1891 - родился Джон Хартфилд / John Heartfield/, настоящее имя Гельмут Герцфельд; 19 июня 1891, Берлин — 26 апреля 1968, там же) — немецкий художник, фотограф, плакатист и декоратор. Брат публициста и издателя Виланда Герцфельде

Биография
Учился в мюнхенской Школе прикладного искусства (1907—1911) и в училище художественного ремесла в берлинском Шарлоттенбурге (1912—1914). В 1915 году Хельмут Херцфельд американизировал свои имя и фамилию, став Джоном Хартфилдом — таким образом он выразил свой протест против германского военного патриотизма, захлестнувшего страну после начала Первой мировой войны.
Поначалу принадлежал к группе «политических дадаистов». В 1930—1931 жил в СССР, в 1933—1950 в эмиграции в Праге и Лондоне. В 1950 возвратился в ГДР. Создатель пролетарского антифашистского, антиимпериалистического фотомонтажного плаката; работал также в журналах, кино и как художник книги. Лауреат Национальной премии ГДР (1957). Его творчество известно вследствие его активной борьбы с нацистским режимом.

Джон Хартфилд считал, что коллаж обязательно должен состоять из фотографий с подписями, поскольку текстовое послание и фотографическое изображение взаимодействуют и между собой и с другими элементами композиции.

Примечания
↑ Элгер, Дитмар. Дадаизм / Под ред. Уты Гросеник. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2006. — С. 52. — (Стили, течения и направления в искусстве). — ISBN 5-9561-0168-7.
Ссылки[править | править вики-текст]
Хартфилд Джон — статья из Большой советской энциклопедии.
⚙️ Тематические сайты
RKDartists
Словари и энциклопедии
Большая каталонская
Нормативный контроль
BNE: XX1302321 · BNF: 11907082q · GND: 118547437 · ISNI: 0000 0000 8189 4288 · LCCN: n79139067 · NDL: 00442820 · NKC: jn20000700683 · NLA: 35182980 · NTA: 069176655 · NUKAT: n98702490 · LIBRIS: 336452 · SUDOC: 026917017 · VIAF: 120725202 · ULAN: 500018521

1659- родился Фаустино Бокки
Дата рождения: 1659
Место рождения:Брешиа, Ломбардия
Дата смерти:1742
Commons-logo.svg Работы на Викискладе
Бокки, Фаустино (ит. Faustino Bocchi; род. 17 июня 1659, Брешия — 27 апреля 1741, Брешия) — итальянский художник.

Биография и творчество
Сведения о жизни Фаустино Бокки неполны и противоречивы. Он родился 17 июня 1659 года в Брешии в семье Джакомо и Джулии Файони. Согласно традиционным данным, Бокки обучался живописи у Анджело Эверарди по прозвищу «Фламмингино», которое тот получил за превосходное знание фламандской живописи и следование в своих картинах урокам Иеронима Босха. Эверарди описывают также как мастера трёх жанров: изображения фигур, изображения баталий и изображения дураков. По другим данным, Фаустино начинал у художника Карло Бачокки и только потом, после кончины в Бачокки в 1678 году, перешёл к Эверарди. По одним сведениям Бокки всю жизнь прожил в Брешии, по другим, выезжал во Флоренцию и какое-то время работал при флорентийском дворе (доказательством чему служат три его картины из Галереи Питти). Точно известно лишь то, что свою долгую жизнь Бокки прожил сибаритом, любившим проводить время среди приятных философских бесед под аккомпанемент арфы, на которой он сам превосходно играл.

Стиль и тематика его картин сложились из разных источников. Вероятно, он был знаком с работами Иеронима Босха (гравюры с его картин были в ходу в XVII веке). Другим источником вдохновения были карикатурные рисунки его флорентийского предшественника Баччо дель Бьянко, с которыми он мог познакомиться у своего современника Пьера Леоне Гецци, и сатирические гравюры Жака Калло. В итоге Бокки создал свой оригинальный жанр, в котором он изображал лилипутов в самых комических ситуациях задолго до того, как Джонатан Свифт написал своего «Гулливера в стране лилипутов» (книга была впервые издана в 1726 году, когда Бокки было уже 67 лет).

Хронологическая реконструкция его творчества крайне затруднена тем, что на картинах художника отсутствуют даты. Ему принадлежат изображения двух святых и несколько религиозных сцен из разрушенной церкви делла Пьета ди Брешия, а также небольшие квадратные картины с историями из жития св. Бенедикта — все эти произведения исполнены в классическом стиле, но в тяжелых, тёмных тонах (эти работы, представлявшие церковный ансамбль, в своё время были разобраны и разошлись по разным коллекциям). Найденные в 1980-х годах платёжные документы позволили точно датировать одну работу Бокки — изображение св. Марка из церкви делла Карита (1726г). Плата, полученная за неё приблизительно того же уровня, как у Пьетро Авогадро, Джузеппе Тортелли и Антонио Палья — это может свидетельствовать о том, что как исполнитель религиозных произведений Бокки не пользовался большим почётом.

Несмотря на то, что Фаустино Бокки был учеником баталиста Эверарди, идентифицировать его работы в батальном жанре крайне трудно. Самую большую известность ему принесли картины с изображениями лилипутов, имевшие успех в области Венето и прославившие его. Этот жанр, ведущий своё начало из фламандской живописи, основанный на фантазии и снах, рассматривался одними, как художественное трюкачество, другими, как нечто вульгарное. Тем не менее, эти гротескные картины имели успех у богатой буржуазии. Поскольку большая часть картин Бокки находится в частных собраниях, их полный каталог не составлен до сих пор, известно лишь, что их более семидесяти.

Произведения Фаустино Бокки находятся в Галерее Питти, Флоренция (три работы), в Пинакотеке Тозио Мартиненго в Брешии («Незваный гость», «Охота на цыплёнка»), в Музее Брено («Лилипуты, зажигающие огонь»), в Дирекции галерей Милана (шесть картин на разные темы), в Городском музее Падуи («Карлик в ловушке», «Больной перед Паном», «Красный попугай» и «Нападение краба»), в ГМИИ им. Пушкина, Москва («Аллегория Вкуса», «Аллегория Слуха»), в Национальном музее, Варшава («Охота на цыплёнка», «Варка макарон», «Забота о дрозде», «Танцы карликов у реки») и во многих итальянских частных коллекциях.

1812 - скончался Франц Пфорр (/Franz Pforr/(5 апреля 1788, Франкфурт-на-Майне — 16 июня 1812, Рим) — немецкий художник-романтик.

Биография и творчество

Отец Франца Пфорра, Иоганг Георг Пфорр, был художником, специализировавшимся на изображениях лошадей. Мать, Иоганна Кристиана Пфорр, происходила из художественной семьи Тишбейн. В 12 лет Франц Пфорр потерял родителей, на следующий год единственного брата и с 1801 года воспитывался в Касселе у дяди, известного художника Иоганна Генриха Вильгельма Тишбейна. Там он начал заниматься живописью и в 1805 году поступил в Академию художеств в Вене, где его преподавателем стал художник-классицист Генрих Фридрих Фюгер.

Пфорр и его соученики Людвиг Фогель, Иоганн Конрад Готтингер и Фридрих Овербек были недовольны обучением, ожидая вместо ориентации на классическое искусство более современного подхода и внимания к духовным ценностям. Они видели собственный путь в искусстве в сближении с искусством старых мастеров.

В 1809 году молодые художники основали Союз святого Луки, художественное объединение, пропагандировавшее идеи романтизма. Это привело к конфликту в самой Академии, в результате чего Овербек в 1810 году был из неё исключён, и члены Союза святого Луки, включая Пфорра, отправились в Италию и 20 июня 1810 года прибыли в занятый наполеоновскими войсками Рим, где поселились в здании монастыря Сан-Исидоро. Их целью было изучение работ старых итальянских мастеров и возвращение к искусству итальянского Возрождения. Это движение стало позже известно под названием назарейского и сыграло большую роль в развитии европейского романтизма начала XIX века.

Пфорр умер от туберкулёза в Риме в возрасте 24 лет, не дожив до признания своего творчества.

Наследие Пфорра составляют лишь шесть картин («Граф фон Габсбург», «Въезд императора Рудольфа в Базель», «Святой Георгий», «Автопортрет», а также аллегория дружбы на себя и Овербека) и несколько сотен рисунков, включая иллюстрации к Дон Кихоту и к поэме Гёте Гёц фон Берлихинген. Несмотря на это, его причисляют к основателям и важнейшим представителям немецкого романтизма. В его творчестве сильна религиозная тематика.

Литература
Rudolf Bachleitner: Die Nazarener, ISBN 3-453-41182-X
Wilhelm Adolf Schmidt: Pforr, Franz. In: Allgemeine Deutsche Biographie (ADB). Band 25. Duncker & Humblot, Leipzig 1887, S. 702 f.
Ingeborg Dorchenas, Franz Pforr, In: Biographisch-Bibliographisches Kirchenlexikon (BBKL). Band 7, Herzberg 1994, ISBN 3-88309-048-4, Sp. 433—438.

1799 - родился Фёдор Анто́нович Бру́ни (1799—1875)
[292x401]
— русский художник итальянского происхождения, представитель академического стиля.

Биография
Фёдор Бруни (собственно, настоящее его имя было Фиделио) родился 10 июня 1799 году в Милане, в семье швейцарского итальянца, художника и реставратора Антонио Бруни, который впоследствии, в 1807 году, приехал в Россию из Италии. Антонио Бруни в царствование Павла I был реставратором картин и живописцем по плафону. Имеются его работы, исполненные в Михайловском дворце; впоследствии он занимался работами в Москве, по заказу князя Куракина.

Фёдор в возрасте десяти лет поступил в Воспитательное училище при Академии художеств, занимался под руководством А. Е. Егорова, А. И. Иванова (старшего) и В. К. Шебуева.

За первые успехи молодой Бруни был награждён серебряною медалью, а в 1818 г. окончил курс и получил звание художника с правом на чин XIV класса. Его отец, находя, что художественное образование девятнадцатилетнего Фиделио ещё недостаточно, решился, по совету Шебуева, отправить сына для дальнейшего усовершенствования в живописи в Италию. Изучение образцовых произведений старинных художников окончательно определило направление молодого Фиделио, переименованного в России в Фёдора, подобно тому, как Брюлло был назван Брюлловым.

Написав несколько картин, Бруни, не достигший ещё 22-летнего возраста, принялся за первую большую картину («Смерть Камиллы, сестры Горация»), которая в 1824 г. была выставлена в Капитолии и доставила автору её немалую известность; в Петербурге она появилась лишь через 10 лет, и за неё Бруни получил звание академика.

К работам первого пребывания Бруни в Риме относятся:
«Св. Цецилия»,
«Св. Семейство»,
«Вакханка, поящая Амура»,
«Свидание Т. Тассо с сестрою»,
«Богоматерь с Предвечным Младенцем»,
«Спящая нимфа»
«Богоматерь с младенцем на руках»,
«Спаситель на небесах»,
«Благовещение» и знаменитое «Моление о Чаше» — картину, находящуюся в Эрмитаже и ещё несколько картин и портретов.
Кроме того, Бруни написал копии с двух фресок Рафаэля: «Изгнание Илиодора из Иерусалимского храма» и «Галатею».

Медный змий
В начале тридцатых годов живописец начал писать колоссальную картину: «Воздвижение Моисеем медного змия», но прежде, чем успел её окончить, был вызван из Рима в Петербург для работ в Исаакиевском соборе и для преподавания в Академии художеств.

Он прибыл в Петербург в 1836 г., написал в течение двух лет несколько образов и скомпоновал для алтаря Казанского собора большую картину-образ «Покров Пресвятые Богородицы».

С 1836 г. Бруни — профессор 2-й степени в Академии художеств. Среди его учеников М. П. Боткин и Арсений Иванович Мещерский.

В 1838 он нашёл возможным возвратиться в Рим, и написал там «Покров» и окончил в 1840 г. своё большое произведение: «Медный змий», которое произвело в Риме необыкновенно сильное впечатление. В следующем году эта картина была перевезена в Петербург и выставлена в одном из залов Зимнего дворца. Все печатные отзывы того времени об этой картине были преисполнены почти безграничными похвалами этому произведению, в самом деле замечательному по составу и расположению групп, по типичности и выражению фигур и лиц, по общему колориту, хотя далеко не блестящему, но соответствующему содержанию грозного библейского события. В этой картине Бруни показал в полной силе все своё глубокое, академическое знание рисунка. В Русском музее «Медный змий» находится рядом с картиной К.Брюллова — «Последний день Помпеи».

Роспись Исаакиевского собора
1841—1845 — автор 25 картонов для росписей Исаакиевского собора в Петербурге (ныне хранятся в Русском музее).

Отправляясь в третий раз в Италию, Бруни занимается картонами тех картин, которые он должен был впоследствии написать на стенах Исаакиевского собора. В 1845 г. он привозит в Петербург 25 картонов, которые были в Риме предметом похвал знатоков искусства; некоторые из них были исполнены в виде фресок в Исаакиевском соборе самим художником, другие различными художниками под его личным руководством.

На аттике собора находятся:
«Сотворение мира»
«Всемирный потоп»
«Спаситель, вручающий апостолу Петру ключи от царствия Небесного»,
«Явление Господа апостолам по Воскресении».
В полукружии над аттиком:
«Творец, благословляющий все созданное»
«Святой Дух в сонме ангелов».
На плафоне:
«Введение Первородного Сына во вселенную»
«Второе пришествие Сына Божия»
«Прорцы на Кости»
«Егда сотворены быша звезды, восхвалима Мя вся ангелы».
Исполнение перечисленных работ окончено было в 1853 г., но, кроме них, Бруни успел написать иконостас для православной церкви в Штутгарте.

Работа в Эрмитаже
Будучи назначен в 1849 хранителем картинной галереи Эрмитажа, он с любовью занимался ею; дважды был командирован за границу для покупки картин, послуживших для пополнения Читать далее...

1829 - родился Джон Э́веретт Милле (также иногда Милле́с; англ. /John Everett Millais/(8 июня 1829 — 13 августа 1896) — крупный английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов.

Биография
Милле родился в Саутгемптоне и начал учиться рисованию девяти лет от роду. В 1838 году, когда стали очевидными его способности, семья перебралась в Лондон.

Академия, Братство прерафаэлитов
«Писарро берёт в плен перуанских инков» (Лондон, Музей Виктории и Альберта)
В декабре 1840 года в возрасте 11 лет Милле поступил в Королевскую академию художеств, став самым молодым студентом за всю историю академии.
В академии Джонни проучился шесть лет. В 1843 году он получил серебряную медаль за рисунок. К пятнадцати годам он уже прекрасно владел кистью. В 1846 году его историческая картина «Писарро берёт в плен перуанских инков» была отобрана для летней выставки академии. В итоге критика признала её лучшей на всей академической выставке того года.

В следующем году получил золотую медаль за картину «Нападение колена Вениаминова на дочерей Силоама».
В 1848 году на одной из выставок Милле знакомится с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти и вместе с ними основывает Братство прерафаэлитов.

Его ранние работы характеризуются значительной детализацией, в частности картина «Христос в родительском доме» (англ. Christ In The House Of His Parents, 1850, Лондон), которую сочли излишне реалистичной и в газете «Таймс» окрестили как «возмутительную». Однако Милле это не смутило, и он продолжал своё творчество среди прерафаэлитов. На самом деле, техническое совершенство картин Милле сразу выделило его среди других живописцев, поэтому работы Милле всегда принимали на выставках академии, какими радикальными бы они ни были[3]. Его также поддержал критик Джон Рёскин, который сразу увидел в Милле выдающийся талант.


Летом 1853-го Рёскин и его жена Эффи пригласили Милле отправиться вместе на лето в Гленфинлас. Милле и Эффи полюбили друг друга и после её скандального развода с Рёскином поженились.

После распада братства
Женитьба изменила Милле: для поддержания семьи он должен был создавать картины быстрее и в большем количестве, а также дорого продавать их. Милле полностью отрёкся от взглядов и идей прерафаэлитизма: в частности, картину «Сэр Изюмбрас» (1857), где художник сильно отошёл от прерафаэлитской техники, Рёскин назвал «даже не неудачей, а катастрофой».
Взамен Милле обрёл огромную популярность и огромное состояние, зарабатывая до 30 тыс. фунтов в год.
Он сделался портретистом, отчасти пейзажистом (причём пейзажи Милле рисовал не на заказ, а как хобби — для себя) и стал первым английским художником, получившим титул баронета (в 1885).
В 1896 году он был избран президентом Королевской академии художеств. На портретах Милле изображает, как правило, людей известных, занимающих высокие общественные посты[5].

В настоящее время Милле относится к числу самых любимых англичанами художников середины XIX века.

Наиболее известная картина — «Офелия» (англ. Ophelia, 1851—1852), где изображена возлюбленная Россетти Элизабет Сиддал. Другая известная картина «Спелая вишня» («Cherry Ripe», 1879, ныне — частное собрание), изображающая четырёхлетнюю девочку в костюме Пенелопы Бутби, основана на полотне Джошуа Рейнолдса. Она не только пользовалась успехом у обывателей, но и породила большое количество подражаний, копий и даже карикатур.

Картины
1848 — «Смерть Ромео и Джульетты» / The Death of Romeo and Juliet) (Художественная галерея Манчестера, [1])
1848-49 — «Изабелла» / Isabella
1850 — «Христос в родительском доме» / Christ In The House Of His Parents (Галерея Тейт, Лондон, [2])
1851 — «Мариана» / Mariana
1852 — «Офелия» или «Смерть Офелии»[2] / Ophelia (галерея Тейт, Лондон, [3])
1856 — «Осенние листья» / Autumn Leaves
1862 — «Верь мне» / Trust Me
1868 — «Ванесса» / Vanessa
1873 — «Дрова на зиму» / Winter Fuel (Художественная галерея Манчестера, [4])
1873 — «Портрет Эффи Милле» / Portrait of Effie Millais
1875 — «Октябрьский холод» / Chill October (коллекция Эндрю Ллойд-Уэббера, [5])
1886 — «Мыльные пузыри» / Bubbles (Художественная галерея леди Левер, Ливерпуль, [6])

Примечания
↑ Фамилия произносится на манер французского языка: Merriam-Webster OnLine. В русских источниках нередко встречается «Миллес».
↑ Перейти к: 1 2 3 4 Милле, Джон // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб., 1890—1907.
↑ Перейти к: 1 2 3 Tate Britain| Past Exhibitions | Millais
↑ Путеводитель по искусству. Под ред. Яна Чилверса. — М.: ОАО Издательство «Радуга», 2002
↑ Перейти к: 1 2 3 Шестаков В. П. Прерафаэлиты: мечты о красоте. — М.: Прогресс-Традиция, 2004. ISBN 5-89826-217-2.
↑ Перейти к: 1 2 Екатерина Беляева. Плодовит по семейным обстоятельствам. Выставка Джона Миллеса открылась в Амстердаме. — Газета «Культура» № 9, 12 марта 2008 г., с. 15

Ссылки
Джон Эверетт Милле на сайте World Art
Биография на сайте Читать далее...

1848 родился - Эже́н Анри́ Поль Гоге́н (фр. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡoˈɡɛ̃]; 7 июня 1848 — 8 мая 1903)
[300x526]
[301x401] — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена не находили спроса, художник был беден[3]. Картина Гогена «Когда свадьба?» — одна из самых дорогих проданных картин.

Творчество и биография
Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис Гоген (1814—1849), был журналистом в отделе политической хроники журнала Тьера и Армана Мара «Насьональ», одержимым радикальными республиканскими идеями; мать, Алина Мария (1825—1867), была родом из Перу из богатой креольской семьи. Её матерью была известная Флора Тристан (1803—1844), разделявшая идеи утопического социализма и опубликовавшая в 1838 году автобиографическую книгу «Скитания парии».

В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер от сердечного приступа.

Таким образом, до семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.

В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию, чтобы получить от дяди по отцовской линии наследство, и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро учится французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 1861 году Алина открывает швейную мастерскую в Париже, а её сын готовится к поступлению в Мореходное училище. Но он не выдерживает конкурса и в декабре 1865 года нанимается в плавание в качестве «курсанта», или ученика лоцмана. До 1871 года он почти непрерывно будет находиться в плавании по всему свету: в Южной Америке, в Средиземном море, в северных морях. Будучи в Индии, он узнаёт о смерти матери, которая в своём завещании рекомендует ему «сделать карьеру, так как он совершенно не способен вызвать к себе расположение друзей семьи и может вскоре оказаться очень одиноким». Однако, прибыв в Париж в 1872 году, получает поддержку знакомого ему с детства друга матери Гюстава Арозы, биржевого дельца, фотографа и коллекционера современной живописи. Благодаря его рекомендациям Гоген получает должность биржевого брокера.

В 1873 году Гоген женится на молодой датчанке Мэтте-Софи Гад, вхожей в семью Ароза. Гоген становится и отцом: в 1874 году рождается сын Эмиль, в 1877 году — дочь Алина, в 1879 году — дочь Кловис, в 1881 году — сын Жан-Рене, в 1883 году — сын Поль. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. Его семья занимает все более комфортабельные квартиры, где особое внимание уделяется мастерской художника. Гоген, как и его опекун Ароза, «коллекционирует» картины, особенно импрессионистов, и понемногу пишет их сам.

С 1873—1874 года появляются его первые пейзажи, один из них будет выставлен в Салоне 1876 года. Гоген знакомится с художником-импрессионистом Камилем Писсарро до 1874 года, но их дружеские отношения завязываются с 1878 года. Гогена приглашают участвовать в выставках импрессионистов с начала 1879 года: коллекционера постепенно воспринимают всерьёз и как художника. Он проводит лето 1879 года у Писсарро в Понтуазе, где пишет сады и сельские пейзажи, похожие на пейзажи «мэтра», как и всё то, что он будет писать вплоть до 1885 года. Писсарро знакомит Гогена с Эдгаром Дега, который всегда будет поддерживать Гогена, покупая его картины и убеждая это делать Дюрана-Рюэля, торговца картинами импрессионистов. Дега станет владельцем около 10 полотен Гогена, в том числе «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго», или «Хина тефатоу»

В 1884 году Гоген переехал с семьёй в Копенгаген, где продолжал работать брокером. Однако после того, как стал заниматься живописью всё своё время, Поль оставляет жену и пятерых детей в Дании и возвращается в Париж в 1885 году.

В 1886—1890 годах Гоген почти всё время проводит в Понт-Авене Читать далее...

1844 - родился Васи́лий Дми́триевич Поле́нов (20 мая [1 июня] 1844, Санкт-Петербург — 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область)
[233x402] [300x401]
— русский художник, мастер исторической, пейзажной и жанровой живописи, педагог. Народный художник Республики (1926).

Молодые годы
Василий Поленов родился в многодетной, культурной дворянской семье 20 мая (1 июня) 1844 года в Петербурге.

Его отец, Дмитрий Васильевич Поленов, был известным археологом и библиографом. Мать, Мария Алексеевна, урождённая Воейкова, писала книги для детей, занималась живописью. Дядя художника, М. В. Поленов (1823—1882), был сенатором.

Ярким детским впечатлением Поленова были поездки на север, в Олонецкий край с его девственной природой, и в Ольшанку Тамбовской губернии, в имение бабушки В. Н. Воейковой. Вера Николаевна, дочь известного архитектора Николая Львова, воспитанная после ранней смерти родителей в доме Гаврилы Державина, хорошо ориентировалась в русской истории, знала народную поэзию, любила рассказывать внукам русские народные сказки, былины, предания. В этой атмосфере сформировался художественный вкус Поленова. Воейкова всячески развивала увлечение внуков живописью, поощряла творческое честолюбие, устраивала среди детей конкурсы, присуждая, как в академиях, за лучшую работу «медаль».

Наиболее одарёнными среди детей Поленовых оказались двое: старший сын Василий и младшая дочь Елена, ставшие впоследствии настоящими художниками. Детям были наняты педагоги по живописи из Академии художеств. Встреча с П. П. Чистяковым стала судьбоносной для таланта Поленова. Чистяков обучал рисунку и основам живописи Поленова и его сестру в 1856—1861 годах, сам, будучи ещё студентом Академии художеств. С самых первых занятий преподаватель требовал от учеников пристального изучения натуры.

В 1861—1863 годах Поленов учился в Олонецкой губернской мужской гимназии в Петрозаводске. В память об этом на здании установлена мемориальная доска.

В 1863 году, окончив гимназию, поступил, вместе с братом Алексеем, на физико-математический факультет Петербургского университета. По вечерам Поленов в качестве вольноприходящего ученика посещал Академию Художеств; занимался не только в рисовальных классах: ещё слушал лекции по анатомии, строительному искусству, начертательной геометрии, истории изящных искусств. Поленов был постоянным посетителем оперного театра и концертов, увлекался музыкой Вагнера, сам пел в студенческом хоре Академии, сочинял музыкальные произведения.

Вскоре Поленов стал постоянным учеником натурного класса Академии художеств. Затем временно оставил университет, полностью погрузившись в занятия живописью. В 1867 году окончил ученический курс в Академии художеств, получив серебряные медали за рисунки и этюд. Вслед за этим участвовал в двух конкурсах на золотые медали по избранному им классу исторической живописи. С января 1868 года возобновил занятия в университете, теперь — на юридическом факультете.

Первую зарубежную поездку Поленов совершил летом 1867 года, посетив Всемирную парижскую выставку. В экспозиции был большой раздел с произведениями народных художественных промыслов различных стран. Незабываемые впечатления от увиденного легли в основу диссертации, которую Поленов защитил в университете[1].

Обзор творчества[править | править вики-текст]
В 1869 году за картину «Иов и его друзья» Поленов получил малую золотую медаль, а в 1871 году (одновременно с Ильёй Репиным) за конкурсную работу «Христос воскрешает дочь Иаира» — большую золотую медаль[2].

Окончив одновременно университетский курс по юридическому факультету в 1872 году, Поленов отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетил Вену, Мюнхен, Венецию, Флоренцию и Неаполь, длительное время жил в Париже и написал там в числе прочего картину «Арест графини д’Этремон», обеспечившую ему в 1876 году звание академика[1].

Летом 1874 года работает в Нормандии (курортное местечко Вёль[fr]), куда его пригласил И. Е. Репин, находившийся там также в качестве пенсионера академии. Здесь Поленов открывает новые для себя задачи пейзажной живописи («Нормандский берег», «Рыбацкая лодка. Этрета. Нормандия»).

Возвратившись в 1876 году в Россию, вскоре отправился на русско-турецкую войну, в продолжение которой состоял официальным художником при главной квартире наследника-цесаревича (впоследствии императора Александра III).

С 1870-х Поленов много работал в области театрально-декорационной живописи. В 1882—1895 годах художник преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где в числе его учеников были И. И. Левитан, К. А. Коровин, И. С. Остроухов, А. Е. Читать далее...

1770 - скончался Франсуа́ Буше́ / François Boucher/( 29 сентября 1703, Париж — 30 мая 1770) — французский живописец, гравёр, декоратор. Яркий представитель художественной культуры рококо.

Создал многочисленные серии гравюр, иллюстрировал книги Овидия, Боккаччо, Мольера. Работал во многих видах декоративного и прикладного искусства: создавал декорации для опер и спектаклей, картины для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т. п.

Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.

Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765 год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля»[5]. Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и совершенным исполнением[6].

Ранние годы
Франсуа Буше родился в Париже 29 сентября 1703 года. Его отец, Николя Буше, был художником. Он зарабатывал на жизнь рисованием гравюр и узоров для вышивки. С ранних лет Франсуа помогал отцу в мастерской.

Отец, обнаружив у своего сына талант, определил его в ученики к Франсуа Лемуану. У Лемуана Буше провёл несколько месяцев и вспоминал о нём впоследствии без большой благодарности[7].

В семнадцать лет Буше поступил в мастерскую гравёра Жана-Франсуа Карса, что позволило ему самостоятельно зарабатывать на жизнь, а также завести полезные знакомства — с высокопоставленными клиентами своего наставника.

1722—1730 годы[править | править вики-текст]
С 1720 года Буше занимался у Ф. Лемуана, известного мастера-монументалиста; затем работал в мастерской гравера Ж. Ф. Кара-старшего, изучая искусство оформления книг и гравюру.

В 1722 году ему было поручено иллюстрировать новое издание «Французской истории» Габриэля Даниеля, а в 1723 году он получил академическую премию за картину «Евил-меродах, сын и наследник Навуходоносора, освобождающий из оков царя Иоахима»[8].

Участие в 1722—1723 годах в создании офортов для «Сборника Жюльена», в котором воспроизводились в гравюре все произведения Антуана Ватто, позволило ему познакомиться с работами этого художника, усвоить его композиционные приёмы[9].

В 1723 году Франсуа Буше победил в конкурсе на Римскую премию Королевской академии живописи и ваяния. Эта победа давала ему право на обучение в Риме, но в итальянском филиале академии не нашлось для победителя вакантного места. Отправиться в путешествие по Италии молодому художнику удалось лишь в 1727 году. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо[10]. Пейзажи «Вид Тиволи» (Музей искусств и архитектуры, Булонь-сюр-мер) и «Вид садов Фарнезе» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк) исполнены на основании итальянских впечатлений. Уже в них проявился незаурядный декоративный дар художника, умеющего строить композиции на сочетании ритмики целого и характерной детали[9].

1731—1760 годы
Портрет Мари-Жанны Бюзо (1717—1796) работы Александра Рослина (выставлен в Салоне 1761 года)
Мюнхен, Дворец Нимфенбург
Портрет жены художника
Этот период был временем расцвета таланта Буше. Он создает полотна на мифологические и библейские сюжеты, пишет пасторали, сцены в интерьере, пейзажи, создает декорации к балету «Персей» (1746) и опере-балету «Галантная Индия» (1735), работает для мануфактур гобеленов и фарфора.

Вернувшись из Италии в 1731 году, Буше почти сразу же стал кандидатом в Королевскую академию по отделению исторической живописи, а уже в 1734 году его утвердили как полноправного члена академии за картину «Ринальдо и Армида» (1734). Первые годы после итальянского путешествия почти полностью посвящены рисунку, копированию и гравюре.

В 1733 году он женился на семнадцатилетней Мари-Жанн Бюзо, с которой написаны многие «нимфы» Буше. Чуть позже он стал преподавать в академии, сначала как ассистент (1735), а затем — как мастер (1737). Но, несмотря на это, Буше в то время был ограничен в средствах.

С конца 1730-х годов работал в театральной декорации и на мануфактуре Бове, где создавал картоны для ковров.

В 1737 году Буше стал профессором Академии. В 1730—1740-х годах он получил большие официальные заказы на росписи апартаментов в Версале — в комнате Королевы («Королевские добродетели», 1735), в Малых апартаментах («Охота на тигра», «Охота на крокодила», обе — 1736, Амьен, Музей изящных искусств), в Читать далее...

1871 - РОДИЛСЯ Жорж Руо (фр. Georges Henri Rouault; 27 мая 1871, Париж — 13 февраля 1958, там же) — французский живописец и график, наиболее крупный представитель французского экспрессионизма.

Родился в бедной семье, в рабочем квартале рядом с кладбищем Пер-Лашез. Первые дни жизни прошли под грохот пушек, громивших баррикады Парижской коммуны. Дед, почтовый служащий, был коллекционером-любителем, собирал гравюры Калло, литографии Домье. Отец, ремесленник по профессии, христианский социалист по убеждениям, отдал сына в протестантскую школу. С 1885 года Руо два года учился у художника-витражиста, потом, с 1891 года — в Академии изящных искусств у символиста Гюстава Моро, был его любимым учеником, а после смерти мастера (1898) стал хранителем его музея.

Зрелость и творческие связи[править | править вики-текст]
Познакомился с учениками Моро Матиссом, Марке, стал одним из основателей Осеннего Салона (1903). Сблизился с католическим писателем Леоном Блуа. Выставлялся вместе с фовистами, но держался в стороне от их декоративности, скорее продолжая линию Ван Гога.

С 1907 года в круг постоянных тем живописи и графики Руо вошли судьи, клоуны, проститутки. Они приобрели характер аллегорий, выстраиваясь вокруг основного аллегорического образа зрелой живописи Руо — фигуры Христа (нередко — Христа и Магдалины). Дружил с религиозным философом Жаком Маритеном. В 1910 году персональная выставка Руо прошла в столичной галерее Друэ. Его живопись вдохновляла немецких живописцев, впоследствии составивших ядро экспрессионизма.

При этом художник жил в крайней бедности. Только в 1917 году Руо подписал с известным коллекционером и торговцем картинами Амбруазом Волларом контракт, обеспечивший ему на десятилетия некоторый достаток и свободу в работе.

Признание[править | править вики-текст]
В 1921 году была опубликована первая монография о творчестве Руо, в 1924 году его большая ретроспективная выставка прошла в галерее Друэ, художник получил от французского правительства орден Почётного легиона. В 1929 году Руо создал декорации и костюмы для постановки Джорджем Баланчиным балета С. С. Прокофьева «Блудный сын» в парижском Театре Сары Бернар. Начиная с 1930-х годов его живопись и графика вызывают международный интерес. C 1939 году, после гибели Воллара, началась многолетняя тяжба Руо с наследниками Воллара. В ходе её он демонстративно сжёг в 1948 году более трёхсот своих работ.

Известность Руо росла, его выставки проходили в Лондоне, Нью-Йорке, Чикаго, Бостоне, Вашингтоне, Сан-Франциско, Нью-Йорке. Он с успехом участвовал в Венецианской Биеннале 1948 года. Восьмидесятилетие художника в 1951 году отмечалось Католическим центром французских интеллектуалов в столичном Дворце Шайо, он стал командором ордена Почётного легиона, папского Ордена Святого Григория Великого. После смерти художника французское государство устроило ему официальные похороны.

Литература о художнике
Charensol G. Georges Rouault, l’homme et l’oeuvre. — P.: Éditions des Quatre chemins, 1926
Venturi L. Georges Rouault. — N. Y.: E. Weyhe, 1940.
Maritain J. Georges Rouault. — N. Y.: H.N. Abrams, 1954.
Courthion P. Rouault. — N. Y.: Harry N. Abrams, Inc., 1961.
Getlein F., Getlein D. George Rouault’s Miserere. — Milwaukee: Bruce, 1964.
Hommage à Georges Rouault. — P.: Société internationale d’art «XXe siècle», 1971.
Dyrness W. A. Rouault: A Vision of Suffering and Salvation. — Grand Rapids: William B. Eerdmans, 1971.
Georges Rouault, the graphic work. — San Francisco: Alan Wofsy Fine Arts, 1976.
Georges Rouault, 1871—1958: catalogue raisonne. / ́ Danielle Molinari, Marie-Claire Anthonioz, eds. — P.: Musée d’art moderne de la ville de Paris, 1983.
Georges Rouault et le cirque. — Chambéry: Comp’act, 2004.
Костеневич А. Г. Жорж Руо. — СПб.: Изд-во Государственного Эрмитажа, 2004.

Ссылки
Работы в музеях мира
Цикл Miserere
Жорж Руо — Воспоминания художника

1494 - родился Понтормо (настоящее имя Якопо Каруччи /Jacopo Carucci/(24 мая 1494, Понтормо, ныне пригород Эмполи — 2 января 1557, Флоренция)
[326x400] [332x440]
— итальянский живописец, представитель флорентийской школы, один из основоположников маньеризма.

Творчество
В десятилетнем возрасте, потеряв отца, Понтормо отправился во Флоренцию, где и провёл всю свою жизнь. Он учился у Пьеро ди Козимо и Андреа дель Сарто. В ранних работах сказывается влияние Леонардо да Винчи и Сарто (роспись люнеты на вилле Медичи в Поджо-а-Кайано). Позднее большое влияние на его творчество оказало знакомство с гравюрами Дюрера. Постепенно Понтормо отходит от традиции Ренессанса. Значительные работы: «Христос в Эммаусе», 1525, Уффици, Флоренция; «Мадонна со святым Иосифом и Иоанном Крестителем», Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Встреча Марии и Елизаветы», церковь Сан-Микеле, Карминьяно, 1528—1530.

«Снятие с креста»
Одной из лучших считается «Снятие с креста» (1528, Флоренция, церковь Санта-Феличита[en]). В картине отсутствует ясность пространственных отношений, фигуры приближены к переднему плану. Отсутствие твёрдой опоры композиции создает впечатление неустойчивости, подчёркивает драматизм и напряжённость одного из первых произведений зарождающегося маньеризма.


Образ в искусстве
Жизни художника посвящён фильм Понтормо (реж. Джованни Фаго (итал.)русск., Италия), в заглавной роли — Джо Мантенья.
Литература[править | править вики-текст]
С. Дзуффи. Большой атлас живописи. — М.: Олма-Пресс, 2002. — С. 116,117. — 431 с. — ISBN 5-224-03922-3.
Летта Э. М. Понтормо. Россо Фьорентино [1994]. Пер. с итальянского М. И. Майская. М., 1998.
Дажина В. Д. Влияние зрелищно-карнавальной и театральной культуры Возрождения на творчество раннего Понтормо // Советское искусствознание `79.1. М. 1980. С. 104-122
Дажина В. Д. Портретное творчество Понтормо (к проблеме генезиса раннеманьеристического портрета) // История и теория мировой художественной культуры. Вып. 2. Образ человека в литературе и искусстве. М., 1996. С. 150-161.
Дажина В. Д. Росписи Якопо Понтормо в хоре церкви Сан Лоренцо // Искусство и культура Италии эпохи Возрождения и Просвещения. М., 1997. С. 106-120.
Галерея[править | править вики-текст]
Святой Иероним. 1525-1530. Музей Земли, Нижняя Саксония, Ганновер
Снятие с креста. 1525-1528. Алтарная картина в капелле Каппони церкви Санта-Феличита во Флоренции
[522x700]
[524x700]
[539x700]
[572x700]
[700x146]
[700x463]
[700x391]
[700x306]
[700x555]

В День Победы 9 мая Леонид Агутин написал стихи, посвященные своему деду, павшему на войне. В них музыкант сильно и наотмашь дал ответ тем, кто в угоду сомнительной политике пытается очернить подвиг солдат, погибших в Великой Отечественной войне.

Я не был там, не знаю, как там было,
И вряд ли захотел бы побывать,
Но, собираясь к деду на могилу,
Скажите, что я должен передать?

Сказать ему, что миллионы пали,
Не ведая всей правды наперёд?
И что бандитом был Иосиф Сталин?
И варваром обманутый народ?

Сказать ему, что было всё напрасно?
Что мы теперь умнее во сто крат?
Что был бы мир значительно прекрасней
Без гибели отчаянной солдат?

Сказать, что дед дурак был, потому что
Упал на поле брани за меня,
Того, кто стал такой не в меру ушлый,
Не ведая ни боли, ни огня?

Сказать ему, что правнуки бессмертных
И памятью отмеченных бойцов
Забыли этот подвиг повсеместно
И предали все чаянья отцов?..

Смогу ли я сказать ему об этом?
Умру ли я, испытывая стыд?
Безумен ли, пытаясь быть поэтом
Для тех, чьё сердце даже не болит?...

Я, так интеллигентно аккуратен
И грубо так, по-дедовски, раним,
Скажу: «Пошли вы на хер, Бога ради,
Свободой мирной вскормленные бл..и
Запомните: я – непоколебим!»

И подводя черту под прошлым веком,
Чтоб в этом жить и возрождаться впредь,
И чтобы оставаться человеком,
Цените эту праведную смерть.

Л. Агутин, 9.05.2017.

1888 - родился Николай Михайлович Зиновьев (1888—1979) — русский и советский художник, мастер палехской лаковой миниатюры, преподаватель и директор Палехского художественного училища, монументалист, реставратор, иллюстратор книг. Народный художник СССР (1974). Герой Социалистического Труда (1978).

Биография
Родился 7 (20) мая 1888 года в деревне Дягилево Палехского района Ивановской области в семье иконописца. Иконописи учился в мастерской Белоусовых. В 38 лет (1926) Н. М. Зиновьев вступил в Палехскую Артель древней живописи. Одним из первых обратился к советской тематике.

Н. М. Зиновьев умер 4 июня 1979 года в Палехе Ивановской области.

Награды и звания
Герой Социалистического Труда (1978)
орден Ленина (1978)
орден Трудового Красного Знамени
заслуженный деятель искусств РСФСР (1956)
народный художник РСФСР (1963)
народный художник СССР (1974)
Государственная премия РСФСР имени И. Е. Репина (1970) — за создание высокохудожественных произведений лаковой миниатюры

Память[править | править вики-текст]
В 1984 году в Дягилеве в родовом доме художника был открыт музей.

В его честь названа улица в Палехе.

В 2002 году в Палехском художественном училище учреждена стипендия имени Зиновьева.

Работы
Среди его работ — «Гулянка в деревне» (портсигар, 1927), «Конек-горбунок» (шкатулка, 1927), «Крестьянские дети» (тарелка, 1936), «Суд пионеров над Бабой-Ягой» (шкатулка, 1933), «Чудо-юдо рыба-кит» (пластина, 1931).

Автор книг «Искусство Палеха» и «Стилистические традиции искусства Палеха».

Ссылки
Зиновьев, Николай Михайлович. Сайт «Герои страны».
Палех. Династии.

1593 - родился Якоб Йорданс (/Jacob Jordaens/ (19 мая 1593, Антверпен — 18 октября 1678, Антверпен)
[324x400] [285x399]
[400x300]
— фламандский художник, один из выдающихся представителей фламандского барокко.

Биография[править | править вики-текст]

Якоб Йорданс родился в 1593 первым из одиннадцати детей в семье богатого торговца тканями Якоба Йорданса старшего и его жены Барбары. С 1607 г. учился у Адама ван Ноорта, как и Рубенс, с которым он сотрудничал. В 1616 вступил в Гильдию Св. Луки и в том же году женился на дочери учителя Анне Катарине ван Ноорт. В 1618 году купил дом в районе Антверпена, где прошло его детство. В этом доме, расширенном в 1639, он устроил мастерскую и провёл практически всю жизнь.

На его творчество большое влияние оказал Рубенс, который привлекал Йорданса к своим работам, а также такие художники как Стен и Снейдерс.

Автор статьи в Большой советской энциклопедии Н. Смольская отмечает: «В искусстве Йорданса с большой силой выявлены народные основы и реалистические устремления фламандской школы, такие её черты, как ярко чувственное восприятие жизни, мощная лепка форм кистью, неиссякаемый оптимизм. Вместе с тем в творчестве Йорданса значительную роль играли связи со старой нидерландской традицией и с наследием Караваджо».

Помимо картин Йорданс писал картоны для гобеленов. Также сохранилось несколько сотен его рисунков.

Описывая творческий путь художника Н. Смольская пишет: «В ранних произведениях Йорданса („Семейный портрет“, около 1615, Эрмитаж; „Поклонение пастухов“, 1618, Национальный музей, Стокгольм) родственны караваджизму плебейская характерность фигур, тесно сгруппированных на переднем плане, подчёркнутая материальность предметов, контрастная светотень. В лучших картинах Йорданса, выполненных в 1620—1630-х гг. („Воспитание Юпитера“, 1620, Картинная галерея, Кассель; „Семейный портрет“, около 1622—24, Прадо, Мадрид; „Аллегория плодородия“, около 1625—28, Музей старинного искусства, Брюссель; „Бобовый король“, 1638, Эрмитаж), определились особенности его реализма — пристрастие к полнокровным крестьянским и бюргерским типам, крепким тяжеловесным фигурам и сочным деталям, предпочтение бытовому жанру и жанровой трактовке религиозных и мифологических тем, энергичная и сильная плотная живопись с преобладанием звучных тёплых тонов»[4].

После Рубенса: 1640—1678
После смерти Рубенса в 1640 году Йорданс стал самым популярным художником Антверпена, по сути, единственным представителем «большого стиля» (Антонис Ван Дейк скончался в декабре 1641 года, а Снейдерс работал практически исключительно в жанре «роскошного натюрморта»).

О популярности художника свидетельствует тот факт, что даже после его обращения в 1645 г. к протестантизму католическая церковь продолжала заказывать ему работы.

Именно к Йордансу обратились представители английского короля Карла I с заказом на оформление резиденции в Гринвиче. Йордансу заказали 22 картины для кабинета королевы Генриэтты-Марии во дворце Квинс-хаус за 680 фунтов стерлингов (6800 флоринов), художник выполнил только 8 из них[6]. Изначально заказ планировалось отдать Рубенсу. Написанные Йордансом картины не сохранились.

В 50-х годах XVII века Йорданс сотрудничает с Оранской династией, создавая, по мнению авторов статьи в БСЭ, «парадные, перегруженные фигурами композиции, в которых иногда чувствуются напыщенность и ложный пафос» (панно «Триумф принца Фридриха Генриха Оранского», 1652, дворец Хёйс-тен-Бос, Гаага"[4], написанное по заказу вдовы принца Амалии Сольмс-Браунфельсской).

В 1650-х годах на смену ярким краскам в творчестве Йорданса приходит серо-голубая палитра, временами переходящая к коричневым тонам.

В 1661 году Йорданс получил заказ на картину для амстердамской ратуши.

У Йорданса было много учеников. С 1621 по 1667 годы в Гильдии св. Луки официально было зарегистрировано 15 учеников.

Смерть, погребение, завещание художника
Йорданс умер от загадочной болезни «английский пот» (нидерл. zweetziekte или нидерл. polderkoorts) 18 октября 1678 года, в один день со своей дочерью Елизаветой. Их похоронили вместе под одним надгробием на протестантском кладбище в деревне Путте (провинция Антверпен, Бельгия), где уже была похоронена жена художника Катарина.

В 1877 году в Путте установили памятник Йордансу и двум другим его собратьям по цеху Симону де Папе (Simon de Pape) и Адриану ван Сталбемту (Adriaan van Читать далее...

1525 или 1520-е родился Питер Брейгель (Старший) /Pieter Brueghel/

Пи́тер Бре́йгель Ста́рший (нидерл. Pieter Bruegel de Oude [ˈpitər ˈbrøːɣəl][4]; ок. 1525 — 9 сентября 1569, Брюссель), известный также под прозвищем «Мужицкий» — нидерландский живописец и график, самый известный и значительный из носивших эту фамилию художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Отец художников Питера Брейгеля Младшего («Адского») и Яна Брейгеля Старшего («Райского»).

Местом его рождения чаще всего называют город Бреда (в современной нидерландской провинции Северный Брабант) или деревушку Брёгел около этого города.

Первоначально фамилия художника писалась Brueghel (это написание сохранилось у фамилий его детей), однако с 1559 года он начал подписывать свои картины Bruegel.

Свою творческую биографию он начал как график. К середине 1540-х годов он попал в Антверпен, где обучался в мастерской у Питера Кука ван Альста, придворного художника императора Карла V.

В мастерской Ван Альста Брейгель работал до самой смерти своего учителя в 1550 году. В 1551 году Брейгель был принят в антверпенскую гильдию живописцев и поступил на работу в мастерскую к Иерониму Коку, печатавшему и продававшему гравюры. В мастерской Кока художник увидел эстампы с картин Босха, которые произвели на него такое впечатление, что он нарисовал собственные вариации на темы великого художника.

В 1552—1553 годах по предложению Кока Брейгель совершил путешествие во Францию, Италию, Швейцарию, чтобы сделать серию рисунков итальянских пейзажей, предназначенных для репродукции в гравюре. Был потрясён древними памятниками Рима и шедеврами Возрождения, морскими стихиями и живописными гаванями Средиземноморья. Предположительно в Риме он работал с миниатюристом Джулио Кловио.

В 1563 году Брейгель женился на дочери своего учителя Ван Альста, Марии (Майкен).

В 1556 году Брейгель работал в Антверпене для печатной мастерской «Четыре ветра», принадлежавшей нидерландскому издателю Иерониму Коку. По рисункам Брейгеля здесь были изготовлены гравюры «Большие рыбы поедают малых» и «Осёл в школе». Желая угодить вкусам богатых заказчиков, Кок даже не гнушался подделывать подписи на гравюрах. Так, гравюра «Большие рыбы поедают малых» была продана с подписью знаменитого нидерландского художника Иеронима Босха.

В 1557 году Брейгель написал цикл гравюр, иллюстрирующий семь смертных грехов.

В 1563 году переселился с семьёй в Брюссель.

Можно многое узнать о художнике, ответив на вопрос, чего он не писал. Насколько известно, Брейгель не писал заказных портретов и обнажённых фигур. Из портретов, приписываемых Брейгелю, только один несомненно принадлежит ему. Это картина «Голова крестьянки» 1564 года. Наверняка художник не имел недостатка в просьбах написать портреты своих современников, но судя по всему, Брейгель подобных заказов не принимал. Также в этот период пишется картина — «Поклонение волхвов».

В 1565 году была написана серия «Картины месяцев или времён года», от которой сохранилось всего пять произведений. В позднесредневековых иллюстрированных молитвенниках для знати религиозным текстам часто предшествовал календарь, где на каждый месяц приходилось по страничке. Смена сезонов изображалась чаще всего через призму занятий, соответствующих каждому месяцу. Но у Брейгеля в смене времён года основную роль играет природа, а люди, так же, как и леса, горы, вода, животные, становятся лишь частью необозримого ландшафта. «Возвращение стад. Осень», «Охотники на снегу. Зима» и «Сенокос» — одинакового формата и, возможно, выполнены для одного заказчика. Две другие — «Жатва. Лето» и «Сумрачный день. Весна». Карел ван Мандер называет заказчиком всей серии «Месяцев» богатого антверпенского купца Николаса Йонгелинка, который затем, срочно нуждаясь в крупной сумме денег, отдал все эти картины в залог и так и не выкупил их.

Чтобы не путать Питера Брейгеля с его сыном — тоже живописцем, Старшего позднее окрестили Брейгелем Мужицким.

Более тридцати приблизительно из сорока пяти картин кисти Брейгеля (или приписываемых ему) посвящено изображению природы, деревни и её жителей. Безликие представители сельских низов становятся главными героями его работ: на своих рисунках он зачастую вообще скрывает лица. Никто из художников ранее не осмеливался создавать произведения на подобные темы. Но многие поздние работы свидетельствуют о растущем интересе художника к индивидуальным фигурам. Художник начинает писать крупные фигуры людей, по отношению к которым окружение играет уже подчинённую роль. К таким картинам относятся «Притча о слепых», «Разоритель гнёзд» (другое название — «Крестьянин и разоритель гнёзд»), «Калеки» и «Мизантроп».

Питеру Брейгелю было около сорока, когда армия испанского герцога Альбы с приказом уничтожить еретиков в Нидерландах вошла в Брюссель. В течение последующих лет Альба приговорил к смерти несколько тысяч нидерландцев. Последние годы жизни прошли в атмосфере террора, насаждаемого Альбой. Об Читать далее...

1871 - родилась А́нна Петро́вна Остроу́мова-Ле́бедева (5 [17] мая 1871, Санкт-Петербург — 5 мая 1955, Ленинград)
[152x400] [303x303]
[400x300]
— русская и советская художница, гравёр, акварелист, мастер пейзажа.

Основные даты
1889—1892 — посещала Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица (1889—1892), где её главным преподавателем был В. В. Матэ.
1892—1900 — училась у В. В. Матэ, И. Е. Репина, К. А. Савицкого и П. П. Чистякова в Петербургской Академии Художеств, которую закончила со званием художника, представив 14 гравюр.
1898—1899 — работала в Париже в мастерской Джеймса Уистлера. С 1899 активно участвовала в деятельности художественного объединения «Мир искусства» и «Четыре искусства» (с 1924).

В 1901 году создала ряд гравюр для журнала «Мир искусства» (№ 1 за 1902 год). В 1905 году вышла замуж за учёного-химика С. В. Лебедева[2], впервые синтезировавшего в промышленном масштабе каучук.

1918—1922 — преподавала в Высшем институте фотографии и фототехники.

1934—1935 — преподавала во Всероссийской академии художеств.

Во время Великой Отечественной войны работала в блокадном Ленинграде, создав ряд пронзительных графических образов города.

1946 — народный художник РСФСР.

1949 — действительный член АХ СССР.

В рейтинге граверов России первой половины XX века является не только «звездой первой величины», но и возродившей это искусство в России. Анна Петровна также положила начало возрождению русской оригинальной (в том числе цветной) ксилографии, работала и в технике литографии, и в акварели.

Изображала в основном виды Петербурга и его окрестностей. Одна из немногих художников, органично создававших пейзажи, включающие в композицию архитектурные строения.

Успешна была и её деятельность как портретиста — в Русском музее находится портрет Максимилиана Волошина работы Анны Петровны.

Награждена орденом Трудового Красного Знамени и медалью «За оборону Ленинграда».

Жила всегда в Санкт-Петербурге — Петрограде — Ленинграде:

Лето 1905 — 04.1906 года — 13-я линия, 20, кв. 57;
12.1906 — 1913 — доходный дом — Александровский проспект, 21, кв. 19;
1913—1917 — 3-я линия, 46, кв. 21;
1917—1924 — Нижегородская улица, 6;
1924—1955 — Нижегородская улица, 10, кв. 4. Эта квартира включена в список памятников истории России, охраняемых государством.
Похоронена в Некрополе мастеров искусств.

Из воспоминаний современников
А. Н. Бенуа: «… в гравюрах она владеет крепостью штриха, которая ей позволяет доводить до крайней степени убедительного лаконизма передачу своих впечатлений; в гравюрах она, как никто, умеет, пользуясь минимумом цветовой шкалы, передать в красках желаемое настроение. В акварелях она радует глаз свободой мазка, и опять-таки эти её вещи блещут чарующими переливами и созвучием красок, необычайно остро подмеченных на натуре».
Выставки[править | править вики-текст]
Дебютировала со своими гравюрами на выставке «Мира искусства» в 1900 (?).

Получила вторую премию за гравюры на конкурсе Общества поощрения художеств.

Иллюстрации и книжная графика
Иллюстрировала книги:
Курбатов В. Я. Петербург, 1912
Анциферов Н. П. Душа Петербурга, 1920 (переиздана в 1990 в том же художественном оформлении).
Галерея[править | править вики-текст]
«Петербург», 1908—10, альбом ксилографий
«Павловск», 1922—23;
«Петербург», 1922 альбом литографий
«Марсово поле», 1922 (акварель) Третьяковская галерея
«Инженерный замок в инее», 1929, Русский музей
«Александровский дворец в Детском Селе»
«Петербург. Нева сквозь колоны Биржи»
«Петербург. Новая Голландия»
«Светильники и сфинкс»
«Портрет артиста И. В. Ершова», 1923;
«Портрет Андрея Белого», 1924;
«Портрет художницы Е. С. Кругликовой», 1925

Сочинения
Автобиографические записки, т. 1—3, Л. — М., 1935—51 (переизданы в 1974 и в 2003).

См. также
Изобразительное искусство Ленинграда

Литература
Корнилов П. Поэт города на Неве // Художник. 1962, № 10. С.36-41.
Синицын Н. В. Гравюры Остроумовой-Лебедевой, монография, 1964.
Суслов В. А. П. Остроумова-Лебедева. — Л.: 1967.
Богданов А. А. П. Остроумова-Лебедева. — Л.: 1976.
Полякова Е. И. Город Остроумовой-Лебедевой / Художник А. А. Зубченко. — М.: Советский художник, 1983. — 224, [16] с. — (Рассказы о художниках). — 40 000 экз. (обл.)
Графика А. П. Остроумовой-Лебедевой: Гравюры и акварель. [Альбом] / Авт. вступ. ст. [с. 5-33] и сост. М. Ф. Киселев, 135 Читать далее...

Виллем ван Алст/Willem van Aelst/(16 мая 1627 г. крещён Утрехт или Дельфт — ум. после 1683 г. Амстердам)
[318x402]
— нидерландский художник эпохи барокко, мастер натюрморта.

Жизнь и творчество
Виллем ван Алст учился живописи у своего дяди, художника Эверта ван Алста.
9 ноября 1643 года он был принят в делфтскую гильдию художников св. Луки.
В 1645—1649 годах В.ван Алст живёт и работает во Франции, затем до 1656 года — в Италии.
Длительное время он находится во Флоренции, где выполняет заказы великого герцога Тосканского Фердинандо II Медичи.
В Италии ван Алст знакомится и сотрудничает вместе с другим нидерландским мастером, Отто Марсеусом ван Скриком, который часто выполняет изображения насекомых в натюрмортах ван Алста.
С 1657 года и вплоть до своей кончины художник живёт и работает в Амстердаме. Имел учеников, среди которых следует назвать Рашель Рюйш и Марию ван Остервейк.

Виллем ван Алст был выдающимся мастером натюрморта, превосходно владевшим цветом и особым умением передавать на своих картинах изображения тканей, металлов, птичьих перьев и т. п. В настоящее время его полотна можно увидеть в крупнейших музеях и картинных галереях Амстердама, Берлина, Вашингтона, Будапешта, Дрездена, Вены, Гамбурга, Копенгагена, Мадрида, Парижа, Сан-Франциско, Тулузы, Гётеборга, Цинциннати, Касселя, Оксфорда и др.

[520x700]
[538x700]
[600x475]
[700x438]
[700x501]
[700x503]
[700x509]
[700x534]

1834 - родился Якоби, Валерий Иванович

Место рождения:деревня Кудряково,Лаишевский уезд,Казанская губерния,Российская империя
Дата смерти:13 мая (26 мая) 1902 (68 лет)
Место смерти: Ницца, Франция
Подданство: Российская империя
Жанр:историческая, жанровая живопись
Учёба:Императорская Академия художеств
класс А. Т. Маркова
Стиль:
академизм
Награды:
медали Императорской Академии художеств:
малая серебряная медаль за картину «Разносчик фруктов»
большая серебряная медаль за картину «Татарин, продавец халатов»
малая золотая медаль за картину «Светлое Воскресенье нищего»
большая золотая медаль за картину «Привал арестантов».
Звания:
профессор, академик, член академического Совета Императорской Академии художеств
Commons-logo.svg Работы на Викискладе
В Википедии есть статьи о других людях с фамилией Якоби.
Вале́рий Ива́нович Яко́би (Яко́бий)[1] (3 [15] мая 1834, Казанская губерния — 13 [26] мая 1902, Ницца) — русский живописец, профессор, академик, член академического Совета Императорской Академии художеств, один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок[2][Комм. 1].

Брат революционера, впоследствии психиатра и этнографа П. И. Якоби.

Биография
«Привал арестантов», (1861) — Государственная Третьяковская галерея.

«Девушка с саблей», (1881) — Государственная Третьяковская галерея.

«Ледяной дом», (1878) — Государственный Русский музей.
Якобий Валерий Иванович — жанровый и портретный живописец, сын помещика; получив общее образование в казанской гимназии, поступил студентом в Казанский университет, но не окончил в нём курса. Когда составлялось в Казанской губернии ополчение для участия в Крымской кампании, Якоби записался в него и отправился в его рядах к месту военных действий, но на пути туда был, вместе со своим отрядом, остановлен, так как война прекратилась.

Тогда он решил посвятить себя живописи, любовь к которой чувствовал ещё на школьной скамье, и, прибыв в 1856 году в Санкт-Петербург, стал посещать классы академии художеств. Состоя в ней учеником профессора А. Т. Маркова, он прошёл её курс чрезвычайно быстро и получил одну за другой все награды, установленные для полного его окончания, а именно малую серебряную медаль в 1858 году, за картину «Разносчик фруктов» (находится в Третьяковской галерее в Москве), большую серебряную медаль в 1859 году, за картину «Татарин, продавец халатов», малую золотую медаль в 1861 году, за картину «Светлое Воскресенье нищего» и большую золотую медаль в 1862 году, за картину «Привал арестантов» (в Третьяковской галерее), произведшую большое впечатление на публику, живо принимавшую тогда к сердцу вопросы, вызвавшее благотворные реформы императора Александра II, между прочим и вопрос об облегчении участи каторжников и ссыльных[4].

Вскоре по получении большой золотой медали, Якоби отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетив сперва Германию, он проехал в Швейцарию и работал некоторое время в Цюрихе, под руководством профессора Колера, а затем жил в Париже, Неаполе и Риме. В это время, кроме небольших жанровых картин, им написаны две исторические — «Террористы и умеренные первой французской революции» (в московском публичном музее, самое лучшее из всех произведений художника) и «Кардинал Гиз, получивший голову адмирала Колиньи, убитого в Варфоломеевскую ночь»; последняя, находившаяся на академической выставке 1864 году, доставила Якоби звание академика. Он возвратился в Санкт-Петербург, в 1869 году и через год после того, за картину «Арест герцога Бирона», был возведен в звание профессора, а в 1870 году сделан членом академического совета.

В 1878 году провел шесть месяцев в Париже в качестве комиссара при русском художественном отделе на тамошней всемирной выставке и члена её международного жюри со стороны России. В 1883 году, оставаясь членом совета академии, был назначен профессором-преподавателем в её классах. От обеих этих должностей уволен в отставку в 1891 году вследствие происшедшего тогда коренного преобразования академии, и последние годы своей жизни провел отчасти в Санкт-Петербурге, преимущественно же в Алжире и на юге Франции.

Якоби был человек умный и, бесспорно, даровитый, но чересчур скорое прохождение им художественной школы невыгодно отразилось в его работах: рисовал он очень посредственно, прибегая даже в мелочах к помощи манекена и фотографии, плохо справлялся с перспективой, писал довольно сухо и неуверенно, был цветист в колорите и не силен в светотени, но все эти недостатки старался скрывать занимательностью сюжета, эффектным расположением композиции и нарядностью изображенных костюмов и прочих аксессуаров. Главные его произведения, кроме вышеупомянутых — картины: «Парижский тряпичник перед дверью таверны» (1865, у наследников А. А. Сомова), «Политика после завтрака» (1869, в московском публичном музее), «Волынский в заседании кабинета министров» (1876, у великого князя Николая Константиновича), «Костюмированное утро при дворе императрицы Анны Читать далее...

Безжалостна беда сей горестной утраты.
К минувшим временам назад дороги нет.
Он первым был тогда, в пору шестидесятых,
Когда забрезжил нам в окне неяркий свет.

Тот век теперь далек. Припомним годы оны —
Мир песен и бесед тех юношеских лет,
Когда от звонких строк гудели стадионы,
И на Руси поэт был больше, чем поэт.

Кружится лист, скользя над плитами надгробий.
Оборвана стезя, и все пошло не в лад.
Ушли его друзья: Андрей, Василий, Роберт.
Ушли его друзья, — и Белла, и Булат.

Умолкли в век иной тех песен отголоски.
Все в Лете утечет сегодняшней порой.
Покажется смешной и перепалка с Бродским,
И гамбургский расчет на первый и второй.

В круговороте дел, подумав хорошенько,
На свой вопрос ответ отыщешь без труда:
Той славы, что имел Евгений Евтушенко,
Не знал другой поэт нигде и никогда.

Тускнеет неба шелк. Неумолимы будни.
С минувшим рвется нить. Вращается Земля.
Последним он ушел, как капитан на судне,
Что должен уходить последним с корабля.

Далекие года. Забывшиеся сплетни.
Июльского дождя на перепутьях след.
Он первым был тогда, — теперь он стал последним.
Последним уходя, он в доме гасит свет.

02.04.2017

1727 - крещен То́мас Ге́йнсборо (/Thomas Gainsborough/(14 мая 1727 — 2 августа 1788) — английский живописец, график, портретист и пейзажист.

Биография
Был младшим, девятым ребёнком в семье торговца сукном Джона Гейнсборо и его жены Сюзанны.

В детстве Томас увлекался лепкой фигурок животных и рисованием. В 13 лет он уговорил родителей отпустить его в Лондон, и, по утверждению его приятеля Филипа Тикнесса, с тех пор обеспечивал себя самостоятельно.

Лондон
В Лондоне он поселился у серебряных дел мастера, фамилия которого неизвестна, и позже стал посещать уроки рисования у Юбера-Франсуа Гравло, преподавателя Академии св. Мартина. В первую очередь Гейнсборо интересовали пейзажи. Сохранились его зарисовки различных растений, сделанные в 40-х годах.

Зарабатывал он писанием пейзажей, подправлял старые картины, работал на гравёра Джона Бойделла.

В 1745 году он поселяется в собственной мастерской. Одна из первых подписанных им картин также датируется 1745 годом. На фоне пейзажа на ней изображён бультерьер. На обороте холста сам художник написал: «Замечательно умный пёс».

15 июля 1746 года Гейнсборо обвенчался с Маргарэт Барр, побочной дочерью герцога Бофора. Вероятно, рисунок (около 1746 – 1748) и картина (около 1746—1747, Лувр) являются автопортретами с женой, выполненными в стиле Ватто.

В 1748 году он написал «Лес Гейнсборо». В этой картине видно влияние Рёйсдаля, который был очень популярен в Англии в то время.

Совместно с другими художниками его пригласили украсить детский приют видами восьми лондонских госпиталей. Написанный в 1748 году «Чартерхаус» приносит Гейнсборо уважение в художественной среде, его картину сочли лучшей. Однако новых заказов это не принесло, и Гейнсборо решает вернуться в Садбери.

В 1748 году умер его отец, в том же году родилась старшая дочь Мэри.

Гейнсборо всегда считал себя пейзажистом, но пейзажи не приносили дохода, так как не были популярны. Около 1749 года Гейнсборо создаёт произведение, в котором он впервые соединяет портрет и пейзаж — «портрет четы Эндрюс».

Приблизительно в 1750 году Гейнсборо переезжает в расположенный недалеко Ипсуич.

Ипсуич
В Ипсуиче Гейнсборо стал членом Музыкального клуба, он познакомился с другими любителями музыки и самими музыкантами. Позднее он напишет портреты некоторых из них, а также групповой портрет с изображением Музыкального клуба.

В 1752 году у Гейнсборо родилась вторая дочь — Маргарет.

Основной доход художник получал от портретов. «В жанре портрета он старался следовать Хогарту, усвоив его непосредственность восприятия модели, заботясь больше о сходстве, нежели о передаче общественного положения позирующего, стремясь запечатлеть обычный, каждодневный облик человека»

Вероятно, около 1753 года Гейнсборо получил лестный для него заказ на портрет адмирала Вернона.

Он пишет много портретов членов своей семьи. На автопортрете 1754 года он изобразил себя в треуголке. На написанном портрете 1756 года дочери устремились за бабочкой.

Около 1758 года Гейнсборо выполняет два портрета своего приятеля Уильяма Уоллестона. На одном Уоллестон изображён с флейтой, на другом он написан на фоне поместья.

В декабре 1758 года Гейнсборо получил заказ на портреты графа Джерси и его сына лорда Вильерса. Портреты, выполненные художником, находят одобрение, и его слава растёт.

Гейнсборо пишет и пейзажи. Ярким образцом его ранних пейзажей является «Лес Гейнсборо». «В ипсуичский период творчества заметнее всего влияние на Гейнсборо голландца Яна Винантса — оно больше, чем влияние Рёйсдала, и проявляется в более обобщённой трактовке почвы, песчаных берегов, срубленных деревьев, широко написанной листвы. В эти годы фоны его портретов очень близки его пейзажам, делаясь всё шире и свободнее. Грунт становится опять светлее, фактура более текучей. Вообще техника художника в это время виртуозно легка и похожа нежностью тонов на акварель»[1].

Завоевав репутацию портретиста в Ипсвиче, Гейнсборо решает переехать в модный курорт Бат, где в то время жили две его сестры.

Бат, 1759—1777

В Бате количество заказов на портреты превышало возможности художника, в 1763 году он даже заболел от переутомления и местная газета 17 октября сообщила о его смерти, признав ошибку на следующий день.

В 1763 – 1764 годах был создан портрет графини Мери Хау. Гейнсборо написал два портрета Иоганна Кристиана Баха, сына Иоганна Себастьяна Баха.

Большое значение для Гейнсборо оказало знакомство с полотнами Ван Дейка и Рубенса, принадлежащими местным аристократам, некоторые из этих полотен он копировал.

«С изучением картин старых мастеров связано появление изумительных сияющих далей в картинах Гейнсборо, не удававшихся мастеру прежде. Манера письма Гейнсборо в корне меняется. Примером этих новшеств можно считать «Пейзаж» (ныне в музее Уорчестера), показанный на выставке 1763 года в Обществе британских художников. Он написан при искусственном свете и драматически построен на мощных кривых. Постепенно фигуры в пейзажах делаются Читать далее...

1625 - родился Карло Маратта, также Маратти (ит. Carlo Maratta, род. 13 мая 1625 г. Камерано близ Анконы — ум. 15 декабря 1713 г. Рим)
[289x400] [292x400]
— итальянский художник и архитектор эпохи барокко, принадлежавший к римской школе живописи.

Жизнь и творчество
Талант художника проявился у К.Маратта ещё в детстве.
В возрасте 12 лет был отправлен своими родителями в Рим, в обучение к живописцу Андреа Сакки.
У Сакки Маратта оставался на протяжении многих лет и рассматривал его всю свою жизнь как старшего друга и учителя.
В 1650 году к молодому художнику приходит известность — после того, как он удачно выполнил заказ на алтарную картину, Маратта был представлен папе Александру VII, который затем обеспечивал художника заказами.
Ряд алтарных полотен работы К.Маратта до сих пор находятся в римских церквях.
В 1704 году К.Маратта был посвящён папой Климентом XI в рыцари, награждён церковным орденом и становится придворным живописцем французского короля Людовика XIV, который был покорён искусством мастера, увидев его полотно, изображавшее Дафну. В то же время Людовик разрешил К.Маратта продолжать свою работу в Риме.
Был также талантливым архитектором, разработавшим проекты многочисленных зданий. В 1700 году художник становится президентом римской Академии Святого Луки.
Карло Маратта содержал обширную мастерскую, где стажировались его многочисленные ученики (нпр. Роберт ван Ауденарде). Похоронен в римской церкви Санта-Мария-дельи-Анджели-э-деи-Мартири.
К.Маратта писал свои полотна в академической традиции своего учителя Сакки, берущей своё начало ещё в творчестве Рафаэля.
В конце XVII столетия Маратта и Сакки были признанными, ведущими римскими живописцами.
Кроме алтарных полотен для церквей, мастер писал также портреты, фрески, создавал скульптуры. Наиболее интересен он как портретист. В настоящее время картины К.Маратта можно увидеть в музеях Парижа (Лувр), Рима, Берлина, Флоренции, Санкт-Петербурга, Лондона, Мадрида, Бостона, Вены, Брюсселя, Мюнхена и др.
Отец поэтессы и художницы Фаустины Маратти.

[482x700]
[521x700]
[523x700]
[586x700]
[700x460]
[700x517]
[700x509]
[700x255]