Около 1532 - родилась Софонисба Ангвиссола (Ангуиссола /Sofonisba Anguissola/) (ок. 1532, Кремона — 16 ноября 1625, Палермо)
[402x303]
[298x400] [311x403]
— итальянская художница, первая известная художница эпохи Ренессанса.

Семья Ангвиссола, детство и юность
Софонисба родилась в Кремоне (Ломбардия). Она была самой старшей из семи детей, шестеро из которых были девочки (одна из сестёр — Лючия Ангвиссола).
Её отец Амилькар Ангвиссола принадлежал к избранному аристократическому кругу Генуи. Мать Софонисбы Бьянка Понцоне тоже была родом из известной аристократической семьи. Она умерла рано, когда Софонисбе было всего пять лет. Наиболее известной картиной раннего периода творчества Софонисбы является «Портрет сестёр художницы, играющих в шахматы», созданный в 1555 году. Была ученицей кремонского художника Джулио Кампи, работала в манере настолько близкой его стилю, что некоторые картины Кампи до 60-х годов XX века приписывались Ангвиссоле (в частности «Игра в шахматы»).

Первая известная художница
Будучи уже хорошо известной, Ангвиссола побывала в 1558 году в Милане, где написала портрет герцога Альбы, который порекомендовал её испанскому королю Филиппу II. В следующем году Софонисба была приглашена к испанскому двору, что являлось признанием её таланта.

При испанском дворе
Софонисбе Ангвиссоле было 27 лет, когда она покинула свою семью и приехала в Испанию ко двору короля. Зимой 1559—1560 годов она прибыла в Мадрид, чтобы служить придворной художницей и придворной дамой королевы Елизаветы Валуа, третьей жены короля Филиппа II, на которой он только что женился. Вскоре она завоевала уважение и доверие молодой королевы.

Ангвиссола провела последующие годы, в основном создавая официальные придворные портреты, в том числе королевы и других членов королевской семьи (сестры Филиппа II Хуаны и сына — дона Карлоса). Её портреты Елизаветы Валуа и Анны Австрийской (четвёртой жены Филиппа II) динамичны и полны жизни.

Возвращение в Италию
По пути домой в Кремону Софонисба познакомилась с Орацио Ломеллино, бывшим капитаном судна, на котором она плыла. Они полюбили друг друга с первого взгляда и вскоре поженились в январе 1580 в Пизе. Софонисбе было в ту пору 47 лет, а её муж был значительно моложе её. Муж всячески поддерживал Софонисбу в её творчестве, что явилось основой для их продолжительного и счастливого брака. Они обосновались в Генуе, где в большом доме жила семья её мужа. Софонисбе были созданы прекрасные условия для творчества, отдельные апартаменты и собственная мастерская.

Многие художники приезжали к ней с визитом учиться и делиться мнениями о направлениях в развитии искусства. Она создала свой собственный стиль, которому многие художники стремились подражать. Её успех открыл путь в художники другим женщинам эпохи Ренессанса, таким как Лавиния Фонтана, Барбара Лонги, Феде Галиция и Артемизия Джентилески.

Последние годы
В последние годы жизни Ангвиссола писала не только портреты, но и полотна на религиозные темы, как и в дни своей юности. Однако многие её картины были впоследствии утрачены.

Удачная торговля мужа и щедрая пенсия от Филиппа II позволили ей свободно заниматься живописью и комфортно жить. Она была ведущим портретистом в Генуе, пока не переехала в Палермо в последние годы жизни.

По причине старческого ухудшения зрения, Ангвиссола перестала писать картины. Свой последний автопортрет она создала, уже почти потеряв зрение, в 1620 году, в возрасте 88-ми лет.

Литература
Pizzagalli D. La signora della pittura: vita di Sofonisba Anguissola, gentildonna e artista nel Rinascimento. Milano: Rizzoli, 2003
Italian women artists: from Renaissance to Baroque/Carole Collier Frick a.o., eds. Milano: Skira, 2007
[528x700]
[537x700]
[550x700]
[560x700]Читать далее...

1850 - родилась Елена Дмитриевна Поленова (15 (27) ноября 1850, Петербург — 7(19) ноября 1898, Москва)
[402x246]
[306x400] [268x401]
— русская художница, график, живописец, мастер декоративного дизайна, одна из первых художников-иллюстраторов детской книги в России, одна из основоположников стиля модерн в русском искусстве. Сестра живописца В. Д. Поленова.

Биография[править | править вики-текст]
Елена Поленова родилась в 1850 году в Петербурге, в семье чиновника особых поручений при государственном канцлере, статского советника Дмитрия Васильевича Поленова и его жены Марии Алексеевны, урожденной Воейковой. Все члены семьи и по отцовской и по материнской линии так или иначе были связаны с научным или художественным миром. В детстве Поленова подолгу жила в родовом имении Имоченцы Олонецкой губернии, среди карельской природы, а также в родовой усадьбе Ольшанка Тамбовской губернии (ныне с. Красное Знамя Уваровского района).

Образование
Елена Поленова, как и все дети в семье, с юных лет приобщалась к искусству. Мать, Мария Алексеевна Поленова, будучи художницей-любительницей и детской писательницей, дала детям первые уроки рисования. В 1859 году в семью Поленовых в качестве учителя рисования был приглашен студент Академии Художеств Павел Петрович Чистяков. Он давал уроки два раза в неделю: обучал рисунку Василия, Веру, Алексея и самую младшую — девятилетнюю Елену.

Поленова рано проявила художественное дарование, но не могла стать студенткой Академии художеств, как её старший брат Василий, так как в те годы женщины к учёбе в высших учебных заведениях не допускались. Поэтому формального высшего художественного образования Елена Дмитриевна не получила. Но в 14 лет она поступила в Санкт-Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств (ОПХ), где её наставником был И. Н. Крамской. Но своим главным учителем Поленова всю жизнь называла П. П. Чистякова.

Во время первой поездки во Францию в 1869—1870 гг. Поленова посещала частную школу-студию Шарля Шаплена в Париже. Повозвращении в Россию она сначала занималась в частной мастерской П. П. Чистякова (1870—1877), а потом снова в Школе Общества поощрения художеств (1878—1880) одновременно в двух классах: акварельном и керамическом.

Её увлечение керамикой дало прекрасные результаты. На экзаменах Елена Поленова была удостоена серебряных медалей (золотых в школе при ОПХ не давали). В качестве поощрения ей было предложено поехать на стажировку в Париж. Для того времени пенсионерство женщин-художниц — случай исключительный. «Какой скандал, Вася, — писала она брату, — меня посылают в командировку за границу от О-ва поощрения. Я думаю, это первый пример в истории, по крайней мере, в русской, чтобы особа нашего бабьего сословия получала поручение и отправляема была в командировку с целью изучения и т. д.».
В Париже Елена Поленова освоила различные керамические техники, занимаясь в мастерских известных французских керамистов Ж.-Т. Дека и Л.-Э. Зиферта и в Парижской керамической мастерской русских художников, которой руководил Е. А. Егоров.
Вернувшись в Петербург, в 1881—1882 годах Поленова около года преподавала живопись по фарфору и фаянсу в созданном ею классе майолики в ОПХ. С 1882 года она жила преимущественно в Москве.
В 1884 году вместе со своей подругой П. Д. Антиповой совершила поездку для этюдов по Волге и Дону, на Кавказ и в Крым и привезла из этой поездки ряд акварелей, которые показывала друзьям и учителям, в том числе П. П. Чистякову, А. А. Киселеву, В. И. Сурикову.
Кроме художественного образования, Е. Д. Поленова получила звание домашней учительницы по истории, окончив Высшие женские курсы в Петербурге.

Поиск своего предназначения
Молодость Поленовой пришлась на 60-70 годы 19 века, и ей были близки общественные идеалы этой эпохи. Она с юности была склонна к социальному служению, согласно православной духовной традиции.

В 1877 году, в разгар русско-турецкой войны (1877—1878), Елена Поленова поехала в Киев к своей старшей сестре Вере (сестре-близнеце Василия Поленова). Она преподавала в школе, а кроме того, вместе с сестрой работала в госпитале: ухаживала за ранеными, которых привозили сюда с фронтов. После работы она с Верой посещала женские медицинские курсы. Сестры собирались открыть свою амбулаторию.
В Киеве Елена Дмитриевна влюбилась в талантливого врача, профессора киевского университета А. С. Шкляревского. Чувство было взаимным, но семья Елены Дмитриевны воспротивилась этому браку. Поленова подчинилась просьбе родных, но в результате этой личной трагедии, по воспоминаниям друзей, она Читать далее...

1840 - родился Оскар Клод Моне /Oscar-Claude Monet/(14 ноября 1840, Париж — 5 декабря 1926, Живерни)
[401x303]
[260x400] [284x400]

— французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Биография
Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и продолжил семейное дело. Юность Моне, как он сам отмечал впоследствии, по существу, была юностью бродяги. Он проводил больше времени в воде и на скалах, чем в классе.
Школа ему, по натуре недисциплинированному, всегда казалась тюрьмой. Он развлекался, разрисовывая голубые обложки тетрадей и используя их для портретов своих учителей, сделанных в весьма непочтительной, карикатурной манере, и в этой забаве вскоре достиг совершенства.
В пятнадцать лет Моне был известен всему Гавру как карикатурист. Он настолько упрочил свою репутацию, что со всех сторон его осаждали просьбами сделать карикатурные портреты. Изобилие подобных заказов и недостаточная щедрость родителей внушили ему смелое решение, которое шокировало его семью: за свои портреты Моне брал по двадцать франков.

Приобретя этим путём некоторую известность, Моне вскоре стал «важной персоной» в городе. В витрине единственной лавки художественных принадлежностей гордо красовались его карикатуры, выставленные по пять-шесть в ряд, и, когда он видел, как перед ними в восхищении толпятся зеваки, он «готов был лопнуть от гордости».
Часто в витрине той же лавки Моне видел помещённые над его собственными произведениями морские пейзажи, которые он, подобно большинству своих сограждан, считал «омерзительными».

Автором пейзажей, внушавших ему «крайнее отвращение», был Эжен Буден, и, ещё не зная этого человека, возненавидел его. Он отказался познакомиться с ним через владельца лавки, но однажды, зайдя в неё, не заметил, что в задней половине находится Буден. Владелец лавки воспользовался случаем и представил ему Моне как молодого человека, у которого такой большой талант к карикатуре.

«Буден тотчас же подошел ко мне, — вспоминал Моне, — похвалил меня своим мягким голосом и сказал: я всегда с удовольствием смотрю на ваши рисунки; это забавно, легко, умно. Вы талантливы — это видно с первого взгляда, но, я надеюсь, вы не остановитесь на этом. Всё это очень хорошо для начала, но скоро вам надоест карикатура. Занимайтесь, учитесь видеть, писать и рисовать, делайте пейзажи. Море и небо, животные, люди и деревья так красивы именно в том виде, в каком их создала природа, со всеми их качествами, в их подлинном бытии, такие, как они есть, окружённые воздухом и светом».

Но, признавался сам Моне, призывы Будена не имели эффекта. В конечном счёте этот человек понравился Моне. Он был убеждённым, искренним, но Моне не мог переварить его живопись, и когда Буден приглашал его с собой поработать на открытом воздухе, Моне всегда находил повод вежливо отказаться. Настало лето; Моне, устав сопротивляться, наконец сдался, и Буден охотно взялся за его обучение. «Глаза мои наконец раскрылись, — вспоминал Моне, — я по-настоящему понял природу и в то же время научился любить её».

Семнадцатилетний Оскар Моне не мог найти лучшего учителя, потому что Буден не был ни доктринёром, ни теоретиком. Он обладал восприимчивым глазом, ясным умом и умел передать свои наблюдения и опыт простыми словами. «Все, что написано непосредственно на месте, — заявлял он, например, — всегда отличается силой, выразительностью, живостью мазка, которых потом не добьёшься в мастерской». Он считал также нужным «проявлять крайнее упорство в сохранении первого впечатления, так как оно — самое правильное», и в то же время настаивал, что «в картине должна поражать не одна какая-либо часть, а все в целом»[5].

Буден, однако, был человеком скромным и не предполагал, что его уроков будет достаточно для того, чтобы наставить Моне на верный путь. Он обычно говорил: «Работая в одиночестве, нельзя достичь цели, разве что при очень больших способностях, и всё же… всё же искусство не создается в одиночку, в провинциальном захолустье, без критики, без возможности сравнения, без твёрдого убеждения».
После шести месяцев подобных увещаний, несмотря на мать, которая начала серьёзно беспокоиться по поводу компании сына, считая, что он погибнет в обществе человека с такой плохой славой, как Буден, Моне объявил отцу, что желает стать художником и поедет учиться в Париж.
Отец Моне не был решительно настроен против этой идеи, тем более, что мадам Лекадр, тётка Моне в Гавре, сама немного рисовала и разрешила племяннику в свободное время работать в её мастерской (там Моне обнаружил маленькую картинку Читать далее...

1595 - родился Бартоломей Бренберг /Bartholomeus Breenbergh/(род. до 13 ноября 1598, Девентер
[279x400] [325x400]
— ум. после 5 октября 1657, Амстердам)
— голландский художник и график эпохи барокко.

Жизнь и творчество
В 1620 году Б.Бреенберг уезжает в Рим, где становится учеником художника Пауля Бриля. Творчество молодого голландца находилось также под сильным влиянием таких мастеров, как Корнелис ван Поленбург и Адам Эльсхаймер. Вместе с каждым из этих художников Б.Бреенберг писал общие картины, однако до наших дней дошли лишь некоторые из них. В 1627/1628 годах он возвращается в Нидерланды, и с 1633 года живёт в Амстердаме. Здесь 27 августа 1633 года Б.Бреенберг вступает в брак с Ребеккой Шеллингвоу, сестрой проповедника Антониса Шеллингвоу. Свою рабочую мастерскую Б.Бреенберг делил с другом, художником Питером Поттером. Б.Бреенберг писал преимущественно картины мифологического и религиозного содержания; во время пребывания в Италии создал целую серию итальянских пейзажей.

В 1644 году художник Якоб Адриансзон Баккер пишет портрет Б.Бреенберга, который на выставке в Гааге 1903 года ошибочно был выдан за автопортрет самого Я.Баккера. Лишь по прошествии многих лет ошибка эта была исправлена. Ряд голландских и французских графиков — Питер Нольпе, Иоганнес де Бишоп и др. — создавали свои гравюры по написанным Б.Бреенбергом полотнам.

Литература
Бреенберг, Бартоломей // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
Wilhelm Adolf Schmidt: Breenbergh, Bartholomäus. In: Allgemeine Deutsche Biographie (ADB). Band 3, Duncker & Humblot, Leipzig 1876, S. 283.
[435x700]
[570x700]
[700x422]
[700x429]
[700x487]
[700x548]
[700x512]
[700x700]

1579 - крещен Франс Снейдерс /Frans Snyders/(11 ноября 1579, Антверпен — 19 августа 1657, там же)
[320x400]
— фламандский живописец, мастер натюрмортов и анималистических композиций в стиле барокко.

Биография
Франс родился в семье богатого антверпенского бюргера осенью 1579 года (крещён 11 ноября). В молодости учился у Питера Брейгеля Младшего и Хендрика ван Балена (первого учителя ван Дейка). Был женат на сестре братьев-художников Корнелиса и Пауля де Вос.

В 1602 году стал членом гильдии художников Антверпена.

Поначалу основной темой творчества Снейдерса были натюрморты, в дальнейшем он стал проявлять больший интерес к анималистическим сюжетам и сценам охоты. Мастерство Снейдерса высоко оценил Питер Пауль Рубенс, с 1613 года приглашавший его к сотрудничеству для написания животных. Снейдерс не любил изображать людей — по имеющимся сведениям, человеческие фигуры на его картинах писали Якоб Йорданс, Абрахам Янсенс и другие мастера.

В 1608—1609 годах Снейдерс работал в Италии, впоследствии жил в родном Антверпене. «Произведения Снейдерса отличаются монументальностью и декоративным размахом композиций, виртуозностью в передаче фактуры предметов, жизнеутверждающей силой образного строя.»

В 1619 году Снейдерс был избран членом антверпенского Братства романистов, а в 1628 году — его деканом. Для позднего периода его творчества характерны монументальные полотна, всегда пользовавшиеся большой популярностью среди покупателей. Созданные им огромные декоративные полотна, в частности, украшали столовую во дворце епископа города Брюгге, известного мецената Антония Триста. Кроме того, Снейдерс был назначен главным художником герцога Альберта, губернатора Нидерландов.

[700x480]
[700x485]
[700x506]
[700x468]
[700x388]
[700x466]
[700x468]
[700x450]
[700x506]

На вул. Квартальній (09.11.2016)
температура повітря: +10 °C
[700x466]

1697 - родился Уильям Хогарт /William Hogarth/(10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, там же)
[317x402] [217x402]
— английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Жизнеописание
Ранние годы
Уильям Хогарт родился в одном из лондонских районов Бартоломью-Клоуз (англ. Bartholomew Close) в семье бедного учителя латыни Ричарда Хогарта и Анны Гиббонс и был первым выжившим ребёнком супругов. Бедность вынудила отца Хогарта заняться корректурой латинских текстов для издателей.

Уильям с раннего детства проявил незаурядные способности к рисованию, был весьма наблюдателен и имел великолепную память на детали. В начальной школе учился неохотно, в основном проводя время за рисованием. В детстве Уильям был вынужден продавать приготовленные матерью народные средства лечения, поскольку идея отца основать кафе, где посетители могли бы общаться исключительно на латыни, потерпела крах. Отец на пять лет попал в лондонскую долговую «Флитскую тюрьму». Поэтому приступить к учёбе Хогарт смог значительно позже сверстников.

Образование и раннее творчество
В 1713 году Хогарт, не закончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1718 году умер отец Уильяма и он, будучи старшим ребенком в семье, был вынужден содержать свою мать и двух сестер, берясь за мелкие заказы. Он изготовлял коммерческие визитки, небольшие гербы и другие мелкие изделия. Такая работа не приносила Хогарту удовольствия, он считал её тупой и скучной, поскольку испытывал тягу к высокому искусству. Прежде всего его интересовала графика. Поэтому вскоре он начал брать уроки живописи в одной из лондонских частных художественных академий, которую основали Льюис Черони и Джон Вандербанк. Хогарт также много занимался самообразованием.

В 1720 году он открывает собственную небольшую граверную мастерскую. Его первыми самостоятельными работами были графические сатиры о крахе акций Компании Южных морей /The South Sea Scheme/(ок. 1721), сатиры на маскарады и оперные спектакли (Masquerades and Operas, 1724) и на театральную жизнь Лондона (A Just View of the British Stage, 1724).

Хогарт забросил академию, а с 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла, известного своими росписями в лондонском Соборе Святого Павла. В 1720—1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В 1726 году он иллюстрирует известную антипуританскую приключенческую поэму «Хадибрас» Сэмюэла Батлера. Первое живописное произведение Хогарта появилось в 1728 году, это было полотно на сюжет популярной тогда пьесы Джона Гея «Опера нищего».

Женитьба
В 1724 году Хогарт познакомился с 15-летней дочерью Торнхилла — Джейн. Через пять лет, не надеясь получить согласие отца Джейн на брак, Хогарт и его возлюбленная тайно обвенчались в старой Паддингтонской церкви (23 марта 1729 год).
Примириться со своим тестем Хогарту удалось лишь после того, когда он достиг материального благосостояния и признания как художник.

По воспоминаниям самого Хогарта: «Потом я женился и занялся рисовать небольшие салонные картинки от 12 до 15 дюймов высотой. Поскольку они были новинкой, то имели успех в течение нескольких лет и хорошо продавались».

В конце 1720-х годов Хогарт написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты» /conversation pieces/. К ним относятся «Музыкальная вечеринка» (A Musical Party, 1730, Музей Фицуильяма, Кембридж), «Собрание в доме Ванстед» (The Assembly at Wanstead House, 1729-31, Музей искусств Филадельфии), «Семья Волластон» (The Wollaston Family, 1730, частная коллекция) и «Семья Фаунтейн» (The Fountaine Family, 1730-32, Художественный музей Филадельфии).

Творчество
В 1730—1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин, вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, Читать далее...

1870 - родился Кнут Магнус Энкель (швед. Knut Magnus Enckell; 9 ноября 1870, Фредериксхамн
[270x400]
— 27 ноября 1925, Стокгольм) — финский художник.

Биография
Родился в семье викария, был младшим из 6 сыновей. Живопись изучал в Хельсинки (1889—1891). Первые свои работы молодой художник создаёт в традициях натуралистической школы. В 1891 году уезжает в Париж, где поступает в Академию Жюлиана; среди его преподавателей здесь — Жюль Жозеф Лефевр и Бенжамен Констан. В этот период Энкель увлекается символизмом, подпадает под влияние мистицизма Жозефена Пеладана и творчески — живописи Пюви де Шаванна и Эдуарда Мане.

В 1893 году Энкель вновь посещает Париж. Разочаровавшись в парижском мистицизме, художник в 1894—1895 годах совершает путешествие по Италии, посещает Милан, Венецию и Флоренцию, а затем уезжает в Швейцарию и Германию, где знакомится с работами Арнольда Бёклина.

На рубеже XIX—XX столетий Энкель порывает с символизмом, и его живопись приобретает яркие краски, характерные для постимпрессионизма. В 1907 году Энкель получает заказ на создание фресок для приалтарного придела в Кафедральном соборе Тампере. На гигантской картине размером 10 на 4 м художник изобразил Воскрешение из мёртвых и Вознесение на небеса представителей всех рас человеческих.

[468x700]
[498x700]
[504x700]
[530x700]
[546x700]
[546x700]
[700x486]
[700x534]

1817 - скончался Андреа Аппиани /Andrea Appiani/ (31 мая 1754, Милан — 8 ноября 1817, там же)
[402x318]
[282x400] [314x400]
— итальянский неоклассический художник.

Биография
Андреа Аппиани родился в Милане в семье доктора. Отец Андреа надеялся, что сын пойдёт по его стопам, но тот поступил в частную академию художника Карла Марии Джудичи, где два года (1783—1784) изучал рисунок и копировал гравюры. Затем Аппиани продолжил образование в классе фресковой живописи в миланской Академии Амброзиана под руководством Джорджо Антонио де Медичи. Совершил поездку во Флоренцию, познакомился там с работами Джулиано Трабаллези и Мартина Кноллера, и Болонью, где особое внимание обратил на произведения Доменикино. Изучал античную скульптуру и живопись Рафаэля и Менгса в Риме и Неаполе. Посетив Парму в 1795 году, познакомился с живописью Корреджо. Постоянно работал в Милане 1792 года.

В 1796 году Андреа Аппиани был назначен комиссаром по делам изобразительных искусств Цизальпинской республики. В этой должности он руководил миланской Академией художеств и галереей Брера. Выполнял заказы Наполеона — писал портреты и аллегории, прославлявшие императора и его военачальников. Его произведения украшают купол Сент-Мэри-Селсу, в Милане и стены и потолки замка наместника эрцгерцога Фердинанда.

Галерея
Портрет Наполеона
Аполлон
Парнас
Портрет Евгения Богарне, 1800
Мадам Хамельн

Литература
Арган Дж. К. История итальянского искусства. М., 1890. Т. 1.
Fernando Caruso. Andrea Appiani: (1754-1817). Paris 1990.
Erwin Redlinger. Andrea Appiani: ein Maler des italienischen Empire. Dissertation an der Universität Würzburg, 1922.
Alessandra Zanchi. Andrea Appiani. CLUEB, Bologna 1995. (arte contemporanea; 8) ISBN 88-8091-162-7.

Ссылки
Аппиани Андреа // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
[506x700]
[524x700]
[554x700]
[557x700]
[592x700]
[700x525]
[700x493]
[700x488]

1598 - крещен Франсиско де Сурбаран /Francisco de Zurbarаn/, крещён 7 ноября 1598, Фуэнте-де-Кантос, Эстремадура — 27 августа 1664, Мадрид)
[257x400]
— испанский художник, представитель севильской школы живописи.

Биография
Сурбаран родился в городке Фуэнте-де-Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа.

В 1617—1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры — Льерене, затем вернулся в Севилью и до 1633 года непрерывно жил там.

В 1622 году он уже был известным мастером, получал заказы для храмов и монастырей. В 1626—1627 годах по контракту с орденом доминиканцев он пишет 21 картину на религиозные сюжеты, в том числе знаменитую картину «Христос на кресте». В 1628—1630 годах Сурбаран пишет цикл картин о святом Педро Ноласко и цикл картин о жизни св. Бонавентуры.

В 1631 году Сурбаран создаёт одно из лучших своих творений — картину «Апофеоз св. Фомы Аквинского», которая была признана шедевром ещё современниками живописца.

В 1634 году художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде при работе над украшением недавно построенного дворца Буэн-Ретиро мастер отошёл от религиозной тематики — им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монументальное полотно «Оборона Кадиса».

Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе — наиболее известны «Благовещение», «Рождество» и «Поклонение волхвов».

Постепенно его слава росла, вновь основываемые в Южной Америке монастыри наряду с испанскими охотно заказывали у Сурбарана картины. На конец тридцатых годов приходится пик творческой активности и популярности художника.

В поздний период творчества Сурбаран обращается к лирическим образам Христа и Богоматери в детстве — «Мадонна с младенцем», «Отрочество Мадонны».

В 1658—1664 годах Сурбаран жил в Мадриде. Его популярность шла на спад; несмотря на поддержку друга Диего Веласкеса он, забытый заказчиками, испытывал материальные трудности.

Умер Сурбаран в Мадриде 27 августа 1664 года.

Творчество
В самом начале своей деятельности поставив себе за правило писать не иначе, как с натуры, Сурбаран не отступал от этого правила в течение всей своей жизни. Композиция в его картинах при правильности рисунка по большей части несложная и заключает в себе очень немного фигур, отличающихся благородством, поставленных в естественные, простые позы и прекрасно задрапированных. В колорите и светотени Сурбаран подражал Микеланджело да Караваджо (вследствие чего был прозван «испанским Караваджо»), сообщая переднему плану поразительную рельефность через сопоставление сильного света с глубокими тенями.

В период творческого расцвета Сурбаран удачно сочетал монументальность и суровость образов (главным образом святых), с их внутренней выразительностью. В 1650-х годах в его картинах появились черты лиричности и эмоциональной взволнованности.

Известные картины
Христос на кресте (1627; институт искусств, Чикаго).
Видения св. Педро Ноласко (1629; Прадо, Мадрид).
Погребение св. Бонавентуры (1629; Лувр, Париж).
Св. Маргарита (1631; Национальная галерея, Лондон).
Апофеоз св. Фомы Аквинского (1631; Музей искусств, Севилья).
Св. Андрей (1632; Будапешт).
Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой (1633; Музей Нортона Саймона, Пасадина).
Подвиги Геркулеса (1634; Прадо, Мадрид).
Оборона Кадиса (1634; Прадо, Мадрид).
Св. Аполлония (1636; Лувр, Париж).
Поклонение пастухов (1639; Музей изящных искусств, Гренобль).
Св. Франциск (1658; Мюнхен).
Отрочество мадонны (1660; Эрмитаж, Санкт-Петербург).

[353x700]
[436x700]
[443x700]
[468x700]
[530x700] [573x700]Читать далее...

1794 - родился Константин Андреевич Тон /Thon/(6 ноября (26 октября ст.ст.) 1794 — 6 февраля (25 января ст.ст.) 1881)
[400x301]
[229x400] [283x401]
— русский архитектор, разработавший так называемый «русско-византийский стиль» храмового зодчества, который получил широкое распространение в правление благоволившего ему Николая I. Среди наиболее известных построек — храм Христа Спасителя и Большой Кремлёвский дворец. Тайный советник, с 1854 года — ректор Императорской Академии художеств. Брат архитекторов Александра и Андрея Тонов.

Биография
Образование
Константин Тон родился в Санкт-Петербурге в семье обрусевшего немецкого ювелира, был одним из трёх братьев. Учился в Петришуле (школа при лютеранском приходе Святых Петра и Павла в г. Санкт-Петербурге) с 1801 по 1804 год.

В 1804 году Константин был принят в воспитанники Императорской академии художеств и с 1808 года специально изучал в ней архитектуру под руководством главного наставника А. Н. Воронихина. В 1815 году окончил академический курс со званием художника 1-й степени и малой золотой медалью, присуждённой ему за проект здания сената, и был оставлен при академии, чтобы впоследствии быть посланным в чужие края.

Первые проекты
В 1817 году произошла перемена начальства академии, и Тон, оставив академию, определился на службу при новоучреждённом комитете строений и гидравлических работ в Санкт-Петербурге. Кроме того, тогда же, он разработал проект «Немецкого Трактира» на Крестовском острове. В начале 1818 года Тон составил по заданной академией программе проект ярмарки, за который он был послан на 6 лет в Италию.

Европейская стажировка
В Риме он занялся изучением памятников античного зодчества и сравнением первохристианских храмов с церквями новейших времён. Потом он сделал продолжительную экскурсию на юг Италии и в Сицилию, а по возвращении в Рим сочинил проект церкви в форме древней базилики, но приспособленной к православному богослужению, причём дал ей снаружи вид греческих храмов. Вслед за этим проектом, Тон скомпоновал, по задаче Римской академии, проект госпиталя.

В 1822 году Тон посетил Флоренцию, где представил свои работы местной академии и благодаря им был принят в её члены. Побывав потом в Генуе, Равенне, Болонье, Милане и Павии, он явился в Женеву, где составил проект загородного дома для бывшего придворного ювелира Дюваля, а затем отправился через Дижон в Париж и занялся там рисованием начисто своих неаполитанских и сицилийских этюдов.

Вернувшись в Рим, Тон сосредоточил свои труды на реставрации памятников античного зодчества. Среди них проекты возобновления храма Фортуны в Пренесте и, особенно, дворца Цезарей в Риме на Палатинском холме, доставили Тону репутацию учёного художника. Последний проект обратил на него внимание императора Николая I, по повелению которого Тон, в 1828 году, был причислен к Кабинету Его Величества, с содержанием по 3 000 руб. в год.

Возвращение в Петербург
В том же году Тон вернулся в Санкт-Петербург, где он получил поручение обратить бывший конференц-зал Академии художеств в галерею для размещения гипсовых слепков, устроить новый конференц-зал и вообще переделать некоторые части здания. Вслед за тем Тон получив звание академика и должность профессора 2-й степени по части архитектуры (в 1830 году).

В том же году, прихожане церкви святой Екатерины, за Калинкиным мостом в Санкт-Петербурге, ввиду ветхости своего храма, задумали соорудить вместо него новый. В своём проекте, представленном на конкурс, Тон придал храму форму, напоминающую московские пятиглавые соборы. Проект очень понравился Государю, и Тону было повелено самому произвести его постройку.

Начало строительства Храма Христа Спасителя (1829—1836)
Ещё раньше, в 1829 году, академии был передан на рассмотрение вопрос о московском храме Христа Спасителя. Первоначально выбранная для него местность на Воробьёвых горах была признана, по разным причинам, неудобной, и сам проект, составленный А. Л. Витбергом, признан неосуществимым; предстояло разработать новый проект для его постройки в другом пункте Москвы. Эта задача была возложена на Тона с непременным условием, чтобы новый величественный храм имел старинный русский стиль. Императору очень понравился предложенный Тоном новый проект храма Христа Спасителя, возведение которого заняло всю дальнейшую жизнь последнего.

Одновременно с проектом московского храма, Тон составил в том же вкусе проект церкви новоявленного чудотворца Митрофана в Воронеже (1832) и, продолжая строить церковь святой Екатерины и отделывать античные галереи в академии, проектировал устройство гранитной Читать далее...

1878 - родился Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (5 ноября 1878, Хвалынск Саратовской губернии Российской империи — 15 февраля 1939, Ленинград)
[300x400] [296x400]
— русский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР (1930).

Биография
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в семье сапожника.

Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. В 1893 году он окончил училище.

Проработав лето в судоремонтных мастерских, по осени Кузьма отправился в Самару поступать в железнодорожное училище, но провалился. В итоге оказался в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова. Здесь он получил азы живописного искусства. Однако в 1895 году Буров скончался и образование осталось незаконченным. Позднее Петров-Водкин так вспоминал: «До окончания нашего пребывания у Бурова мы ни разу не попытались подойти к натуре, благодаря чему не получали настоящей ценности знаний».

Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Он прибыл на Волгу по просьбе своей старой знакомой — помещицы Ю. И. Казарьиной, которая хотела попросить Мельцера выстроить для неё очередной особняк. Мать Петрова-Водкина Анна Пантелеевна работала горничной у сестры Казарьиной и показала архитектору рисунки своего талантливого сына. Мельцер был поражён его живописью и увёз Кузьму Сергеевича в Петербург, где дал хорошее художественное образование в петербургском Центральном училище технического рисования Штиглица. Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить».

Свою работу художника Петров-Водкин начал с создания образа Богоматери с Младенцем на стене церковной апсиды Ортопедического института доктора Вредена в Александровском парке на Петроградской стороне. Для того, чтобы перевести эскиз своей иконы в майолику, Кузьма Сергеевич направился в Лондон, где картину обработали на керамической фабрике «Дультон».

В 1897 году Петров-Водкин переехал в Москву и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у Валентина Александровича Серова. В 1900 году он работал на керамическом заводе в селе Всехсвятском под Москвой. Окончил МУЖВЗ в 1905 году.

С 1905 по 1908 год он занимался также в частных академиях Парижа. В этот период посетил Италию (1905) и Северную Африку (1907). В 1911 году Петров-Водкин стал членом объединения «Мир искусства».

Был одним из членов-учредителей Вольной философской ассоциации (Вольфила, 1919—1924).

В 1924 году стал участником объединения «Четыре искусства».

В Советском Союзе Петров-Водкин много работал как график и театральный художник. Деятельность в театре начал в 1913 году в театре Незлобина. Оформил спектакли «Орлеанская дева» Шиллера (1913), «Дневник Сатаны» по Андрееву (1923, Ленинградский театр драмы им. Пушкина), «Женитьба Фигаро» Бомарше (1935, Ленинградский театр драмы им. Пушкина). Занимался также литературным трудом, сочиняя рассказы, повести, пьесы и очерки. Писал теоретические статьи, занимался преподаванием.

Петров-Водкин был одним из реорганизаторов системы художественного образования в стране. С 1918 по 1933 г. он преподавал последовательно в Петроградских Государственных свободных художественных учебных мастерских (ПГСХУМ), ВХУТЕМАС, ВХУТЕИН, Институте пролетарского изобразительного искусства (ИНПИИ), ИЖСА.

В августе 1932 года К. С. Петров-Водкин избирается первым председателем Ленинградского отделения Союза советских художников (ЛОССХ).

Художник похоронен на Литераторских мостках Волкова кладбища.

Творчество
Характер творчества
В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. С 1910-х годов он перешёл от аллегорических к целостным монументально-декоративным произведениям. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты.

Эротизм в творчестве
Некоторые работы Петрова-Водкина были восприняты как содержащие эротизм.

Одна из его наиболее известных ранних работ «Сон» (1910) изображает двух обнажённых женщин, которые пристально смотрят на спящего Читать далее...

[700x466]
Проспект Свободы (11/03/2016)
темпрература воздуха: +9 ° C

1575 - родился Гвидо Рени /Guido Reni/(4 ноября 1575, Кальвенцано, Эмилия-Романья — 18 августа 1642, Болонья)
[300x400]
— итальянский живописец болонской школы.

Биография
Девяти лет от роду поступил в ученики к проживавшему в Италии фламандскому живописцу Денису Калверту; перейдя затем в школу Лодовико Карраччи, из неё перешёл с целью усвоить себе технику фресковой живописи к Феррантини, а в 1596 г. отправился в Рим, где занялся основательным изучением произведений Рафаэля.

Ещё до приезда своего в этот город, Рени расписал фасад палаццо Цани в Болонье и исполнил для тамошней церкви Сан-Микеле-ин-боско образ «Св. Бенедикт в пустыне».
В Риме им написаны по заказу кардинала Боргезе картина «Распятие св. Петра» (находится в Ватиканской галерее) и знаменитый плафон «Аврора» в палаццо Роспильози.
По возвращении Рени на родину из-под его кисти вышло «Избиение младенцев» (находится в болонской пинакотеке). Вскоре он снова отправился в Рим по вызову папы Павла V, поручившего ему расписать стены капеллы в квиринальском дворце сценами из жития Богородицы и заказавшего ему «Поклонение кресту» для церкви С.-Грегорио.
Дальнейшие работы Рени: «Рай» для церкви С.-Доменико, «Вознесение» для церкви С.-Амброджио (в Болонье), «Распятие» для капуцинской церкви в Генуе (находится в болонской пинакотеке), «Собирание небесной манны» и др. фрески в равенском соборе.
В 1622 г. Рени трудился над украшением капеллы св. Януария в Неаполе, но вскоре принужден был удалиться оттуда, спасаясь от преследований и мести со стороны завидовавших ему живописцев Ланфранко и Риберы. Под конец своей жизни он предался игре, страсть к которой мало-помалу погубила его талант.

В первый период своей деятельности Рени примкнул к господствовавшему тогда в итальянской живописи натуралистическому направлению, причём, подобно другим ученикам Карраччи, подпал в сильной степени под влияние М.-А. да Караваджо. Натуралистическое стремление Рени особенно ярко выразилось в ватиканском «Распятии», по своей концепции и по типам фигур очень схожем с изображениями пыток, обычными у итальянских художников того времени.
К числу произведений Рени в том же роде относится, сверх «Избиения младенцев», о котором упомянуто выше, картина берлинского музея «Св. Антоний и Павел отшельники».
В среднюю пору своего творчества Рени старался передавать более тёплое и нежное чувство и достигать красоты и грациозности, как, например, в «Авроре» палаццо Роспильози. В последний период своего он изображал типы чисто внешней женской красоты, причём придавал своим красавицам чересчур мягкие расплывчатые формы; колорит Рени прежде весьма свежий и яркий, в эту пору упадка его таланта стал тусклым и бледным.

Влияние Рени
Рени был учителем целого ряда живописцев, Лаури, Лолли, Динарелли, Элизабеты Сирани, Джесси, Сементи, Марескатти, Руджиери, Кантарини, Лафранко, Читтадини, Бьянкуччи и многих других. Из его картин, кроме вышеупомянутых, наибольшей известностью пользуются: «Подвиги Геркулеса» (находится в луврском музее), «Се человек» (в дрезденской галерее), «Клеопатра» (в палаццо Питти, во Флоренции), собственный портрет (в капитолийском музее) и женский портрет (в мадридском музее). Среди художников, бравших творчество Рени за образец, — Луиджи Муссини.

Рени в Эрмитаже
В Государственном Эрмитаже имеется 11 картин Рени, из которых лучшими могут считаться: «Поклонение пастырей» (№ 182), «Поклонение волхвов» (№ 183), «Св. Семейство на пути в Египет» (№ 184), «Пётр» (№ 186), «Отцы церкви, рассуждающие о бессемянном зачатии» (№ 187), «Св. Иероним» (№ 188), «Похищение Европы» (№ 189) и «Юность Богоматери» (№ 191). Рени известен также как гравер; им были исполнены, между прочим, эстампы «Богоматерь с Младенцем», по собственной картине, и «Св. Семейство», с картины Ан. Карраччи.
[382x700]
[519x700]
[544x700]
[561x700]
[562x700]
Читать далее...

1500 - родился Бенвенуто Челлини /Benvenuto Cellini/( 3 ноября 1500, Флоренция — 13 февраля 1571, там же)
[402x271]
[263x400] [248x402]
— итальянский скульптор, ювелир, живописец, воин и музыкант эпохи Ренессанса.

Биография
Челлини родился в семье землевладельца и мастера по изготовлению музыкальных инструментов Джованни Челлини (сына каменщика) и Марии Лизабетты Гриначчи. Бенвенуто был вторым ребёнком в семье, появившимся на девятнадцатом году брака родителей.

Несмотря на желание отца, которому хотелось видеть сына музыкантом, Бенвенуто в 1513 году нанялся учеником в мастерскую ювелира Брандини, где обучился способам художественной обработки металла. С этих лет начал участвовать во многих драках, особенно с другими ювелирами, отчего в 1516 и 1523 годах изгонялся из родного города. После скитаний по Италии осел в 1524 году в Риме, где сблизился с верхушкой Ватикана.

В 1527 году участвовал в обороне Рима от имперских войск. После поражения римлян покинул город. В 1529 году вернулся в Рим и получил должность начальника папского монетного двора, которую занимал до 1534 года. Все его ювелирные произведения той эпохи (за исключением нескольких медалей) не сохранились — они были позднее переплавлены.

Мстя за брата, в 1531—1534 годах Челлини убил ювелира, затем напал на нотариуса, после чего бежал в Неаполь, где опять лишил жизни ещё одного ювелира за то, что тот плохо высказывался о Челлини при папском дворе.

В 1537 году был принят на французскую службу королём Франциском I, исполнив его портретную медаль. Снова попав в Рим, Челлини был арестован, обвинён в краже папских драгоценностей, однако он смог опять бежать. На воле мастер пробыл недолго: он вновь был заключён под стражу и, однако, после освобождён.

С 1540 года жил при французском королевском дворе в Фонтенбло, где завершил работу над единственным дошедшим до нас ювелирным произведением, подлинность которого не подлежит сомнению, — большой солонкой Франциска I (1540—1543).

Во Франции мастер освоил технику бронзового литья и с этой поры начал выполнять крупные скульптурные заказы. С 1545 по 1553 годы Челлини находился на службе у герцога Козимо I Медичи во Флоренции, где создал знаменитую статую Персея, держащего голову Медузы-Горгоны. Здесь он исполнил и ряд других скульптур, реставрировал античные произведения.

В 1556 году Челлини опять заключили в тюрьму за драку с ювелиром. Последним его значительным монументальным произведением явилось «Распятие». Под домашним арестом мастер начал писать автобиографию, ставшую жемчужиной его творчества.

Скульптор скончался 13 февраля 1571 года в родной Флоренции. Был похоронен с большими почестями в Церкви Благовещения.

Творчество
Книга «Жизнь Бенвенуто, сына маэстро Джованни Челлини, флорентийца, написанная им самим во Флоренции» является одним из самых замечательных произведений литературы XVI в. Бенвенуто Челлини начал писать автобиографию в 1558 году, однако большая часть рукописи написана рукой 14-летнего мальчика, секретаря Челлини, и ещё несколько страниц выполнено другой рукой. Хроника доходит до 1562 года. В XVIII веке после разнообразных приключений, рукопись пропала. В 1805 году она была найдена в одной из книжных лавок во Флоренции и передана в библиотеку Лауренциана, где находится и по сей день. Первое печатное издание появилось в Неаполе в 1728 году.

Жизнь Бенвенуто Челлини написана в той литературной манере, которую можно назвать популярной, и этим отличается от таких произведений, как «Исповедь блаженного Августина» или «Исповедь Руссо». На страницах своей книги Бенвенуто Челлини не высказал никаких новых идей; он описал свои приключения, мысли и чувства с откровенностью, не характерной для жанра автобиографии предшествующего времени, и сделал это богатым разговорным языком, который очень убедительно передаёт ход мысли и переживания человека.

Современники высоко ценили Челлини как ремесленника, относительно же его художественного дарования мнения разделились; однако, несмотря на это, он представлял скульпторов на торжественной церемонии погребения Микеланджело. Варки и Вазари с похвалой отзывались о его таланте ювелира. Вазари, например, писал, что Челлини — непревзойдённый мастер медальерного искусства, превосходящий даже древних, и величайший ювелир своего времени, а также замечательный скульптор. Из созданных им произведений ювелирного искусства сохранилось немногое: солонка Франциска I (1540—1543, Вена, Художественно-исторический музей), Читать далее...

[700x466]
На улице Мазепы

1699 - родился Жан Батист Симеон Шарден /Jean Baptiste Simon Chardin/(1699,Париж—1779, там же)
[400x350]
[304x400] [300x400]
— французский живописец, один из известнейших художников XVIII столетия и один из лучших колористов в истории живописи, прославившийся своими работами в области натюрморта и жанровой живописи.

В своём творчестве художник сознательно избегал торжественных и пасторально-мифологических сюжетов, свойственных искусству его времени. Основным предметом его натюрмортов и жанровых сцен, целиком основанных на натурных наблюдениях и являвшихся по сути скрытыми портретами, была повседневная домашняя жизнь людей из так называемого третьего сословия, переданная в спокойной, задушевной и правдивой манере.
Шарден, чья деятельность как художника ознаменовала собой расцвет реализма в XVIII в., продолжил традиции голландских и фламандских мастеров натюрморта и бытового жанра XVII в., обогатив эту традицию и внеся в своё творчество оттенок изящества и естественности.

Ученик Пьера-Жака Каза и Ноэля Куапеля, Шарден родился и всю жизнь провёл в парижском квартале Сен-Жермен-де-Пре. Нет никаких свидетельств о том, что он вообще бывал за пределами французской столицы. Помогая Куапелю исполнять аксессуары в его картинах, приобрёл необычайное искусство изображать неодушевленные предметы всякого рода и решился посвятить себя исключительно их воспроизведению. В начале своей самостоятельной деятельности писал плоды, овощи, цветы, хозяйственные принадлежности, охотничьи атрибуты с таким мастерством, что любители искусства принимали его картины за работы знаменитых фламандских и голландских художников, и только с 1739 года расширил круг своих сюжетов сценами домашнего быта небогатых людей и портретами.

Он рано стал известен парижской публике как превосходный мастер натюрморта. Это произошло во многом благодаря парижской «выставке дебютантов», которая проходила на площади Дофина. Так, в 1728 году он представил там несколько полотен, среди которых был в том числе натюрморт «Скат». Картина так поразила Никола де Ларжильера, почётного члена французской Академии живописи и скульптуры, что он предложил молодому художнику выставить свои произведения в стенах академии. Впоследствии живописец настоял на том, чтобы Шарден поборолся за место в Академии. Уже в сентябре его кандидатура была принята, и он был занесён в списки как «изобразитель цветов, плодов и жанровых сцен».

Бытовой жанр и натюрморт органически связаны в его искусстве как аспекты целостного и поэтически глубокого восприятия реальности. Вслед за голландцами французский жанрист умел выразить очарование интерьера и тех предметов домашнего обихода, которые окружают человека. Для своих композиций Шарден выбирал самые обычные предметы — кухонный бак для воды, старые кастрюли, овощи, глиняный кувшин, и лишь изредка в его натюрмортах можно увидеть величественные атрибуты наук и искусств. Достоинство этих картин — не в драгоценности вещей, которую так любили голландцы, а в их одухотворенной поэтической жизни, в уравновешенности построения, создающих образ гармонического бытия.

В совершенстве владея знанием цветовых отношений, Шарден тонко чувствовал взаимосвязь предметов и своеобразие их структуры. Дидро восхищался тем умением, с которым художник заставляет ощутить движение соков под кожицей плода. В цвете предмета Шарден видел множество оттенков и маленькими мазками передавал их. Из подобных оттенков соткан его белый цвет. Необычайно многочисленны серые и коричневые тона, которыми владел Шарден. Пронизывающие полотно лучи света придают предмету ясность и чёткость.

В 1730-х гг. Шарден обратился к жанровой живописи, к повседневным семейным и домашним сценам, полным любви и покоя, удивительной образной и колористической цельности («Молитва перед обедом», 1744). В жанровых сценах Шарден воссоздал спокойный, размеренный уклад повседневной жизни — то в самые заурядные, но лирически возвышенные моменты, то в эпизодах, имеющих внутреннее нравственное значение.

Картины жанровой живописи, отличающиеся наивной простотой содержания, силой и гармоничностью красок, мягкостью и сочностью кисти, ещё более, чем прежние работы Шардена, выдвинули его из ряда современных ему художников и укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он был сопричислен к парижской академии художеств, в 1743 г. избран в её советники, в 1750 г. Читать далее...

1596 - родился Пьетро да Кортона /Pietro da Cortona/ (наст. имя Пьетро Берреттини, Berrettini) (1 ноября 1596, Кортона, Ареццо — 16 мая 1669, Рим)
[288x401]
— итальянский живописец и архитектор.

Один из самых ярких мастеров эпохи барокко, создатель пышных театрализованных фресковых ансамблей во дворцах Рима и Флоренции. Его монументальные циклы росписей, алтарные образы для церквей, станковые живописные работы по заказам аристократии отличались высоким уровнем исполнения и вдохновением. Будучи уроженцем Тосканы, он начинал свою деятельность там, но уже с 1612 г. начал работать в Риме.

Его талант был замечен папой Урбаном VIII Барберини, ставшим его покровителем. В свою манеру, основанную на принципах классицизма мастеров болонской школы, подражание Карраччи, он привносил живые, полные фантазии детали, динамичные ракурсы, часто заимствованные из античной пластики, а также торжественную и нарядную праздничность.

В ряду лучших произведений художника картина — «Мадонна со святыми» (1626—1628, Кортона, Музей этрусской истории), в которой воплотилось все великолепие алтарного барочного образа. В залитом солнцем пространстве словно ощущается движение всех фигур. Пристрастие барокко к сложной символике указывает и богатое аллегорическое содержание. Картина была исполнена по заказу семейства Пассерини и содержит символику духовно-рыцарских орденов, принадлежностью к которой гордились представители этого знатного рода.

Полотно на мифологический сюжет «Похищение сабинянок» (1627—1629, Капитолийские музеи, Рим) было написано по заказу другого покровителя художника — римского мецената Саккетти. Классицистически чётко продуманная композиция сочетается в нём с бурной, театрализованной экспрессией. Неистовые повороты фигур, возможно, заимствованы из произведений Джованни Лоренцо Бернини, с которым художник сотрудничал и талант которого высоко ценил.

Не менее эффектно полотно «Нахождение Ромула и Рема» (1643, Лувр), полное динамики света и цвета. Сюжеты об основании Вечного города высоко ценились просвещённой аристократией, искавшей подтверждения древности своего происхождения. Реминисценции чувственной красоты античного искусства всегда играли большую роль в творчестве художника («Жертвоприношение Диане», Национальная галерея старого искусства, Рим).

Самой крупной работой Пьетро да Кортона в Риме стала его фреска «Триумф Божественного провидения» (1633—1639, Рим, Палаццо Барберини), написанная в плафоне Главного зала дворца папы Урбана VIII Барберини. Работа в апартаментах дворца была поручена ему совместно с Джованни Бернини.

После росписи Галереи Палаццо Фарнезе, исполненной Карраччи, Пьетро да Кортона стал создателем иного типа монументальной барочной росписи со словно прорывающим все преграды, устремлённым ввысь небесным пространством, врывающимися в зал облаками, парящими в опоре на них фигурами героев мифов, Священного писания, аллегорических персонажей. Все они словно плывут по небу в окружении рассеянного золотящегося от солнца света. Религиозный сюжет сочетается в них с идеей прославления папы Барберини как главы католической церкви и учёного, а также его славного рода. Поэтому в роспись введены элементы геральдической символики в виде изображения пчёл с расправленными крыльями. За эту грандиозную работу Пьетро да Кортона был удостоен звания князя римской Академии Сан Лука, почётного звания, утвердившего его в положении первого художника Рима. В эти годы он имел уже большую престижную мастерскую в Риме и в поздних картинах поручал доработку собственного замысла своим ученикам. Значительной работой художника стали и росписи анфилады парадных залов Палаццо Питти во Флоренции (1640-е), росписи Палаццо Памфили и церкви Кьеза Нуова в Риме.

В архитектуре талант Пьетро да Кортона проявился с не меньшей яркостью. В своих наиболее значительных постройках в Риме: вилле Саккетти (1625—1630), церквях Святых Луки и Мартины (1634—1650), Санта-Мария-ин-Виа-Лата (1658—1662), Санта-Мария-делла-Паче (1656) — он проявил себя как выдающийся зодчий барокко. Поклонник идей Браманте и Палладио, он творчески перерабатывал их наследие. Одним из примеров его большого дарования является, например, ансамбль площади с церковью Санта-Мария-делла-Паче, в котором наглядно воплощены градостроительные принципы римского барокко, органичное пластическое мышление талантливого мастера этой эпохи. Его скульптура богини Дианы завершила оформление ансамбля площади Четырёх фонтанов.

После смерти Гвидо Рени в 1642 г. Пьетро да Кортона перебрался в Болонью, где стал главой местной живописной школы. В самых поздних работах его ранее пышный театрализованный живописный стиль всё больше приобретал в период 1642-66 гг. черты продуманного аскетизма.

Читать далее...

1741 - родилась Анге́лика (Анжели́ка) Ка́уфман /Maria Anna Angelika/Angelica Katharina Kauffmann/(30 октября 1741, Куре, Свободное государство Трёх Союзов — 5 ноября 1807, Рим)
[401x269]
[334x400] [335x399]
— немецкая художница.

Биография
Дочь художника, выросла в Форарльберге, Австрия. Самостоятельно выучила несколько языков, много читала, увлекалась музыкой (соревнование поэзии, музыки и живописи — частый сюжет картин Кауфман). С 12 лет работала как профессиональный живописец. В 1754 побывала с отцом в Милане, с 1764 жила в Италии (Рим, Венеция).

В 1766 по предложению английского посла и его супруги уехала в Лондон, где прожила 15 лет. Её портрет написал Рейнольдс (1766), она в ответ написала портрет Рейнольдса. Была среди основателей Королевской Академии художеств, участвовала в росписи собора Св. Павла. В 1781 году вернулась в Рим. Подружилась там с Гёте, написала его портрет. Её последняя выставка состоялась в Риме в 1797 году.

Творчество
Живопись Кауфман (портреты, библейские, исторические, литературные и античные мифологические сюжеты) развивается в рамках классицизма.

Признание
Очень рано приобрела широкую европейскую известность.
В 1762 стала членом флорентийской Академии художеств, с 1765 — член Академии Св. Луки в Риме, с 1768 — Французской и Британской Королевской академии.
В 1810 году её биографию написал известный итальянский историк Джованни Баттиста де Росси, с тех пор её жизнь не раз становилась сюжетом романов. Художница была знаменита и в современной ей России, ода «К Анжелике Кауфман» (1798) принадлежит Державину.

Произведения Кауфман тиражировались и, таким образом, популяризировались в Европе, граверами Ф. Бартолоцци и Г. Скородумовым в технике пунктира (наиболее подходящей для передачи нюансов живописного полотна). Её почитателем был Фальконе (бывший также другом и почитателем творчества Рейнольдса).
В 1774 году, во время работы в Петербурге над памятником Петра I, Фальконе делился с английским путешественником Рэкселлом своими впечатлениями от работ художницы и сообщил, что «является обладателем почти всех её произведений».
Великая княгиня, а затем императрица Мария Фёдоровна, супруга императора Павла I, писала миниатюры на стекле с произведений художницы.

Гравюры с произведений Кауфман служили образцом для создания скульптуры. В частности, их использовал скульптор Ф. Шубин, работая над серией медальонов для украшения Мраморного зала Мраморного дворца в Петербурге.

В её честь назван кратер Кауфман на Венере.

Выставки
Retrospektive Angelika Kauffmann (270 works), Düsseldorf, Kunstmuseum (Nov. 15th 1998 - Jan. 24th 1999);
München, Haus der Kunst (Febr. 5th - April 18th 1999);
Chur, Bündner Kunstmuseum (May 8th - July 11th 1999).
Тексты[править | править вики-текст]
Briefe einer Malerin. Mainz: Dieterich’sche Verlagsbuchhandlung, 1999.

Литература
Smidt I. Angelika Kauffmann, Goethes Freundin in Rom. Ein Lebensbild nach ihren Briefen und nach Berichten ihrer Zeitgenossen. Wien: Bergland-Verlag, 1968
Angelika Kauffmann und ihre Zeit: Graphik und Zeichnungen von 1760—1810. Düsseldorf: C.G. Boerner, 1979
Obermeier S. Die Muse von Rom: Angelika Kauffmann und ihre Zeit. Frankfurt/Main: Oberon,1987
Omaggio a Angelika Kauffmann/ Oscar Sandner, ed. Milano: Società per le belle arti ed esposizione permanente, 1992
Maierhofer W. Angelica Kauffman. Reinbek bei Hamburg : Rowohlt, 1997.
Sandner O. Angelika Kauffmann e Roma. Roma: De Luca, 1998
Rosenthal A. Angelica Kauffman: art and sensibility. New Haven: Yale UP, 2006.
Федотова Е. Д. Ангелика Кауфман. М.: Белый город, 2004
Bettina Baumgärtel (ed.): Retrospective Angelika Kauffmann, Exh. Cat. Dusseldorf, Kunstmuseum; Munich, Haus der Kunst, Chur, Bündner Kunstmuseum, Ostfildern, Hatje 1998, ISBN 3-7757-0756-5.
Angelica Kauffman Research Project: Forthcoming catalogue raisonné by Bettina Baumgärtel

Примечания
↑ Wraxell, N. A tour through some of the northern parts of Europe, particularly Copenhagen, Stockholm and Petersburgh, in a series of letters. London, 1774, p. 228. Русский пер.: Екатерининский Петербург глазами иностранцев. Неизданные письма 1770-х гг. СПб., 2013. С. 121

Ссылки
commons: Кауфман, Ангелика на Викискладе?
Ангелика Кауфман
Сайт музея Ангелики Кауфман в Шварценберге (нем.)
Angelika Kauffmann Research Project

Читать далее...

Дата - 1 декабря 1924
Место - Эстония
Причина - политические противоречия между КПЭ и правительством Эстонии
Итог - поражение восстания
Противники - Коммунистическая партия Эстонии и Эстонская Республика
Командующие
Я. Я. Анвельт
К. Тракман
В. Клейн
К. М. Римм
Ф.Акель

Flag of Estonia.svg Й. Лайдонер
Силы сторон
250 человек - От 600 до 700 солдат
Потери
12 погибших,
40 раненых
26 погибших,
41 раненый
Перводекабрьская попытка государственного переворота) — неудавшаяся попытка вооружённого захвата власти в Эстонской республике эстонскими и засланными из СССР коммунистами (в основном эстонцы и латыши — граждане СССР) 1 декабря 1924 года.

Заговорщиками было убито примерно 20 человек, в их числе и министр путей сообщения Эстонской Республики Карл Карк. Восстание было подавлено в тот же день. Из примерно 250—300 повстанцев 12 было убиты. В течение 2—3 месяцев было расстреляно несколько сот рабочих, свыше 2 тысяч человек было арестовано.

Подготовка восстания
В конце лета ЦК коммунистических партий Эстонии, Латвии и Литвы опубликовали совместное воззвание «К трудящимся Эстонии, Латвии и Литвы», в котором предупреждали о готовности буржуазии прибалтийских республик установить фашистские режимы, и призвали рабочих и крестьян этих стран бороться против такой угрозы.
Кроме того, тем же летом на Второй конференции КПЭ одним из основных вопросов стояло вооружённое восстание в Эстонии. В ряде городов страны коммунисты развернули кампанию, проведя серию собраний с призывами к свержению буржуазного правительства. С призывами к восстанию выступила нелегальная газета «Коммунист» — печатный орган КПЭ. Призыв к восстанию передали политические заключённые тюрем Таллина.

Военно-техническая и организационная подготовка к восстанию была начата ещё весной 1924 в условиях строгой конспирации. Детальный план восстания составил в Таллине прибывший из Москвы Карл Тракман (офицер Штаба РККА).
Общее руководство подготовкой осуществлял член ЦК КПЭ Я. Я. Анвельт. Был создан Военно-революционный комитет под руководством В. Клейна. В состав руководителей восстания входили Иоханнес Юрна, Георг Креукс, Рудольф Пяльсон, Карл Римм, Николай Риукранд, Арнольд Соммерлинг, Харольд Туммельтау. Ответственные за организацию восстания в Тарту Ханс Хейдеман и Вилли Троммель были арестованы до начала выступления.

Боевые группы формировались в Таллине, Пярну, Нарве, Тарту, Вильянди, Раквере, Выру, Валга, Кохила, Кунда и других местах, а также при воинских частях. В состав боевых организаций входили как коммунисты и комсомольцы, так и беспартийные. Основной воинской единицей была боевая тройка, в которой только её руководитель был непосредственно связан с подпольной организацией. Постепенно тройки сводились в боевые группы численностью в десятки бойцов. Общая численность восставших к ноябрю 1924 составила около 1000 человек, из них в Таллине около 400.

В ходе восстания предполагалось создать революционное правительство, которое должно было установить Советскую власть и присоединить Эстонию к СССР. Резервом восставших являлись около 6700 эстонских коммунистов и комсомольцев, проживавших в СССР, а также добровольческие группы, подготовленные компартиями Латвии и Финляндии.

Решение о выборе даты восстания было принято 29 ноября на объединённом заседании ЦК КПЭ и комсомола Эстонии, проходившем в Таллине на улице Кадака, 9.
В ходе заседания был создан Военно-революционный комитет в составе 10 человек под председательством В. Клейна (начальник штаба — К. Римм). ВРК утвердил план, согласно которому восстание, начавшись в Таллине и Пярну, должно было охватить все центры страны.

Ход событий
В ночь на понедельник 1 декабря группы повстанцев по 2-3 человека приходили на конспиративные квартиры, где концентрировались боевые группы. Здесь они получали оружие и боеприпасы.

Восстание началось в 5:15 утра. Примерно 250—300 человек со стрелковым оружием, гранатами и взрывчаткой утром 1 декабря атаковали ряд объектов в Таллине. Боевая группа Йоханнеса Мянда подорвала железнодорожный мост возле Вазула, а группа Вольдемара Ракэсона — железнодорожный мост у Мустйыэ, что помешало перебросить эскадрон кавалерии из Тарту и бронепоезд из Тапа для подавления восстания в столице.

Восставшие захватили резиденцию государственного старейшины Фридриха Акеля. Акель жил в официальной резиденции в центре города, за собором Александра Невского. При нападении повстанцев он скрылся в дальней комнате и заперся. Его адъютант Шенберг выпрыгнул из окна и под градом пуль побежал к зданию военного министерства, откуда к резиденции был немедленно выслан бронеавтомобиль. При его приближении повстанцы скрылись.

Повстанцами также был захвачен Главпочтамт и несколько воинских частей и полицейских участков. Дружины Кристьяна Грюнбаха и Виллема Рообаха заняли авиадивизион и аэродром в Ласнамяги, захватив 3 самолёта и 4 автомашины. Практически все солдаты авиадивизиона присоединились к восставшим. Был захвачен Балтийский вокзал, движение поездов с Читать далее...