В этот день
16-10-2016 10:40
1827 - родился Арнольд Бёклин /Arnold Böcklin/(16 октября 1827, Базель, Швейцария — 16 января 1901, Сан-Доменико-ди-Фьезоле, Италия)
[400x272]
[296x400]
[315x400]
— швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века и Дюссельдорфской художественной школы.
Биография
Родился в семье купца, торговавшего сначала тканями, затем недвижимостью. Мать Бёклина занималась хозяйством и воспитанием детей, из которых Арнольд был третьим.
Учился в Академии художеств в Дюссельдорфе у исторического живописца Ф. Т. Хильдебрандта и пейзажиста И. В. Ширмера (1845—1847), затем в Мюнхене, где привлек внимание графа Шака. Предпринял образовательное путешествие по Швейцарии, Нидерландам и Франции. Изначально занимался ландшафтной живописью, однако со временем перешел в мифологическую тематику. В 1850—1857 годах работал в Риме. В 1860—1862 годах был профессором в Академии художеств в Веймаре. Последние годы работал попеременно в Базеле и в Италии. Оказал влияние на таких представителей сюрреализма, как Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Джорджо де Кирико[источник не указан 1453 дня].
Творчество
Картины Бёклина, яркие и резкие по цвету, написаны главным образом темперой. В картинах Бёклина выступает вымышленный мир, часто нарочито таинственный. Вначале Бёклин писал романтические пейзажи с мифологическими фигурами, затем — фантастические сцены с нимфами, морскими чудовищами и т. д. («Тритон и Нереида», 1873—1874).
Поздние композиции («Остров мёртвых», 1880, Художественный музей, Базель; в начале XX века репродукции с неё были очень популярны), где фантастическая символика сочетается с натуралистической достоверностью деталей, повлияли на формирование немецкого символизма и югендштиля.
Весна (нем. Frühling). 1875
Остров мёртвых (нем. Die Toteninsel). 1883
Несс и Деянира (нем. Nessus und Deianeira). 1898
Лучшие работы
«Остров мёртвых» (1880, Художественный музей, Базель)
«Тритон и Нереида» (1873—1874, Художественный музей, Базель)
«Фавн в камышах» (в мюнхенской Пинакотеке)
«Отдыхающая Венера»
«Охота амазонок» (в Базеле),
«Борьба кентавров»
«Поля блаженных» (Национальная галерея в Берлине)
«Святилище Геркулеса» (в Бреслау)
«Наяды» (в Базеле)
«Вилла на морском берегу» (галерея Шака в Мюнхене)
«Волны» (Мюнхен, Пинакотека)
«Весенний ливень» (Дрезден)
Интересные факты
В честь художника назван один из типографских шрифтов.
Сам художник никогда не давал названия своим произведениям и не подписывался под ними.
В 1909 году Сергей Рахманинов под впечатлением от картины Бёклина «Остров мёртвых» написал одноименную симфоническую поэму.
Картину «Остров мёртвых» Беклин пять раз повторил по заказам.
Литература
Федотова Е. Д. Бёклин. — М.: Белый Город, 2001. — ISBN 5-7793-0446-7
Ссылки[править | править вики-текст]
Бёклин, Арнольд // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
Бёклин Арнольд — статья из Большой советской энциклопедии.
На Викискладе есть медиафайлы по теме Арнольд Бёклин
[475x700]
[495x700]
[558x700]
[568x700]
[700x369]
[700x517]
[700x522]
[700x477]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1827 - родился Арнольд Бёклин /Arnold Böcklin/(16 октября 1827, Базель, Швейцария — 16 января 1901, Сан-Доменико-ди-Фьезоле, Италия)
[400x272] [296x400] [315x400]— швейцарский живописец, график, скульптор; один из выдающихся представителей символизма в европейском изобразительном искусстве XIX века и Дюссельдорфской художественной школы.
Биография
Родился в семье купца, торговавшего сначала тканями, затем недвижимостью. Мать Бёклина занималась хозяйством и воспитанием детей, из которых Арнольд был третьим.
Учился в Академии художеств в Дюссельдорфе у исторического живописца Ф. Т. Хильдебрандта и пейзажиста И. В. Ширмера (1845—1847), затем в Мюнхене, где привлек внимание графа Шака. Предпринял образовательное путешествие по Швейцарии, Нидерландам и Франции. Изначально занимался ландшафтной живописью, однако со временем перешел в мифологическую тематику. В 1850—1857 годах работал в Риме. В 1860—1862 годах был профессором в Академии художеств в Веймаре. Последние годы работал попеременно в Базеле и в Италии. Оказал влияние на таких представителей сюрреализма, как Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Джорджо де Кирико[источник не указан 1453 дня].
Творчество
Картины Бёклина, яркие и резкие по цвету, написаны главным образом темперой. В картинах Бёклина выступает вымышленный мир, часто нарочито таинственный. Вначале Бёклин писал романтические пейзажи с мифологическими фигурами, затем — фантастические сцены с нимфами, морскими чудовищами и т. д. («Тритон и Нереида», 1873—1874).
Поздние композиции («Остров мёртвых», 1880, Художественный музей, Базель; в начале XX века репродукции с неё были очень популярны), где фантастическая символика сочетается с натуралистической достоверностью деталей, повлияли на формирование немецкого символизма и югендштиля.
Весна (нем. Frühling). 1875
Остров мёртвых (нем. Die Toteninsel). 1883
Несс и Деянира (нем. Nessus und Deianeira). 1898
Лучшие работы
«Остров мёртвых» (1880, Художественный музей, Базель)
«Тритон и Нереида» (1873—1874, Художественный музей, Базель)
«Фавн в камышах» (в мюнхенской Пинакотеке)
«Отдыхающая Венера»
«Охота амазонок» (в Базеле),
«Борьба кентавров»
«Поля блаженных» (Национальная галерея в Берлине)
«Святилище Геркулеса» (в Бреслау)
«Наяды» (в Базеле)
«Вилла на морском берегу» (галерея Шака в Мюнхене)
«Волны» (Мюнхен, Пинакотека)
«Весенний ливень» (Дрезден)
Интересные факты
В честь художника назван один из типографских шрифтов.
Сам художник никогда не давал названия своим произведениям и не подписывался под ними.
В 1909 году Сергей Рахманинов под впечатлением от картины Бёклина «Остров мёртвых» написал одноименную симфоническую поэму.
Картину «Остров мёртвых» Беклин пять раз повторил по заказам.
Литература
Федотова Е. Д. Бёклин. — М.: Белый Город, 2001. — ISBN 5-7793-0446-7
Ссылки[править | править вики-текст]
Бёклин, Арнольд // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
Бёклин Арнольд — статья из Большой советской энциклопедии.
На Викискладе есть медиафайлы по теме Арнольд Бёклин
[475x700] [495x700] [558x700] [568x700] [700x369] [700x517] [700x522] [700x477]
В этот день
15-10-2016 09:05
1836 - родился Джеймс Тиссо /James Tissot/, собственное имя Жак-Жозеф Тиссо, 15 октября 1836, Нант — 8 августа 1902)
[400x287]
[230x401]
[243x400]
— французский художник, работал в Англии.
Биография
Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена.
В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris.
Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.
В 1870 годах Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 году в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза.
Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет.
В 1896 году серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.
Достоинства библейских рисунков Тиссо — скорее в аккуратности, с которой он изучал детали быта, чем в уровне религиозного чувства.
Примечания
↑ abcgallery.com: Jacques Joseph Tissot — Biography
Ссылки[править | править вики-текст]
commons: Тиссо, Джеймс на Викискладе?
Works of James Jacques Joseph Tissot at ARC
Love and History, Lavishly Elegant
Biblical art by James Tissot — 8 августа 1902) — французский художник, работал в Англии.
Биография
Родился в Нанте. Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена.
В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris.
Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.
В 1870 годах Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 году в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза.
Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет.
В 1896 году серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.
Достоинства библейских рисунков Тиссо — скорее в аккуратности, с которой он изучал детали быта, чем в уровне религиозного чувства.
[495x700]
[303x700]
[371x700]
![]()
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1836 - родился Джеймс Тиссо /James Tissot/, собственное имя Жак-Жозеф Тиссо, 15 октября 1836, Нант — 8 августа 1902)
[400x287] [230x401] [243x400]— французский художник, работал в Англии.
Биография
Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена.
В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris.
Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.
В 1870 годах Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 году в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза.
Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет.
В 1896 году серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.
Достоинства библейских рисунков Тиссо — скорее в аккуратности, с которой он изучал детали быта, чем в уровне религиозного чувства.
Примечания
↑ abcgallery.com: Jacques Joseph Tissot — Biography
Ссылки[править | править вики-текст]
commons: Тиссо, Джеймс на Викискладе?
Works of James Jacques Joseph Tissot at ARC
Love and History, Lavishly Elegant
Biblical art by James Tissot — 8 августа 1902) — французский художник, работал в Англии.
Биография
Родился в Нанте. Учился в парижской Школе Изящных искусств, а также у Энгра и Фландрена.
В первый раз выставился в Салоне в возрасте 23 лет. В 1861 г. выставил «Встречу Фауста и Маргариты», которая была приобретена государством для Люксембургской галереи. Первый период художника характеризуется его вниманием к образам хорошеньких женщин, в частности, в серии работ, названной им La Femme a Paris.
Сражался на франко-прусской войне. Подозреваемый в сочувствии к коммунарам, уехал из Парижа в Лондон, где начал учиться гравюре у сэра Сеймона Хэдена, рисовал карикатуры для журнала Vanity Fair и писал многочисленные портреты и жанровые картины.
В 1870 годах Тиссо встретил разведённую с мужем миссис Кэтлин Ньютон, которая стала его спутницей и натурщицей для многих его полотен. Она переехала в его дом и жила с ним до своей смерти в 1882 году в возрасте 28 лет по причине самоубийства из-за страданий от поздней стадии туберкулёза.
Художник покинул Париж, куда он вернулся после смерти Кэтлин Ньютон, и отправился в Палестину. Он обратился к основной теме своего художественного наследия — созданию семисот акварелей, иллюстрирующих жизнь Иисуса и Ветхий Завет.
В 1896 году серия из 350 рисунков по Новому Завету была выставлена в Париже, на следующий год — в Лондоне. Затем они были опубликованы парижской фирмой «Лемерсье», заплатившей за них 1 100 000 франков. В настоящий момент коллекция из полутысячи рисунков, акварелей и картин маслом из этой серии находится в коллекции Бруклинского музея. Затем настала очередь ветхозаветных сюжетов, работой над которыми он продолжал заниматься до самой смерти.
Достоинства библейских рисунков Тиссо — скорее в аккуратности, с которой он изучал детали быта, чем в уровне религиозного чувства.
[495x700] [303x700] [371x700]
В хэтот день
14-10-2016 14:07
1887 - родился Пётр Васильевич Митурич (14 октября 1887, Санкт-Петербург — 27 октября 1956, Москва)
[399x298]
[281x401]
[258x400]
— русский художник, теоретик искусства, изобретатель.
Биография
Родился в Санкт-Петербурге 14 октября 1887 года по новому стилю, в семье потомственного военного и литератора.
С 1900 по 1905 год учился в Псковском кадетском корпусе, откуда был исключён за хранение нелегальной литературы. Учился с 1906 по 1909 год в Киевском художественном училище у И. Ф. Селезнёва, соученика и друга М. А. Врубеля. С 1909 по 1915 год учился у Н. С. Самокиша в петербургской Академии художеств.
Участвовал в Первой мировой и Гражданской войнах.
В 1910-е—1920-е годы был близок с В. Е. Татлиным, Л. А. Бруни, Н. И. Нисс-Гольдман, Н. Н. Пуниным, футуристами. Из этого периода известны его портреты поэтов О. Мандельштама и Вяч. Иванова, музыканта А. Лурье, посмертный портрет Врубеля и др. В начале 1920-х сблизился с поэтом В. Хлебниковым, который ушёл из жизни в семье художника в деревне Санталово (Новгородская губерния). Санталовский цикл произведений П. Митурича 1922—23 годов (портреты поэта, пейзажи, графические образы, навеянные поэтическим творчеством Хлебникова) представляют собой золотой фонд отечественной графики.
С 1923 по 1930 год преподавал во ВХУТЕМАСе (Высших художественно-технических мастерских), где сложился круг его учеников-единомышленников (П. Захаров, Е. Тейс и др.). Помимо художественного наследия, оставил значительное количество теоретических работ и дневники (изданы лишь частично).
Изучал движение рыб и судов. Автор многих изобретений, в частности авторское свидетельство № 33418: «Движитель в форме рыбьего корпуса для судов, глиссеров, самолетов и дирижаблей, отличающийся тем, что он представляет собой приводимые во вращение изогнутые стержни, расположенные внутри эластичного корпуса, в целях сообщения этому корпусу при помощи шатунов, связанных со стержнями, волнообразного движения».
Известны его работы: портрет композитора А. С. Лурье, поэта О. Э. Мандельштама, «Зимой. Семья за столом», пейзажи Хвалынска (1926—1929), пейзажи Астрахани (1926), пейзажи Судака (1937 и 1939).
Умер Пётр Митурич в Москве 27 октября 1956 года. Похоронен на Новодевичьем кладбище.
Работы находятся в коллекциях
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург.
Киевский музей русского искусства, Киев.
Рыбинский музей-заповедник, Рыбинск.
Stedelijk Museum, фонд Харджиева-Чаги, Амстердам.
Дом-музей Велимира Хлебникова (филиал Астраханской картинной галереи им. П. М. Догадина), Астрахань
Семья
Хлебников, Владимир Алексеевич — тесть, учёный-орнитолог, лесовед, основатель первого в России государственного заповедника в дельте Волги
Митурич (урожд. Звенигородская), Наталья Константиновна — первая жена, филолог, педагог
Хлебникова, Вера Владимировна — жена, художник
Митурич, Василий Петрович — сын, художник, педагог
Митурич-Хлебников, Май Петрович — сын, художник
Хлебников, Велимир — шурин, поэт
Хлебникова, Вера Маевна — внучка, художник
Митурич, Сергей Васильевич — внук, художник, издатель
Сумнина, Мария Андреевна — правнучка, художник
Митурич, Савва Сергеевич — правнук, дизайнер, издатель
Ссылки
Пётр Митурич в энциклопедии «Кругосвет»
Пётр Митурич. Последние дни Хлебникова
Биография и работы Петра Митурича на сайте www.hlebnikov.ru
Источники[править | править вики-текст]
Петр Митурич. Выставка графики из собрания Государственной Третьяковской галереи. Каталог (К 125-летию со дня рождения). М.: Три квадрата, 2012. — 112 с. — ISBN 978-5-94607-168-0.
Митурич С. В. Неизвестный Петр Митурич / Материалы к биографии. — М.: Три квадрата, 2008. — 344 с. — ISBN 978-5-94607-081-3.
Чегодаева М. Заповедный мир Митуричей-Хлебниковых: Вера и Петр. — М.: Аграф, 2004. — 416 с. — ISBN 5-7784-0272-4.
Митурич П. Записки сурового реалиста эпохи авангарда. Дневники, письма, воспоминания, статьи. — М.: RA, 1997. — 312 с. — ISBN 5-85164-034-0.
Митурич П. Последние дни Хлебникова // Арион. — 1994. — № 4.
Пётр Васильевич Митурич. Альбом. / Сост. Н. Розанова. — М.: Советский художник, 1973. — 136 с.
[450x393]
[показать]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1887 - родился Пётр Васильевич Митурич (14 октября 1887, Санкт-Петербург — 27 октября 1956, Москва)
[399x298] [281x401] [258x400]— русский художник, теоретик искусства, изобретатель.
Биография
Родился в Санкт-Петербурге 14 октября 1887 года по новому стилю, в семье потомственного военного и литератора.
С 1900 по 1905 год учился в Псковском кадетском корпусе, откуда был исключён за хранение нелегальной литературы. Учился с 1906 по 1909 год в Киевском художественном училище у И. Ф. Селезнёва, соученика и друга М. А. Врубеля. С 1909 по 1915 год учился у Н. С. Самокиша в петербургской Академии художеств.
Участвовал в Первой мировой и Гражданской войнах.
В 1910-е—1920-е годы был близок с В. Е. Татлиным, Л. А. Бруни, Н. И. Нисс-Гольдман, Н. Н. Пуниным, футуристами. Из этого периода известны его портреты поэтов О. Мандельштама и Вяч. Иванова, музыканта А. Лурье, посмертный портрет Врубеля и др. В начале 1920-х сблизился с поэтом В. Хлебниковым, который ушёл из жизни в семье художника в деревне Санталово (Новгородская губерния). Санталовский цикл произведений П. Митурича 1922—23 годов (портреты поэта, пейзажи, графические образы, навеянные поэтическим творчеством Хлебникова) представляют собой золотой фонд отечественной графики.
С 1923 по 1930 год преподавал во ВХУТЕМАСе (Высших художественно-технических мастерских), где сложился круг его учеников-единомышленников (П. Захаров, Е. Тейс и др.). Помимо художественного наследия, оставил значительное количество теоретических работ и дневники (изданы лишь частично).
Изучал движение рыб и судов. Автор многих изобретений, в частности авторское свидетельство № 33418: «Движитель в форме рыбьего корпуса для судов, глиссеров, самолетов и дирижаблей, отличающийся тем, что он представляет собой приводимые во вращение изогнутые стержни, расположенные внутри эластичного корпуса, в целях сообщения этому корпусу при помощи шатунов, связанных со стержнями, волнообразного движения».
Известны его работы: портрет композитора А. С. Лурье, поэта О. Э. Мандельштама, «Зимой. Семья за столом», пейзажи Хвалынска (1926—1929), пейзажи Астрахани (1926), пейзажи Судака (1937 и 1939).
Умер Пётр Митурич в Москве 27 октября 1956 года. Похоронен на Новодевичьем кладбище.
Работы находятся в коллекциях
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург.
Киевский музей русского искусства, Киев.
Рыбинский музей-заповедник, Рыбинск.
Stedelijk Museum, фонд Харджиева-Чаги, Амстердам.
Дом-музей Велимира Хлебникова (филиал Астраханской картинной галереи им. П. М. Догадина), Астрахань
Семья
Хлебников, Владимир Алексеевич — тесть, учёный-орнитолог, лесовед, основатель первого в России государственного заповедника в дельте Волги
Митурич (урожд. Звенигородская), Наталья Константиновна — первая жена, филолог, педагог
Хлебникова, Вера Владимировна — жена, художник
Митурич, Василий Петрович — сын, художник, педагог
Митурич-Хлебников, Май Петрович — сын, художник
Хлебников, Велимир — шурин, поэт
Хлебникова, Вера Маевна — внучка, художник
Митурич, Сергей Васильевич — внук, художник, издатель
Сумнина, Мария Андреевна — правнучка, художник
Митурич, Савва Сергеевич — правнук, дизайнер, издатель
Ссылки
Пётр Митурич в энциклопедии «Кругосвет»
Пётр Митурич. Последние дни Хлебникова
Биография и работы Петра Митурича на сайте www.hlebnikov.ru
Источники[править | править вики-текст]
Петр Митурич. Выставка графики из собрания Государственной Третьяковской галереи. Каталог (К 125-летию со дня рождения). М.: Три квадрата, 2012. — 112 с. — ISBN 978-5-94607-168-0.
Митурич С. В. Неизвестный Петр Митурич / Материалы к биографии. — М.: Три квадрата, 2008. — 344 с. — ISBN 978-5-94607-081-3.
Чегодаева М. Заповедный мир Митуричей-Хлебниковых: Вера и Петр. — М.: Аграф, 2004. — 416 с. — ISBN 5-7784-0272-4.
Митурич П. Записки сурового реалиста эпохи авангарда. Дневники, письма, воспоминания, статьи. — М.: RA, 1997. — 312 с. — ISBN 5-85164-034-0.
Митурич П. Последние дни Хлебникова // Арион. — 1994. — № 4.
Пётр Васильевич Митурич. Альбом. / Сост. Н. Розанова. — М.: Советский художник, 1973. — 136 с.
[450x393] [показать]
В этот день
13-10-2016 09:43
1474 - родился Мариотто Альбертинелли, Альбертинелли Мариотто ди Биаджо ди Биндо /Mariotto Albertinelli di Biagio di Bindo/
[260x213]
(13 октября 1474 – 5 ноября 1515) – итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы.
Биография
Альбертинелли родился 13 октября 1474 года в итальянском городе Флоренция, в семье ювелира Бьяджо ди Биндо Альбертинелли. Отец научил его мастерству своего дела и Альбертинелли следовал его профессии до 20 лет.
Продолжая заниматься золотобитным ремеслом отца, в 12 лет стал учеником Козимо Росселли. В студии своего учителя художник получил свои первые знания о живописи и здесь же сдружился с Баччо дела Порта (известного впоследствии под именем Фра Бартоломмео). Несмотря на совершенно разные характеры, дружба их была настолько крепка, что они стали одним целым. Друзья много и плодотворно работали вместе, чем объясняется сходство их манер («Поклонение младенцу Христу», 1490-е г.).
В 1494 году Баччо ушел от Козимо, чтобы заняться искусством самостоятельно, как мастер. Мариотто ушёл вместе с ним. Так они открыли собственную мастерскую, после чего долгое время оба проживали у Порта Сан Пьеро Гаттолини, выполняя многое совместно. Долгое время Альбертинелли считали двойником Фра Бартоломмео, не отдавая должное его таланту. Но сам Мариотто находился под сильным влиянием своего друга, а время, проведенное вместе, оказалось самым блестящим периодом его творчества, когда он достиг наибольшей монументальности и композиционного совершенства.
Так как Мариотто не так основательно владел рисунком, как Баччо, он обратился к изучению антиков, находившихся тогда во Флоренции, большая и лучшая часть которых была в доме Медичи. Он много раз срисовывал некоторые из небольших плит, высеченных полурельефом в лоджии сада, выходящего к Сан Лоренцо; на одной из них был прекраснейший Адонис с собакой, на другой – две чудеснейшие обнаженные фигуры, одна из которых сидит с собакой у ног, другая же стоит, скрестив ноги и опираясь на палку; были там и две другие таких же размеров, на одной из которых были два путта с перунами Юпитера, а на другой — обнаженный старец, с крыльями за спиной и на щиколотках, и с весами в руках. Помимо этого, сад этот был полон женских и мужских торсов, которые изучал не только Мариотто, но и все скульпторы и живописцы того времени. Большая часть этого хранится ныне в гардеробной герцога Козимо, а другая часть осталась на месте, как, например, два торса Марсия, остались на месте бюсты над окнами и бюсты императоров над дверями.
Изучая эти антики, Мариотто сделал большие успехи в рисунке и поступил на службу к мадонне Альфонсине, матери герцога Лоренцо, оказывавшей ему всяческую помощь, чтобы Мариотто имел возможность совершенствоваться. И действительно, чередуя технику рисование с живописью, он приобрел немалый опыт, как это и обнаружилось в нескольких картинах, написанных им для этой синьоры, посланных ею в Рим для Карло и Джордано Орсини и попавших затем в руки Чезаре Борджа. Написал он с натуры мадонну Альфонсину весьма хорошо, и ему казалось, что в этой к ней близости он уже нашел своё счастье. Однако, когда в 1494 году Пьеро деи Медичи был изгнан, Мариотто лишился этой помощи и этого покровительства и переселился обратно к Баччо, где он с еще большим усердием принялся за изготовление глиняных моделей и за изучение и упорное исследование натуры, а также подражал работам Баччо, почему он в немногие годы и сделался мастером прилежным и опытным. И, видя, что все у него так хорошо получается, он осмелел настолько, подражая манере и повадке товарища, что многие принимали произведения Мариотто за работу Фра Бартоломмео. Однако Альбертинелли не только нежнее и грациознее своего друга, но и подробнее в исполнении.
Когда Баччо дела Порта забросил живопись и ушел из мира в монастырь, Мариотто, потеряв товарища, был в смятении и как потерянный, и столь странным показалось ему это известие, что впал он в отчаяние и ничто его уже не радовало. И если бы вообще Мариотто не питал такого отвращения к общению с монахами, о которых он всегда очень плохо отзывался, и если бы он не принадлежал к противникам партии брата Джироламо Феррарского, то любовь его к Баччо, того гляди, заставила бы и его постричься и уйти в монастырь с товарищем. Однако Джероццо Дини упросил его закончить заказанный им для кладбища и оставленный Баччо незавершенным "Страшный суд", так как манера у обоих была одна и та же. А так как имелся картон, выполненный рукой Баччо, а также и другие рисунки, и закончить эту работу просил его сам Фра Бартоломео, который получил за неё деньги и которого мучила совесть за то, что он не выполнил обязательства, Мариотто довел дело до конца с усердием и любовью так, что многие, об этом ничего не знавшие, думали, что все было написано одной рукой, благодаря чему он и приобрел величайший авторитет в своемЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1474 - родился Мариотто Альбертинелли, Альбертинелли Мариотто ди Биаджо ди Биндо /Mariotto Albertinelli di Biagio di Bindo/
[260x213](13 октября 1474 – 5 ноября 1515) – итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы.
Биография
Альбертинелли родился 13 октября 1474 года в итальянском городе Флоренция, в семье ювелира Бьяджо ди Биндо Альбертинелли. Отец научил его мастерству своего дела и Альбертинелли следовал его профессии до 20 лет.
Продолжая заниматься золотобитным ремеслом отца, в 12 лет стал учеником Козимо Росселли. В студии своего учителя художник получил свои первые знания о живописи и здесь же сдружился с Баччо дела Порта (известного впоследствии под именем Фра Бартоломмео). Несмотря на совершенно разные характеры, дружба их была настолько крепка, что они стали одним целым. Друзья много и плодотворно работали вместе, чем объясняется сходство их манер («Поклонение младенцу Христу», 1490-е г.).
В 1494 году Баччо ушел от Козимо, чтобы заняться искусством самостоятельно, как мастер. Мариотто ушёл вместе с ним. Так они открыли собственную мастерскую, после чего долгое время оба проживали у Порта Сан Пьеро Гаттолини, выполняя многое совместно. Долгое время Альбертинелли считали двойником Фра Бартоломмео, не отдавая должное его таланту. Но сам Мариотто находился под сильным влиянием своего друга, а время, проведенное вместе, оказалось самым блестящим периодом его творчества, когда он достиг наибольшей монументальности и композиционного совершенства.
Так как Мариотто не так основательно владел рисунком, как Баччо, он обратился к изучению антиков, находившихся тогда во Флоренции, большая и лучшая часть которых была в доме Медичи. Он много раз срисовывал некоторые из небольших плит, высеченных полурельефом в лоджии сада, выходящего к Сан Лоренцо; на одной из них был прекраснейший Адонис с собакой, на другой – две чудеснейшие обнаженные фигуры, одна из которых сидит с собакой у ног, другая же стоит, скрестив ноги и опираясь на палку; были там и две другие таких же размеров, на одной из которых были два путта с перунами Юпитера, а на другой — обнаженный старец, с крыльями за спиной и на щиколотках, и с весами в руках. Помимо этого, сад этот был полон женских и мужских торсов, которые изучал не только Мариотто, но и все скульпторы и живописцы того времени. Большая часть этого хранится ныне в гардеробной герцога Козимо, а другая часть осталась на месте, как, например, два торса Марсия, остались на месте бюсты над окнами и бюсты императоров над дверями.
Изучая эти антики, Мариотто сделал большие успехи в рисунке и поступил на службу к мадонне Альфонсине, матери герцога Лоренцо, оказывавшей ему всяческую помощь, чтобы Мариотто имел возможность совершенствоваться. И действительно, чередуя технику рисование с живописью, он приобрел немалый опыт, как это и обнаружилось в нескольких картинах, написанных им для этой синьоры, посланных ею в Рим для Карло и Джордано Орсини и попавших затем в руки Чезаре Борджа. Написал он с натуры мадонну Альфонсину весьма хорошо, и ему казалось, что в этой к ней близости он уже нашел своё счастье. Однако, когда в 1494 году Пьеро деи Медичи был изгнан, Мариотто лишился этой помощи и этого покровительства и переселился обратно к Баччо, где он с еще большим усердием принялся за изготовление глиняных моделей и за изучение и упорное исследование натуры, а также подражал работам Баччо, почему он в немногие годы и сделался мастером прилежным и опытным. И, видя, что все у него так хорошо получается, он осмелел настолько, подражая манере и повадке товарища, что многие принимали произведения Мариотто за работу Фра Бартоломмео. Однако Альбертинелли не только нежнее и грациознее своего друга, но и подробнее в исполнении.
Когда Баччо дела Порта забросил живопись и ушел из мира в монастырь, Мариотто, потеряв товарища, был в смятении и как потерянный, и столь странным показалось ему это известие, что впал он в отчаяние и ничто его уже не радовало. И если бы вообще Мариотто не питал такого отвращения к общению с монахами, о которых он всегда очень плохо отзывался, и если бы он не принадлежал к противникам партии брата Джироламо Феррарского, то любовь его к Баччо, того гляди, заставила бы и его постричься и уйти в монастырь с товарищем. Однако Джероццо Дини упросил его закончить заказанный им для кладбища и оставленный Баччо незавершенным "Страшный суд", так как манера у обоих была одна и та же. А так как имелся картон, выполненный рукой Баччо, а также и другие рисунки, и закончить эту работу просил его сам Фра Бартоломео, который получил за неё деньги и которого мучила совесть за то, что он не выполнил обязательства, Мариотто довел дело до конца с усердием и любовью так, что многие, об этом ничего не знавшие, думали, что все было написано одной рукой, благодаря чему он и приобрел величайший авторитет в своем
Нож в спину
12-10-2016 18:37
30 сентября был день рождения великого режиссера, создателя Театра на Таганке Юрия Любимова. А ушел Мастер два года назад: 5 октября 2014 года.
В 1980-е годы, после смерти Владимира Высоцкого, обстановка вокруг театра на Таганке накалилась. Власти запретили спектакль, посвящённый памяти поэта.
Юрий Петрович Любимов, несмотря на свой талант и заслуги, был лишён советского гражданства. Это произошло после публикации в британской газете The Times в 1984 году интервью Любимова, в котором режиссёр высказывал свою критическую позицию по поводу культурной политики в СССР.
В момент лишения гражданства Любимов находился в Лондоне, решение было принято заочно, оформлено в виде Указа Президиума Верховного Совета СССР, за подписью Черненко. Так "предательски, словно ножом в спину, освободили от должности художественного руководителя", а после этого лишили советского гражданства. Имя Любимова было снято со всех афиш и программ Таганки, и даже упоминание о нём было поставлено под запрет. Вместо него художественным руководителем Театра на Таганке был назначен Анатолий Эфрос.
Позже, в своих записках к сыну, Юрий Любимов напишет:
"1984 г., 16 июля. В этот день, Петя, стал я человеком без гражданства. Пришла итальянская полиция. Сообщила, что звонил советский консул Турина, настойчиво просил позвонить. Сухо, твёрдо довёл до моего сведения Указ о лишении гражданства СССР. Потребовал встречи и сдачи паспорта. Оставлю как сувенир, а потом посмотрим, что будет через год-два. Спросил, кем же вы меня сделали: грузином, таджиком, французом. Я как был русским, так и остался. Совсем распоясались после смерти Андропова. "В России нет Закона, есть столб, а на столбе корона. А.С. Пушкин". Вот и закончилась двадцатилетняя борьба с обалдевшим советским правительством".
После лишения гражданства он работал в Израиле, США, Англии, Скандинавии, Италии, Германии. Ставил как драматические, так и оперные спектакли. Запад с удовольствием принял Ю. Любимова — Израиль предоставил ему своё гражданство, ему были доступны знаменитые и лучшие театральные сцены, его постановки пользовались большим успехом. "Мы облагодетельствованы его изгнанием!" — заявил Запад в ответ на изгнание Любимова.
В вынужденной эмиграции режиссёр провёл долгих семь лет. "Как бродяга мотался по Европе", — скажет он позже. Но и Европа, и США, и Япония были в восторге от решения советских властей: его спектакль "Преступление и наказание" в Австрии, Англии,США и Италии был удостоен высших театральных премий, по приглашению Ингмара Бергмана в Стокгольмском Королевском драматическом театре он поставил несколько спектаклей, а потом очень долго и успешно гастролировали по всему миру.
В постсоветское время российские власти не оставили Любимова в покое, организовав раздел Театра, травлю Любимова и его уход из Театра в конце жизни.
Беседа в Иерусалиме
В том небольшом интервью Любимов рассказал о работе в театре на Таганке, о совместной с Бродским работе, о Шнитке, о своей работе над операми в Европе, а также об Израиле и своем месте в нашей стране. Упомянул Юрий Любимов и о попытке создания школы театрального искусства в Иерусалиме. Эту идею поддержали Папа Римский, мэр Питера Собчак... И только у родных израильских политиков, а конкретно — у Эхуда Ольмерта, тогдашнего мэра Иерусалима — идея не вызвала энтузиазма.
...Итак, 25 июля 1995 года, Русский культурный центр на ул. Штраус в Иерусалиме. Времени было совсем мало и беседовать с Юрием Петровичем пришлоось в спешке. В конце разговора он пообещал, что после его возвращения из греческо-московского турне осенью мы сможем неспешно поговорить в домашней обстановке.
Я практически не затронул в беседе конфликт в Театре на Таганке, инспирированный властями РФ. Но несколько слов на эту тему Юрий Петрович все же не преминул сказать.
В разговоре было много невеселого. Правда, несмотря на почтенный возраст, Любимов все так же эмоционален, экспрессивен, саркастичен, моложав. Хотя все чаще устаёт. Всё чаще печальная улыбка и горькая ирония...
Марк Эпельзафт Здравствуйте, что нового, Юрий Петрович?
Юрий Любимов Вот, собираемся "Мастер — класс открыть при театральном отделении Иерусалимского университета. Может быть, будет что-то вроде школы.
Марк Эпельзафт Юрий Петрович, зачем ещё одна театральная школа этой махонькой стране?
Юрий Любимов Мне кажется, что идея создать школу в городе, где соседствуют три вам известные религии, в общем-то интересна. Здесь будут учиться люди со всего мира и находить общий язык при помощи искусства — языка театра. Иерусалим для этого — самое подходящее место на Земле.
Марк Эпельзафт Власти нашего города тоже такого мнения?
Юрий Любимов Папа Римский такого мнения. И обещал полную поддержку проекту. Греки дают деньги. И мэр Питера Собчак. Всё упирается в израильские власти. В Ольмерта.
Марк Эпельзафт Как обстоят дела с вашим театром?
Юрий Любимов Я сейчас поставил "Медею" Еврипида в переводах Бродского. Он это делал из любви к грекам и во имя высокогоЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
30 сентября был день рождения великого режиссера, создателя Театра на Таганке Юрия Любимова. А ушел Мастер два года назад: 5 октября 2014 года.
В 1980-е годы, после смерти Владимира Высоцкого, обстановка вокруг театра на Таганке накалилась. Власти запретили спектакль, посвящённый памяти поэта.
Юрий Петрович Любимов, несмотря на свой талант и заслуги, был лишён советского гражданства. Это произошло после публикации в британской газете The Times в 1984 году интервью Любимова, в котором режиссёр высказывал свою критическую позицию по поводу культурной политики в СССР.
В момент лишения гражданства Любимов находился в Лондоне, решение было принято заочно, оформлено в виде Указа Президиума Верховного Совета СССР, за подписью Черненко. Так "предательски, словно ножом в спину, освободили от должности художественного руководителя", а после этого лишили советского гражданства. Имя Любимова было снято со всех афиш и программ Таганки, и даже упоминание о нём было поставлено под запрет. Вместо него художественным руководителем Театра на Таганке был назначен Анатолий Эфрос.
Позже, в своих записках к сыну, Юрий Любимов напишет:
"1984 г., 16 июля. В этот день, Петя, стал я человеком без гражданства. Пришла итальянская полиция. Сообщила, что звонил советский консул Турина, настойчиво просил позвонить. Сухо, твёрдо довёл до моего сведения Указ о лишении гражданства СССР. Потребовал встречи и сдачи паспорта. Оставлю как сувенир, а потом посмотрим, что будет через год-два. Спросил, кем же вы меня сделали: грузином, таджиком, французом. Я как был русским, так и остался. Совсем распоясались после смерти Андропова. "В России нет Закона, есть столб, а на столбе корона. А.С. Пушкин". Вот и закончилась двадцатилетняя борьба с обалдевшим советским правительством".
После лишения гражданства он работал в Израиле, США, Англии, Скандинавии, Италии, Германии. Ставил как драматические, так и оперные спектакли. Запад с удовольствием принял Ю. Любимова — Израиль предоставил ему своё гражданство, ему были доступны знаменитые и лучшие театральные сцены, его постановки пользовались большим успехом. "Мы облагодетельствованы его изгнанием!" — заявил Запад в ответ на изгнание Любимова.
В вынужденной эмиграции режиссёр провёл долгих семь лет. "Как бродяга мотался по Европе", — скажет он позже. Но и Европа, и США, и Япония были в восторге от решения советских властей: его спектакль "Преступление и наказание" в Австрии, Англии,США и Италии был удостоен высших театральных премий, по приглашению Ингмара Бергмана в Стокгольмском Королевском драматическом театре он поставил несколько спектаклей, а потом очень долго и успешно гастролировали по всему миру.
В постсоветское время российские власти не оставили Любимова в покое, организовав раздел Театра, травлю Любимова и его уход из Театра в конце жизни.
Беседа в Иерусалиме
В том небольшом интервью Любимов рассказал о работе в театре на Таганке, о совместной с Бродским работе, о Шнитке, о своей работе над операми в Европе, а также об Израиле и своем месте в нашей стране. Упомянул Юрий Любимов и о попытке создания школы театрального искусства в Иерусалиме. Эту идею поддержали Папа Римский, мэр Питера Собчак... И только у родных израильских политиков, а конкретно — у Эхуда Ольмерта, тогдашнего мэра Иерусалима — идея не вызвала энтузиазма.
...Итак, 25 июля 1995 года, Русский культурный центр на ул. Штраус в Иерусалиме. Времени было совсем мало и беседовать с Юрием Петровичем пришлоось в спешке. В конце разговора он пообещал, что после его возвращения из греческо-московского турне осенью мы сможем неспешно поговорить в домашней обстановке.
Я практически не затронул в беседе конфликт в Театре на Таганке, инспирированный властями РФ. Но несколько слов на эту тему Юрий Петрович все же не преминул сказать.
В разговоре было много невеселого. Правда, несмотря на почтенный возраст, Любимов все так же эмоционален, экспрессивен, саркастичен, моложав. Хотя все чаще устаёт. Всё чаще печальная улыбка и горькая ирония...
Марк Эпельзафт Здравствуйте, что нового, Юрий Петрович?
Юрий Любимов Вот, собираемся "Мастер — класс открыть при театральном отделении Иерусалимского университета. Может быть, будет что-то вроде школы.
Марк Эпельзафт Юрий Петрович, зачем ещё одна театральная школа этой махонькой стране?
Юрий Любимов Мне кажется, что идея создать школу в городе, где соседствуют три вам известные религии, в общем-то интересна. Здесь будут учиться люди со всего мира и находить общий язык при помощи искусства — языка театра. Иерусалим для этого — самое подходящее место на Земле.
Марк Эпельзафт Власти нашего города тоже такого мнения?
Юрий Любимов Папа Римский такого мнения. И обещал полную поддержку проекту. Греки дают деньги. И мэр Питера Собчак. Всё упирается в израильские власти. В Ольмерта.
Марк Эпельзафт Как обстоят дела с вашим театром?
Юрий Любимов Я сейчас поставил "Медею" Еврипида в переводах Бродского. Он это делал из любви к грекам и во имя высокого
Кременчуг сегодня
12-10-2016 11:34
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
12-10-2016 11:30
1705 - родился Эммануэль Эре де Корни /Léopold Emmanuel Héré de Corny/
[614x700]
— французский архитектор, работавший в XVIII веке при дворе герцога Лотарингии Станислава Лещинского.
Биография
Эммануэль Эре де Корни родился 12 октября 1705 года в Нанси, герцогства Лотарингия (на тот момент в составе Священной Римской империи). Первые шаги в архитектуре Эммануэль сделал благодаря своему отцу, служащему при дворе герцога Леопольда I, который помог сыну попасть в помощники Жермену Боффрану /Germain Boffrand/, архитектора герцога Леопольда.
В 1737 году, после того как герцогом Лотарингии стал экс-король Польши Станислав Лещинский, во время строительства шато в Люневиле /Château de Lunéville/, Станислав замечает Эре де Корни и в 1738 году (или в 1740) назначает его главным архитектором герцогства. Эре де Корни является архитектором часовни церкви кармелитов Сен-Жак / Église Saint-Jacques de Lunéville/ в ансамбле Люневильского дворца, а также провёл ряд корректировок по требованию Станислава (считается, что в лице Эре Лещинский, покровительствовавший людям науки, литературы и искусства, нашёл прекрасного исполнителя своих архитектурных замыслов).
Самым известным проектом Эре является проектировка и строительство Королевской площади в Нанси, работа над которым проходила с 1751 по 1755 годы. По своим наброскам, планам и чертежам Эммануэль Эре подготовил собрание гравюр, которое было издано в Париже в 1753 году. Альбом «Plans et Elevations de la Place Royale de Nancy et des autres Edifices qui 1’environnent batie par les Ordres du Roy de Pologne» состоит из двух частей с приложением (первая часть полностью посвящена Королевской площади) и в него входят 63 гравюру Эре[1].
Эре де Корни умер 2 февраля 1763 года в Люневиле. Некоторые сооружения, в частности отделочные работы, завершает архитектор Ришар Мик.
Постройки
К произведениям архитектора Эре де Корни относятся:
Церковь Нотр-Дам-де-Бон-Секур /Église Notre-Dame-de-Bonsecours de Nancy/, построенная в период с 1738 по 1741 годы в Нанси.
Дом королевских миссионеров /hôtel des Missions Royales/, построенный для иезуитов между 1741 и 1743 годами.
Больница Сен-Жульен /hôpital Saint-Julien/.
Шато Базей /Château de Bazeilles/ в Базее (департамент Арденны), законченное в 1750 году.
Площади Нанси
Основные статьи: Площадь Станислава, Плас-д’Альянс, Плас-де-ла-Карьер
Плас-Станислас с триумфальной аркой, 2006 год.
Плас-де-ла-Карьер и Дворец губернатора со стороны Триумфальной арки и Плас-Станислас.
К наиболее известным работам Эммануэля Эре де Корни относится комплекс парадных площадей в Нанси, реализованный в период с 1752 по 1756 годы и состоящий из трёх площадей:
Плас-д’Альянс или Площадь /Place d'Alliance/;
Плас-де-ла-Карьер /Place de la Carrière/;
Плас-Станислас или Площадь Станислава / Place Stanislas/.
Работу над этим проектом Эре де Корни начал по приказу Станисласа Лещинского, герцога Лотарингии. Первой появилась площад Станислава, затем, когда в 1756 году французским королём Людовиком XV и императрицей Марией Терезией Австрийской (женой Франца I, императора Священной Римской империей и бывшего герцога Лотарингского) был подписан Договор об альянсе между Францией и Австрией, была спроектирована и построена Плас-д’Альянс. По заказу Станислава скульптором Поль-Луи Сиффле был создал фонтан в честь Альянса, который был установлен на узле между площадями.
Комплекс носит замкнутый характер, все площади имеют разную форму (Плас-Станислас — прямоугольная, Плас-д’Альянс — овальная, Плас-де-ла-Карьер — вытянутая), а стиль самого градостроительного ансамбля переходит от раннего французского классицизма к рококо и является связующим звеном между средневековыми кварталами Нанси с застройками эпохи Возрождения.
Площади соединены полукруглыми колоннадами и триумфальной аркой, воспроизводящей формы древней арки Септимия Севера. От улиц площади отделены золочёнными решётками, которые вместе с фонтанами и фонарями являются выдающимися памятниками художественного литья. Что примечательно, площадь Станислава, окружённая по периметру роскошными особняками, расположена на территории бывшего герцогского огорода.
В 1983 году все три площади, как единый архитектурный комплекс, были включены ЮНЕСКО в список мирового культурного наследия.
Примечания
Об одном суперэкслибрисе из Библиотеки Эрмитажа (рус.). Геральдика Сегодня.
Eglise Notre-Dame de Bonsecours на официальном сайте исторических монументов Франции.
Алешина Л. С. Искусство 18 века. Архитектура // Всеобщая история искусств. Том 4. Искусство 17-18 веков / Под общей редакцией Колпинского Ю. Д., Ротенберга Е. И.. — М: Искусство, 1963. — Т. IV.
Сто М. Франция XVIII века: Архитектура рококо (рус.). Искусство стран Европы(недоступная ссылка — история). Я — Иностранка:Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1705 - родился Эммануэль Эре де Корни /Léopold Emmanuel Héré de Corny/
[614x700]— французский архитектор, работавший в XVIII веке при дворе герцога Лотарингии Станислава Лещинского.
Биография
Эммануэль Эре де Корни родился 12 октября 1705 года в Нанси, герцогства Лотарингия (на тот момент в составе Священной Римской империи). Первые шаги в архитектуре Эммануэль сделал благодаря своему отцу, служащему при дворе герцога Леопольда I, который помог сыну попасть в помощники Жермену Боффрану /Germain Boffrand/, архитектора герцога Леопольда.
В 1737 году, после того как герцогом Лотарингии стал экс-король Польши Станислав Лещинский, во время строительства шато в Люневиле /Château de Lunéville/, Станислав замечает Эре де Корни и в 1738 году (или в 1740) назначает его главным архитектором герцогства. Эре де Корни является архитектором часовни церкви кармелитов Сен-Жак / Église Saint-Jacques de Lunéville/ в ансамбле Люневильского дворца, а также провёл ряд корректировок по требованию Станислава (считается, что в лице Эре Лещинский, покровительствовавший людям науки, литературы и искусства, нашёл прекрасного исполнителя своих архитектурных замыслов).
Самым известным проектом Эре является проектировка и строительство Королевской площади в Нанси, работа над которым проходила с 1751 по 1755 годы. По своим наброскам, планам и чертежам Эммануэль Эре подготовил собрание гравюр, которое было издано в Париже в 1753 году. Альбом «Plans et Elevations de la Place Royale de Nancy et des autres Edifices qui 1’environnent batie par les Ordres du Roy de Pologne» состоит из двух частей с приложением (первая часть полностью посвящена Королевской площади) и в него входят 63 гравюру Эре[1].
Эре де Корни умер 2 февраля 1763 года в Люневиле. Некоторые сооружения, в частности отделочные работы, завершает архитектор Ришар Мик.
Постройки
К произведениям архитектора Эре де Корни относятся:
Церковь Нотр-Дам-де-Бон-Секур /Église Notre-Dame-de-Bonsecours de Nancy/, построенная в период с 1738 по 1741 годы в Нанси.
Дом королевских миссионеров /hôtel des Missions Royales/, построенный для иезуитов между 1741 и 1743 годами.
Больница Сен-Жульен /hôpital Saint-Julien/.
Шато Базей /Château de Bazeilles/ в Базее (департамент Арденны), законченное в 1750 году.
Площади Нанси
Основные статьи: Площадь Станислава, Плас-д’Альянс, Плас-де-ла-Карьер
Плас-Станислас с триумфальной аркой, 2006 год.
Плас-де-ла-Карьер и Дворец губернатора со стороны Триумфальной арки и Плас-Станислас.
К наиболее известным работам Эммануэля Эре де Корни относится комплекс парадных площадей в Нанси, реализованный в период с 1752 по 1756 годы и состоящий из трёх площадей:
Плас-д’Альянс или Площадь /Place d'Alliance/;
Плас-де-ла-Карьер /Place de la Carrière/;
Плас-Станислас или Площадь Станислава / Place Stanislas/.
Работу над этим проектом Эре де Корни начал по приказу Станисласа Лещинского, герцога Лотарингии. Первой появилась площад Станислава, затем, когда в 1756 году французским королём Людовиком XV и императрицей Марией Терезией Австрийской (женой Франца I, императора Священной Римской империей и бывшего герцога Лотарингского) был подписан Договор об альянсе между Францией и Австрией, была спроектирована и построена Плас-д’Альянс. По заказу Станислава скульптором Поль-Луи Сиффле был создал фонтан в честь Альянса, который был установлен на узле между площадями.
Комплекс носит замкнутый характер, все площади имеют разную форму (Плас-Станислас — прямоугольная, Плас-д’Альянс — овальная, Плас-де-ла-Карьер — вытянутая), а стиль самого градостроительного ансамбля переходит от раннего французского классицизма к рококо и является связующим звеном между средневековыми кварталами Нанси с застройками эпохи Возрождения.
Площади соединены полукруглыми колоннадами и триумфальной аркой, воспроизводящей формы древней арки Септимия Севера. От улиц площади отделены золочёнными решётками, которые вместе с фонтанами и фонарями являются выдающимися памятниками художественного литья. Что примечательно, площадь Станислава, окружённая по периметру роскошными особняками, расположена на территории бывшего герцогского огорода.
В 1983 году все три площади, как единый архитектурный комплекс, были включены ЮНЕСКО в список мирового культурного наследия.
Примечания
Об одном суперэкслибрисе из Библиотеки Эрмитажа (рус.). Геральдика Сегодня.
Eglise Notre-Dame de Bonsecours на официальном сайте исторических монументов Франции.
Алешина Л. С. Искусство 18 века. Архитектура // Всеобщая история искусств. Том 4. Искусство 17-18 веков / Под общей редакцией Колпинского Ю. Д., Ротенберга Е. И.. — М: Искусство, 1963. — Т. IV.
Сто М. Франция XVIII века: Архитектура рококо (рус.). Искусство стран Европы(недоступная ссылка — история). Я — Иностранка:
В этот день
11-10-2016 16:18
1937 - скончался Григорий Иванович Гуркин (12 января 1870 — 11 октября 1937) —
[289x401]
российский и советский художник, ученик И. И. Шишкина.
По происхождению — алтаец, считал себя потомком теленгитского хана Коная и представителем рода чорос.
Биография
Гуркин родился в 1870 году в селе Улала (ныне Горно-Алтайск) в крещёной семье. В 1878 году был отдан в класс иконописания школы при Алтайской духовной миссии.
После окончания миссионерской школы некоторое время работал учителем, но, долго не выдержав, обратился к иконописи. В 1896 году Гуркин знакомится с собирателем алтайского фольклора А. В. Анохиным, открывшим молодому художнику мир современной живописи.
Первая картина, с которой он попытался попасть в Академию («Ночь жертвы»), полна таинственности и наивности. Православный по рождению и воспитанию, художник весьма смутно представлял себе быт и религию алтайцев. Лишь позднее, в годы творческого рассвета, автор всерьёз занялся изучением алтайского быта, оставив тысячи рисунков, возможно, не столько художественной, сколько этнографической ценности.
Недолго учился у И. И. Шишкина (на глазах у Гуркина тот скоропостижно скончался, работая за мольбертом), затем — у А. А. Киселева, в классе которого он был вольнослушателем Академии. Мэтры открыли его истинное призвание — пейзаж. После недолгого периода подражания Шишкину художник встаёт на собственный путь. Уже в течение 1903—1905 годов он пишет ряд картин, характеризующих зрелого мастера.
В 1903 году художник возвращается на Алтай, обосновывается в Анос (недалеко от знаменитого ныне курорта Чемал), работает учителем, женится.
Творчество
Примерно с 1905 года начинается творческая зрелость художника. За десятилетие (1905—1915) Гуркиным были созданы такие значительные произведения, как «Катунь весной» (1903), «Озеро в Лаже» (1907), «Хан Алтай» (1907), «Река Ядыгем» (1909), «Каракол» (1909), «Ледоход» (1909), «Алтай. Горная долина» (1909), «Корона Катуни» (1910), «Озеро горных духов» (1910) и другие.
В 1906—1907 годах в Томске, губернском центре Томской губернии, куда входил и Горный Алтай, устраивается выставка художника. Это было время расцвета сибирской культуры. Томскому просветителю Г. И. Потанину удаётся собрать вокруг себя культурную интеллигенцию практически всей Западной Сибири: писателей, журналистов, артистов. Он неутомимо разыскивал и поддерживал всё мало-мальски талантливое вокруг. В такой атмосфере Гуркин быстро завоевал признание. В течение 1906—1915 годов художник объездил с выставками всю Сибирь и стал признанным классиком сибирской живописи.
Постепенно алтайский художник от изображения конкретной натуры в ранних работах переходит к созданию большой композиционной картины с передачей характера алтайского пейзажа. Так возникает «Хан-Алтай» (1912 года, картина, первый вариант которой относится к 1903 году, а последний создан незадолго до смерти. В лучших своих работах он стремится к созданию собирательного образа величавой природы Алтая.
К другой, стержневой в его эволюции картине «Озеро горных духов» (Красноярский государственный художественный музей им. В. И. Сурикова) Гуркин шёл через длинный ряд работ, связанных общим мотивом. Мотив этот — реки и озёра, сбросившие оковы льда. Одной из первых по времени исполнения в этом ряду стоит картина Озеро Лаже с её ясной умиротворенностью и величавостью. Низко нависшие облака и свинцовые, доходящие местами до черноты воды озера создают образ сурового, безлюдного края (Горное озеро, Каракольское озеро).
Параллельно с пейзажными художник работает и в других жанрах, но менее успешно.
Ценителями творчества Гуркина были томские купцы Гадаловы.
Участие в событиях 1917—1920 годов
12 мая 1917 года он выступил в Томске на первой сессии губернского народного собрания с докладом «Об Алтае и его нуждах» и сделал заявление о выделении инородцев Алтая в самостоятельный уезд. Первая сессия Томского губернского собрания вынесла своё решение в пользу инородцев, представив им право на самоопределение. Решающее слово было дано Григорием Потаниным. Как учёный и политик он преследовал одну цель — объединение народа теле в самостоятельную республику Алтай в составе Российского государства — это русский Алтай, земли Минусинских туземцев, Урянхай, монгольский Алтай и Джунгарию (китайский Алтай). Впервые данный вопрос стал предметом обсуждения на указанном Учредительном съезде 22 февраля 1918 года, где было принято решение об объединении в самостоятельную республику земель, входивших некогда в состав государства Ойрот.
Важный период жизни и творчества Гуркина (1917—1937) связан с событиями революции, Гражданской войны и установления Советской власти в Сибири. В 1917 году на волне революции создаётся государственное образование алтайцев (Каракорум-Алтайская окружная управа), и художника, как самого известногоЧитать далее...
комментарии: 1
понравилось!
вверх^
к полной версии
1937 - скончался Григорий Иванович Гуркин (12 января 1870 — 11 октября 1937) —
[289x401]российский и советский художник, ученик И. И. Шишкина.
По происхождению — алтаец, считал себя потомком теленгитского хана Коная и представителем рода чорос.
Биография
Гуркин родился в 1870 году в селе Улала (ныне Горно-Алтайск) в крещёной семье. В 1878 году был отдан в класс иконописания школы при Алтайской духовной миссии.
После окончания миссионерской школы некоторое время работал учителем, но, долго не выдержав, обратился к иконописи. В 1896 году Гуркин знакомится с собирателем алтайского фольклора А. В. Анохиным, открывшим молодому художнику мир современной живописи.
Первая картина, с которой он попытался попасть в Академию («Ночь жертвы»), полна таинственности и наивности. Православный по рождению и воспитанию, художник весьма смутно представлял себе быт и религию алтайцев. Лишь позднее, в годы творческого рассвета, автор всерьёз занялся изучением алтайского быта, оставив тысячи рисунков, возможно, не столько художественной, сколько этнографической ценности.
Недолго учился у И. И. Шишкина (на глазах у Гуркина тот скоропостижно скончался, работая за мольбертом), затем — у А. А. Киселева, в классе которого он был вольнослушателем Академии. Мэтры открыли его истинное призвание — пейзаж. После недолгого периода подражания Шишкину художник встаёт на собственный путь. Уже в течение 1903—1905 годов он пишет ряд картин, характеризующих зрелого мастера.
В 1903 году художник возвращается на Алтай, обосновывается в Анос (недалеко от знаменитого ныне курорта Чемал), работает учителем, женится.
Творчество
Примерно с 1905 года начинается творческая зрелость художника. За десятилетие (1905—1915) Гуркиным были созданы такие значительные произведения, как «Катунь весной» (1903), «Озеро в Лаже» (1907), «Хан Алтай» (1907), «Река Ядыгем» (1909), «Каракол» (1909), «Ледоход» (1909), «Алтай. Горная долина» (1909), «Корона Катуни» (1910), «Озеро горных духов» (1910) и другие.
В 1906—1907 годах в Томске, губернском центре Томской губернии, куда входил и Горный Алтай, устраивается выставка художника. Это было время расцвета сибирской культуры. Томскому просветителю Г. И. Потанину удаётся собрать вокруг себя культурную интеллигенцию практически всей Западной Сибири: писателей, журналистов, артистов. Он неутомимо разыскивал и поддерживал всё мало-мальски талантливое вокруг. В такой атмосфере Гуркин быстро завоевал признание. В течение 1906—1915 годов художник объездил с выставками всю Сибирь и стал признанным классиком сибирской живописи.
Постепенно алтайский художник от изображения конкретной натуры в ранних работах переходит к созданию большой композиционной картины с передачей характера алтайского пейзажа. Так возникает «Хан-Алтай» (1912 года, картина, первый вариант которой относится к 1903 году, а последний создан незадолго до смерти. В лучших своих работах он стремится к созданию собирательного образа величавой природы Алтая.
К другой, стержневой в его эволюции картине «Озеро горных духов» (Красноярский государственный художественный музей им. В. И. Сурикова) Гуркин шёл через длинный ряд работ, связанных общим мотивом. Мотив этот — реки и озёра, сбросившие оковы льда. Одной из первых по времени исполнения в этом ряду стоит картина Озеро Лаже с её ясной умиротворенностью и величавостью. Низко нависшие облака и свинцовые, доходящие местами до черноты воды озера создают образ сурового, безлюдного края (Горное озеро, Каракольское озеро).
Параллельно с пейзажными художник работает и в других жанрах, но менее успешно.
Ценителями творчества Гуркина были томские купцы Гадаловы.
Участие в событиях 1917—1920 годов
12 мая 1917 года он выступил в Томске на первой сессии губернского народного собрания с докладом «Об Алтае и его нуждах» и сделал заявление о выделении инородцев Алтая в самостоятельный уезд. Первая сессия Томского губернского собрания вынесла своё решение в пользу инородцев, представив им право на самоопределение. Решающее слово было дано Григорием Потаниным. Как учёный и политик он преследовал одну цель — объединение народа теле в самостоятельную республику Алтай в составе Российского государства — это русский Алтай, земли Минусинских туземцев, Урянхай, монгольский Алтай и Джунгарию (китайский Алтай). Впервые данный вопрос стал предметом обсуждения на указанном Учредительном съезде 22 февраля 1918 года, где было принято решение об объединении в самостоятельную республику земель, входивших некогда в состав государства Ойрот.
Важный период жизни и творчества Гуркина (1917—1937) связан с событиями революции, Гражданской войны и установления Советской власти в Сибири. В 1917 году на волне революции создаётся государственное образование алтайцев (Каракорум-Алтайская окружная управа), и художника, как самого известного
В этот день
11-10-2016 10:20
Баренд Корнелис Куккук (нидерл. Barend Cornelis Koekkoek, 11 октября 1803, Мидделбург — 5 апреля 1862, Клеве)
[402x301]
[306x399]
[300x399]
— нидерландский художник.
Жизнь и творчество
Родился в семье художника-пейзажиста. Изучал живопись в Королевской академии изобразительных искусств в Амстердаме. Уже в молодости пейзажи кисти Б. К. Куккука пользовались популярностью.
В 1833 художник женился на дочери своего учителя и друга Ж. О. Довиля, Элизе Терезе; в этом браке родились 5 дочерей. Будучи признанным живописцем, Б. Куккук заслужил в Нидерландах титул «князь художников».
В 1834 году он переехал в Клеве, и в 1841 открыл в этом городе свою художественную академию и школу рисования, привлёкшую к себе внимание многих нидерландских живописцев.
В 1842—1848 годах он построил в центре Клеве «Дворец художников» с мастерской (Дом Куккук). Здание, построенное в стиле нидерландского романтизма, является ныне художественным музеем и одним из красивейших архитектурных памятников середины XIX столетия в немецком Рейнланде и прилегающих к нему районах Нидерландов.
После смерти художника основанную им Академию искусств возглавил ученик Куккука и также талантливый пейзажист Иоганн Бернгард Кломбек.
Награды
За свои заслуги в области живописи Б. К. Куккук стал кавалером:
ордена Нидерландского льва (1839; рыцарь),
бельгийского ордена Леопольда I (1842),
французского ордена Почётного легиона (1843) и
прусского ордена Красного орла (1844).
В 1829 году он получил в Амстердаме золотую медаль Felix Meritis. В 1839 — золотые медали на выставках в Брюсселе и Гааге. В 1843 году — золотую медаль Парижского салона.
В 1832 году Куккук стал членом Королевской академии художеств в Амстердаме, в 1856 — почётным членом Бельгийского общества акварелистов в Брюсселе, а в 1861 — почётным членом Академии художеств Санкт-Петербурга.
Литература
Barend Cornelis Koekkoek (1803—1862): seine Familie, seine Schule und das B.C. Koekkoek-Haus in Kleve. Hrsg.: «Freundeskreis Museum Kurhaus und Koekkoek-Haus Kleve e.V». [Texte: Angelika Nollert, Guido de Werd]. — 3., überarb. Aufl. — Kleve: Freundeskreis Museum Kurhaus und Koekkoek-Haus Kleve, 2000. — ISBN 3-9805641-9-3
Barend Cornelis Koekkoek (1803—1862): Prinz der Landschaftsmaler; Katalog anlässlich der Ausstellung im Dordrechts Museum, Dodrecht, vom 18. Mai bis 31. August 1997 und im Museum Haus Koekkoek, Kleve, Herbst 1997. Hrsg.: Angelika Nollert. — Dordrecht: Dordrechts Museum, 1997. — ISBN 90-400-9960-X
[525x700]
[532x699]
[554x699]
[583x700]
[700x528]
[700x502]
[700x590]
[700x582]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Баренд Корнелис Куккук (нидерл. Barend Cornelis Koekkoek, 11 октября 1803, Мидделбург — 5 апреля 1862, Клеве)
[402x301] [306x399] [300x399]— нидерландский художник.
Жизнь и творчество
Родился в семье художника-пейзажиста. Изучал живопись в Королевской академии изобразительных искусств в Амстердаме. Уже в молодости пейзажи кисти Б. К. Куккука пользовались популярностью.
В 1833 художник женился на дочери своего учителя и друга Ж. О. Довиля, Элизе Терезе; в этом браке родились 5 дочерей. Будучи признанным живописцем, Б. Куккук заслужил в Нидерландах титул «князь художников».
В 1834 году он переехал в Клеве, и в 1841 открыл в этом городе свою художественную академию и школу рисования, привлёкшую к себе внимание многих нидерландских живописцев.
В 1842—1848 годах он построил в центре Клеве «Дворец художников» с мастерской (Дом Куккук). Здание, построенное в стиле нидерландского романтизма, является ныне художественным музеем и одним из красивейших архитектурных памятников середины XIX столетия в немецком Рейнланде и прилегающих к нему районах Нидерландов.
После смерти художника основанную им Академию искусств возглавил ученик Куккука и также талантливый пейзажист Иоганн Бернгард Кломбек.
Награды
За свои заслуги в области живописи Б. К. Куккук стал кавалером:
ордена Нидерландского льва (1839; рыцарь),
бельгийского ордена Леопольда I (1842),
французского ордена Почётного легиона (1843) и
прусского ордена Красного орла (1844).
В 1829 году он получил в Амстердаме золотую медаль Felix Meritis. В 1839 — золотые медали на выставках в Брюсселе и Гааге. В 1843 году — золотую медаль Парижского салона.
В 1832 году Куккук стал членом Королевской академии художеств в Амстердаме, в 1856 — почётным членом Бельгийского общества акварелистов в Брюсселе, а в 1861 — почётным членом Академии художеств Санкт-Петербурга.
Литература
Barend Cornelis Koekkoek (1803—1862): seine Familie, seine Schule und das B.C. Koekkoek-Haus in Kleve. Hrsg.: «Freundeskreis Museum Kurhaus und Koekkoek-Haus Kleve e.V». [Texte: Angelika Nollert, Guido de Werd]. — 3., überarb. Aufl. — Kleve: Freundeskreis Museum Kurhaus und Koekkoek-Haus Kleve, 2000. — ISBN 3-9805641-9-3
Barend Cornelis Koekkoek (1803—1862): Prinz der Landschaftsmaler; Katalog anlässlich der Ausstellung im Dordrechts Museum, Dodrecht, vom 18. Mai bis 31. August 1997 und im Museum Haus Koekkoek, Kleve, Herbst 1997. Hrsg.: Angelika Nollert. — Dordrecht: Dordrechts Museum, 1997. — ISBN 90-400-9960-X
[525x700] [532x699] [554x699] [583x700] [700x528] [700x502] [700x590] [700x582]
В этот день
10-10-2016 15:10
1622 - крещен Иоганн Лингельбах/Johann(es) Lingelbach/(10 октября 1622, Франкфурт на Майне — 1674, Амстердам)
[242x400]
— немецкий художник эпохи барокко.
Жизнь и творчество
В возрасте 15 лет И.Лингельбах вместе со своей семьёй переезжает в Амстердам; его отец — механик по профессии. Живопись будущий художник сперва изучает в Голландии, с 1642 года — в Париже и с 1644 года — в Риме.
В 1653 году он возвращается в Амстердам и женится. Известен своими многочисленными пейзажами и военными сценами, в которых ощутимо влияние итальянской живописи. Работал также для других живописцев, подрисовывая на их полотнах различные детали и второй план. Полотна И. Лингельбаха хранятся во многих картинных галереях Европы.
Галерея
Битва на Мильвском мосту (ок.1650)
Карнавал в Риме (1650-51)
Разорение Рима в 1527 году
Фламандский город, осаждённый испанцами (ок.1674)
Ян Хакерт Пейзаж, Иоганн Лингельбах - фигуры на дороге
[594x700]
[700x366]
[700x361]
[700x433]
[700x541]
[700x585]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1622 - крещен Иоганн Лингельбах/Johann(es) Lingelbach/(10 октября 1622, Франкфурт на Майне — 1674, Амстердам)
[242x400]— немецкий художник эпохи барокко.
Жизнь и творчество
В возрасте 15 лет И.Лингельбах вместе со своей семьёй переезжает в Амстердам; его отец — механик по профессии. Живопись будущий художник сперва изучает в Голландии, с 1642 года — в Париже и с 1644 года — в Риме.
В 1653 году он возвращается в Амстердам и женится. Известен своими многочисленными пейзажами и военными сценами, в которых ощутимо влияние итальянской живописи. Работал также для других живописцев, подрисовывая на их полотнах различные детали и второй план. Полотна И. Лингельбаха хранятся во многих картинных галереях Европы.
Галерея
Битва на Мильвском мосту (ок.1650)
Карнавал в Риме (1650-51)
Разорение Рима в 1527 году
Фламандский город, осаждённый испанцами (ок.1674)
Ян Хакерт Пейзаж, Иоганн Лингельбах - фигуры на дороге
[594x700] [700x366] [700x361] [700x433] [700x541] [700x585]
В этот день
08-10-2016 10:36
1868 - родился Макс Слефогт /Franz Theodor Max Slevogt/(8 октября 1868, Ландсхут — 20 сентября 1932, Лайнсвайлер)
[402x304]
[287x400]
[300x400]
— немецкий художник-импрессионист, график, сценограф, иллюстратор.
Макс Слефогт занимает особое место в пейзажной живописи. Вместе с Ловисом Коринтом и Максом Либерманом Слефогта относят к последним представителям пленэрной живописи.
Биография
В 1885—1889 учился в художественной академии Мюнхена у Вильгельма Дица. В 1889 приехал в Париж, занимался в академии Жюлиана. В 1896 году начал работать как карикатурист в журнале «Симплициссимус». В 1897 году состоялась его первая персональная выставка в Вене.
В 1900 году Слефогт ещё раз побывал в Париже и был глубоко впечатлен там живописью Эдуара Мане. В 1901 г. присоединился к Берлинскому сецессиону.
В 1914 году путешествовал по Египту и Италии. В годы войны работал художником на Западном фронте. После войны работал сценографом и в частности над декорациями к Дону Жуану Моцарта в Государственной опере Дрездена (1924).
[353x700]
[454x700]
[500x700]
[506x700]
[522x700]
[572x700]
[614x700]
[700x531]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1868 - родился Макс Слефогт /Franz Theodor Max Slevogt/(8 октября 1868, Ландсхут — 20 сентября 1932, Лайнсвайлер)
[402x304] [287x400] [300x400]— немецкий художник-импрессионист, график, сценограф, иллюстратор.
Макс Слефогт занимает особое место в пейзажной живописи. Вместе с Ловисом Коринтом и Максом Либерманом Слефогта относят к последним представителям пленэрной живописи.
Биография
В 1885—1889 учился в художественной академии Мюнхена у Вильгельма Дица. В 1889 приехал в Париж, занимался в академии Жюлиана. В 1896 году начал работать как карикатурист в журнале «Симплициссимус». В 1897 году состоялась его первая персональная выставка в Вене.
В 1900 году Слефогт ещё раз побывал в Париже и был глубоко впечатлен там живописью Эдуара Мане. В 1901 г. присоединился к Берлинскому сецессиону.
В 1914 году путешествовал по Египту и Италии. В годы войны работал художником на Западном фронте. После войны работал сценографом и в частности над декорациями к Дону Жуану Моцарта в Государственной опере Дрездена (1924).
[353x700] [454x700] [500x700] [506x700] [522x700] [572x700] [614x700] [700x531]
Кременчуг сегодня
07-10-2016 13:06
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
07-10-2016 12:37
1675 - родилась Розальба Каррьера (иногда Каррера) (итал. Rosalba Carriera, 7 октября 1675, Кьоджа — 15 апреля 1757, Венеция)
[320x400]
— итальянская художница и миниатюристка Венецианской школы, один из главных представителей стиля рококо в искусстве Италии и Франции.
Биография и творчество
Дочь кружевницы. По предположению ряда исследователей, училась у своей матери и начинала как декоратор табакерок из слоновой кости (предназначавшихся для продажи туристам); отсюда — её интерес к портретной миниатюре.
В возрасте 25 лет за свои работы была избрана в гильдию художников — Академию Святого Луки в Риме.
В 1716 году познакомилась в Венеции с крупным финансистом и знаменитым коллекционером Пьером Кроза и по его совету в марте 1720 года вместе с семьей переехала в Париж, где её пастели имели огромный успех, став одним из импульсов для нарождающегося искусства рококо.
Во французской столице получила заказ на 36 портретов членов королевской семьи (в том числе написала портрет дофина Людовика — будущего короля Людовика XV — одну из лучших своих работ).
В Париже она вела дневники и обширную переписку, познакомилась с Ватто, написала его портрет.
Её учеником в Париже стал самый яркий представитель рококо в шведской живописи Густаф Лундберг.
В том же году была избрана членом Французской Королевской Академии живописи; в следующем (1721) году вернулась в Венецию, в свой дом на Большом Канале.
В 1730 году Каррьера покинула Венецию, 6 месяцев работала в Вене, при дворе императора Карла VI, её ценителя и патрона.
Ученицей Каррьеры в Вене была дочь Карла VI, будущая императрица Мария Терезия.
Работы Каррьеры были необычайно популярны в Европе при монарших дворах и у знати, секрет этого успеха понятен, — все её портреты исполнены нежнейшего очарования, её персонажи — улыбчивы, красивы (и весьма приукрашены), их внутренний мир полон тонкого очарования, женственности, легкости (столь близкими художественному мировоззрению рококо).
К 1750-м годам художница потеряла зрение: две операции по удалению катаракты не помогли, и художница до конца дней осталась слепой.
В XIX и начале XX века на волне феминистского движения были созданы несколько её биографий, немецкая писательница Микаэла Яри написала о ней исторический роман.
Тексты
Diario degli anni 1720 e 1721 scritto di propria mani in Parigi. Venezia, 1793
Journal de Rosalba Carriera pendant son séjour à Paris en 1720 et 1721. Paris: J. Techener, 1865
Rosalba’s journal, and other papers/Austin Dobson, ed. London: Chatto & Windus, 1915
Lettere, diari, frammenti/ Bernardina Sani, ed. Firenze: L.S. Olschki, 1985
Литература[править | править вики-текст]
Walther A. Rosalba Carriera. Dresden: VEB Verlag der Kunst, 1984.
Sani B. Rosalba Carriera. Torino: U. Allemandi; Milano: Messaggerie libri, 1988
Panzeri L. Rosalba Carriera. Mirano: Eidos, 2002
Jary M. Die Pastellkönigin: historischer Roman. München: Droemer, 2005
Mehler U. Rosalba Carriera 1673—1757: die Bildnismalerin des 18. Jahrhunderts. Königstein im Taunus: Ortensia Koenigstein, 2006
Примечания[править | править вики-текст]
↑ Энциклопедия Британника
Ссылки[править | править вики-текст]
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Розальба Каррера
Работы в музеях мира
Живопись on line
Статья в Британской энциклопедии
[529x700]
[532x700]
[536x700]
[533x700]
[572x700]
[575x700]
![]()
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1675 - родилась Розальба Каррьера (иногда Каррера) (итал. Rosalba Carriera, 7 октября 1675, Кьоджа — 15 апреля 1757, Венеция)
[320x400]— итальянская художница и миниатюристка Венецианской школы, один из главных представителей стиля рококо в искусстве Италии и Франции.
Биография и творчество
Дочь кружевницы. По предположению ряда исследователей, училась у своей матери и начинала как декоратор табакерок из слоновой кости (предназначавшихся для продажи туристам); отсюда — её интерес к портретной миниатюре.
В возрасте 25 лет за свои работы была избрана в гильдию художников — Академию Святого Луки в Риме.
В 1716 году познакомилась в Венеции с крупным финансистом и знаменитым коллекционером Пьером Кроза и по его совету в марте 1720 года вместе с семьей переехала в Париж, где её пастели имели огромный успех, став одним из импульсов для нарождающегося искусства рококо.
Во французской столице получила заказ на 36 портретов членов королевской семьи (в том числе написала портрет дофина Людовика — будущего короля Людовика XV — одну из лучших своих работ).
В Париже она вела дневники и обширную переписку, познакомилась с Ватто, написала его портрет.
Её учеником в Париже стал самый яркий представитель рококо в шведской живописи Густаф Лундберг.
В том же году была избрана членом Французской Королевской Академии живописи; в следующем (1721) году вернулась в Венецию, в свой дом на Большом Канале.
В 1730 году Каррьера покинула Венецию, 6 месяцев работала в Вене, при дворе императора Карла VI, её ценителя и патрона.
Ученицей Каррьеры в Вене была дочь Карла VI, будущая императрица Мария Терезия.
Работы Каррьеры были необычайно популярны в Европе при монарших дворах и у знати, секрет этого успеха понятен, — все её портреты исполнены нежнейшего очарования, её персонажи — улыбчивы, красивы (и весьма приукрашены), их внутренний мир полон тонкого очарования, женственности, легкости (столь близкими художественному мировоззрению рококо).
К 1750-м годам художница потеряла зрение: две операции по удалению катаракты не помогли, и художница до конца дней осталась слепой.
В XIX и начале XX века на волне феминистского движения были созданы несколько её биографий, немецкая писательница Микаэла Яри написала о ней исторический роман.
Тексты
Diario degli anni 1720 e 1721 scritto di propria mani in Parigi. Venezia, 1793
Journal de Rosalba Carriera pendant son séjour à Paris en 1720 et 1721. Paris: J. Techener, 1865
Rosalba’s journal, and other papers/Austin Dobson, ed. London: Chatto & Windus, 1915
Lettere, diari, frammenti/ Bernardina Sani, ed. Firenze: L.S. Olschki, 1985
Литература[править | править вики-текст]
Walther A. Rosalba Carriera. Dresden: VEB Verlag der Kunst, 1984.
Sani B. Rosalba Carriera. Torino: U. Allemandi; Milano: Messaggerie libri, 1988
Panzeri L. Rosalba Carriera. Mirano: Eidos, 2002
Jary M. Die Pastellkönigin: historischer Roman. München: Droemer, 2005
Mehler U. Rosalba Carriera 1673—1757: die Bildnismalerin des 18. Jahrhunderts. Königstein im Taunus: Ortensia Koenigstein, 2006
Примечания[править | править вики-текст]
↑ Энциклопедия Британника
Ссылки[править | править вики-текст]
Логотип Викисклада На Викискладе есть медиафайлы по теме Розальба Каррера
Работы в музеях мира
Живопись on line
Статья в Британской энциклопедии
[529x700] [532x700] [536x700] [533x700] [572x700] [575x700]
Кременчуг сегодня
06-10-2016 14:29
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
06-10-2016 12:55
1807 - родился Франци́ск Смугле́вич (Францишек Смуглевич, польск. Franciszek Smuglewicz, лит. Pranciškus Smuglevičius, 6 октября 1745, Варшава — 6 (18) сентября 1807, Вильна)
[300x401]
— польский художник, основоположник литовской национальной школы живописи.
Биография
Первыми учителями были отец художник Лукаш Смуглевич (помимо Франциска, ещё четыре его сына связаны с изобразительным искусством) и родственник Шимон Чехович.
В 1763—1764 годах учился в Риме у Антона фон Марона, с 1765 года как стипендиат короля Станислава Августа в римской Академии святого Луки.
В 1784 году вернулся в Варшаву. В 1785 году и, после перерыва, с 1797 года жил и работал в Вильне, в 1786—1797 годах в Варшаве, где основал частную школу живописи.
Основал кафедру живописи и рисунка в Главной виленской школе, в 1803 году преобразованной в императорский Виленский университет, и заведовал ею; профессор (1797). В 1800—1801 годах жил и работал в Санкт-Петербурге, в частности оформлял интерьеры Михайловского замка.
Был похоронен на кладбище Росса (Расу) в Вильне. Однако точное место его захоронения было неизвестно уже в конце XIX века.
Творчество
Живопись по своему характеру классицистическая (преимущественно картины на темы древней истории и Библии, портреты; бытовые сцены), с элементами барокко. Писал картины для костёлов Варшавы и других городов Польши. В вильнюсском костёле Святых Петра и Павла находится одно из полотен Смуглевича на религиозную тему — «Прощание св. Петра и Павла» (1804).
Автор цикла акварелей с видами архитектурных памятников Вильны (1785; Художественный музей Литвы), имеющих значение источника ценной иконографической информации об исчезнувших или необратимо изменившихся сооружениях. Благодаря многочисленным репродукциям широко известны акварели Смуглевича, зафиксировавшие ворота виленской городской стены и развалины королевского замка в Вильне.
В 1802 году вместе с братом Антонием Смуглевичем декорировал зал заседаний в Главной виленской школе, ныне Зал Смуглявичюса Вильнюсского университета (читальный зал редкой книги библиотеки Вильнюсского университета).
Творчество оказало большое влияние на развитие литовского изобразительного искусства.
Литовские крестьяне
Персидские послы у короля Эфиопии. Ок. 1785 (Художественный музей Литвы, Вильнюс).
Скифские послы у Дария. Ок. 1785 (Художественный музей Литвы, Вильнюс).
Портрет семьи Прозор. 1789 (Национальный музей, Варшава).
Присяга Тадеуша Костюшко на краковском рынке. 1797 (Национальный музей, Познань).
Эстер перед Артаксерксом. 1778
Известные произведения[править | править вики-текст]
«Литовские крестьяне» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Смерть Виргинии» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Скифские послы у Дария» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Портрет семьи Прозор» (1789, Национальный музей, Варшава)
«Присяга Костюшко» (1797, Национальный музей, Познань)
Литература
Pranciškus Smuglevičius ir jo epocha. Vilnius: Vilniaus dailės akademijos leidykla, 1997. — ISSN 1392-0316
Ссылки
Смуглевич в экспозиции Вильнюсской картинной галереи
Professor Pranciskus Smuglevicius
[551x700]
[556x700]
[555x700]
[700x412]
[700x466]
[700x564]
[700x612]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1807 - родился Франци́ск Смугле́вич (Францишек Смуглевич, польск. Franciszek Smuglewicz, лит. Pranciškus Smuglevičius, 6 октября 1745, Варшава — 6 (18) сентября 1807, Вильна)
[300x401]— польский художник, основоположник литовской национальной школы живописи.
Биография
Первыми учителями были отец художник Лукаш Смуглевич (помимо Франциска, ещё четыре его сына связаны с изобразительным искусством) и родственник Шимон Чехович.
В 1763—1764 годах учился в Риме у Антона фон Марона, с 1765 года как стипендиат короля Станислава Августа в римской Академии святого Луки.
В 1784 году вернулся в Варшаву. В 1785 году и, после перерыва, с 1797 года жил и работал в Вильне, в 1786—1797 годах в Варшаве, где основал частную школу живописи.
Основал кафедру живописи и рисунка в Главной виленской школе, в 1803 году преобразованной в императорский Виленский университет, и заведовал ею; профессор (1797). В 1800—1801 годах жил и работал в Санкт-Петербурге, в частности оформлял интерьеры Михайловского замка.
Был похоронен на кладбище Росса (Расу) в Вильне. Однако точное место его захоронения было неизвестно уже в конце XIX века.
Творчество
Живопись по своему характеру классицистическая (преимущественно картины на темы древней истории и Библии, портреты; бытовые сцены), с элементами барокко. Писал картины для костёлов Варшавы и других городов Польши. В вильнюсском костёле Святых Петра и Павла находится одно из полотен Смуглевича на религиозную тему — «Прощание св. Петра и Павла» (1804).
Автор цикла акварелей с видами архитектурных памятников Вильны (1785; Художественный музей Литвы), имеющих значение источника ценной иконографической информации об исчезнувших или необратимо изменившихся сооружениях. Благодаря многочисленным репродукциям широко известны акварели Смуглевича, зафиксировавшие ворота виленской городской стены и развалины королевского замка в Вильне.
В 1802 году вместе с братом Антонием Смуглевичем декорировал зал заседаний в Главной виленской школе, ныне Зал Смуглявичюса Вильнюсского университета (читальный зал редкой книги библиотеки Вильнюсского университета).
Творчество оказало большое влияние на развитие литовского изобразительного искусства.
Литовские крестьяне
Персидские послы у короля Эфиопии. Ок. 1785 (Художественный музей Литвы, Вильнюс).
Скифские послы у Дария. Ок. 1785 (Художественный музей Литвы, Вильнюс).
Портрет семьи Прозор. 1789 (Национальный музей, Варшава).
Присяга Тадеуша Костюшко на краковском рынке. 1797 (Национальный музей, Познань).
Эстер перед Артаксерксом. 1778
Известные произведения[править | править вики-текст]
«Литовские крестьяне» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Смерть Виргинии» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Скифские послы у Дария» (Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы)
«Портрет семьи Прозор» (1789, Национальный музей, Варшава)
«Присяга Костюшко» (1797, Национальный музей, Познань)
Литература
Pranciškus Smuglevičius ir jo epocha. Vilnius: Vilniaus dailės akademijos leidykla, 1997. — ISSN 1392-0316
Ссылки
Смуглевич в экспозиции Вильнюсской картинной галереи
Professor Pranciskus Smuglevicius
[551x700] [556x700] [555x700] [700x412] [700x466] [700x564] [700x612]
В этот день
05-10-2016 10:17
1712 - родился Франческо Лаццаро Гварди /Francesco Lazzaro Guardi/(5 октября 1712, Венеция — 1 января 1793, там же)
[292x400]
— итальянский художник, видный представитель венецианской школы ведутистов.
Биография
Сын художника, в четырехлетнем возрасте потерял отца. Художниками были его братья, художником стал и его сын Джакомо. Сестра Франческо, Мария Чечилия, была замужем за Джованни Баттистой Тьеполо.
Значение
Оценённый по достоинству лишь в эпоху импрессионизма, Гварди долго находился в тени знаменитых мастеров венецианской ведуты Антонио Каналя, прозванного Каналетто, и его племянника Бернардо Беллотто, также носившего это прозвище. Однако Гварди был художником, писавшим не только городские виды, но и фигурные станковые картины, где им было сделано немало ценного. Считается одним из последних представителей классической венецианской школы живописи.
[320x700]
[597x700]
[700x412]
[700x446]
[700x450]
[699x453]
[700x463]
[700x521]
[700x530]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1712 - родился Франческо Лаццаро Гварди /Francesco Lazzaro Guardi/(5 октября 1712, Венеция — 1 января 1793, там же)
[292x400]— итальянский художник, видный представитель венецианской школы ведутистов.
Биография
Сын художника, в четырехлетнем возрасте потерял отца. Художниками были его братья, художником стал и его сын Джакомо. Сестра Франческо, Мария Чечилия, была замужем за Джованни Баттистой Тьеполо.
Значение
Оценённый по достоинству лишь в эпоху импрессионизма, Гварди долго находился в тени знаменитых мастеров венецианской ведуты Антонио Каналя, прозванного Каналетто, и его племянника Бернардо Беллотто, также носившего это прозвище. Однако Гварди был художником, писавшим не только городские виды, но и фигурные станковые картины, где им было сделано немало ценного. Считается одним из последних представителей классической венецианской школы живописи.
[320x700] [597x700] [700x412] [700x446] [700x450] [699x453] [700x463] [700x521] [700x530]
В этот день
04-10-2016 11:31
1834 - скончался Фредерик Огюст Бартольди́ /Frédéric Auguste Bartholdi/
[313x400]
(2 августа 1834, Кольмар — 4 октября 1904, Париж) — французский скульптор. Автор статуи «Свобода, освещающая мир» в нью-йоркской гавани и «Бельфорского льва» (памятник героическому сопротивлению жителей города Бельфор прусской оккупации во время франко-прусской войны).
Биография
Родился в Кольмаре, Эльзас, 2 августа 1834 г. После смерти отца семья переехала в Париж, но стабильное финансовое положение матери позволило сохранить дом в Кольмаре, в котором с 1922 г. располагается музей Бартольди. В Париже Бартольди изучал архитектуру (в Национальной школе изящных искусств), а также брал уроки живописи.
Совершив долгое путешествие по Египту, Бартольди начинает карьеру архитектора в Кольмаре. Его первое произведение - памятник генералу Раппу, воздвигнутый в 1856 г.
Во время Франко-прусской войны Бартольди служит адъютантом у Гарибальди.
В 1871 г., по просьбе Эдуара де Лабуле, он впервые посещает США, чтобы лично выбрать место установки памятника, подаренного этой стране Франко-американским союзом (фр. Union Franco-Americaine). Статуя на проекте напоминает ту, которую Бартольди в 1860-е гг. предлагал установить на входе в Суэцкий канал, но встретил отказ Исмаил-Паши. В эти годы Бартольди становится самым известным скульптором в Европе и Америке.
В 1875 г. он вступает в масонство в «Эльзасско-Лотарингскую» ложу.
В эти же годы ведутся работы над изготовлением статуи Свободы в парижских мастерских на улице Вавен. По слухам, лицо статуи принадлежит матери Бартольди, а тело любовнице.
По другой версии, у Бартольди даже была французская натурщица: красивая, недавно овдовевшая Изабелла Бойер, жена Исаака Зингера, создателя и предпринимателя в области швейных машин.
«Она освободилась от неловкого присутствия её мужа, который оставил её лишь с самыми предпочтительными в обществе атрибутами: состоянием… и детьми. С самого начала своей карьеры в Париже она была общеизвестной личностью. Будучи красивой французской вдовой американского предпринимателя, она оказалась подходящей моделью для статуи Свободы Бартольди».
28 октября 1886 г. происходит торжественное открытие памятника в Нью-Йорке. Это последний визит Бартольди в США.
В 1882 г. он получает Орден Почетного легиона. 4 октября 1904 г. Бартольди умер от туберкулеза. Он похоронен на кладбище Монпарнас.
Произведения
Бартольди принадлежат 35 скульптур, находящихся по всему миру. Из них наиболее знамениты:
Фигуры четырех трубящих ангелов в церкви в Бостоне, США, 1874 г.
Статуя генерала Лафайета в Нью-Йорке, США, 1876 г.
«Фонтан Капитолия» в Вашингтоне, США, 1878 г.
«Бельфорский лев» в Бельфоре, Франция, 1880 (уменьшенная копия находится на площади Данфер-Рошро в Париже) г.
Статуя Дидро на площади Дидро в Лангре, Франция, 1884 г.
Статуя Свободы в Нью-Йорке, США, 1886 г.
«Фонтан Бартольди» в Лионе, Франция, 1892 г.
«Швейцария, защищающая Страсбург» в Базеле, Швейцария, 1895 г.
Статуя Верцингеторига в Клермон-Ферране, Франция, 1903 г.
Многие произведения Бартольди находятся в Кольмаре, департамент Рейн Верхний, Франция. Некоторые проекты скульптора (например, монументальный маяк на входе в Суэцкий канал) так и не были воплощены в жизнь.
[365x700]
[465x700]
[525x700]
[525x700]
[525x700]
[525x700]
[700x525]
[700x525]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1834 - скончался Фредерик Огюст Бартольди́ /Frédéric Auguste Bartholdi/
[313x400](2 августа 1834, Кольмар — 4 октября 1904, Париж) — французский скульптор. Автор статуи «Свобода, освещающая мир» в нью-йоркской гавани и «Бельфорского льва» (памятник героическому сопротивлению жителей города Бельфор прусской оккупации во время франко-прусской войны).
Биография
Родился в Кольмаре, Эльзас, 2 августа 1834 г. После смерти отца семья переехала в Париж, но стабильное финансовое положение матери позволило сохранить дом в Кольмаре, в котором с 1922 г. располагается музей Бартольди. В Париже Бартольди изучал архитектуру (в Национальной школе изящных искусств), а также брал уроки живописи.
Совершив долгое путешествие по Египту, Бартольди начинает карьеру архитектора в Кольмаре. Его первое произведение - памятник генералу Раппу, воздвигнутый в 1856 г.
Во время Франко-прусской войны Бартольди служит адъютантом у Гарибальди.
В 1871 г., по просьбе Эдуара де Лабуле, он впервые посещает США, чтобы лично выбрать место установки памятника, подаренного этой стране Франко-американским союзом (фр. Union Franco-Americaine). Статуя на проекте напоминает ту, которую Бартольди в 1860-е гг. предлагал установить на входе в Суэцкий канал, но встретил отказ Исмаил-Паши. В эти годы Бартольди становится самым известным скульптором в Европе и Америке.
В 1875 г. он вступает в масонство в «Эльзасско-Лотарингскую» ложу.
В эти же годы ведутся работы над изготовлением статуи Свободы в парижских мастерских на улице Вавен. По слухам, лицо статуи принадлежит матери Бартольди, а тело любовнице.
По другой версии, у Бартольди даже была французская натурщица: красивая, недавно овдовевшая Изабелла Бойер, жена Исаака Зингера, создателя и предпринимателя в области швейных машин.
«Она освободилась от неловкого присутствия её мужа, который оставил её лишь с самыми предпочтительными в обществе атрибутами: состоянием… и детьми. С самого начала своей карьеры в Париже она была общеизвестной личностью. Будучи красивой французской вдовой американского предпринимателя, она оказалась подходящей моделью для статуи Свободы Бартольди».
28 октября 1886 г. происходит торжественное открытие памятника в Нью-Йорке. Это последний визит Бартольди в США.
В 1882 г. он получает Орден Почетного легиона. 4 октября 1904 г. Бартольди умер от туберкулеза. Он похоронен на кладбище Монпарнас.
Произведения
Бартольди принадлежат 35 скульптур, находящихся по всему миру. Из них наиболее знамениты:
Фигуры четырех трубящих ангелов в церкви в Бостоне, США, 1874 г.
Статуя генерала Лафайета в Нью-Йорке, США, 1876 г.
«Фонтан Капитолия» в Вашингтоне, США, 1878 г.
«Бельфорский лев» в Бельфоре, Франция, 1880 (уменьшенная копия находится на площади Данфер-Рошро в Париже) г.
Статуя Дидро на площади Дидро в Лангре, Франция, 1884 г.
Статуя Свободы в Нью-Йорке, США, 1886 г.
«Фонтан Бартольди» в Лионе, Франция, 1892 г.
«Швейцария, защищающая Страсбург» в Базеле, Швейцария, 1895 г.
Статуя Верцингеторига в Клермон-Ферране, Франция, 1903 г.
Многие произведения Бартольди находятся в Кольмаре, департамент Рейн Верхний, Франция. Некоторые проекты скульптора (например, монументальный маяк на входе в Суэцкий канал) так и не были воплощены в жизнь.
[365x700] [465x700] [525x700] [525x700] [525x700] [525x700] [700x525] [700x525]
В этот день
03-10-2016 09:55
1852 - родился Кириак Константинович Костанди (3 октября 1852 — 31 октября 1921 Одесса)
[400x224]
[305x400]
[274x400]
— русский художник греческого происхождения.
Биография
Родился в греческой семье, в селе Дофиновка Херсонской губернии Российской империи в 1852 году. Закончил Императорскую Академию художеств в 1882 году и затем вернулся в Одессу. В 1897 году примкнул к движению «передвижников». Костанди принадлежит важная роль в внедрении идеологии «передвижников» на Юге России. Он был одним из основателей Общества художников Южной России и председателем общества с 1902 по 1920 годы.
В 1907 году был избран действительным членом Императорской Академии художеств.
С 1917 году был директором Одесского городского музея.
Большая часть его жизни и работы связана с Одессой.
В своей работе он следовал реализму, но некоторые его работы можно причислить к импрессионизму. Его работы находятся в музеях Одессы, Киева, Москвы, Петербурга. После его смерти его последователи создали Общество художников «Костанди». Воспитал десятки учеников, среди которых А. А. Шовкуненко, И. Н. Шульга, А. М. Нюренберг и другие.
Умер 31 октября 1921 года. Первоначально был похоронен на Первом христианском кладбище Одессы, 20 мая 1935 года останки К. К. Костанди его учениками и товарищами были перезахоронены на Втором христианском кладбище Одессы.
Память
В Одессе имеется улица имени Костанди.
1 сентября 2010 года в Одессе, во дворе дома № 46 на улице Пастера, был открыт памятник К. К. Костанди.
В Одессе существует Детская художественная школа №1 им. К.К. Костанди
[515x700]
[575x700]
[650x699]
[700x457]
[700x538]
[700x529]
[700x401]
[700x483]
[700x525]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1852 - родился Кириак Константинович Костанди (3 октября 1852 — 31 октября 1921 Одесса)
[400x224] [305x400] [274x400]— русский художник греческого происхождения.
Биография
Родился в греческой семье, в селе Дофиновка Херсонской губернии Российской империи в 1852 году. Закончил Императорскую Академию художеств в 1882 году и затем вернулся в Одессу. В 1897 году примкнул к движению «передвижников». Костанди принадлежит важная роль в внедрении идеологии «передвижников» на Юге России. Он был одним из основателей Общества художников Южной России и председателем общества с 1902 по 1920 годы.
В 1907 году был избран действительным членом Императорской Академии художеств.
С 1917 году был директором Одесского городского музея.
Большая часть его жизни и работы связана с Одессой.
В своей работе он следовал реализму, но некоторые его работы можно причислить к импрессионизму. Его работы находятся в музеях Одессы, Киева, Москвы, Петербурга. После его смерти его последователи создали Общество художников «Костанди». Воспитал десятки учеников, среди которых А. А. Шовкуненко, И. Н. Шульга, А. М. Нюренберг и другие.
Умер 31 октября 1921 года. Первоначально был похоронен на Первом христианском кладбище Одессы, 20 мая 1935 года останки К. К. Костанди его учениками и товарищами были перезахоронены на Втором христианском кладбище Одессы.
Память
В Одессе имеется улица имени Костанди.
1 сентября 2010 года в Одессе, во дворе дома № 46 на улице Пастера, был открыт памятник К. К. Костанди.
В Одессе существует Детская художественная школа №1 им. К.К. Костанди
[515x700] [575x700] [650x699] [700x457] [700x538] [700x529] [700x401] [700x483] [700x525]