лондон, а затем — в США. В 1853 году устроился в мастерской графика в Нью-Йорке, тяжело болел. Узнав о начале Крымской войны, предпринимал усилия для того, чтобы вернуться в Европу. Вернулся летом 1854 года в Лондон, поселился в бедном районе, зарабатывал на жизнь случайными работами.
В 1855 году российские власти уведомили его о том, что считают его эмигрантом, и приговорили к изгнанию и конфискации имущества. В конце года Красинский помог ему перебраться в Париж.
По возвращении в Париж удалось опубликовать несколько произведений. С февраля 1877 года жил в польском благотворительном приюте на окраине Парижа Иври, где и умер «всеми заброшенный и забытый»[2]. Прах поэта был перенесён в общую могилу безвестных польских скитальцев на кладбище Монморанси под Парижем.
Творчество
Автор новелл («Ad leones!», 1883, и др.), поэм, драм. Среди лучших произведений Норвида — поэтический цикл «Vade mecum» (1865—1866), философская поэма «A Dorio ad Phrygium» (1871), трагедии «За кулисами» (1865—1866), «Клеопатра» (Kleopatra i Cezar, 1870—1872), «Перстень великосветской дамы» (Pierścień Wielkiej Damy, czyli Ex-machina Durejko, 1872).
При жизни была опубликована незначительная часть его поэзии и прозы (многое из наследия утеряно). Признание получил посмертно, главным образом после того, как польский критик Зенон Пшесмыцкий «открыл» его в 1904 году, начав публиковать произведения и статьи о творчестве Норвида. Стал причисляться к крупнейшим польским поэтам наряду с Мицкевичем и Словацким, затмив Красиньского.
Полное собрание сочинений вышло в одиннадцати томах (Варшава, 1971—1976).
Русские переводы
Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972.
Пилигрим, или последняя сказка. Москва: Вахазар; Рипол-Классик, 2002.
Примечания
↑ Перейти к: 1 2 комментарии и предисловие Б. Стахеева из книги: Норвид Ц. Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972
↑ комментарии и предисловие Б. Стахеева из книги: Норвид Ц. Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972. С.3
Ссылки
M. Adamiec. Cyprian Norwid (англ.) (польск.)
Норвид в переводах Анатолия Гелескула
Циприан Норвид в переводах Льва Гунина в «Лавке языков»
«Моя песенка» в переводе Л. Мартынова
Поэзия Циприана Норвида в творчестве Чеслава Немена
Эхо поэта: Циприан Норвид (статья Ильи Болгова). Здесь же — несколько рисунков Ц. К. Норвида.
[477x700]
[700x375]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1821 - родился Циприан Камиль Норвид /Cyprian Kamil Norwid/( 24 сентября 1821, д. Лясково-Глухы, Царство Польское
[363x547] [260x402] [265x399]— 23 мая 1883, Париж, Франция) — польский поэт, драматург, прозаик, живописец.
Биография
Родился в имении матери в деревне Лясково-Глухы, в 40 км северо-восточнее Варшавы. Отец — из обедневшей шляхетской семьи. В апреле 1825 года умирает мать поэта. В июле 1835 года в варшавской долговой тюрьме умирает отец.[1]
В 1837 году уходит из пятого класса гимназии в частную школу живописи. В 1840 году дебютирует в печати.
В 1842 году Норвид легально выехал в Дрезден, официально — для совершенствования в скульптурном искусстве, и остался в эмиграции. Жил в Венеции и Флоренции, в 1844 году обосновался в Риме. В Берлине посещал лекции в университете и собрания польских эмигрантов. В 1846 году был арестован и выслан из Пруссии. Жил в Брюсселе, затем в Риме, где познакомился с Адамом Мицкевичем и Зыгмунтом Красинским.
В 1849—1852 годах жил в Париже, познакомился с Юлиушем Словацким и Фредериком Шопеном, также с И. С. Тургеневым и А. И. Герценом. Терпел нужду, страдал от непонимания критики и недоразумений в отношениях с окружающими людьми. Постепенно терял зрение и слух.
При содействии Владислава Замойского в декабре 1852 года выехал в Лондон, а затем — в США. В 1853 году устроился в мастерской графика в Нью-Йорке, тяжело болел. Узнав о начале Крымской войны, предпринимал усилия для того, чтобы вернуться в Европу. Вернулся летом 1854 года в Лондон, поселился в бедном районе, зарабатывал на жизнь случайными работами.
В 1855 году российские власти уведомили его о том, что считают его эмигрантом, и приговорили к изгнанию и конфискации имущества. В конце года Красинский помог ему перебраться в Париж.
По возвращении в Париж удалось опубликовать несколько произведений. С февраля 1877 года жил в польском благотворительном приюте на окраине Парижа Иври, где и умер «всеми заброшенный и забытый»[2]. Прах поэта был перенесён в общую могилу безвестных польских скитальцев на кладбище Монморанси под Парижем.
Творчество
Автор новелл («Ad leones!», 1883, и др.), поэм, драм. Среди лучших произведений Норвида — поэтический цикл «Vade mecum» (1865—1866), философская поэма «A Dorio ad Phrygium» (1871), трагедии «За кулисами» (1865—1866), «Клеопатра» (Kleopatra i Cezar, 1870—1872), «Перстень великосветской дамы» (Pierścień Wielkiej Damy, czyli Ex-machina Durejko, 1872).
При жизни была опубликована незначительная часть его поэзии и прозы (многое из наследия утеряно). Признание получил посмертно, главным образом после того, как польский критик Зенон Пшесмыцкий «открыл» его в 1904 году, начав публиковать произведения и статьи о творчестве Норвида. Стал причисляться к крупнейшим польским поэтам наряду с Мицкевичем и Словацким, затмив Красиньского.
Полное собрание сочинений вышло в одиннадцати томах (Варшава, 1971—1976).
Русские переводы
Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972.
Пилигрим, или последняя сказка. Москва: Вахазар; Рипол-Классик, 2002.
Примечания
↑ Перейти к: 1 2 комментарии и предисловие Б. Стахеева из книги: Норвид Ц. Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972
↑ комментарии и предисловие Б. Стахеева из книги: Норвид Ц. Стихотворения. Москва: Художественная литература, 1972. С.3
Ссылки
M. Adamiec. Cyprian Norwid (англ.) (польск.)
Норвид в переводах Анатолия Гелескула
Циприан Норвид в переводах Льва Гунина в «Лавке языков»
«Моя песенка» в переводе Л. Мартынова
Поэзия Циприана Норвида в творчестве Чеслава Немена
Эхо поэта: Циприан Норвид (статья Ильи Болгова). Здесь же — несколько рисунков Ц. К. Норвида.
[477x700] [700x375]
В этот день
23-09-2016 14:18
1871 - родился Фра́нтишек Ку́пка /František Kupka/(23 сентября 1871, Опочно, Богемия — 21 июня 1957, Пюто, О-де-Сен)
[400x299]
[311x400]
[290x401]
— чешский художник, бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Биография
Купка родился в семье ремесленника.
В 1888—1891 годах учился в пражской Академии изобразительных искусств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы.
В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты. В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств Жюлиана, затем учился в Школе изящных искусств. Иллюстрировал книги (в том числе труд «Человек и Земля» Ж. Ж. Э. Реклю), оформлял плакаты, стал известен как автор сатирических рисунков в газетах и журналах под псевдонимом «Поль Реньяр». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).
Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро».
Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки.
В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм).
В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.
В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже.
В 1919—1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника.
В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»).
В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж).
Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.
Избранные работы
«Автопортрет с женой» (1908, Национальная галерея в Праге);
«Клавиши пианино, или Озеро» (1909, Национальная галерея в Праге);
«Женщина, срывающая цветы» (около 1910);
«Семейный портрет» (1910, Национальная галерея в Праге);
«Вертикальные планы» (1910—1913, галерея Л. Карре, Париж) — серия работ;
«Космическая весна» (1911—1920, Национальная галерея в Праге);
«Красные и синие круги» (1911—1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Диски» (1911—1912) — серия работ;
«Двуцветная фуга» (1911—1912, Национальная галерея в Праге);
«Кафедральный собор» (1913, частное собрание);
«Синтез» (1927—1929, Национальная галерея в Праге) — серия работ.
Источники[править | править вики-текст]
«Купка Франтишек». БСЭ, 3-е издание.
«Kupka, František». Encyclopædia Britannica from Encyclopædia Britannica 2007 Ultimate Reference Suite (2007).
«Купка, Франтишек». Энциклопедия «Кругосвет»
«Купка, Франтишек». 1750 Шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. — Мн., Харвест, 2007.
Примечания
Ссылки
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Франтишек Купка
Список работ Франтишека Купки (англ.)
Музей Кампа — постоянная экспозиция работ Франтишека Купки (чешск.)
Статья в энциклопедии «Кругосвет»
Сокровища «Сововых мельниц» на сайте «Радио Прага»
[426x700]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1871 - родился Фра́нтишек Ку́пка /František Kupka/(23 сентября 1871, Опочно, Богемия — 21 июня 1957, Пюто, О-де-Сен)
[400x299] [311x400] [290x401]— чешский художник, бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Биография
Купка родился в семье ремесленника.
В 1888—1891 годах учился в пражской Академии изобразительных искусств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы.
В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты. В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств Жюлиана, затем учился в Школе изящных искусств. Иллюстрировал книги (в том числе труд «Человек и Земля» Ж. Ж. Э. Реклю), оформлял плакаты, стал известен как автор сатирических рисунков в газетах и журналах под псевдонимом «Поль Реньяр». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).
Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро».
Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки.
В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм).
В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.
В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже.
В 1919—1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника.
В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»).
В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж).
Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.
Избранные работы
«Автопортрет с женой» (1908, Национальная галерея в Праге);
«Клавиши пианино, или Озеро» (1909, Национальная галерея в Праге);
«Женщина, срывающая цветы» (около 1910);
«Семейный портрет» (1910, Национальная галерея в Праге);
«Вертикальные планы» (1910—1913, галерея Л. Карре, Париж) — серия работ;
«Космическая весна» (1911—1920, Национальная галерея в Праге);
«Красные и синие круги» (1911—1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Диски» (1911—1912) — серия работ;
«Двуцветная фуга» (1911—1912, Национальная галерея в Праге);
«Кафедральный собор» (1913, частное собрание);
«Синтез» (1927—1929, Национальная галерея в Праге) — серия работ.
Источники[править | править вики-текст]
«Купка Франтишек». БСЭ, 3-е издание.
«Kupka, František». Encyclopædia Britannica from Encyclopædia Britannica 2007 Ultimate Reference Suite (2007).
«Купка, Франтишек». Энциклопедия «Кругосвет»
«Купка, Франтишек». 1750 Шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. — Мн., Харвест, 2007.
Примечания
Ссылки
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Франтишек Купка
Список работ Франтишека Купки (англ.)
Музей Кампа — постоянная экспозиция работ Франтишека Купки (чешск.)
Статья в энциклопедии «Кругосвет»
Сокровища «Сововых мельниц» на сайте «Радио Прага»
[426x700]
В этот день
23-09-2016 09:49
1871 - родился Франтишек Купка /František Kupka/(23 сентября 1871, Опочно, Богемия — 21 июня 1957, Пюто, О-де-Сен)
[400x299]
[311x400] [290x401]
— чешский художник, бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Биография
Купка родился в семье ремесленника.
В 1888—1891 годах учился в пражской Академии изобразительных искусств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы.
В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты. В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств Жюлиана, затем учился в Школе изящных искусств. Иллюстрировал книги (в том числе труд «Человек и Земля» Ж. Ж. Э. Реклю), оформлял плакаты, стал известен как автор сатирических рисунков в газетах и журналах под псевдонимом «Поль Реньяр». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).
Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро».
Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки.
В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм).
В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.
В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже.
В 1919—1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника.
В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»).
В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж).
Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.
Избранные работы
«Автопортрет с женой» (1908, Национальная галерея в Праге);
«Клавиши пианино, или Озеро» (1909, Национальная галерея в Праге);
«Женщина, срывающая цветы» (около 1910);
«Семейный портрет» (1910, Национальная галерея в Праге);
«Вертикальные планы» (1910—1913, галерея Л. Карре, Париж) — серия работ;
«Космическая весна» (1911—1920, Национальная галерея в Праге);
«Красные и синие круги» (1911—1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Диски» (1911—1912) — серия работ;
«Двуцветная фуга» (1911—1912, Национальная галерея в Праге);
«Кафедральный собор» (1913, частное собрание);
«Синтез» (1927—1929, Национальная галерея в Праге) — серия работ.
Источники[править | править вики-текст]
«Купка Франтишек». БСЭ, 3-е издание.
«Kupka, František». Encyclopædia Britannica from Encyclopædia Britannica 2007 Ultimate Reference Suite (2007).
«Купка, Франтишек». Энциклопедия «Кругосвет»
«Купка, Франтишек». 1750 Шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. — Мн., Харвест, 2007.
Примечания
Ссылки
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Франтишек Купка
Список работ Франтишека Купки (англ.)
Музей Кампа — постоянная экспозиция работ Франтишека Купки (чешск.)
Статья в энциклопедии «Кругосвет»
Сокровища «Сововых мельниц» на сайте «Радио Прага»
[426x700]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1871 - родился Франтишек Купка /František Kupka/(23 сентября 1871, Опочно, Богемия — 21 июня 1957, Пюто, О-де-Сен)
[400x299] [311x400] [290x401]— чешский художник, бо́льшую часть жизни прожил во Франции. Один из первых представителей абстрактной живописи, представитель орфизма. Творческий стиль Купки эволюционировал от реализма к абстрактному искусству.
Биография
Купка родился в семье ремесленника.
В 1888—1891 годах учился в пражской Академии изобразительных искусств, создавая в то время картины на исторические и патриотические темы.
В 1891 году переехал в Вену, где поступил в Академию изобразительного искусства, сконцентрировавшись на создании полотен на символические и аллегорические сюжеты. В тот же период началось его увлечение теософией и восточной философией. С 1895 года Купка жил в Париже, недолго посещал частную академию художеств Жюлиана, затем учился в Школе изящных искусств. Иллюстрировал книги (в том числе труд «Человек и Земля» Ж. Ж. Э. Реклю), оформлял плакаты, стал известен как автор сатирических рисунков в газетах и журналах под псевдонимом «Поль Реньяр». В 1906 году поселился в парижском пригороде Пюто, в том же году впервые выставлялся в Осеннем салоне (Salon d'Automne).
Купка был глубоко впечатлён первым «Манифестом футуризма» Филиппо Маринетти, опубликованном в 1909 году в газете «Фигаро».
Картиной 1909 года «Клавиши пианино, или Озеро» (Национальная галерея в Праге) отмечен перелом в стиле Купки.
В работах 1908—1911 годов — влияние фовизма и пуантилизма. Полотна, созданные в 1910—1911 годах, стали более близки к абстрактному искусству, отражая его теории о движении, цвете, отношении музыки и живописи (орфизм).
В 1911 году он посетил собрания кубистов из группы «Пюто». В 1912 году принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» в Салоне независимых (Salon des Indépendants), хотя в то время ещё не идентифицировал себя полностью с кубизмом.
В 1919 году стал профессором пражской Академии художеств, обучая студентов, проходивших практику в Париже.
В 1919—1938 годах Купку финансово поддерживал его близкий друг, коллекционер живописи и промышленник Джиндрич Волдес, собравший значительную коллекцию работ художника.
В 1931 году Купка вместе с другими представителями искусства основал группу «Abstraction-Création» («Абстракция-Творчество»).
В 1936 году его работы демонстрировались на выставке «Кубизм и абстрактное искусство» в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а также на выставке картин другого известного чешского художника Альфонса Мухи в галерее «Жё-де-Пом» (Париж).
Ретроспективная выставка картин Купки состоялась в 1946 году в галерее «Манэс» (Прага). В том же году участвовал в Салоне новых реальностей (Salon des réalités nouvelles), где продолжал регулярно выставлять свои творения до конца жизни. В начале 1950-х годов приобрёл широкое признание, проводил несколько персональных выставок в Нью-Йорке. Последние годы жизни Купка провёл в Пюто, где умер в 1957 году.
Избранные работы
«Автопортрет с женой» (1908, Национальная галерея в Праге);
«Клавиши пианино, или Озеро» (1909, Национальная галерея в Праге);
«Женщина, срывающая цветы» (около 1910);
«Семейный портрет» (1910, Национальная галерея в Праге);
«Вертикальные планы» (1910—1913, галерея Л. Карре, Париж) — серия работ;
«Космическая весна» (1911—1920, Национальная галерея в Праге);
«Красные и синие круги» (1911—1912, Музей современного искусства, Нью-Йорк);
«Диски» (1911—1912) — серия работ;
«Двуцветная фуга» (1911—1912, Национальная галерея в Праге);
«Кафедральный собор» (1913, частное собрание);
«Синтез» (1927—1929, Национальная галерея в Праге) — серия работ.
Источники[править | править вики-текст]
«Купка Франтишек». БСЭ, 3-е издание.
«Kupka, František». Encyclopædia Britannica from Encyclopædia Britannica 2007 Ultimate Reference Suite (2007).
«Купка, Франтишек». Энциклопедия «Кругосвет»
«Купка, Франтишек». 1750 Шедевров мировой живописи. 500 Великих мастеров. — Мн., Харвест, 2007.
Примечания
Ссылки
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Франтишек Купка
Список работ Франтишека Купки (англ.)
Музей Кампа — постоянная экспозиция работ Франтишека Купки (чешск.)
Статья в энциклопедии «Кругосвет»
Сокровища «Сововых мельниц» на сайте «Радио Прага»
[426x700]
В этот день
22-09-2016 12:33
1886 - родился Роже Бисьер /Roger Bissière/(22 сентября 1886, Вильреаль, Ло и Гаронна, Франция — 2 декабря 1964, Буасьерет, Ло, Франция)
[300x400]
[297x399]
— французский живописец, принадлежал к нефигуративному направлению Парижской школы (лирическая абстракция).
Биография и творчество
Сын нотариуса. С 1898 учился в лицее-интернате г. Каор, с 1902 — в известном лицее Мишеля Монтеня в Бордо, куда переехал работать отец.
С 1903 начал заниматься живописью.
В 1904—1905 работал в Алжире, помогал художнику-ориенталисту Жоржу-Антуану Рошгроссу.
С 1905, после возвращения во Францию, посещал Школу изобразительных искусств в Бордо, затем в Париже. Побывал в Риме и Лондоне. Писал эссе о живописи для различных газет.
С 1914 участвовал в коллективных выставках в Салоне независимых, Осеннем салоне, сблизился с Андре Лотом, Жоржем Браком, Хуаном Грисом. В этот период испытал воздействие кубизма.
В 1920 опубликовал монографию о Браке, статьи о Цадкине, Сёра, Энгре, Коро.
В 1921 в парижской галерее Поля Розенберга состоялась его первая персональная выставка.
С 1923 преподавал живопись и рисунок в академии Рансона, в 1934 открыл в ней мастерскую фресковой живописи, которую посещали Альфред Манесье, Вера Пагава и др. Испытал влияние Пауля Клее.
Принимал участие в оформлении Парижской международной выставки 1937 года. Участвовал в коллективных выставках группы Свидетельство. С 1939 поселился в Буасьерет, где унаследовал от своей матери небольшой старый дом. Затворником прожил здесь годы войны. С 1944 снова участвовал в выставках. Занимался гобеленным искусством. В 1950 был оперирован по поводу глаукомы обоих глаз. С 1951 регулярно выставлялся в парижской галерее Жанны Бюше. Иллюстрировал Франциска Ассизского (1954). Участвовал в биеннале в Сан-Паулу (1955), первых трех кассельских documenta. Занимался витражным искусством в церквах Швейцарии и Франции.
Сын — Марк-Антуан Бисьер (род. в 1926), художник, известен под псевдонимом Louttre.B.
Признание
Большая Национальная художественная премия (1952). Почётная премия Венецианской биеннале.
В 1990 почта Франции выпустила в честь Бисьера марку с репродукцией его картины Жёлтое и серое (5 фр). В том же году вышел документальный фильм Поля и Анни Павлович Роже Бисьер, взгляд из самого сердца.
Эссе о живописи
T’en fais pas la Marie-- : écrits sur la peinture, 1945—1964/ Baptiste-Marrey, ed. Cognac: Le Temps qu’il fait, 1994
Литература
Bissière: catalogue raisonné/ Isabelle Bissière, Virginie Duval, eds. 3 vols. Neuchâtel: Ides et Calendes, 2001
Ссылки
Персональный сайт (фр.)
Работы в музеях мира
Роже Бисьер на сайте галереи Жанны Бюше (фр.)
Энциклопедия живописи (рус.)
[579x700]
[700x359]
[295x700]
[391x700]
[396x700]
[340x700]
[700x476]
[700x501]
[700x484]
[700x368]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1886 - родился Роже Бисьер /Roger Bissière/(22 сентября 1886, Вильреаль, Ло и Гаронна, Франция — 2 декабря 1964, Буасьерет, Ло, Франция)
[300x400] [297x399]— французский живописец, принадлежал к нефигуративному направлению Парижской школы (лирическая абстракция).
Биография и творчество
Сын нотариуса. С 1898 учился в лицее-интернате г. Каор, с 1902 — в известном лицее Мишеля Монтеня в Бордо, куда переехал работать отец.
С 1903 начал заниматься живописью.
В 1904—1905 работал в Алжире, помогал художнику-ориенталисту Жоржу-Антуану Рошгроссу.
С 1905, после возвращения во Францию, посещал Школу изобразительных искусств в Бордо, затем в Париже. Побывал в Риме и Лондоне. Писал эссе о живописи для различных газет.
С 1914 участвовал в коллективных выставках в Салоне независимых, Осеннем салоне, сблизился с Андре Лотом, Жоржем Браком, Хуаном Грисом. В этот период испытал воздействие кубизма.
В 1920 опубликовал монографию о Браке, статьи о Цадкине, Сёра, Энгре, Коро.
В 1921 в парижской галерее Поля Розенберга состоялась его первая персональная выставка.
С 1923 преподавал живопись и рисунок в академии Рансона, в 1934 открыл в ней мастерскую фресковой живописи, которую посещали Альфред Манесье, Вера Пагава и др. Испытал влияние Пауля Клее.
Принимал участие в оформлении Парижской международной выставки 1937 года. Участвовал в коллективных выставках группы Свидетельство. С 1939 поселился в Буасьерет, где унаследовал от своей матери небольшой старый дом. Затворником прожил здесь годы войны. С 1944 снова участвовал в выставках. Занимался гобеленным искусством. В 1950 был оперирован по поводу глаукомы обоих глаз. С 1951 регулярно выставлялся в парижской галерее Жанны Бюше. Иллюстрировал Франциска Ассизского (1954). Участвовал в биеннале в Сан-Паулу (1955), первых трех кассельских documenta. Занимался витражным искусством в церквах Швейцарии и Франции.
Сын — Марк-Антуан Бисьер (род. в 1926), художник, известен под псевдонимом Louttre.B.
Признание
Большая Национальная художественная премия (1952). Почётная премия Венецианской биеннале.
В 1990 почта Франции выпустила в честь Бисьера марку с репродукцией его картины Жёлтое и серое (5 фр). В том же году вышел документальный фильм Поля и Анни Павлович Роже Бисьер, взгляд из самого сердца.
Эссе о живописи
T’en fais pas la Marie-- : écrits sur la peinture, 1945—1964/ Baptiste-Marrey, ed. Cognac: Le Temps qu’il fait, 1994
Литература
Bissière: catalogue raisonné/ Isabelle Bissière, Virginie Duval, eds. 3 vols. Neuchâtel: Ides et Calendes, 2001
Ссылки
Персональный сайт (фр.)
Работы в музеях мира
Роже Бисьер на сайте галереи Жанны Бюше (фр.)
Энциклопедия живописи (рус.)
[579x700] [700x359] [295x700] [391x700] [396x700] [340x700] [700x476] [700x501] [700x484] [700x368]
В этот день
21-09-2016 15:15
1895 - скончался Сильвестро Лега /Silvestro Lega/(8 декабря 1826, Модильяна — 21 сентября 1895, Флоренция)
[299x400]
[259x400]
— итальянский художник, один из главных представителей движения маккьяйоли.
Биография
Сильвестро Лега родился в Модильяне в семье землевладельца. С 1838 года учился в колледже ордена пиаристов, где проявил большую склонность к рисованию. В 1843 году переехал во Флоренцию, где учился в Академии художеств в классе Э. Полластрини и занимался в студиях Л. Муссини и А. Чизери. В 1848—49 годах принимал участие в движении Рисорджименто, воевал в Тоскане и Ломбардии, был последователем идей философа и политика Джузеппе Мадзини.
Вернувшись во Флоренцию в 1850 году Лега продолжил обучение в Академии художеств у Дж. Беццуолли. Получил серебряную медаль за картину «Давид, играющий перед Саулом». В конце 1850-х годов сблизился с Джованни Фаттори, Телемако Синьорини и Адриано Чечони, составив вместе с ними основу движения маккьяйоли, выступавших против академического стиля в искусстве.
Сильвестро Лега в середине 1850-х гг. пытался работать в монументальной живописи, расписал церкви в Тредоццо (1856) и Модильяне (1857), где чувствуется влияние романтизма.
В 1861 году во Флоренции прошла Всеитальянская выставка, где Лега показал созданные в конце 1850-х гг. работы на сюжеты из событий борьбы за объединение Италии — «Засада берсальеров в Ломбардии» (1859—61, «Генерал Гарибальди в Варесе в славные дни 26 мая» (1859), «Итальянские берсальеры, ведущие пленных австрийцев» (ок. 1860). Лега получил вторую премию выставки, сделав важный вклад в развитие исторического жанра итальянской живописи.
С 1961 года Лега работал на пленэре на берегу реки Арно. Он писал в основном пейзажи, жанровые сцены, зарисовки с натуры, уделяя особое внимание изображению атмосферы света и воздуха. Тогда были написаны картины «Красный зонтик» (1860-е), «Крестьянская идиллия» (1861), «Прогулка в саду» (1862), «Беседка» (1864), «Партия в крокет» (1862—67), «После обеда» (1868), «Романтическое чтение» (1870). Лега с помощью ярких красочных пятен пытался передать живописность тосканской природы. Бытовые жанровые картины Лега близки к веризму и бидермайеру — «Пение скворца» (ок. 1867), «Женщина в кухне» (1870).
После 1872 года Сильвестро Лега практически прекратил занятия живописью из за резкого ухудшения зрения. Он не смог заниматься и преподаванием. В 1875 году Лега попытался создать во Флоренции галерею современного искусства, но не нашёл финансовой поддержки.
Знакомство с творчеством импрессионистов подвигло Лега снова заняться живопись. В 1880—85 гг. Лега жил в Белларива, а в 1886—95 гг. — в Габбро. Тогда он написал пейзажи «Сад в Белларива» (1882), «Церковь Св. Кристины в Габбро» (1880), портреты знакомых «Элеонора Томасси в саду» (1885), «Паола Бандини в саду» (1893), художника П. Номеллини (1889), скульптора Р. Карниелло, (1873), дона Джованни Верита (1885) и крестьян «Девочка из Габбро» (1886—95), «Прядильщица» (1885).
Пейзажи и портреты Лега отличаются яркой декоративностью и чёткой контрастностью. Его творчество оказало большое влияние на развитие итальянского веризма. Полотна Лега в настоящее время находятся в основном в частных коллекциях, а также в галереи Питти во Флоренции, галерее Брера и Галерее современного искусства Милана, городском музее Форли.
Галерея
Материнство, 1882
Художник Томмази за работой
Сон невинности, 1882
Мать
Девушка из Креспины
Пение, 1868
На вилле Поджо Пьяно
Пейзаж в Габбро
Рядом с Габбро
Джузеппе Мадзини на смертном одре, 1873
Молодожёны, 1869
Водоподъёмник, 1863
После обеда, 1860
Итальянские берсальеры возвращаются из разведки, 1861
Вид на Пьаджентину, 1863
Литература
Broude N. The Macchiaioli: Italian Painters of the Nineteenth Century. — New Haven and London: Yale University Press, 1987. — ISBN 0-300-03547-0.
Steingräber, Erich; Matteucci, Giuliano (1984). The Macchiaioli: tuscan painters of the sunlight. New York: Stair Sainty Matthiesen Gallery.
Dario Durbé, Silvestro Lega, Bologna, 1973
Piero Dini, Silvestro Lega, gli anni di Piagentina, Torino, Allemandi, 1984
Giuseppe Mesirca, Silvestro Lega, Firenze, 1985
Giuliano Matteucci, Silvestro Lega, l’opera completa, Firenze, Giunti 1987
AA.VV., Silvestro Lega, Milano — Firenze, 1988
Francesca Dini, Silvestro Lega da Bellariva al Gabbro, Polistampa, 2003
Ссылки[править | править вики-текст]
commons: Сильвестро Лега на Викискладе?
Савельева А. Мировое искусство (500 мастеров живописи) / Мосин И. Г.. — Санкт-Петербург: ООО «СЗКЭО „Кристалл“», 2006. — С. 128. — 256 с. — ISBN 5-9603-0060-5.
Федотова Е.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1895 - скончался Сильвестро Лега /Silvestro Lega/(8 декабря 1826, Модильяна — 21 сентября 1895, Флоренция)
[299x400] [259x400]— итальянский художник, один из главных представителей движения маккьяйоли.
Биография
Сильвестро Лега родился в Модильяне в семье землевладельца. С 1838 года учился в колледже ордена пиаристов, где проявил большую склонность к рисованию. В 1843 году переехал во Флоренцию, где учился в Академии художеств в классе Э. Полластрини и занимался в студиях Л. Муссини и А. Чизери. В 1848—49 годах принимал участие в движении Рисорджименто, воевал в Тоскане и Ломбардии, был последователем идей философа и политика Джузеппе Мадзини.
Вернувшись во Флоренцию в 1850 году Лега продолжил обучение в Академии художеств у Дж. Беццуолли. Получил серебряную медаль за картину «Давид, играющий перед Саулом». В конце 1850-х годов сблизился с Джованни Фаттори, Телемако Синьорини и Адриано Чечони, составив вместе с ними основу движения маккьяйоли, выступавших против академического стиля в искусстве.
Сильвестро Лега в середине 1850-х гг. пытался работать в монументальной живописи, расписал церкви в Тредоццо (1856) и Модильяне (1857), где чувствуется влияние романтизма.
В 1861 году во Флоренции прошла Всеитальянская выставка, где Лега показал созданные в конце 1850-х гг. работы на сюжеты из событий борьбы за объединение Италии — «Засада берсальеров в Ломбардии» (1859—61, «Генерал Гарибальди в Варесе в славные дни 26 мая» (1859), «Итальянские берсальеры, ведущие пленных австрийцев» (ок. 1860). Лега получил вторую премию выставки, сделав важный вклад в развитие исторического жанра итальянской живописи.
С 1961 года Лега работал на пленэре на берегу реки Арно. Он писал в основном пейзажи, жанровые сцены, зарисовки с натуры, уделяя особое внимание изображению атмосферы света и воздуха. Тогда были написаны картины «Красный зонтик» (1860-е), «Крестьянская идиллия» (1861), «Прогулка в саду» (1862), «Беседка» (1864), «Партия в крокет» (1862—67), «После обеда» (1868), «Романтическое чтение» (1870). Лега с помощью ярких красочных пятен пытался передать живописность тосканской природы. Бытовые жанровые картины Лега близки к веризму и бидермайеру — «Пение скворца» (ок. 1867), «Женщина в кухне» (1870).
После 1872 года Сильвестро Лега практически прекратил занятия живописью из за резкого ухудшения зрения. Он не смог заниматься и преподаванием. В 1875 году Лега попытался создать во Флоренции галерею современного искусства, но не нашёл финансовой поддержки.
Знакомство с творчеством импрессионистов подвигло Лега снова заняться живопись. В 1880—85 гг. Лега жил в Белларива, а в 1886—95 гг. — в Габбро. Тогда он написал пейзажи «Сад в Белларива» (1882), «Церковь Св. Кристины в Габбро» (1880), портреты знакомых «Элеонора Томасси в саду» (1885), «Паола Бандини в саду» (1893), художника П. Номеллини (1889), скульптора Р. Карниелло, (1873), дона Джованни Верита (1885) и крестьян «Девочка из Габбро» (1886—95), «Прядильщица» (1885).
Пейзажи и портреты Лега отличаются яркой декоративностью и чёткой контрастностью. Его творчество оказало большое влияние на развитие итальянского веризма. Полотна Лега в настоящее время находятся в основном в частных коллекциях, а также в галереи Питти во Флоренции, галерее Брера и Галерее современного искусства Милана, городском музее Форли.
Галерея
Материнство, 1882
Художник Томмази за работой
Сон невинности, 1882
Мать
Девушка из Креспины
Пение, 1868
На вилле Поджо Пьяно
Пейзаж в Габбро
Рядом с Габбро
Джузеппе Мадзини на смертном одре, 1873
Молодожёны, 1869
Водоподъёмник, 1863
После обеда, 1860
Итальянские берсальеры возвращаются из разведки, 1861
Вид на Пьаджентину, 1863
Литература
Broude N. The Macchiaioli: Italian Painters of the Nineteenth Century. — New Haven and London: Yale University Press, 1987. — ISBN 0-300-03547-0.
Steingräber, Erich; Matteucci, Giuliano (1984). The Macchiaioli: tuscan painters of the sunlight. New York: Stair Sainty Matthiesen Gallery.
Dario Durbé, Silvestro Lega, Bologna, 1973
Piero Dini, Silvestro Lega, gli anni di Piagentina, Torino, Allemandi, 1984
Giuseppe Mesirca, Silvestro Lega, Firenze, 1985
Giuliano Matteucci, Silvestro Lega, l’opera completa, Firenze, Giunti 1987
AA.VV., Silvestro Lega, Milano — Firenze, 1988
Francesca Dini, Silvestro Lega da Bellariva al Gabbro, Polistampa, 2003
Ссылки[править | править вики-текст]
commons: Сильвестро Лега на Викискладе?
Савельева А. Мировое искусство (500 мастеров живописи) / Мосин И. Г.. — Санкт-Петербург: ООО «СЗКЭО „Кристалл“», 2006. — С. 128. — 256 с. — ISBN 5-9603-0060-5.
Федотова Е.