Кременчуг вчера
05-12-2016 10:07
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
05-12-2016 09:52
1878 - родился Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (24 октября (5 ноября) 1878, Хвалынск Саратовской губернии Российской империи
[300x400]
[296x400]
— 15 февраля 1939, Ленинград) — русский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР (1930)[3].
Биография
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился 24 октября (5 ноября) 1878 года в городе Хвалынске Саратовской губернии Российской империи, в семье сапожника.
Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. В 1893 году он окончил училище.
Проработав лето в судоремонтных мастерских, по осени Кузьма отправился в Самару поступать в железнодорожное училище, но провалился. В итоге оказался в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова. Здесь он получил азы живописного искусства. Однако в 1895 году Буров скончался и образование осталось незаконченным. Позднее Петров-Водкин так вспоминал: «До окончания нашего пребывания у Бурова мы ни разу не попытались подойти к натуре, благодаря чему не получали настоящей ценности знаний».
Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Он прибыл на Волгу по просьбе своей старой знакомой — помещицы Ю. И. Казарьиной, которая хотела попросить Мельцера выстроить для неё очередной особняк. Мать Петрова-Водкина Анна Пантелеевна работала горничной у сестры Казарьиной и показала архитектору рисунки своего талантливого сына. Мельцер был поражён его живописью и увёз Кузьму Сергеевича в Петербург, где дал хорошее художественное образование в петербургском Центральном училище технического рисования Штиглица. Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить».
Свою работу художника Петров-Водкин начал с создания образа Богоматери с Младенцем на стене церковной апсиды Ортопедического института доктора Вредена в Александровском парке на Петроградской стороне. Для того, чтобы перевести эскиз своей иконы в майолику, Кузьма Сергеевич направился в Лондон, где картину обработали на керамической фабрике «Дультон».
В 1897 году Петров-Водкин переехал в Москву и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у Валентина Александровича Серова. В 1900 году он работал на керамическом заводе в селе Всехсвятском под Москвой. Окончил МУЖВЗ в 1905 году.
С 1905 по 1908 год он занимался также в частных академиях Парижа. В этот период посетил Италию (1905) и Северную Африку (1907). В 1911 году Петров-Водкин стал членом объединения «Мир искусства».
Был одним из членов-учредителей Вольной философской ассоциации (Вольфила, 1919—1924)[6].
В 1924 году стал участником объединения «Четыре искусства».
В Советском Союзе Петров-Водкин много работал как график и театральный художник. Деятельность в театре начал в 1913 году в театре Незлобина. Оформил спектакли «Орлеанская дева» Шиллера (1913), «Дневник Сатаны» по Андрееву (1923, Ленинградский театр драмы им. Пушкина), «Женитьба Фигаро» Бомарше (1935, Ленинградский театр драмы им. Пушкина)[7]. Занимался также литературным трудом, сочиняя рассказы, повести, пьесы и очерки. Писал теоретические статьи, занимался преподаванием.
Петров-Водкин был одним из реорганизаторов системы художественного образования в стране. С 1918 по 1933 г. он преподавал последовательно в Петроградских Государственных свободных художественных учебных мастерских (ПГСХУМ), ВХУТЕМАС, ВХУТЕИН, Институте пролетарского изобразительного искусства (ИНПИИ), ИЖСА.
В августе 1932 года К. С. Петров-Водкин избирается первым председателем Ленинградского отделения Союза советских художников (ЛОССХ).
Художник скончался 15 февраля 1939 года в Ленинграде. Похоронен на Литераторских мостках Волкова кладбища.
Творчество
Характер творчества[править | править вики-текст]
В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. С 1910-х годов он перешёл от аллегорических к целостным монументально-декоративным произведениям. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты.
Эротизм в творчестве
Некоторые работыЧитать далее...
комментарии: 1
понравилось!
вверх^
к полной версии
1878 - родился Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (24 октября (5 ноября) 1878, Хвалынск Саратовской губернии Российской империи
[300x400] [296x400]— 15 февраля 1939, Ленинград) — русский и советский живописец, график, теоретик искусства, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР (1930)[3].
Биография
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился 24 октября (5 ноября) 1878 года в городе Хвалынске Саратовской губернии Российской империи, в семье сапожника.
Будучи учеником четырёхклассного городского училища, Кузьма познакомился с двумя местными иконописцами, у которых он мог наблюдать за всеми этапами создания иконы. Под впечатлением он пробует самостоятельно писать иконы и пейзажи масляными красками. В 1893 году он окончил училище.
Проработав лето в судоремонтных мастерских, по осени Кузьма отправился в Самару поступать в железнодорожное училище, но провалился. В итоге оказался в классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова. Здесь он получил азы живописного искусства. Однако в 1895 году Буров скончался и образование осталось незаконченным. Позднее Петров-Водкин так вспоминал: «До окончания нашего пребывания у Бурова мы ни разу не попытались подойти к натуре, благодаря чему не получали настоящей ценности знаний».
Кузьма вернулся на родину, где ему помог случай. В Хвалынск приехал знаменитый петербургский архитектор Р. Ф. Мельцер. Он прибыл на Волгу по просьбе своей старой знакомой — помещицы Ю. И. Казарьиной, которая хотела попросить Мельцера выстроить для неё очередной особняк. Мать Петрова-Водкина Анна Пантелеевна работала горничной у сестры Казарьиной и показала архитектору рисунки своего талантливого сына. Мельцер был поражён его живописью и увёз Кузьму Сергеевича в Петербург, где дал хорошее художественное образование в петербургском Центральном училище технического рисования Штиглица. Хвалынские купцы, в том числе и Казарьина, присылали ежемесячно 25 рублей в помощь Кузьме, но тот считал это «подачкой, за которую потом нужно будет благодарить».
Свою работу художника Петров-Водкин начал с создания образа Богоматери с Младенцем на стене церковной апсиды Ортопедического института доктора Вредена в Александровском парке на Петроградской стороне. Для того, чтобы перевести эскиз своей иконы в майолику, Кузьма Сергеевич направился в Лондон, где картину обработали на керамической фабрике «Дультон».
В 1897 году Петров-Водкин переехал в Москву и поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), где учился у Валентина Александровича Серова. В 1900 году он работал на керамическом заводе в селе Всехсвятском под Москвой. Окончил МУЖВЗ в 1905 году.
С 1905 по 1908 год он занимался также в частных академиях Парижа. В этот период посетил Италию (1905) и Северную Африку (1907). В 1911 году Петров-Водкин стал членом объединения «Мир искусства».
Был одним из членов-учредителей Вольной философской ассоциации (Вольфила, 1919—1924)[6].
В 1924 году стал участником объединения «Четыре искусства».
В Советском Союзе Петров-Водкин много работал как график и театральный художник. Деятельность в театре начал в 1913 году в театре Незлобина. Оформил спектакли «Орлеанская дева» Шиллера (1913), «Дневник Сатаны» по Андрееву (1923, Ленинградский театр драмы им. Пушкина), «Женитьба Фигаро» Бомарше (1935, Ленинградский театр драмы им. Пушкина)[7]. Занимался также литературным трудом, сочиняя рассказы, повести, пьесы и очерки. Писал теоретические статьи, занимался преподаванием.
Петров-Водкин был одним из реорганизаторов системы художественного образования в стране. С 1918 по 1933 г. он преподавал последовательно в Петроградских Государственных свободных художественных учебных мастерских (ПГСХУМ), ВХУТЕМАС, ВХУТЕИН, Институте пролетарского изобразительного искусства (ИНПИИ), ИЖСА.
В августе 1932 года К. С. Петров-Водкин избирается первым председателем Ленинградского отделения Союза советских художников (ЛОССХ).
Художник скончался 15 февраля 1939 года в Ленинграде. Похоронен на Литераторских мостках Волкова кладбища.
Творчество
Характер творчества[править | править вики-текст]
В начальный период творчества Петров-Водкин испытал сильное влияние зарубежных мастеров символизма и «модерна». Он считается одним из выразителей символистических тенденций в русской живописи в этот период. С 1910-х годов он перешёл от аллегорических к целостным монументально-декоративным произведениям. Петров-Водкин испытывал интерес к живописи раннего Возрождения и русской иконописи, результатом чего считается разработка им сферической перспективы. Художник также создавал тематические картины, портреты, натюрморты.
Эротизм в творчестве
Некоторые работы
Кременчуг сегодня
04-12-2016 17:09
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
04-12-2016 16:19
1866 - родился Василий Васильевич Кандинский (4 декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция)
[400x250]
[300x341]
[301x401]
— русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем в Баухаусе.
Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского университета.
В 1896 знаменитый Дерптский университет в Тарту предлагает место профессора, но Кандинский отказывается. Так, по ряду причин в 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины «Стога сена» Клода Моне.
В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауза нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.
Биография
Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества.
Василий Кандинский родился в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России.
В 1871 семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование.
В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право.
В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля) совершил этнографическую экспедицию по северным уездам Вологодской губернии[1].
В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (1895—1896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°», на Пименовской улице, в Москве.
Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским, М. В. Верёвкиной, В. Г. Бехтеевым, Д. Н. Кардовским, М. В. Добужинским, И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем.
С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.
В 1900 г. поступил в Мюнхенскую академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.
С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.
В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.
В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионисты, Франц Марк, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина, а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.
В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.
11 февраля 1917 г. вступает в брак с Ниной Николаевной Андреевской (1893—1980).
После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.
В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).
В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах»Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1866 - родился Василий Васильевич Кандинский (4 декабря 1866, Москва — 13 декабря 1944, Нёйи-сюр-Сен, Франция)
[400x250] [300x341] [301x401]— русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма. Был одним из основателей группы «Синий всадник», преподавателем в Баухаусе.
Родился в Москве, получил основное музыкальное и художественное образование в Одессе, когда семья переехала туда в 1871 году. Родители предполагали для сына профессию юриста, Василий Васильевич блестяще окончил Юридический факультет Московского университета.
В 1896 знаменитый Дерптский университет в Тарту предлагает место профессора, но Кандинский отказывается. Так, по ряду причин в 30 лет он решил стать художником; это произошло под влиянием выставки импрессионистов в Москве в 1895 году и картины «Стога сена» Клода Моне.
В 1896 году он переезжает в Мюнхен, где знакомится с немецкими экспрессионистами. После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауза нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.
Биография
Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества.
Василий Кандинский родился в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832—1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России.
В 1871 семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получает также художественное и музыкальное образование.
В 1885-93 (с перерывом в 1889-91) учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова, изучая экономику и право.
В 1889 г. прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля) совершил этнографическую экспедицию по северным уездам Вологодской губернии[1].
В 1893 г. В.Кандинский окончил юридический факультет. В (1895—1896) трудился художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°», на Пименовской улице, в Москве.
Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. В 1896 г. он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 г. В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским, М. В. Верёвкиной, В. Г. Бехтеевым, Д. Н. Кардовским, М. В. Добужинским, И. Я. Билибиным, К. С. Петровым-Водкиным, И. Э. Грабарем.
С 1897 г. обучался живописи в частной студии А. Ашбе.
В 1900 г. поступил в Мюнхенскую академию художеств, где обучался у Франца фон Штука. С 1901 г. Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой сам же и преподавал.
С 1900 г. Кандинский много путешествует, посетив Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывает в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников.
В 1910 и 1912 г. также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.
В 1909 г. Кандинский организовал «Новое мюнхенское художественное объединение», в 1911 — альманах и группу «Синий всадник», членами которой стали известные художники-экспрессионисты, Франц Марк, Алексей Явленский, Марианна Верёвкина, а также Пауль Клее. Тогда же у него прошла первая персональная выставка.
В 1914 г. художник вернулся в Москву. В последующие годы работал над реалистическими и полуабстрактными полотнами, в основном пейзажами.
11 февраля 1917 г. вступает в брак с Ниной Николаевной Андреевской (1893—1980).
После революции 1917 г. Кандинский активно занимался общественной работой.
В 1918 г. он участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук, преподавал во ВХУТЕМАСе и издал автобиографическую книгу «Ступени» (М., 1918).
В 1918—1919 г. он был членом художественной коллегии Отдела ИЗО Наркомпроса, в 1919—1921 г. — председателем Всероссийской закупочной комиссии, учёным консультантом и заведующим репродукционной мастерской, почётным профессором Московского университета. Кандинский также был избран вице-президентом РАХН. Продолжал он и писать — в этот период, в частности, созданы декоративные композиции на стекле «Амазонка» (1918) и «Амазонка в горах»
В этот день
03-12-2016 19:12
1941 - скончался Павел Николаевич Филонов (8 января 1883, Москва — 3 декабря 1941, Ленинград)
[212x400]
[301x405]
[318x403]
— русский, советский художник (художник исследователь, как он официально именовал себя сам), поэт, один из лидеров русского авангарда; основатель, теоретик, практик и учитель аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.
Биография
Павел Николаевич родился в Москве 27 декабря 1882 года по ст. стилю, то есть 8 января 1883 — по новому, но родители Филонова, как он сам пишет, — «мещане г. Рязани»; все многочисленные члены семьи значились в податных книгах и посемейных списках Рязанской мещанской управы до 1917 года.
Отец — Николай Иванов, крестьянин села Реневка Ефремовского уезда Тульской губернии, до августа 1880 года — «бесфамильный»; предположительно, за ним фамилия «Филонов» была закреплена при переезде семьи в Москву. П. Филонов указывает, что отец работал кучером, извозчиком. О матери, Любови Николаевне, он сообщает лишь то, что она брала белье в стирку. Так и не установлено где в Москве жили Филоновы — в городском ли доме господ Головиных или служили у них, имели ли своё дело…
1894 - 1897 — ученик городской («Каретнорядной») приходской школы (Москва), которую окончил с отличием; за год до того от чахотки умерла мать.
После переезда в Петербург в 1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские и по окончании оных работал «по малярно-живописному делу». Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы Общества поощрения художеств, а с 1903 года — учился в частной мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1849—1916).
В 1905—1907 гг. Филонов путешествовал по Волге, Кавказу, посетил Иерусалим.
Завершив занятия в частной мастерской, Филонов пытался трижды поступить в Петербургскую Академию художеств; в 1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии художеств, из которой он «добровольно вышел» в 1910 г.
К 1910 г относится участие Филонова в выставке «Союза молодёжи», созданного по инициативе Волдемара Матвея, Е. Г. Гуро и М. В. Матюшина; к зиме 1910 г — «первая картина» (по утверждению самого художника) — «Головы» (картон, масло, 28,5 × 47,5 см.).
Филонов участвует в выставках и мероприятиях «Союза…» до его распада в 1914 г. К этому периоду относятся «Пир королей», 1913 г. «Крестьянская семья», 1914 г , «Мужчина и женщина», 1912—1913 гг. (бумага, смеш. техника), а также многочисленные работы на бумаге и картоне, которые он (уже) называет «формулами»: формула цветка, городового, пролетариата и т. п.
В 1912 г. Филонов пишет статью «Канон и закон», где уже ясно сформулированы принципы аналитического искусства: антикубизм, принцип «органического» — от частного к общему. Филонов не отрывается от природы, как кубисты, но стремится её постичь, анализируя элементы формы в их непрерывном развитии.
Художник совершает поездки по Италии, Франции и в 1913 г пишет декорации для постановки трагедии В.Маяковского «Владимир Маяковский» в театре петербургского Луна-парка.
Филонов и Хлебников
В начале 1910-х произошло сближение Павла Филонова и Велимира Хлебникова. Мимолётно, ёмким проблеском образ его и мироощущение художника — в рассказе В. Хлебникова «Ка» (22 февраля — 10 марта 1915).
«...Я встретил одного художника и спросил, пойдет ли он на войну? Он ответил: «Я тоже веду войну, только не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отымаю у прошлого клочок времени. Мой долг одинаково тяжел, что и у войск за пространство». Он всегда писал людей с одним глазом. Я смотрел в его вишневые глаза и бледные скулы. Ка шел рядом. Лился дождь. Художник писал пир трупов, пир мести.
Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобным лучу месяца бешенством скорби.»
Филонов написал портрет поэта (1913; не сохранился) и иллюстрировал его «Изборник» (1914), а в 1915 году опубликовал свою поэму «Пропевень о проросли мировой» с собственными иллюстрациями.
В творчестве Павла Филонова и Велимира Хлебникова наблюдается явное духовное родство и взаимовлияние: как в изобразительных принципах Павла Филонова — и графических опытах Велимира Хлебникова, так и в поэтическом строе, метрике последнего — и особенностях звучания, построения литературного языка первого.
Соавторство, о котором сказано выше, было единственным, как и единственным — этот случай участия П. Филонова в литографских изданиях футуристов, ноЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1941 - скончался Павел Николаевич Филонов (8 января 1883, Москва — 3 декабря 1941, Ленинград)
[212x400] [301x405] [318x403]— русский, советский художник (художник исследователь, как он официально именовал себя сам), поэт, один из лидеров русского авангарда; основатель, теоретик, практик и учитель аналитического искусства — уникального реформирующего направления живописи и графики первой половины XX века, оказавшего и оказывающего заметное влияние на творческие умонастроения многих художников и литераторов новейшего времени.
Биография
Павел Николаевич родился в Москве 27 декабря 1882 года по ст. стилю, то есть 8 января 1883 — по новому, но родители Филонова, как он сам пишет, — «мещане г. Рязани»; все многочисленные члены семьи значились в податных книгах и посемейных списках Рязанской мещанской управы до 1917 года.
Отец — Николай Иванов, крестьянин села Реневка Ефремовского уезда Тульской губернии, до августа 1880 года — «бесфамильный»; предположительно, за ним фамилия «Филонов» была закреплена при переезде семьи в Москву. П. Филонов указывает, что отец работал кучером, извозчиком. О матери, Любови Николаевне, он сообщает лишь то, что она брала белье в стирку. Так и не установлено где в Москве жили Филоновы — в городском ли доме господ Головиных или служили у них, имели ли своё дело…
1894 - 1897 — ученик городской («Каретнорядной») приходской школы (Москва), которую окончил с отличием; за год до того от чахотки умерла мать.
После переезда в Петербург в 1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские и по окончании оных работал «по малярно-живописному делу». Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы Общества поощрения художеств, а с 1903 года — учился в частной мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1849—1916).
В 1905—1907 гг. Филонов путешествовал по Волге, Кавказу, посетил Иерусалим.
Завершив занятия в частной мастерской, Филонов пытался трижды поступить в Петербургскую Академию художеств; в 1908 г. был принят вольнослушателем в школу при Академии художеств, из которой он «добровольно вышел» в 1910 г.
К 1910 г относится участие Филонова в выставке «Союза молодёжи», созданного по инициативе Волдемара Матвея, Е. Г. Гуро и М. В. Матюшина; к зиме 1910 г — «первая картина» (по утверждению самого художника) — «Головы» (картон, масло, 28,5 × 47,5 см.).
Филонов участвует в выставках и мероприятиях «Союза…» до его распада в 1914 г. К этому периоду относятся «Пир королей», 1913 г. «Крестьянская семья», 1914 г , «Мужчина и женщина», 1912—1913 гг. (бумага, смеш. техника), а также многочисленные работы на бумаге и картоне, которые он (уже) называет «формулами»: формула цветка, городового, пролетариата и т. п.
В 1912 г. Филонов пишет статью «Канон и закон», где уже ясно сформулированы принципы аналитического искусства: антикубизм, принцип «органического» — от частного к общему. Филонов не отрывается от природы, как кубисты, но стремится её постичь, анализируя элементы формы в их непрерывном развитии.
Художник совершает поездки по Италии, Франции и в 1913 г пишет декорации для постановки трагедии В.Маяковского «Владимир Маяковский» в театре петербургского Луна-парка.
Филонов и Хлебников
В начале 1910-х произошло сближение Павла Филонова и Велимира Хлебникова. Мимолётно, ёмким проблеском образ его и мироощущение художника — в рассказе В. Хлебникова «Ка» (22 февраля — 10 марта 1915).
«...Я встретил одного художника и спросил, пойдет ли он на войну? Он ответил: «Я тоже веду войну, только не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отымаю у прошлого клочок времени. Мой долг одинаково тяжел, что и у войск за пространство». Он всегда писал людей с одним глазом. Я смотрел в его вишневые глаза и бледные скулы. Ка шел рядом. Лился дождь. Художник писал пир трупов, пир мести.
Мертвецы величаво и важно ели овощи, озаренные подобным лучу месяца бешенством скорби.»
Филонов написал портрет поэта (1913; не сохранился) и иллюстрировал его «Изборник» (1914), а в 1915 году опубликовал свою поэму «Пропевень о проросли мировой» с собственными иллюстрациями.
В творчестве Павла Филонова и Велимира Хлебникова наблюдается явное духовное родство и взаимовлияние: как в изобразительных принципах Павла Филонова — и графических опытах Велимира Хлебникова, так и в поэтическом строе, метрике последнего — и особенностях звучания, построения литературного языка первого.
Соавторство, о котором сказано выше, было единственным, как и единственным — этот случай участия П. Филонова в литографских изданиях футуристов, но
В этот день
02-12-2016 10:51
1859 - родился Жорж-Пьер Сёра́ / Georges Seurat/(2 декабря 1859, Париж — 29 марта 1891, там же)
[257x399]
[300x401]
[303x400]
— французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм».
Жизнь
Жорж Сера в Париже в богатой семье. Его отец, Антуан-Кризостом Сёра, был юристом и уроженцем Шампани; мать, Эрнестин Февр, была парижанкой. Посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж. В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.
Жорж Сёра сначала изучал искусство с Джастином Лекуином, скульптором. После возвращения в Париж работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую. Сёра тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея. В течение следующих двух лет осваивал искусство черно-белого рисунка. В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу — огромный живописный холст «Купальщики в Аньере».
После того, как его живопись была отклонена Парижским салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа. В 1884 он и другие художники (включая Максимильена Люса) сформировали творческое общество «Сосьете де Артиста Индепендэнтса». Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма. Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Воскресный день на острове Гранд-Жатт».
В определенный период Сёра живет с моделью Маделин Ноблох, которую он изображает в работе «Пудрящаяся женщина».
Сера умер в Париже 29 марта 1891. Причина смерти Сёра сомнительна и была приписана форме менингита, пневмонии, инфекционному эндокардиту, и/или (наиболее вероятно) дифтерии. Его сын умер две недели спустя от той же болезни. Похоронен Жорж-Пьер Сёра на кладбище Пер-Лашез.
Работы
Сёра Купальщики в Аньере
Сёра. Воскресный день на острове Гранд-Жатт (1884).
Анжелика у скалы 1878
Воскресный день — шедевр, где наилучшим образом применена техника пуантилизма; изображены собаки, которые гуляют вместе со своими хозяевами в выходные дни на природе 1884—1886
Сена у Курбевуа, 1885, Собрание Кашен-Синьяк, Париж
Натурщицы, 1886—1888, Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Порт-ан-Бессен, воскресенье, 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
Корабли в море 1888
Парад-алле 1888
Канкан, 1889—1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
Пудрящаяся женщина 1888—1890
Берег Ба-Бютен, Онфлер 1886
«Песчаный берег моря»;
«Цирк» — одна из последних работ. 1890—1891
Ссылки
Жизнь и творчество Жоржа-Пьера Сёра на сайте Картины Импрессионистов
Картины Жоржа-Пьера Сёра
Сайт о Жорже-Пьере Сёра
[431x699]
[453x700]
[497x700]
[525x700]
[558x700]
[558x700]
[700x448]
[700x534]
[700x518]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1859 - родился Жорж-Пьер Сёра́ / Georges Seurat/(2 декабря 1859, Париж — 29 марта 1891, там же)
[257x399] [300x401] [303x400]— французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм».
Жизнь
Жорж Сера в Париже в богатой семье. Его отец, Антуан-Кризостом Сёра, был юристом и уроженцем Шампани; мать, Эрнестин Февр, была парижанкой. Посещал Школу изящных искусств. Затем служил в армии в Бресте. В 1880 г. вернулся в Париж. В поиске своего стиля в искусстве изобрёл так называемый пуантилизм — художественный приём передачи оттенков и цвета с помощью отдельных цветовых точек. Приём используется в расчёте на оптический эффект слияния мелких деталей при разглядывании изображения на расстоянии.
Жорж Сёра сначала изучал искусство с Джастином Лекуином, скульптором. После возвращения в Париж работал в студии вместе с двумя друзьями студенческого периода, а затем обустроил собственную мастерскую. Сёра тяготел к строго научному методу дивизионизма (теории разложения цветов). На электронной аналогии этого метода основывается работа растрового дисплея. В течение следующих двух лет осваивал искусство черно-белого рисунка. В 1883 году Сёра создает свою первую выдающуюся работу — огромный живописный холст «Купальщики в Аньере».
После того, как его живопись была отклонена Парижским салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа. В 1884 он и другие художники (включая Максимильена Люса) сформировали творческое общество «Сосьете де Артиста Индепендэнтса». Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма. Летом 1884 года Сёра начал работу над своей самой знаменитой работой — «Воскресный день на острове Гранд-Жатт».
В определенный период Сёра живет с моделью Маделин Ноблох, которую он изображает в работе «Пудрящаяся женщина».
Сера умер в Париже 29 марта 1891. Причина смерти Сёра сомнительна и была приписана форме менингита, пневмонии, инфекционному эндокардиту, и/или (наиболее вероятно) дифтерии. Его сын умер две недели спустя от той же болезни. Похоронен Жорж-Пьер Сёра на кладбище Пер-Лашез.
Работы
Сёра Купальщики в Аньере
Сёра. Воскресный день на острове Гранд-Жатт (1884).
Анжелика у скалы 1878
Воскресный день — шедевр, где наилучшим образом применена техника пуантилизма; изображены собаки, которые гуляют вместе со своими хозяевами в выходные дни на природе 1884—1886
Сена у Курбевуа, 1885, Собрание Кашен-Синьяк, Париж
Натурщицы, 1886—1888, Метрополитен-музей, Нью-Йорк
Порт-ан-Бессен, воскресенье, 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
Корабли в море 1888
Парад-алле 1888
Канкан, 1889—1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
Пудрящаяся женщина 1888—1890
Берег Ба-Бютен, Онфлер 1886
«Песчаный берег моря»;
«Цирк» — одна из последних работ. 1890—1891
Ссылки
Жизнь и творчество Жоржа-Пьера Сёра на сайте Картины Импрессионистов
Картины Жоржа-Пьера Сёра
Сайт о Жорже-Пьере Сёра
[431x699] [453x700] [497x700] [525x700] [558x700] [558x700] [700x448] [700x534] [700x518]
В этот день
01-12-2016 12:07
1716 - родился Этьенн Морис Фальконе (1 декабря 1716, Париж — 4 января 1791, там же)
[300x400]
[300x400]
— французский скульптор, в своих произведениях воплотивший эмоционально-лирическую линию европейского классицизма XVIII века.
Ранние годы
Учился у своего дяди, мраморщика по профессии, затем работал под руководством придворного скульптора-портретиста Жана Батиста Лемуана, одновременно изучая в версальском парке работы известных французских мастеров. В 1744 принят в Парижскую Академию за представленную на конкурсе группу «Милон Кротонский»; в 1754 году за исполнение этой группы в мраморе получил звание академика. В этом раннем произведении, как и в ряде других работ, Фальконе сохранил свойственную пластике барокко динамику и театральность, одновременно тяготея к классицистической ясности формы.
Работы для церкви святого Роха
В 1753—1766 годах Фальконе принимает участие в украшении капелл Распятия и святой Девы в парижской церкви святого Роха. Из восьми скульптурных групп, исполненных в манере барочных алтарей XVII века, сохранилась лишь одна — «Моление о чаше», остальные погибли в годы Французской революции.
В капелле Распятия скульптурную группу со Спасителем на кресте Фальконе установил на постаменте в виде груды необработанных камней, контраст естественной фактуры постамента и отполированных фигур создавал изысканный декоративный барочный эффект (впоследствии этот прием будет использован в памятнике Петру I).
Произведения 1750-1760-х годов
Пьетро Стаджи. Пигмалион и Галатея, 1797. Мрамор. Государственный Эрмитаж
В работах, исполненных по заказу мадам де Помпадур, фаворитки Людовика XV, старался следовать господствовавшей при дворе моде на искусство рококо.
Статуи «Музыка», «Амур», «Купальщица», полные рокайльной изысканной грации, естественны и изящны без жеманства, — аллегорические образы по-земному конкретны.
В 1757 Фальконе был назначен директором Севрской фарфоровой мануфактуры (находившейся под покровительством маркизы де Помпадур), для которой создает множество сразу вошедших в моду статуэток из бисквита с изображением аллегорий и мифологических персонажей. Преклоняясь перед античным искусством, мастер, однако, никогда не воспринимал его как холодный и безжизненный канон. «Только природу, живую, одухотворенную, страстную должен воплощать скульптор в мраморе, в бронзе или в камне», — эти слова всегда были девизом Фальконе. Образы сидящей девочки-подростка с розами у ног, юной девушки в античном хитоне с голубем в руках, ожившей Галатеи, перед которой склонился восхищенный Пигмалион, исполнены нежного элегического настроения, силуэты фигур плавны и изящны, легкие наклоны полны музыкальной грации.
Подлинным шедевром мастера явилась статуя «Зима», о которой восторженно отозвался друг скульптора Дени Дидро, не раз повторявший, что ценит в творчестве Фальконе прежде всего верность природе. Облик сидящей девушки, олицетворяющей зиму и прикрывающей плавно спадающими складками одеяния, как снежным покровом, цветы у ног, полон тихой мечтательной грусти. А иллюзией зимы являются знаки зодиака, изображенные по сторонам постамента, и чаша у её ног, расколовшаяся от замерзшей воды. «Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша», — писал Фальконе.
Медный всадник
Всю жизнь Фальконе мечтал о создании монументального произведения, — воплотить эту мечту ему удалось в России. По совету Дидро императрица Екатерина II поручила скульптору создание конного памятника Петру I. Эскиз из воска был сделан ещё в Париже, после приезда мастера в Россию в 1766 началась работа над гипсовой моделью в величину статуи.
Отказавшись от аллегорического решения, предложенного ему в окружении Екатерины II, Фальконе решил представить самого царя как «созидателя, законодателя и благодетеля своей страны», который «простирает десницу над объезжаемой им страной». Голову статуи он поручил моделировать своей ученице Мари Анн Колло, но впоследствии, по-видимому, внес свои коррективы в образ, пытаясь выразить в лице Петра сочетание мысли и силы.
В статуе царя, усмиряющего коня, великолепно передано единство движения и покоя; особое величие монументу придают царственно гордая посадка Петра, повелительный жест руки, поворот вскинутой головы в лавровом венке, олицетворяющие сопротивление стихии и утверждение державной воли.
Возвышаясь на постаменте из цельного камня в виде волны, памятник выразительным силуэтом вырисовывается на фоне перспективы Петербурга.
Выбитая на пьедестале лаконичная надпись «Petro primo Catharina secunda» («Петру Первому Екатерина Вторая») сделана по предложению Фальконе с незначительной редакцией самой Екатерины, изначальноЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1716 - родился Этьенн Морис Фальконе (1 декабря 1716, Париж — 4 января 1791, там же)
[300x400] [300x400]— французский скульптор, в своих произведениях воплотивший эмоционально-лирическую линию европейского классицизма XVIII века.
Ранние годы
Учился у своего дяди, мраморщика по профессии, затем работал под руководством придворного скульптора-портретиста Жана Батиста Лемуана, одновременно изучая в версальском парке работы известных французских мастеров. В 1744 принят в Парижскую Академию за представленную на конкурсе группу «Милон Кротонский»; в 1754 году за исполнение этой группы в мраморе получил звание академика. В этом раннем произведении, как и в ряде других работ, Фальконе сохранил свойственную пластике барокко динамику и театральность, одновременно тяготея к классицистической ясности формы.
Работы для церкви святого Роха
В 1753—1766 годах Фальконе принимает участие в украшении капелл Распятия и святой Девы в парижской церкви святого Роха. Из восьми скульптурных групп, исполненных в манере барочных алтарей XVII века, сохранилась лишь одна — «Моление о чаше», остальные погибли в годы Французской революции.
В капелле Распятия скульптурную группу со Спасителем на кресте Фальконе установил на постаменте в виде груды необработанных камней, контраст естественной фактуры постамента и отполированных фигур создавал изысканный декоративный барочный эффект (впоследствии этот прием будет использован в памятнике Петру I).
Произведения 1750-1760-х годов
Пьетро Стаджи. Пигмалион и Галатея, 1797. Мрамор. Государственный Эрмитаж
В работах, исполненных по заказу мадам де Помпадур, фаворитки Людовика XV, старался следовать господствовавшей при дворе моде на искусство рококо.
Статуи «Музыка», «Амур», «Купальщица», полные рокайльной изысканной грации, естественны и изящны без жеманства, — аллегорические образы по-земному конкретны.
В 1757 Фальконе был назначен директором Севрской фарфоровой мануфактуры (находившейся под покровительством маркизы де Помпадур), для которой создает множество сразу вошедших в моду статуэток из бисквита с изображением аллегорий и мифологических персонажей. Преклоняясь перед античным искусством, мастер, однако, никогда не воспринимал его как холодный и безжизненный канон. «Только природу, живую, одухотворенную, страстную должен воплощать скульптор в мраморе, в бронзе или в камне», — эти слова всегда были девизом Фальконе. Образы сидящей девочки-подростка с розами у ног, юной девушки в античном хитоне с голубем в руках, ожившей Галатеи, перед которой склонился восхищенный Пигмалион, исполнены нежного элегического настроения, силуэты фигур плавны и изящны, легкие наклоны полны музыкальной грации.
Подлинным шедевром мастера явилась статуя «Зима», о которой восторженно отозвался друг скульптора Дени Дидро, не раз повторявший, что ценит в творчестве Фальконе прежде всего верность природе. Облик сидящей девушки, олицетворяющей зиму и прикрывающей плавно спадающими складками одеяния, как снежным покровом, цветы у ног, полон тихой мечтательной грусти. А иллюзией зимы являются знаки зодиака, изображенные по сторонам постамента, и чаша у её ног, расколовшаяся от замерзшей воды. «Это, может быть, самая лучшая вещь, какую я мог сделать, и я смею думать, что она хороша», — писал Фальконе.
Медный всадник
Всю жизнь Фальконе мечтал о создании монументального произведения, — воплотить эту мечту ему удалось в России. По совету Дидро императрица Екатерина II поручила скульптору создание конного памятника Петру I. Эскиз из воска был сделан ещё в Париже, после приезда мастера в Россию в 1766 началась работа над гипсовой моделью в величину статуи.
Отказавшись от аллегорического решения, предложенного ему в окружении Екатерины II, Фальконе решил представить самого царя как «созидателя, законодателя и благодетеля своей страны», который «простирает десницу над объезжаемой им страной». Голову статуи он поручил моделировать своей ученице Мари Анн Колло, но впоследствии, по-видимому, внес свои коррективы в образ, пытаясь выразить в лице Петра сочетание мысли и силы.
В статуе царя, усмиряющего коня, великолепно передано единство движения и покоя; особое величие монументу придают царственно гордая посадка Петра, повелительный жест руки, поворот вскинутой головы в лавровом венке, олицетворяющие сопротивление стихии и утверждение державной воли.
Возвышаясь на постаменте из цельного камня в виде волны, памятник выразительным силуэтом вырисовывается на фоне перспективы Петербурга.
Выбитая на пьедестале лаконичная надпись «Petro primo Catharina secunda» («Петру Первому Екатерина Вторая») сделана по предложению Фальконе с незначительной редакцией самой Екатерины, изначально
В этот день
30-11-2016 15:59
1825 - родился Адольф Вильям Бугро /Adolphe William Bouguereau/(30 ноября 1825 года, Ла-Рошель — 19 августа 1905 года, там же)
[335x399]
[285x399]
— французский живописец, видный представитель салонного академизма XIX века.
Его творчество может характеризоваться как «квинтэссенция живописи своего поколения». В каталогах учтены 828 картин Бугро, преимущественно на мифологические, аллегорические и библейские сюжеты.
Исследователи причисляют его творчество к так называемому «романтическому реализму», поскольку он, следуя приёмам романтизма, предпочитал писать с натуры и воспроизводил внешность своих моделей с фотографической точностью.
Несмотря на верность академическим принципам, в частности, — примату рисунка над цветом, — в 1890-е годы испытывал влияние символизма, который истолковывал как метод раскрытия сущности изображаемого человека при помощи второстепенных деталей, несущих смысловую нагрузку.
С 1876 года — действительный член Академии изящных искусств, профессор Высшей школы изящных искусств (1888) и Академии Жюлиана (1875).
В 1857 году удостоен почётной Медали Салона, командор ордена Почётного легиона (1885).
Пользуясь коммерческим успехом, Бугро не принял импрессионизма и новых направлений в изобразительном искусстве и последовательно противостоял им, используя административные ресурсы. В результате после кончины он оказался забыт, и долгое время в критической литературе воспроизводились только негативные мнения о его творчестве, он воспринимался преимущественно как живописец жанра ню, потакавший самым низменным вкусам. Только с 1980-х годов, когда изменилось отношение к салонно-академическому искусству, Бугро стал рассматриваться как один из крупнейших живописцев XIX века, воспитавший многих известных художников, среди которых Анри Матисс, Феликс Валлотон, Вильгельм Лист[de], и другие.
Становление
Адольф Вильям Бугро был вторым из восьми детей Теодора Бугро и его супруги Марии Маргариты Аделины Бонин. Глава семейства был мелким предпринимателем и управлял винным складом. Согласно традиции, Вильяма крестили в кальвинистской церкви, но пяти лет от роду был обращён в католическую веру по настоянию дяди-священника Эжена.
В 1832 году Теодор Бугро переехал на остров Ре, на котором планировал работать в порту, там же семилетний Вильям впервые проявил художественные способности и увлечённо рисовал на всём, на чём придётся. К тому времени постоянная нужда заставила отправить детей на воспитание к родственникам, Вильям поступил на попечение к Эжену Бугро — младшему брату Теодора, которому было тогда 27 лет. Дядя-священник привил Вильяму искреннюю веру, а также любовь к литературе. Эжен Бугро устроил племянника в школу в Поне, там он мог посещать занятия по рисованию и быстро добился первых успехов; преподавал в школе Луи Саж — ученик Энгра.
Когда Вильяму исполнилось 17 лет, его отец поправил благосостояние на торговле оливковым маслом и вызвал сына к себе в Бордо, чтобы он приучался вести дела. Однако сын хотел стать художником, и несмотря на враждебное отношение отца, его клиенты убедили отдать Вильяма в Школу изящных искусств Бордо, при условии, что это не помешает ему учиться торговле. В результате Вильям Бугро ходил на занятия рано утром и по вечерам, а днём работал в лавке.
В 1844 году он получил первый приз за историческую картину; конкурентами были ученики Школы изящных искусств, которые посещали занятия по полной программе. Успех сильно ухудшил отношения отца и сына: Вильям мечтал переехать учиться в Париж, но не было денег. Дядя Эжен смог найти для Вильяма клиентов, которым он писал портреты за небольшую плату; за три месяца Бугро-младший создал 33 портрета и заработал 900 франков. По некоторым сведениям, Вильям Бугро разрабатывал для торговцев этикетки для банок варений и т. п.
В апреле 1846 года 21-летний Вильям Бугро поступил в мастерскую Франсуа Пико, а также, по его рекомендации, в Школу изящных искусств.
С 1848 года он участвовал в конкурсе на соискание Римской премии, к процессу отбора в котором допускались не более 10 студентов.
В 1848 году он получил третье место на конкурсе за картину из жизни апостола Петра, в 1849 году — только седьмое место за картину на сюжет «Одиссеи».
26-летний художник добился своей цели в 1850 году: его картина «Зенобия, найденная на берегу Аракса» получила меньше голосов жюри, чем работа Поля Бодри, но поскольку в 1848 году из-за революционных событий в Италию никого не отправляли, во Французской академии в Риме образовалась вакансия. Бугро в тот период существовал на стипендию в 600 франков,Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1825 - родился Адольф Вильям Бугро /Adolphe William Bouguereau/(30 ноября 1825 года, Ла-Рошель — 19 августа 1905 года, там же)
[335x399] [285x399]— французский живописец, видный представитель салонного академизма XIX века.
Его творчество может характеризоваться как «квинтэссенция живописи своего поколения». В каталогах учтены 828 картин Бугро, преимущественно на мифологические, аллегорические и библейские сюжеты.
Исследователи причисляют его творчество к так называемому «романтическому реализму», поскольку он, следуя приёмам романтизма, предпочитал писать с натуры и воспроизводил внешность своих моделей с фотографической точностью.
Несмотря на верность академическим принципам, в частности, — примату рисунка над цветом, — в 1890-е годы испытывал влияние символизма, который истолковывал как метод раскрытия сущности изображаемого человека при помощи второстепенных деталей, несущих смысловую нагрузку.
С 1876 года — действительный член Академии изящных искусств, профессор Высшей школы изящных искусств (1888) и Академии Жюлиана (1875).
В 1857 году удостоен почётной Медали Салона, командор ордена Почётного легиона (1885).
Пользуясь коммерческим успехом, Бугро не принял импрессионизма и новых направлений в изобразительном искусстве и последовательно противостоял им, используя административные ресурсы. В результате после кончины он оказался забыт, и долгое время в критической литературе воспроизводились только негативные мнения о его творчестве, он воспринимался преимущественно как живописец жанра ню, потакавший самым низменным вкусам. Только с 1980-х годов, когда изменилось отношение к салонно-академическому искусству, Бугро стал рассматриваться как один из крупнейших живописцев XIX века, воспитавший многих известных художников, среди которых Анри Матисс, Феликс Валлотон, Вильгельм Лист[de], и другие.
Становление
Адольф Вильям Бугро был вторым из восьми детей Теодора Бугро и его супруги Марии Маргариты Аделины Бонин. Глава семейства был мелким предпринимателем и управлял винным складом. Согласно традиции, Вильяма крестили в кальвинистской церкви, но пяти лет от роду был обращён в католическую веру по настоянию дяди-священника Эжена.
В 1832 году Теодор Бугро переехал на остров Ре, на котором планировал работать в порту, там же семилетний Вильям впервые проявил художественные способности и увлечённо рисовал на всём, на чём придётся. К тому времени постоянная нужда заставила отправить детей на воспитание к родственникам, Вильям поступил на попечение к Эжену Бугро — младшему брату Теодора, которому было тогда 27 лет. Дядя-священник привил Вильяму искреннюю веру, а также любовь к литературе. Эжен Бугро устроил племянника в школу в Поне, там он мог посещать занятия по рисованию и быстро добился первых успехов; преподавал в школе Луи Саж — ученик Энгра.
Когда Вильяму исполнилось 17 лет, его отец поправил благосостояние на торговле оливковым маслом и вызвал сына к себе в Бордо, чтобы он приучался вести дела. Однако сын хотел стать художником, и несмотря на враждебное отношение отца, его клиенты убедили отдать Вильяма в Школу изящных искусств Бордо, при условии, что это не помешает ему учиться торговле. В результате Вильям Бугро ходил на занятия рано утром и по вечерам, а днём работал в лавке.
В 1844 году он получил первый приз за историческую картину; конкурентами были ученики Школы изящных искусств, которые посещали занятия по полной программе. Успех сильно ухудшил отношения отца и сына: Вильям мечтал переехать учиться в Париж, но не было денег. Дядя Эжен смог найти для Вильяма клиентов, которым он писал портреты за небольшую плату; за три месяца Бугро-младший создал 33 портрета и заработал 900 франков. По некоторым сведениям, Вильям Бугро разрабатывал для торговцев этикетки для банок варений и т. п.
В апреле 1846 года 21-летний Вильям Бугро поступил в мастерскую Франсуа Пико, а также, по его рекомендации, в Школу изящных искусств.
С 1848 года он участвовал в конкурсе на соискание Римской премии, к процессу отбора в котором допускались не более 10 студентов.
В 1848 году он получил третье место на конкурсе за картину из жизни апостола Петра, в 1849 году — только седьмое место за картину на сюжет «Одиссеи».
26-летний художник добился своей цели в 1850 году: его картина «Зенобия, найденная на берегу Аракса» получила меньше голосов жюри, чем работа Поля Бодри, но поскольку в 1848 году из-за революционных событий в Италию никого не отправляли, во Французской академии в Риме образовалась вакансия. Бугро в тот период существовал на стипендию в 600 франков,
В этот день
27-11-2016 12:37
1570 - скончался Якопо Сансовино /Jacopo Sansovino/(1486—1570)
[402x288]
[300x400]
[298x400]
— скульптор и архитектор эпохи Высокого Возрождения.
Родился 2 июля 1486 года во Флоренции, урожденный Якопо Татти. Во Флоренции в 1500 году поступил в ученики к Андреа Сансовино, чью фамилию он впоследствии взял. В 1510 году сопровождал учителя в Рим, где изучал античную скульптуру.
Якопо был нанят папой Юлием II для реставрации повреждённых статуй, также он создал бронзовую копию скульптурной группы «Лаокоон и его сыновья». В 1511 году Сансовино вернулся во Флоренцию, где начал работу над мраморной статуей Иакова Зеведеева для собора Санта-Мария-дель-Фьоре. В тот же период им была создана скульптура «Бахус и Пан» (Барджелло).
Вернувшись в Рим, Якопо работал для общины флорентийцев над церковью Сан-Джованни-деи-Фиорентини, начатой Антонио да Сангалло. Мраморная скульптурная группа «Мадонна с младенцем», созданная Сансовино, была установлена к западу от храма Сант-Агостино.
В 1527 году Якопо был вынужден бежать из разграбленного Рима. По пути во Францию он остановился в Венеции, где его приняли Тициан и Пьетро Аретино. Подряд на восстановление главного купола базилики Сан-Марко заставил его отказаться от своих планов. Вскоре Сансовино становится главным архитектором Венецианской республики. В Венеции он остался до конца жизни.
Сансовино внёс огромный вклад в архитектуру Венеции. Под его руководством были построены здание библиотеки, монетный двор, лоджетта. Якопо построил несколько дворцов, церкви Сан-Джулиано и Сан-Франческо делла Винья, которую заканчивал Палладио.
Как скульптор, Сансовино изваял статую Марса и Нептуна, установленные на парадной лестнице Дворца дожей. Сансовино умер 27 ноября 1570 года в Венеции.
Постройки Сансовино
Сансовино. Библиотека Марчиана
В Риме:
Сан-Марчелло-аль-Корсо
В Венеции:
Библиотека Марчиана на площади Святого Марка
Дворец Цекка
Лоджетта, 1537—1540 года
Церковь Сан-Джиминьяно
Сан-Франческо делла Винья, 1534 год
Церковь Сан-Джулиано
Вилла Гарцони в Понтекасале
Фасад Палаццо Корнер на Большом Канале
Надгробие дожа Франческо Веньера в церкви Сан-СальвадорЯкопо Сансовино (итал. Jacopo Sansovino; 1486—1570) — скульптор и архитектор эпохи Высокого Возрождения.
Родился в 2 июля 1486 года во Флоренции, урожденный Якопо Татти. Во Флоренции в 1500 году поступил в ученики к Андреа Сансовино, чью фамилию он впоследствии взял. В 1510 году сопровождал учителя в Рим, где изучал античную скульптуру.
Якопо был нанят папой Юлием II для реставрации повреждённых статуй, также он создал бронзовую копию скульптурной группы «Лаокоон и его сыновья». В 1511 году Сансовино вернулся во Флоренцию, где начал работу над мраморной статуей Иакова Зеведеева для собора Санта-Мария-дель-Фьоре. В тот же период им была создана скульптура «Бахус и Пан» (Барджелло).
Вернувшись в Рим, Якопо работал для общины флорентийцев над церковью Сан-Джованни-деи-Фиорентини, начатой Антонио да Сангалло. Мраморная скульптурная группа «Мадонна с младенцем», созданная Сансовино, была установлена к западу от храма Сант-Агостино.
В 1527 году Якопо был вынужден бежать из разграбленного Рима. По пути во Францию он остановился в Венеции, где его приняли Тициан и Пьетро Аретино. Подряд на восстановление главного купола базилики Сан-Марко заставил его отказаться от своих планов. Вскоре Сансовино становится главным архитектором Венецианской республики. В Венеции он остался до конца жизни.
Сансовино внёс огромный вклад в архитектуру Венеции. Под его руководством были построены здание библиотеки, монетный двор, лоджетта. Якопо построил несколько дворцов, церкви Сан-Джулиано и Сан-Франческо делла Винья, которую заканчивал Палладио.
Как скульптор, Сансовино изваял статую Марса и Нептуна, установленные на парадной лестнице Дворца дожей. Сансовино умер 27 ноября 1570 года в Венеции.
Постройки Сансовино
Сансовино. Библиотека Марчиана
В Риме:
Сан-Марчелло-аль-Корсо
В Венеции:
Библиотека Марчиана на площади Святого Марка
Дворец Цекка
Лоджетта, 1537—1540 года
Церковь Сан-Джиминьяно
Сан-Франческо делла Винья, 1534 год
Церковь Сан-Джулиано
Вилла Гарцони в Понтекасале
Фасад Палаццо Корнер на Большом Канале
Надгробие дожа Франческо Веньера в церкви Сан-Сальвадор
[350x700]
![]()
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1570 - скончался Якопо Сансовино /Jacopo Sansovino/(1486—1570)
[402x288] [300x400] [298x400]— скульптор и архитектор эпохи Высокого Возрождения.
Родился 2 июля 1486 года во Флоренции, урожденный Якопо Татти. Во Флоренции в 1500 году поступил в ученики к Андреа Сансовино, чью фамилию он впоследствии взял. В 1510 году сопровождал учителя в Рим, где изучал античную скульптуру.
Якопо был нанят папой Юлием II для реставрации повреждённых статуй, также он создал бронзовую копию скульптурной группы «Лаокоон и его сыновья». В 1511 году Сансовино вернулся во Флоренцию, где начал работу над мраморной статуей Иакова Зеведеева для собора Санта-Мария-дель-Фьоре. В тот же период им была создана скульптура «Бахус и Пан» (Барджелло).
Вернувшись в Рим, Якопо работал для общины флорентийцев над церковью Сан-Джованни-деи-Фиорентини, начатой Антонио да Сангалло. Мраморная скульптурная группа «Мадонна с младенцем», созданная Сансовино, была установлена к западу от храма Сант-Агостино.
В 1527 году Якопо был вынужден бежать из разграбленного Рима. По пути во Францию он остановился в Венеции, где его приняли Тициан и Пьетро Аретино. Подряд на восстановление главного купола базилики Сан-Марко заставил его отказаться от своих планов. Вскоре Сансовино становится главным архитектором Венецианской республики. В Венеции он остался до конца жизни.
Сансовино внёс огромный вклад в архитектуру Венеции. Под его руководством были построены здание библиотеки, монетный двор, лоджетта. Якопо построил несколько дворцов, церкви Сан-Джулиано и Сан-Франческо делла Винья, которую заканчивал Палладио.
Как скульптор, Сансовино изваял статую Марса и Нептуна, установленные на парадной лестнице Дворца дожей. Сансовино умер 27 ноября 1570 года в Венеции.
Постройки Сансовино
Сансовино. Библиотека Марчиана
В Риме:
Сан-Марчелло-аль-Корсо
В Венеции:
Библиотека Марчиана на площади Святого Марка
Дворец Цекка
Лоджетта, 1537—1540 года
Церковь Сан-Джиминьяно
Сан-Франческо делла Винья, 1534 год
Церковь Сан-Джулиано
Вилла Гарцони в Понтекасале
Фасад Палаццо Корнер на Большом Канале
Надгробие дожа Франческо Веньера в церкви Сан-СальвадорЯкопо Сансовино (итал. Jacopo Sansovino; 1486—1570) — скульптор и архитектор эпохи Высокого Возрождения.
Родился в 2 июля 1486 года во Флоренции, урожденный Якопо Татти. Во Флоренции в 1500 году поступил в ученики к Андреа Сансовино, чью фамилию он впоследствии взял. В 1510 году сопровождал учителя в Рим, где изучал античную скульптуру.
Якопо был нанят папой Юлием II для реставрации повреждённых статуй, также он создал бронзовую копию скульптурной группы «Лаокоон и его сыновья». В 1511 году Сансовино вернулся во Флоренцию, где начал работу над мраморной статуей Иакова Зеведеева для собора Санта-Мария-дель-Фьоре. В тот же период им была создана скульптура «Бахус и Пан» (Барджелло).
Вернувшись в Рим, Якопо работал для общины флорентийцев над церковью Сан-Джованни-деи-Фиорентини, начатой Антонио да Сангалло. Мраморная скульптурная группа «Мадонна с младенцем», созданная Сансовино, была установлена к западу от храма Сант-Агостино.
В 1527 году Якопо был вынужден бежать из разграбленного Рима. По пути во Францию он остановился в Венеции, где его приняли Тициан и Пьетро Аретино. Подряд на восстановление главного купола базилики Сан-Марко заставил его отказаться от своих планов. Вскоре Сансовино становится главным архитектором Венецианской республики. В Венеции он остался до конца жизни.
Сансовино внёс огромный вклад в архитектуру Венеции. Под его руководством были построены здание библиотеки, монетный двор, лоджетта. Якопо построил несколько дворцов, церкви Сан-Джулиано и Сан-Франческо делла Винья, которую заканчивал Палладио.
Как скульптор, Сансовино изваял статую Марса и Нептуна, установленные на парадной лестнице Дворца дожей. Сансовино умер 27 ноября 1570 года в Венеции.
Постройки Сансовино
Сансовино. Библиотека Марчиана
В Риме:
Сан-Марчелло-аль-Корсо
В Венеции:
Библиотека Марчиана на площади Святого Марка
Дворец Цекка
Лоджетта, 1537—1540 года
Церковь Сан-Джиминьяно
Сан-Франческо делла Винья, 1534 год
Церковь Сан-Джулиано
Вилла Гарцони в Понтекасале
Фасад Палаццо Корнер на Большом Канале
Надгробие дожа Франческо Веньера в церкви Сан-Сальвадор
[350x700]
Кременчуг сегодня
26-11-2016 15:17
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
26-11-2016 13:59
1547 - скончался Джованни Кариани, наст. имя Джованни Буси /итал. Giovanni Cariani/(ок. 1485—1490, Сан-Джованни-Бьянко, Бергамо — 26 ноября 1547, Венеция)
[397x268]
(400x268, 12Kb)" />
[301x400]
[297x400]
— итальянский художник.
Жизнь и творчество
О творчестве Дж. Кариани, как о живущем в Венеции живописце, впервые упоминается в 1509 году. Предположительно, изучал искусство в Венеции — возможно, у различных мастеров.
Ранние произведения Кариано не сохранились либо до сих пор не идентифицированы. Ряд работ его указывают на творческое влияние Дж. Беллини на живопись Кариани (например, Мадонна с голубями из собора в Бергамо).
Другие картины Кариани показывают воздействие таких мастеров, как Лоренцо Лотто и Пальма иль Веккьо. Начиная с 1515 года, в его работах всё более узнаются черты школы Джорджоне. В то же время появляются и черты, присущие полотнам Тициана, Доссо Досси и Джулио Кампаньолы.
В 1514 году художник выполнил первый свой крупный заказ — по украшению соборной церкви в Валь-Серианна близ Бергамо. В дальнейшем он неоднократно посещал этот город.
В 1517 году вступил в гильдию художников Венеции. В том же году вместе с женой уехал в Бергамо, где получил заказ на алтарную картину для местной церкви Сан-Готтардо. Последующие годы были наиболее плодотворными и удачными. Вершины своего творчества художник достиг, написав в 1519 году Портрет семьи Альбини.
В 1523 году вернулся в Венецию. В последующие годы он стал одним из самых плодовитых и успешных художников Венеции. Лишь в последний период жизни качество его полотен несколько снизилось: уменьшилась яркость красок, в изображаемых фигурах угадывается некая схематичность.
В период между 1528 и 1532 годом отсутствуют всякие указания на пребывание Кариани в Венеции. Поэтому ряд исследователей предполагают, что в это время он жил в Бергамо. В 1536 году он женился вторично, в том же году умер его отец.
Дж. Кариани оставил после себя большое творческое наследие. Написанные им полотна ныне хранятся в крупнейших музеях Санкт-Петербурга (Государственный Эрмитаж), Парижа (Лувр), Лос-Анджелеса (музей Поля Гетти), Лондона, Берлина, Сан-Франциско, Дублина, Хьюстона, Милана («Пинакотека Брера»), Рима, Марселя, Страсбурга, Турина, Амстердама, Варшавы, Бергамо и других городов.
Литература
Luciano Gallina: Giovanni Cariani. Materiale per un studio. Documenti Lombardi, Bergamo 1954.
Kindlers Malereilexikon. Künstlerlexikon, Sachlexikon, Bilddatenbank. Neuauflage. DirectMedia, Berlin 2007. — ISBN 978-3-89853-610-3 (1 DVD-ROM).
Rodolfo Pallucchini: Giovanni Cariani. Edizione Silvana, Cinisello Balsamo 1983. — ISBN 88-366-0037-9.
Mauro Zanchi, Simonetta Cavalleri: Giovanni Cariani. Il giorgionesco dal realismo terragno. Ferrari, Bergamo 2001. — ISBN 88-87489-20-3 (Lo sguardo dell’immagine).
[525x700]
[614x700]
[658x700]
[700x395]
[700x478]
[700x486]
[700x509]
[700x582]
[700x471]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1547 - скончался Джованни Кариани, наст. имя Джованни Буси /итал. Giovanni Cariani/(ок. 1485—1490, Сан-Джованни-Бьянко, Бергамо — 26 ноября 1547, Венеция)
[397x268]
(400x268, 12Kb)" /> [301x400] [297x400]— итальянский художник.
Жизнь и творчество
О творчестве Дж. Кариани, как о живущем в Венеции живописце, впервые упоминается в 1509 году. Предположительно, изучал искусство в Венеции — возможно, у различных мастеров.
Ранние произведения Кариано не сохранились либо до сих пор не идентифицированы. Ряд работ его указывают на творческое влияние Дж. Беллини на живопись Кариани (например, Мадонна с голубями из собора в Бергамо).
Другие картины Кариани показывают воздействие таких мастеров, как Лоренцо Лотто и Пальма иль Веккьо. Начиная с 1515 года, в его работах всё более узнаются черты школы Джорджоне. В то же время появляются и черты, присущие полотнам Тициана, Доссо Досси и Джулио Кампаньолы.
В 1514 году художник выполнил первый свой крупный заказ — по украшению соборной церкви в Валь-Серианна близ Бергамо. В дальнейшем он неоднократно посещал этот город.
В 1517 году вступил в гильдию художников Венеции. В том же году вместе с женой уехал в Бергамо, где получил заказ на алтарную картину для местной церкви Сан-Готтардо. Последующие годы были наиболее плодотворными и удачными. Вершины своего творчества художник достиг, написав в 1519 году Портрет семьи Альбини.
В 1523 году вернулся в Венецию. В последующие годы он стал одним из самых плодовитых и успешных художников Венеции. Лишь в последний период жизни качество его полотен несколько снизилось: уменьшилась яркость красок, в изображаемых фигурах угадывается некая схематичность.
В период между 1528 и 1532 годом отсутствуют всякие указания на пребывание Кариани в Венеции. Поэтому ряд исследователей предполагают, что в это время он жил в Бергамо. В 1536 году он женился вторично, в том же году умер его отец.
Дж. Кариани оставил после себя большое творческое наследие. Написанные им полотна ныне хранятся в крупнейших музеях Санкт-Петербурга (Государственный Эрмитаж), Парижа (Лувр), Лос-Анджелеса (музей Поля Гетти), Лондона, Берлина, Сан-Франциско, Дублина, Хьюстона, Милана («Пинакотека Брера»), Рима, Марселя, Страсбурга, Турина, Амстердама, Варшавы, Бергамо и других городов.
Литература
Luciano Gallina: Giovanni Cariani. Materiale per un studio. Documenti Lombardi, Bergamo 1954.
Kindlers Malereilexikon. Künstlerlexikon, Sachlexikon, Bilddatenbank. Neuauflage. DirectMedia, Berlin 2007. — ISBN 978-3-89853-610-3 (1 DVD-ROM).
Rodolfo Pallucchini: Giovanni Cariani. Edizione Silvana, Cinisello Balsamo 1983. — ISBN 88-366-0037-9.
Mauro Zanchi, Simonetta Cavalleri: Giovanni Cariani. Il giorgionesco dal realismo terragno. Ferrari, Bergamo 2001. — ISBN 88-87489-20-3 (Lo sguardo dell’immagine).
[525x700] [614x700] [658x700] [700x395] [700x478] [700x486] [700x509] [700x582] [700x471]
В этот день
25-11-2016 12:13
1967 - скончался Осип Цадкин /Ossip Zadkine/, собственно Иосель Аронович Цадкин (14 июля 1890, Витебск — 25 ноября 1967, Париж)
[405x270]
[230x404]
[289x400]
— французский скульптор-авангардист, происходивший из шотландцев по матери и из витебских евреев по отцу; также рисовальщик, гравёр, иллюстратор, поэт и мемуарист.
Биография
Цадкин родился 14 июля 1890 года в Витебске. По поздней версии самого Цадкина, его отец — Ефим Цадкин — был крещёным евреем и профессором классических языков в Смоленской семинарии, мать — София Лестер — происходила из семьи шотландских кораблестроителей.
В числе преподавателей Смоленской семинарии имени Цадкина не значится.
Архивные документы периода учёбы Цадкина в Витебском городском четырёхклассном училище (в 1900—1902 годах в одном классе с Мовшей Шагалом, будущим художником Марком Шагалом и Авигдором Меклером, будущим художником Виктором Меклером) показывают, что Иосель-Шмуйла Цадкин был иудейского вероисповедания и в 1904 году закончил полный курс училища:
Предъявитель сего Иосель Аронов Цадкин, окончивший курс наук в Витебском четырёхклассном городском училище в 1904 году, во время пребывания в означенном училище с 1900—1901 по 1903—1904 учебный год обучался столярно-токарному мастерству в ремесленном при названном училище классе и с удовлетворительном успехом прошёл положенный курс сего мастерства.
В 1905 был отправлен к родственникам на север Англии, брал уроки ваяния в местной художественной школе. В 1905—09 жил в Лондоне, постоянно посещал Британский музей, учился в Политехнической школе.
С 1910 обосновался в Париже, на Монпарнасе, работал в «Улье» («Ла Рюш»). В 1911 его работы были выставлены в Осеннем Салоне и Салоне независимых. Сблизился с Аполлинером, Брынкуши, Пикассо, Бурделем, Матиссом, Делоне, Модильяни (который оставил графический портрет Цадкина, 1913—14). В 1914—15 выставлялся в Берлине, Амстердаме, Лондоне.
Участвовал в Первой мировой войне, был отравлен газами, демобилизован в 1917, пережил затяжной душевный кризис.
В 1921 вышла первая монография о Цадкине влиятельного художественного критика Мориса Рейналя. Его выставки прошли в Токио, Гренобле, ретроспектива его работ была представлена в 1926 в Париже.
В годы Второй мировой войны Цадкин находился в США, затем вернулся в Париж. В 1950-х мастерская Цадкина, наравне с заведением Фернана Леже, стала местом учёбы нескольких известных скульпторов: Джорджа Шугермана, Ричарда Станкевича.
Творчество и признание
Скульптура Цадкина, прошедшего через воздействие кубизма, близка к экспрессионизму. Особую выразительность его работам придает использование разрывов, пустот, «контррельефа», как бы выворачивающего пластическое пространство наизнанку.
Большие ретроспективные выставки его скульптуры прошли в послевоенные годы в национальных музеях Амстердама, Парижа, Роттердама. В 1953 в Роттердаме был воздвигнут памятник «Разрушенный город» работы Цадкина, в 1961 — памятник Ван Гогу в городке Овер-сюр-Уаз, в 1964 — братьям Ван Гог в Зюндерте (Нидерланды).
До 1958 Цадкин преподавал в парижской Академии Гранд-Шомьер. В 1965 вышла представительная монография «Тайный мир Осипа Цадкина», включающая его литографии, стихи, фотографии художника. Гигантская ретроспектива была открыта в 1966 в Художественном музее Цюриха.
Скончался 25 ноября 1967 г. в Париже. Похоронен на столичном кладбище Монпарнас.
Память
В доме на парижской улице д’Ассас (VI округ), где Цадкин поселился в 1928, после его смерти открыт музей.
Именем скульптора названа улица в XIII округе Парижа.
Цадкин под именем Брунсвика выведен на начальных страницах книги Валентина Катаева «Алмазный мой венец»[6].
Примечания
↑ По версии самого Цадкина, он родился в Смоленске и вырос в Витебске.
↑ В этих же документах датой рождения Цадкина указано 28 января 1888 года.
↑ Александр Лисов «Цадкин и Витебск»
↑ Ruthenia:
Ссылки
Работы в музеях мира
Сайт исследовательского Центра Цадкина (англ.)
Страница в энциклопедии Кругосвет (рус.)
[218x700]
[416x700]
[447x700]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1967 - скончался Осип Цадкин /Ossip Zadkine/, собственно Иосель Аронович Цадкин (14 июля 1890, Витебск — 25 ноября 1967, Париж)
[405x270] [230x404] [289x400]— французский скульптор-авангардист, происходивший из шотландцев по матери и из витебских евреев по отцу; также рисовальщик, гравёр, иллюстратор, поэт и мемуарист.
Биография
Цадкин родился 14 июля 1890 года в Витебске. По поздней версии самого Цадкина, его отец — Ефим Цадкин — был крещёным евреем и профессором классических языков в Смоленской семинарии, мать — София Лестер — происходила из семьи шотландских кораблестроителей.
В числе преподавателей Смоленской семинарии имени Цадкина не значится.
Архивные документы периода учёбы Цадкина в Витебском городском четырёхклассном училище (в 1900—1902 годах в одном классе с Мовшей Шагалом, будущим художником Марком Шагалом и Авигдором Меклером, будущим художником Виктором Меклером) показывают, что Иосель-Шмуйла Цадкин был иудейского вероисповедания и в 1904 году закончил полный курс училища:
Предъявитель сего Иосель Аронов Цадкин, окончивший курс наук в Витебском четырёхклассном городском училище в 1904 году, во время пребывания в означенном училище с 1900—1901 по 1903—1904 учебный год обучался столярно-токарному мастерству в ремесленном при названном училище классе и с удовлетворительном успехом прошёл положенный курс сего мастерства.
В 1905 был отправлен к родственникам на север Англии, брал уроки ваяния в местной художественной школе. В 1905—09 жил в Лондоне, постоянно посещал Британский музей, учился в Политехнической школе.
С 1910 обосновался в Париже, на Монпарнасе, работал в «Улье» («Ла Рюш»). В 1911 его работы были выставлены в Осеннем Салоне и Салоне независимых. Сблизился с Аполлинером, Брынкуши, Пикассо, Бурделем, Матиссом, Делоне, Модильяни (который оставил графический портрет Цадкина, 1913—14). В 1914—15 выставлялся в Берлине, Амстердаме, Лондоне.
Участвовал в Первой мировой войне, был отравлен газами, демобилизован в 1917, пережил затяжной душевный кризис.
В 1921 вышла первая монография о Цадкине влиятельного художественного критика Мориса Рейналя. Его выставки прошли в Токио, Гренобле, ретроспектива его работ была представлена в 1926 в Париже.
В годы Второй мировой войны Цадкин находился в США, затем вернулся в Париж. В 1950-х мастерская Цадкина, наравне с заведением Фернана Леже, стала местом учёбы нескольких известных скульпторов: Джорджа Шугермана, Ричарда Станкевича.
Творчество и признание
Скульптура Цадкина, прошедшего через воздействие кубизма, близка к экспрессионизму. Особую выразительность его работам придает использование разрывов, пустот, «контррельефа», как бы выворачивающего пластическое пространство наизнанку.
Большие ретроспективные выставки его скульптуры прошли в послевоенные годы в национальных музеях Амстердама, Парижа, Роттердама. В 1953 в Роттердаме был воздвигнут памятник «Разрушенный город» работы Цадкина, в 1961 — памятник Ван Гогу в городке Овер-сюр-Уаз, в 1964 — братьям Ван Гог в Зюндерте (Нидерланды).
До 1958 Цадкин преподавал в парижской Академии Гранд-Шомьер. В 1965 вышла представительная монография «Тайный мир Осипа Цадкина», включающая его литографии, стихи, фотографии художника. Гигантская ретроспектива была открыта в 1966 в Художественном музее Цюриха.
Скончался 25 ноября 1967 г. в Париже. Похоронен на столичном кладбище Монпарнас.
Память
В доме на парижской улице д’Ассас (VI округ), где Цадкин поселился в 1928, после его смерти открыт музей.
Именем скульптора названа улица в XIII округе Парижа.
Цадкин под именем Брунсвика выведен на начальных страницах книги Валентина Катаева «Алмазный мой венец»[6].
Примечания
↑ По версии самого Цадкина, он родился в Смоленске и вырос в Витебске.
↑ В этих же документах датой рождения Цадкина указано 28 января 1888 года.
↑ Александр Лисов «Цадкин и Витебск»
↑ Ruthenia:
Ссылки
Работы в музеях мира
Сайт исследовательского Центра Цадкина (англ.)
Страница в энциклопедии Кругосвет (рус.)
[218x700] [416x700] [447x700]
В этот день
23-11-2016 14:13
1881 - родился Пятрас Римша /Petras Rimsha/(11 (23) ноября 1881, деревня Науджяй, ныне Вилкавишкский район Литвы — 2 октября 1961, Каунас)
[300x400]
— литовский скульптор, медальер, график.
Биография
Учился в школе изящных искусств /Ecole de Beaux Arts/ в Париже (1903—1904) и в Академии художеств в Кракове (1904—1905), затем в школе Общества поощрения художеств в Петербурге (1909—1911).
Участвовал в Первой литовской художественной выставке в Вильне, открытой 27 декабря 1906 года (9 января 1907), на которой среди одиннадцати его произведений была выставлена ставшая впоследствии особенно известной работа «Литовская школа 1864—1904». Скульптура воссоздаёт условия обучения родному языку в период запрета литовской печати латинским шрифтом (1864—1904). Скульптура репродуцировалась на банкноте 5 литов выпуска 1993, которая вскоре была заменена монетой и изъята из обращения. Другая известная работа той же поры — «Пахарь» (1907), экспонировавшаяся на Второй литовской художественной выставке (1908). Эти произведения закрепили за ним репутацию автора произведений с патриотической символикой.
В 1907 году стал, вместе с М. К. Чюрлёнисом, П. Калпокасом, А. Жмуйдзинавичюсом, К. Склерюсом, одним из учредителей Литовского художественного общества.
Первую мировую войну провёл в эвакуации в России. С 1919 года Пятрас Римша работал в Литве.
В 1923—1924 годах ездил в Лондон изучать творчество О. Родена и Э. А. Бурделя. В 1928 году совершенствовался в Италии. В 1928 и 1935—1938 годах путешествовал по США и устраивал свои выставки.
Народный художник Литовской ССР (1951). Похоронен на Пятрашюнском кладбище в Каунасе. На двух домах в Каунасе, в которых жил скульптор, установлены мемориальные таблицы (одна в 1967 году, другая в 1991 году).
Творчество
Приобрёл известность как автор скульптурных произведений с патриотической символикой «Литовская школа 1864—1904» (1906), «Пахарь» (1907; ныне в Художественном музее Литвы), «Боль» (1916).
Стилистика ранних произведений близка русской академической культуре начала XX века. В 1910—1920-е годы отчётливое влияние литовской народной резьбы по дереву и стиля модерна. С 1920-х создавал преимущественно медали и портретные барельефы. Одно из наиболее удачных его произведений в этом жанре — медаль в память Кристионаса Донелайтиса (бронза, 1955). Занимался также книжной иллюстрацией и плакатом.
Ссылки
commons: Римша, Пятрас на Викискладе?
П. Римша (1881—1961)
The Medals of Petras Rimsa (англ.)
[238x399]
[280x399]
[496x700]
[525x700]
[581x700]
[700x325]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1881 - родился Пятрас Римша /Petras Rimsha/(11 (23) ноября 1881, деревня Науджяй, ныне Вилкавишкский район Литвы — 2 октября 1961, Каунас)
[300x400]— литовский скульптор, медальер, график.
Биография
Учился в школе изящных искусств /Ecole de Beaux Arts/ в Париже (1903—1904) и в Академии художеств в Кракове (1904—1905), затем в школе Общества поощрения художеств в Петербурге (1909—1911).
Участвовал в Первой литовской художественной выставке в Вильне, открытой 27 декабря 1906 года (9 января 1907), на которой среди одиннадцати его произведений была выставлена ставшая впоследствии особенно известной работа «Литовская школа 1864—1904». Скульптура воссоздаёт условия обучения родному языку в период запрета литовской печати латинским шрифтом (1864—1904). Скульптура репродуцировалась на банкноте 5 литов выпуска 1993, которая вскоре была заменена монетой и изъята из обращения. Другая известная работа той же поры — «Пахарь» (1907), экспонировавшаяся на Второй литовской художественной выставке (1908). Эти произведения закрепили за ним репутацию автора произведений с патриотической символикой.
В 1907 году стал, вместе с М. К. Чюрлёнисом, П. Калпокасом, А. Жмуйдзинавичюсом, К. Склерюсом, одним из учредителей Литовского художественного общества.
Первую мировую войну провёл в эвакуации в России. С 1919 года Пятрас Римша работал в Литве.
В 1923—1924 годах ездил в Лондон изучать творчество О. Родена и Э. А. Бурделя. В 1928 году совершенствовался в Италии. В 1928 и 1935—1938 годах путешествовал по США и устраивал свои выставки.
Народный художник Литовской ССР (1951). Похоронен на Пятрашюнском кладбище в Каунасе. На двух домах в Каунасе, в которых жил скульптор, установлены мемориальные таблицы (одна в 1967 году, другая в 1991 году).
Творчество
Приобрёл известность как автор скульптурных произведений с патриотической символикой «Литовская школа 1864—1904» (1906), «Пахарь» (1907; ныне в Художественном музее Литвы), «Боль» (1916).
Стилистика ранних произведений близка русской академической культуре начала XX века. В 1910—1920-е годы отчётливое влияние литовской народной резьбы по дереву и стиля модерна. С 1920-х создавал преимущественно медали и портретные барельефы. Одно из наиболее удачных его произведений в этом жанре — медаль в память Кристионаса Донелайтиса (бронза, 1955). Занимался также книжной иллюстрацией и плакатом.
Ссылки
commons: Римша, Пятрас на Викискладе?
П. Римша (1881—1961)
The Medals of Petras Rimsa (англ.)
[238x399] [280x399] [496x700] [525x700] [581x700] [700x325]
В этот день
22-11-2016 12:53
1838 - родился Матвей Афанасьевич Чижов (10 (22) ноября 1838, деревня Пудово Подольского уезда Московской губернии — 28 мая (10 июня) 1916, Петроград) —
русский скульптор.
[300x400]
[300x400]
Биография
Матвей Афанасьевич Чижов родился в семье крестьянина Афанасия Павловича Чижова и его жены Ирины Борисовны Чижовой (урожд. Рулевой), выкупившего свою семью из крепостного права. Родители крестили сына в церкви Всех Святых села Святино Подольского уезда Московской губернии, о чём свидетельствует книга метрических записей этой церкви.
В 1838 году Афанасий Чижов открыл в Москве на Иноверческом кладбище свою мастерскую надгробных памятников, а его жена осталась в деревне исполнять крестьянские работы и ухаживать за Матвеем и его сестрой. Будучи ещё пятилетним мальчиком, делал из глины фигурки животных, а с 11-летнего возраста помогал отцу в его работах и высекал надписи на мраморных и гранитных плитах.
С августа 1851 по июнь 1854 года Матвей Чижов учился в лютеранском немецком училище при церкви св. Михаила, размещавшейся на Гороховом поле близ Немецкой улицы в Москве.
В то же время он посещал Строгановское училище технического рисования и, помимо того, упражнялся в лепке под руководством воспитанника этого училища, Бровского. Последний рекомендовал его профессору Московского училища живописи, ваяния и зодчества Н. А. Рамазанову и упросил его принять даровитого юношу в ученики этого заведения.
Таким образом, Чижову удалось начать систематические занятия скульптурой. Несмотря на испытываемые им нужду и лишения, в мастерской Рамазанова он быстро выказал успехи. В 1858 году, за вылепленный им горельеф «Борцы», академия присудила ему малую серебряную медаль, а через год после того, за другой горельеф, «Истязание Спасителя», наградила его большой серебряной медалью.
Рамазанов взял его в помощники к себе при исполнении работ для московского Храма Спасителя. Чижов, по рисункам и эскизам своего наставника, изготовил для этого собора колоссальный горельеф «Сошествие Христа в ад», и кроме того, для двух других московских церквей, горельефы «Успение Богородицы» и «Св. Николай Чудотворец».
Приглашённый вскоре за тем Михаилом Микешиным к участию в работах по осуществлению проекта памятника тысячелетию России, воздвигнутого в Новгороде (в этом монументе Чижовым исполнены горельефы «Герои» и «Просветители» и треть горельефа «Государственные люди»), Чижов перебрался в Санкт-Петербург, где в 1863 году поступил в ученики Академии художеств. Здесь он в 1860—1867 годах учился у Н. С. Пименова и П. К. Клодта.
В академии Чижов не замедлил получить последовательно две серебряные медали, малую и большую, за лепку с натуры, и малую золотую медаль (1865) за «Киевлянина, пробирающегося с уздечкой в руках через стан печенегов» (бронзовый экземпляр — в Русском музее в Петербурге) — статую, которая, помимо этой награды, доставила молодому художнику золотую медаль, учреждённую госпожой Каменской для отличившихся в экспрессии.
Занятия в скульптурном классе академии не мешали ему исполнять различные частные заказы и работать для Микешина, между прочим, изготовить по его рисунку вспомогательную модель петербургского памятника Екатерине II и вылепить входящую в состав этого монумента колоссальную фигуру императрицы. Окончив академический курс в 1867 году со званием классного художника 1-й степени и с большой золотой медалью, полученной за вылепленный по заданной программе горельеф «Христос воскрешает сына Наинской вдовы» (находится в академии и в музее императора Александра III, ныне Государственный Русский музей), талантливый скульптор отправился за границу в качестве пенсионера академии, посетил некоторые города Германии, Австрии и Италии и поселился в Риме, где провёл шесть лет в беспрерывном труде.
Из многочисленных работ, исполненных им в это время, наиболее замечательны:
мраморные группы «Игра в жмурки» (Государственный Русский музей),
«Первая любовь» (у графа Г. Г. Строганова),
«Крестьянин в беде» (в Московском публичном музее, в настоящее время (2013 г) находится в Третьяковской галерее в Москве)
«Резвушка», распространённая во многих экземплярах (один из них, бронзовый — в императорском дворце, в Ливадии) — грациозная фигура девочки, перебирающейся по бревнышку через ручей.
Все эти произведения были выставлены в Санкт-Петербурге; первые два доставили художнику в 1873 году звание академика, третье, в 1874 году, золотую медаль, учреждённую при академии на средства А. Ржевской и Н. Демидова в награду за экспрессию, а четвёртое, в 1875 году, такую же медаль имениЧитать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1838 - родился Матвей Афанасьевич Чижов (10 (22) ноября 1838, деревня Пудово Подольского уезда Московской губернии — 28 мая (10 июня) 1916, Петроград) —
русский скульптор.
[300x400] [300x400]Биография
Матвей Афанасьевич Чижов родился в семье крестьянина Афанасия Павловича Чижова и его жены Ирины Борисовны Чижовой (урожд. Рулевой), выкупившего свою семью из крепостного права. Родители крестили сына в церкви Всех Святых села Святино Подольского уезда Московской губернии, о чём свидетельствует книга метрических записей этой церкви.
В 1838 году Афанасий Чижов открыл в Москве на Иноверческом кладбище свою мастерскую надгробных памятников, а его жена осталась в деревне исполнять крестьянские работы и ухаживать за Матвеем и его сестрой. Будучи ещё пятилетним мальчиком, делал из глины фигурки животных, а с 11-летнего возраста помогал отцу в его работах и высекал надписи на мраморных и гранитных плитах.
С августа 1851 по июнь 1854 года Матвей Чижов учился в лютеранском немецком училище при церкви св. Михаила, размещавшейся на Гороховом поле близ Немецкой улицы в Москве.
В то же время он посещал Строгановское училище технического рисования и, помимо того, упражнялся в лепке под руководством воспитанника этого училища, Бровского. Последний рекомендовал его профессору Московского училища живописи, ваяния и зодчества Н. А. Рамазанову и упросил его принять даровитого юношу в ученики этого заведения.
Таким образом, Чижову удалось начать систематические занятия скульптурой. Несмотря на испытываемые им нужду и лишения, в мастерской Рамазанова он быстро выказал успехи. В 1858 году, за вылепленный им горельеф «Борцы», академия присудила ему малую серебряную медаль, а через год после того, за другой горельеф, «Истязание Спасителя», наградила его большой серебряной медалью.
Рамазанов взял его в помощники к себе при исполнении работ для московского Храма Спасителя. Чижов, по рисункам и эскизам своего наставника, изготовил для этого собора колоссальный горельеф «Сошествие Христа в ад», и кроме того, для двух других московских церквей, горельефы «Успение Богородицы» и «Св. Николай Чудотворец».
Приглашённый вскоре за тем Михаилом Микешиным к участию в работах по осуществлению проекта памятника тысячелетию России, воздвигнутого в Новгороде (в этом монументе Чижовым исполнены горельефы «Герои» и «Просветители» и треть горельефа «Государственные люди»), Чижов перебрался в Санкт-Петербург, где в 1863 году поступил в ученики Академии художеств. Здесь он в 1860—1867 годах учился у Н. С. Пименова и П. К. Клодта.
В академии Чижов не замедлил получить последовательно две серебряные медали, малую и большую, за лепку с натуры, и малую золотую медаль (1865) за «Киевлянина, пробирающегося с уздечкой в руках через стан печенегов» (бронзовый экземпляр — в Русском музее в Петербурге) — статую, которая, помимо этой награды, доставила молодому художнику золотую медаль, учреждённую госпожой Каменской для отличившихся в экспрессии.
Занятия в скульптурном классе академии не мешали ему исполнять различные частные заказы и работать для Микешина, между прочим, изготовить по его рисунку вспомогательную модель петербургского памятника Екатерине II и вылепить входящую в состав этого монумента колоссальную фигуру императрицы. Окончив академический курс в 1867 году со званием классного художника 1-й степени и с большой золотой медалью, полученной за вылепленный по заданной программе горельеф «Христос воскрешает сына Наинской вдовы» (находится в академии и в музее императора Александра III, ныне Государственный Русский музей), талантливый скульптор отправился за границу в качестве пенсионера академии, посетил некоторые города Германии, Австрии и Италии и поселился в Риме, где провёл шесть лет в беспрерывном труде.
Из многочисленных работ, исполненных им в это время, наиболее замечательны:
мраморные группы «Игра в жмурки» (Государственный Русский музей),
«Первая любовь» (у графа Г. Г. Строганова),
«Крестьянин в беде» (в Московском публичном музее, в настоящее время (2013 г) находится в Третьяковской галерее в Москве)
«Резвушка», распространённая во многих экземплярах (один из них, бронзовый — в императорском дворце, в Ливадии) — грациозная фигура девочки, перебирающейся по бревнышку через ручей.
Все эти произведения были выставлены в Санкт-Петербурге; первые два доставили художнику в 1873 году звание академика, третье, в 1874 году, золотую медаль, учреждённую при академии на средства А. Ржевской и Н. Демидова в награду за экспрессию, а четвёртое, в 1875 году, такую же медаль имени
Кременчуг сегодня
20-11-2016 14:54
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
20-11-2016 14:22
1626 - скончался Карел Дюжарден /Кarel Dujardin/( 27 сентября 1626, Амстердам — 20 ноября 1678, Венеция)
[301x400]
[304x400]
— нидерландский художник и гравёр.
Карел Дюжарден учился у Клааса Берхема и Паулюса Поттера. Он побывал в Италии и проживал в Лионе. В 1656 г. он участвовал в создании общества «Pictura» в Гааге. Позднее он некоторое время проживал в Амстердаме, потом уехал в Италию и умер в Венеции.
Дюжарден писал в основном пейзажи Италии, на которых изображал для оживления животных, жанровые картины и изящные портреты и исторические полотна. Особенно известны его сцены из сельской жизни. Большое количество работ Дюжардена находится в Лувре и в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, а также в Амстердаме, Гааге, Касселе и Берлине.
В начале творчества Дюжарден предпочитал чистые золотистые цвета, а с 1660 г. он писал в холодных серебристых тонах. 52 гравюры Дюжардена являются шедеврами этого направления искусства.
[548x700]
[567x700]
[575x700]
[591x700]
[700x525]
[700x535]
[700x548]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1626 - скончался Карел Дюжарден /Кarel Dujardin/( 27 сентября 1626, Амстердам — 20 ноября 1678, Венеция)
[301x400] [304x400]— нидерландский художник и гравёр.
Карел Дюжарден учился у Клааса Берхема и Паулюса Поттера. Он побывал в Италии и проживал в Лионе. В 1656 г. он участвовал в создании общества «Pictura» в Гааге. Позднее он некоторое время проживал в Амстердаме, потом уехал в Италию и умер в Венеции.
Дюжарден писал в основном пейзажи Италии, на которых изображал для оживления животных, жанровые картины и изящные портреты и исторические полотна. Особенно известны его сцены из сельской жизни. Большое количество работ Дюжардена находится в Лувре и в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, а также в Амстердаме, Гааге, Касселе и Берлине.
В начале творчества Дюжарден предпочитал чистые золотистые цвета, а с 1660 г. он писал в холодных серебристых тонах. 52 гравюры Дюжардена являются шедеврами этого направления искусства.
[548x700] [567x700] [575x700] [591x700] [700x525] [700x535] [700x548]
В этот день
19-11-2016 12:03
1616 - родился Эсташ /Лёсюёр Eustache Le Sueur или Lesueur/(19 ноября 1616 года, Париж — 30 апреля 1655 года, там же)
[317x402]
— французский художник стиля барокко, писавший картины на религиозно-исторические темы и прозванный «французским Рафаэлем». Один из старейшин французской Академии живописи и скульптуры. Считается основателем классической французской живописи.
Биография
Ученик С. Вуэ, тщательно изучавший также имевшиеся во Франции работы Рафаеля и Н. Пуссена. С 1648 года — член Академии.
Творчество
В его картинах видно стремление отделаться от академического стиля его учителя и достигнуть чистой красоты великого урбинского мастера. Рисунок в них правильный, колорит по большей части светлый, композиция зрело-обдуманная и красивая, но нередко холодная, точно так же как и экспрессия.
Самые известные произведения художника находятся в луврском музее в Париже:
22 сцены из жизни св. Бруно, написанные в 1645—1648 гг. для клуатра парижского монастыря картезианцев (Chartreuse de Paris; ныне в Лувре);
13 мифологических изображений «История Амура», некогда украшавших собой отель Ламбер на острове св. Людовика в Париже, (1640-е гг., ныне в Лувре);
10 картин на различные сюжеты из Евангелия и жития святых.
После Лувра произведениями Лёсюёра богаче всех других музеев в начале XX века был Эрмитаж, владевший его семью картинами:
«Младенец Моисей на реке Нил»,
«Рождество Богородицы»,
«Введение Богородицы во храм»,
«Сретение Господне»,
«Успение Богоматери»;
«Смерть св. Стефана»,
«Дарий-Гистасп вскрывает гробницу Нитокрисы».
[444x700]
[474x700]
[550x700]
[551x700]
[639x293]
[700x338]
[700x578]
[700x676]
[700x691]
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1616 - родился Эсташ /Лёсюёр Eustache Le Sueur или Lesueur/(19 ноября 1616 года, Париж — 30 апреля 1655 года, там же)
[317x402]— французский художник стиля барокко, писавший картины на религиозно-исторические темы и прозванный «французским Рафаэлем». Один из старейшин французской Академии живописи и скульптуры. Считается основателем классической французской живописи.
Биография
Ученик С. Вуэ, тщательно изучавший также имевшиеся во Франции работы Рафаеля и Н. Пуссена. С 1648 года — член Академии.
Творчество
В его картинах видно стремление отделаться от академического стиля его учителя и достигнуть чистой красоты великого урбинского мастера. Рисунок в них правильный, колорит по большей части светлый, композиция зрело-обдуманная и красивая, но нередко холодная, точно так же как и экспрессия.
Самые известные произведения художника находятся в луврском музее в Париже:
22 сцены из жизни св. Бруно, написанные в 1645—1648 гг. для клуатра парижского монастыря картезианцев (Chartreuse de Paris; ныне в Лувре);
13 мифологических изображений «История Амура», некогда украшавших собой отель Ламбер на острове св. Людовика в Париже, (1640-е гг., ныне в Лувре);
10 картин на различные сюжеты из Евангелия и жития святых.
После Лувра произведениями Лёсюёра богаче всех других музеев в начале XX века был Эрмитаж, владевший его семью картинами:
«Младенец Моисей на реке Нил»,
«Рождество Богородицы»,
«Введение Богородицы во храм»,
«Сретение Господне»,
«Успение Богоматери»;
«Смерть св. Стефана»,
«Дарий-Гистасп вскрывает гробницу Нитокрисы».
[444x700] [474x700] [550x700] [551x700] [639x293] [700x338] [700x578] [700x676] [700x691]
Кременчуг сегодня
18-11-2016 16:11
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В этот день
18-11-2016 13:27
1787 - родился Луи Жак Манде Дагер /Louis Jacques Mande Daguerre/, встречается вариант транслитерации Дагерр; 18 ноября 1787 — 10 июля 1851)
[400x511]
— французский художник, химик и изобретатель, один из создателей фотографии.
Биография
Луи Дагер родился 18 ноября 1787 года в городке Кормей-ан-Паризи близ Парижа. Школьного образования практически не получил, в тринадцать лет отец отдал его в ученики к архитектору. В 1804 году, когда Луи Дагеру исполнилось 16 лет, отец отвёз его в Париж и устроил учеником в мастерскую театрального декоратора «Гранд Опера» Деготти.
Дагер был также известен как танцор, канатоходец, театральный художник. К моменту прихода к Деготти он уже знал законы перспективы, поэтому декоратор и взял его в ученики. Природный дар художника сразу выделил постановки Дагера, его стали отмечать критики. Он творил чудеса на сцене, например, вместе со своим компаньоном построил диораму: сидящие зрители могли увидеть какой-нибудь огромный собор снаружи, а потом вдруг оказаться внутри. Для этого писались две картины, размером до двадцати двух метров в высоту. Диорама имела огромный успех в Париже и прославила Дагера.
Чтобы упростить себе работу при создании таких огромных картин, Дагер использовал камеру обскуру, однако никак не мог закрепить изображение на экране. Дагер провёл огромное количество опытов, экспериментируя с химическими веществами, а потом узнал о Нисефоре Ньепсе, который занимался примерно такими же опытами. Дагер пишет ему письмо, и Ньепс предлагает заключить договор о сотрудничестве. В конце 1820-х вместе с Жозефом Ньепсом работал над созданием метода фотографии. В 1833 году Ньепс скончался. Дагеротипия была изобретена уже после этого, практически случайно, как следствие очередного опыта.
Дагер сделал всё, чтобы превратить изобретение Ньепса в реально применимую технологию, правда, с использованием химических веществ, которые были неизвестны Ньепсу. Идея Дагера заключалась в том, чтобы получать изображение с помощью паров ртути. Сначала он проводил опыты с бихлоридом ртути, но изображения получались очень слабые. Затем он усовершенствовал процесс, используя сахар или закись хлора, и, наконец, в 1837 году, после одиннадцати лет опытов, он стал подогревать ртуть, пары которой проявляли изображение. Он превосходно фиксировал изображение, пользуясь сильным раствором обычной соли и горячей водой для смывки частиц серебряного йодида, не подвергшихся воздействию света.
В 1839 году Дагер представил процесс получения дагерротипа Французской академии наук. После этого его имя и его технология стали известны во всем мире. К нему пришли слава, богатство и уверенность. Имя Ньепса было практически забыто.
Принцип Дагера проявлять с помощью ртутных паров был оригинален и надёжен, и основан, без сомнения, на знаниях, полученных Дагером от Ньепса. Ньепс ничего не сделал, чтобы развить дальше своё изобретение после 1829 года, равно как и его сын Исидор, который стал партнёром Дагера после смерти отца. Сын, очень нуждаясь в средствах, спустя несколько лет заключил новый контракт, в котором указывалось, что Дагер был изобретателем дагеротипа.
Дагер скончался 10 июля 1851 года в Бри-сюр-Марн. Его имя внесено в список величайших учёных Франции, помещённый на первом этаже Эйфелевой башни.
Память
В 1935 году Международный астрономический союз присвоил имя Луи Дагера кратеру на видимой стороне Луны.
Библиография
Сочинение Дагера: Historique et description des precedes du daguerreotype et du diorama. P., 1839.
Лит.:
Евгенов С. В., Дагер, Ньепс, Тальбот. Популярный очерк об изобретателях фотографии, М., 1938;
Документы по истории изобретения фотографии. Переписка Ж. Н. Ньепса, Ж. М. Дагера и др. лиц, М., 1949.
[431x700]
[525x700]
[585x271]
[685x700]
[700x487]Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
1787 - родился Луи Жак Манде Дагер /Louis Jacques Mande Daguerre/, встречается вариант транслитерации Дагерр; 18 ноября 1787 — 10 июля 1851)
[400x511]— французский художник, химик и изобретатель, один из создателей фотографии.
Биография
Луи Дагер родился 18 ноября 1787 года в городке Кормей-ан-Паризи близ Парижа. Школьного образования практически не получил, в тринадцать лет отец отдал его в ученики к архитектору. В 1804 году, когда Луи Дагеру исполнилось 16 лет, отец отвёз его в Париж и устроил учеником в мастерскую театрального декоратора «Гранд Опера» Деготти.
Дагер был также известен как танцор, канатоходец, театральный художник. К моменту прихода к Деготти он уже знал законы перспективы, поэтому декоратор и взял его в ученики. Природный дар художника сразу выделил постановки Дагера, его стали отмечать критики. Он творил чудеса на сцене, например, вместе со своим компаньоном построил диораму: сидящие зрители могли увидеть какой-нибудь огромный собор снаружи, а потом вдруг оказаться внутри. Для этого писались две картины, размером до двадцати двух метров в высоту. Диорама имела огромный успех в Париже и прославила Дагера.
Чтобы упростить себе работу при создании таких огромных картин, Дагер использовал камеру обскуру, однако никак не мог закрепить изображение на экране. Дагер провёл огромное количество опытов, экспериментируя с химическими веществами, а потом узнал о Нисефоре Ньепсе, который занимался примерно такими же опытами. Дагер пишет ему письмо, и Ньепс предлагает заключить договор о сотрудничестве. В конце 1820-х вместе с Жозефом Ньепсом работал над созданием метода фотографии. В 1833 году Ньепс скончался. Дагеротипия была изобретена уже после этого, практически случайно, как следствие очередного опыта.
Дагер сделал всё, чтобы превратить изобретение Ньепса в реально применимую технологию, правда, с использованием химических веществ, которые были неизвестны Ньепсу. Идея Дагера заключалась в том, чтобы получать изображение с помощью паров ртути. Сначала он проводил опыты с бихлоридом ртути, но изображения получались очень слабые. Затем он усовершенствовал процесс, используя сахар или закись хлора, и, наконец, в 1837 году, после одиннадцати лет опытов, он стал подогревать ртуть, пары которой проявляли изображение. Он превосходно фиксировал изображение, пользуясь сильным раствором обычной соли и горячей водой для смывки частиц серебряного йодида, не подвергшихся воздействию света.
В 1839 году Дагер представил процесс получения дагерротипа Французской академии наук. После этого его имя и его технология стали известны во всем мире. К нему пришли слава, богатство и уверенность. Имя Ньепса было практически забыто.
Принцип Дагера проявлять с помощью ртутных паров был оригинален и надёжен, и основан, без сомнения, на знаниях, полученных Дагером от Ньепса. Ньепс ничего не сделал, чтобы развить дальше своё изобретение после 1829 года, равно как и его сын Исидор, который стал партнёром Дагера после смерти отца. Сын, очень нуждаясь в средствах, спустя несколько лет заключил новый контракт, в котором указывалось, что Дагер был изобретателем дагеротипа.
Дагер скончался 10 июля 1851 года в Бри-сюр-Марн. Его имя внесено в список величайших учёных Франции, помещённый на первом этаже Эйфелевой башни.
Память
В 1935 году Международный астрономический союз присвоил имя Луи Дагера кратеру на видимой стороне Луны.
Библиография
Сочинение Дагера: Historique et description des precedes du daguerreotype et du diorama. P., 1839.
Лит.:
Евгенов С. В., Дагер, Ньепс, Тальбот. Популярный очерк об изобретателях фотографии, М., 1938;
Документы по истории изобретения фотографии. Переписка Ж. Н. Ньепса, Ж. М. Дагера и др. лиц, М., 1949.
[431x700] [525x700] [585x271] [685x700] [700x487]
Кременчуг сегодня
17-11-2016 18:43
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
