ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК РАННЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ КОЗИМО ТУРА / COSIMO TURA (1430-1495), ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА
10-04-2024 20:50
Козимо Тура (1430-1495). Благословляющая Мадонна с Младенцем на троне. 1475 г.
Дерево, темпера. 46 х 31 см. Академия Каррара, Бергамо, Италия.
Козимо Тура (1430-1495) – итальянский художник раннего Возрождения родился в Ферраре в семье сапожника. С 1452 по 1454 год учился в мастерской Франческо Скварчоне в Падуе. Наибольшее влияние на творчество Тура оказала скульптурная пластика работ Мантеньи и монументальный стиль Пьеро делла Франческо. Начиная с 1451 года Тура постоянно работал в Ферраре, где был придворным художником герцогов Борсо и Эрколе дЭсте. Он писал полотна преимущественно на религиозные сюжеты, среди которых наиболее выделяются две крупных панели, созданные в 1469 году для Феррарского собора и украшавшие орган - «Благовешение» и «Св. Георгий и принцесса». Большая часть работ художника не дошла до нас, а из тех, что сохранились необходимо отметить его «Аллегорию весны» (1460), «Мадонну Роверелла» (1470-1474) и «Оплакивание Христа» (1472). Творчество Туры оказало заметное влияние на дальнейшее развитие феррарской школы живописи, в частности, на двух ее крупнейших представителей, Франческо Косса и Эрколе Роберти: последний в 1486 году сменил его на посту придворного художника. Последние годы Тура жил в бедности. Он умер в Ферраре в апреле 1495 года.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Козимо Тура (1430-1495). Благословляющая Мадонна с Младенцем на троне. 1475 г.
Дерево, темпера. 46 х 31 см. Академия Каррара, Бергамо, Италия.
Козимо Тура (1430-1495) – итальянский художник раннего Возрождения родился в Ферраре в семье сапожника. С 1452 по 1454 год учился в мастерской Франческо Скварчоне в Падуе. Наибольшее влияние на творчество Тура оказала скульптурная пластика работ Мантеньи и монументальный стиль Пьеро делла Франческо. Начиная с 1451 года Тура постоянно работал в Ферраре, где был придворным художником герцогов Борсо и Эрколе дЭсте. Он писал полотна преимущественно на религиозные сюжеты, среди которых наиболее выделяются две крупных панели, созданные в 1469 году для Феррарского собора и украшавшие орган - «Благовешение» и «Св. Георгий и принцесса». Большая часть работ художника не дошла до нас, а из тех, что сохранились необходимо отметить его «Аллегорию весны» (1460), «Мадонну Роверелла» (1470-1474) и «Оплакивание Христа» (1472). Творчество Туры оказало заметное влияние на дальнейшее развитие феррарской школы живописи, в частности, на двух ее крупнейших представителей, Франческо Косса и Эрколе Роберти: последний в 1486 году сменил его на посту придворного художника. Последние годы Тура жил в бедности. Он умер в Ферраре в апреле 1495 года.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ МИХАИЛ (МИША ШАЕВИЧ) БРУСИЛОВСКИЙ (1931-2016), ЧАСТЬ III
07-04-2024 20:00
Миша Шаевич Брусиловский. Фото с сайта «Российская Академия художеств»
Миша Брусиловский (1931-2016) - знаковая фигура уральского искусства. Родившийся в Киеве, Миша впервые оказался на Урале в эвакуации, еще в детстве. После окончания Института живописи, ваяния и зодчества им И.Е. Репина в Ленинграде он по распределению попадает в Свердловск, где жил и работал - с перерывами на Париж и Нью-Йорк - более пятидесяти лет. С именем Миши Шаевича связано оживление и обновление творческой атмосферы Свердловска-Екатеринбурга: вместе с друзьями он совершил «Брусиловский прорыв» в местной художественной жизни, а дружеский круг автора быстро стал центром творческой мысли и эстетического эксперимента.
Миша Шаевич - один из немногих российских художников второй половины ХХ века, получивших признание за рубежом. Его работу «1918-й» показывали на XXXIII Венецианской биеннале в 1966 г., а в 1989-м в Париже с большим успехом прошла персональная выставка автора. В связи с ней французская пресса упоминала имя Брусиловского в одном ряду с такими русскими художниками, как Илья Кабаков и Эрик Булатов. Признание ждало его и на родине. В 1986 г. снимается запрет на Брусиловского, в Екатеринбурге и Москве проходят его выставки. Художник становится лауреатом премии «За выдающиеся достижения в области литературы и искусства», получает звание заслуженного художника России и почетного академика Российской академии художеств.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Миша Шаевич Брусиловский. Фото с сайта «Российская Академия художеств»
Миша Брусиловский (1931-2016) - знаковая фигура уральского искусства. Родившийся в Киеве, Миша впервые оказался на Урале в эвакуации, еще в детстве. После окончания Института живописи, ваяния и зодчества им И.Е. Репина в Ленинграде он по распределению попадает в Свердловск, где жил и работал - с перерывами на Париж и Нью-Йорк - более пятидесяти лет. С именем Миши Шаевича связано оживление и обновление творческой атмосферы Свердловска-Екатеринбурга: вместе с друзьями он совершил «Брусиловский прорыв» в местной художественной жизни, а дружеский круг автора быстро стал центром творческой мысли и эстетического эксперимента.
Миша Шаевич - один из немногих российских художников второй половины ХХ века, получивших признание за рубежом. Его работу «1918-й» показывали на XXXIII Венецианской биеннале в 1966 г., а в 1989-м в Париже с большим успехом прошла персональная выставка автора. В связи с ней французская пресса упоминала имя Брусиловского в одном ряду с такими русскими художниками, как Илья Кабаков и Эрик Булатов. Признание ждало его и на родине. В 1986 г. снимается запрет на Брусиловского, в Екатеринбурге и Москве проходят его выставки. Художник становится лауреатом премии «За выдающиеся достижения в области литературы и искусства», получает звание заслуженного художника России и почетного академика Российской академии художеств.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ МИХАИЛ (МИША ШАЕВИЧ) БРУСИЛОВСКИЙ (1931-2016), ЧАСТЬ II
05-04-2024 21:30
Михаил Брусиловский. Фотография 2005 г.
Михаил Брусиловский (1931-2016) - культовая фигура в современном искусстве Урала, один из самых ярких и своеобразных художников последней трети XX века и первого десятилетия века XXI. В своем творчестве он стремился преодолеть советскую академическую традицию и синтезировал эстетику соцреализма с западноевропейской мистикой авангарда и символизма. В ряду шестидесятников Брусиловский - художник особенный: стилистически узнаваемый, умеющий преобразить повседневность в притчу, а факт истории - в глобальный миф. Среди близких автору тем - бурная история ХХ века, библейские сюжеты, античные мифы и картины повседневной жизни, увиденные из глубины времени. В обыденном ему удавалось обнаружить извечные сюжеты. Если судить о художнике по его картинам, где прошлое, настоящее и будущее сходятся в странной достоверности, то Брусиловский - талантливый сталкер по петлям и лабиринтам Времени. Работы художника высоко оцениваются не только в России, но и во всем мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s в Лондоне картину Брусиловского «Игра в мяч» («Футбол») купили за 108 тыс. фунтов стерлингов.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Михаил Брусиловский. Фотография 2005 г.
Михаил Брусиловский (1931-2016) - культовая фигура в современном искусстве Урала, один из самых ярких и своеобразных художников последней трети XX века и первого десятилетия века XXI. В своем творчестве он стремился преодолеть советскую академическую традицию и синтезировал эстетику соцреализма с западноевропейской мистикой авангарда и символизма. В ряду шестидесятников Брусиловский - художник особенный: стилистически узнаваемый, умеющий преобразить повседневность в притчу, а факт истории - в глобальный миф. Среди близких автору тем - бурная история ХХ века, библейские сюжеты, античные мифы и картины повседневной жизни, увиденные из глубины времени. В обыденном ему удавалось обнаружить извечные сюжеты. Если судить о художнике по его картинам, где прошлое, настоящее и будущее сходятся в странной достоверности, то Брусиловский - талантливый сталкер по петлям и лабиринтам Времени. Работы художника высоко оцениваются не только в России, но и во всем мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s в Лондоне картину Брусиловского «Игра в мяч» («Футбол») купили за 108 тыс. фунтов стерлингов.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ МИХАИЛ (МИША ШАЕВИЧ) БРУСИЛОВСКИЙ (1931-2016), ЧАСТЬ I
02-04-2024 19:00
Михаил Брусиловский. Фото Сергея Белковского, 1989 г.
Михаил Брусиловский (1931-2016) - уроженец Киева, окончив в 1959 году Ленинградский институт живописи, ваяния и зодчества им. Репина, по распределению попал в Свердловск, где с головой окунулся в насыщенную художественную жизнь города и своим мощным талантом оказал на нее значительное влияние. Миша Шаевич принадлежит к тому поколению людей, о котором принято говорить «они сделаны из другого теста». За свою свободу художникам 1960-х годов приходилось бороться, ведь смириться и молчать - не позволяла совесть, поэтому компромиссы с властью были недопустимы, а в основу их творчества легли высокие гуманистические идеалы. Неслучайно автор в качестве магистральной линии избирает библейские и мифологические сюжеты, так как в них заключена вся человеческая мощь и накопленный внутренний опыт. Работы Брусиловского обнаруживают незаурядную силу духа, «невиданный каскад трансформаций формы и крика цвета, что смело ставит художника в ряд с такими явлениями нашего времени, как Пабло Пикассо, Xуан Миро, Анри Матисс» (Хуан Фернандес Солеро Хосе Касаравилья, главный хранитель музея Прадо в Мадриде).
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Михаил Брусиловский. Фото Сергея Белковского, 1989 г.
Михаил Брусиловский (1931-2016) - уроженец Киева, окончив в 1959 году Ленинградский институт живописи, ваяния и зодчества им. Репина, по распределению попал в Свердловск, где с головой окунулся в насыщенную художественную жизнь города и своим мощным талантом оказал на нее значительное влияние. Миша Шаевич принадлежит к тому поколению людей, о котором принято говорить «они сделаны из другого теста». За свою свободу художникам 1960-х годов приходилось бороться, ведь смириться и молчать - не позволяла совесть, поэтому компромиссы с властью были недопустимы, а в основу их творчества легли высокие гуманистические идеалы. Неслучайно автор в качестве магистральной линии избирает библейские и мифологические сюжеты, так как в них заключена вся человеческая мощь и накопленный внутренний опыт. Работы Брусиловского обнаруживают незаурядную силу духа, «невиданный каскад трансформаций формы и крика цвета, что смело ставит художника в ряд с такими явлениями нашего времени, как Пабло Пикассо, Xуан Миро, Анри Матисс» (Хуан Фернандес Солеро Хосе Касаравилья, главный хранитель музея Прадо в Мадриде).
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК ЭПОХИ РАННЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ ФРАНЧЕСКО ДЕЛЬ КОССА / FRANCESCO DEL COSSA (1435-1478), ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА
30-03-2024 16:40
Франческо дель Косса (1435-1478). Триумфальное шествие Венеры. Фрагмент фрески «Апрель». 1469-1470 гг.
Палаццо Скифанойя, Феррара.
Франческо дель Косса (1435-1478) – итальянский художник раннего Возрождения. Родился в Ферраре, где прошла большая часть его жизни. Учился, вероятно, у художника Козимо Тура, влияние которого ощутимо в его ранних работах. В стиле Коссы различимы также черты, характерные для творчества Андреа Мантеньи и Пьеро делла Франчески, однако его работы отличаются большей мягкостью и спокойной галантностью. Главной работой Коссы в Ферраре стали росписи Палаццо Скифаноя в Ферраре, выполненные художником в период между 1460 и 1470 годами по заказу герцога Борсо д'Эсте. Предполагается, что в работе также участвовали Козимо Тура и Эрколе деи Роберти, но несомненно, что роль Коссы была главенствуюшей. В 1470 году, после завершения работы над фресками Палаццо Скифаноя, Франческо дель Косса переехал из Феррары в Болонью. Главным произведением, созданным художником в Болонье, стал алтарный образ для капеллы Гриффони в церкви Сан Петронио. Художник умер в Болонье в 1478 году.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Франческо дель Косса (1435-1478). Триумфальное шествие Венеры. Фрагмент фрески «Апрель». 1469-1470 гг.
Палаццо Скифанойя, Феррара.
Франческо дель Косса (1435-1478) – итальянский художник раннего Возрождения. Родился в Ферраре, где прошла большая часть его жизни. Учился, вероятно, у художника Козимо Тура, влияние которого ощутимо в его ранних работах. В стиле Коссы различимы также черты, характерные для творчества Андреа Мантеньи и Пьеро делла Франчески, однако его работы отличаются большей мягкостью и спокойной галантностью. Главной работой Коссы в Ферраре стали росписи Палаццо Скифаноя в Ферраре, выполненные художником в период между 1460 и 1470 годами по заказу герцога Борсо д'Эсте. Предполагается, что в работе также участвовали Козимо Тура и Эрколе деи Роберти, но несомненно, что роль Коссы была главенствуюшей. В 1470 году, после завершения работы над фресками Палаццо Скифаноя, Франческо дель Косса переехал из Феррары в Болонью. Главным произведением, созданным художником в Болонье, стал алтарный образ для капеллы Гриффони в церкви Сан Петронио. Художник умер в Болонье в 1478 году.
150 ЛЕТ ИМПРЕССИОНИЗМА В МУЗЕЕ ОРСЕ: «Мы надеемся понять, насколько радикальными были эти художники»
29-03-2024 21:24
Энн Роббинс, сокуратор выставки «Париж 1874: Изобретение импрессионизма», которая демонстрируется в Париже перед поездкой в Вашингтон, округ Колумбия, в сентябре, объясняет, почему мы можем знать об импрессионистах меньше, чем думаем.
Клод Моне (1840-1926), Impression, soleil levant (Впечатление, Восход солнца) , 1872 (фрагмент). Холст, масло. 19⅝ x 25⅝ дюймов (50 x 65 см). Музей Мармоттан Моне, Париж. Фото: © Musée Marmottan Monet, Париж / Studio Baraja SLB
15 апреля 1874 года в Париже открылась выставка, положившая начало одному из самых известных в мире художественных движений: импрессионизму. Это движение связано с яркими, оживленными картинами, передающими мимолетное впечатление от современных сцен. Его художники должным образом дистанцировались от Салона, официальной выставки, которая доминировала во французской художественной жизни на протяжении двух столетий и которая отдавала предпочтение тщательной отделке, полностью развитым формам и сценам с библейским, мифологическим или историческим повествованием.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Клод Моне (1840-1926), Impression, soleil levant (Впечатление, Восход солнца) , 1872 (фрагмент). Холст, масло. 19⅝ x 25⅝ дюймов (50 x 65 см). Музей Мармоттан Моне, Париж. Фото: © Musée Marmottan Monet, Париж / Studio Baraja SLB
15 апреля 1874 года в Париже открылась выставка, положившая начало одному из самых известных в мире художественных движений: импрессионизму. Это движение связано с яркими, оживленными картинами, передающими мимолетное впечатление от современных сцен. Его художники должным образом дистанцировались от Салона, официальной выставки, которая доминировала во французской художественной жизни на протяжении двух столетий и которая отдавала предпочтение тщательной отделке, полностью развитым формам и сценам с библейским, мифологическим или историческим повествованием.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ВИКТОР ДМИТРИЕВИЧ ПИВОВАРОВ (род.1937), ЧАСТЬ IV (дополнительная)
28-03-2024 00:00
Виктор Пивоваров на выставке «След улитки» в Музее современного искусства «Гараж». Москва, 2016 г.
Виктор Дмитриевич Пивоваров (род.1937 г.) - автор множества картин, художественных альбомов и различных графических серий. Первой своей серьезной работой автор считает «Искушение святого Антония» — серию монотипий, созданную в 1967 году. Картины Пивоварова впервые появились в Москве на художественной выставке в 1977 году и сразу привлекли к себе внимание посетителей оригинальной подачей материала. Одной из самых растиражированных работ художника является логотип детского журнала «Веселые картинки». В художественной среде Виктор Пивоваров считается одним из основателей московского концептуализма. В 2015-2016 годах на персональных выставках в Москве были представлены циклы картин Пивоварова «След улитки», «Потерянные ключи» и «Москва,Москва!». Разнообразие приемов, использованных автором для передачи своего замысла, просто поражает: это и станковая живопись, и работы в жанре иллюстрации, и книжная графика. Картинам Пивоварова присуще свойство приковывать к себе взгляд зрителя: они обращают на себя внимание четкостью линий, оригинальными сюжетами, яркими оттенками. При помощи своих работ художник предлагает нам поразмыслить вместе с ним о таких понятиях, как возвышенная любовь, экстремальное одиночество, экзистенциальный ужас бренности всего живого. Художник плодотворно работает в Праге с 1982 года и по сей день.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Виктор Пивоваров на выставке «След улитки» в Музее современного искусства «Гараж». Москва, 2016 г.
Виктор Дмитриевич Пивоваров (род.1937 г.) - автор множества картин, художественных альбомов и различных графических серий. Первой своей серьезной работой автор считает «Искушение святого Антония» — серию монотипий, созданную в 1967 году. Картины Пивоварова впервые появились в Москве на художественной выставке в 1977 году и сразу привлекли к себе внимание посетителей оригинальной подачей материала. Одной из самых растиражированных работ художника является логотип детского журнала «Веселые картинки». В художественной среде Виктор Пивоваров считается одним из основателей московского концептуализма. В 2015-2016 годах на персональных выставках в Москве были представлены циклы картин Пивоварова «След улитки», «Потерянные ключи» и «Москва,Москва!». Разнообразие приемов, использованных автором для передачи своего замысла, просто поражает: это и станковая живопись, и работы в жанре иллюстрации, и книжная графика. Картинам Пивоварова присуще свойство приковывать к себе взгляд зрителя: они обращают на себя внимание четкостью линий, оригинальными сюжетами, яркими оттенками. При помощи своих работ художник предлагает нам поразмыслить вместе с ним о таких понятиях, как возвышенная любовь, экстремальное одиночество, экзистенциальный ужас бренности всего живого. Художник плодотворно работает в Праге с 1982 года и по сей день.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ВИКТОР ДМИТРИЕВИЧ ПИВОВАРОВ (род.1937), ЧАСТЬ III
27-03-2024 20:01
Виктор Пивоваров на фоне своей картины «Малевич в снегу» (1997). Центр современного искусства.
Прага, 2015 г.
Мир в картинах Виктора Пивоварова (род.1937 г.) - очень личный, немного лиричный, наполненный массой образов и контекстов. По примеру своего друга Ильи Кабакова, Пивоваров продолжает работать в жанре альбома, придуманном ими еще в далекие «нонконформистские» времена. Проиллюстрировавший множество книг в «Детгизе», а, следовательно, знакомый у нас каждому взрослому, Пивоваров остаётся близким и далёким одновременно. Сказочные образы из детства, перевоплощаются в немного сюрреальную действительность, сообщая глубоко интимное, но далеко не всем понятное. Сам Виктор Пивоваров полагает, что его зритель может быть «как продвинутым интеллектуалом, так и человеком совершенно неподготовленным». Виктор Пивоваров не скрывает своей привязанности к истории искусства. Его «учителями» являются Иероним Босх и Рене Магритт, Лукас Кранах и Джорджо де Кирико, Паоло Учелло и Казимир Малевич. Несмотря на преклонный возраст, Пивоваров продолжает интенсивно работать. За период с 1984 по 2023 г. состоялись его 16 персональных зарубежных выставок, а также на персональных выставках в Москве в 2004-2018 гг. были представлены циклы картин «Едоки лимонов», «Они», «След улитки», «Потерянные ключи» «Москва, Москва!», «Флоренция» и др.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Виктор Пивоваров на фоне своей картины «Малевич в снегу» (1997). Центр современного искусства.
Прага, 2015 г.
Мир в картинах Виктора Пивоварова (род.1937 г.) - очень личный, немного лиричный, наполненный массой образов и контекстов. По примеру своего друга Ильи Кабакова, Пивоваров продолжает работать в жанре альбома, придуманном ими еще в далекие «нонконформистские» времена. Проиллюстрировавший множество книг в «Детгизе», а, следовательно, знакомый у нас каждому взрослому, Пивоваров остаётся близким и далёким одновременно. Сказочные образы из детства, перевоплощаются в немного сюрреальную действительность, сообщая глубоко интимное, но далеко не всем понятное. Сам Виктор Пивоваров полагает, что его зритель может быть «как продвинутым интеллектуалом, так и человеком совершенно неподготовленным». Виктор Пивоваров не скрывает своей привязанности к истории искусства. Его «учителями» являются Иероним Босх и Рене Магритт, Лукас Кранах и Джорджо де Кирико, Паоло Учелло и Казимир Малевич. Несмотря на преклонный возраст, Пивоваров продолжает интенсивно работать. За период с 1984 по 2023 г. состоялись его 16 персональных зарубежных выставок, а также на персональных выставках в Москве в 2004-2018 гг. были представлены циклы картин «Едоки лимонов», «Они», «След улитки», «Потерянные ключи» «Москва, Москва!», «Флоренция» и др.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ВИКТОР ДМИТРИЕВИЧ ПИВОВАРОВ (род.1937), ЧАСТЬ II
25-03-2024 18:30
Виктор Пивоваров в Музее современного искусства «Гараж». Москва, 2016 г.
Виктор Дмитриевич Пивоваров (род.1937 г.) - советский и российский художник, представитель неофициального искусства, один из основоположников московского концептуализма. Учился в Московском художественно промышленном училище им. М.И. Калинина в 1951–1957 гг., затем в Московском полиграфическом институте на отделении графики в 1957–1962 гг. у Павла Корина. Участвовал в «Диссидентской биеннале» в Венеции в 1977 г. Позднее, вместе с Ильей Кабаковым обращается к жанру альбома. С 1975-го по 1982-й создает 12 альбомов: «Макрогомус», «Слёзы», «Лицо», «Сад», «Кабаков и Пивоваров», «Проекты для одинокого человека» и другие. В произведениях Пивоварова советская фактура выглядит абсурдистски и в то же время лирично. С 1982 г. живет и по сей день работает в Праге. Причем его искусство не замерло на одном месте, когда одних кумиров, Магритта с Дельво, потеснили другие, Де Кирико с Малевичем. Но при всем разнообразии флоры и фауны этого сюрреалистического мира, при всей широте диапазона средств и приемов Виктор Пивоваров всегда остается равным самому себе. Первая большая ретроспектива Пивоварова прошла в 2004 г. в Государственной Третьяковской галерее в Москве, затем - в Русском музее в Петербурге.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Виктор Пивоваров в Музее современного искусства «Гараж». Москва, 2016 г.
Виктор Дмитриевич Пивоваров (род.1937 г.) - советский и российский художник, представитель неофициального искусства, один из основоположников московского концептуализма. Учился в Московском художественно промышленном училище им. М.И. Калинина в 1951–1957 гг., затем в Московском полиграфическом институте на отделении графики в 1957–1962 гг. у Павла Корина. Участвовал в «Диссидентской биеннале» в Венеции в 1977 г. Позднее, вместе с Ильей Кабаковым обращается к жанру альбома. С 1975-го по 1982-й создает 12 альбомов: «Макрогомус», «Слёзы», «Лицо», «Сад», «Кабаков и Пивоваров», «Проекты для одинокого человека» и другие. В произведениях Пивоварова советская фактура выглядит абсурдистски и в то же время лирично. С 1982 г. живет и по сей день работает в Праге. Причем его искусство не замерло на одном месте, когда одних кумиров, Магритта с Дельво, потеснили другие, Де Кирико с Малевичем. Но при всем разнообразии флоры и фауны этого сюрреалистического мира, при всей широте диапазона средств и приемов Виктор Пивоваров всегда остается равным самому себе. Первая большая ретроспектива Пивоварова прошла в 2004 г. в Государственной Третьяковской галерее в Москве, затем - в Русском музее в Петербурге.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ВИКТОР ДМИТРИЕВИЧ ПИВОВАРОВ (род.1937), ЧАСТЬ I
21-03-2024 21:46
Виктор Дмитриевич Пивоваров. Фотография 1990-е гг.
Виктор Дмитриевич Пивоваров - советский и российский художник, представитель «неофициального» искусства, один из основоположников московского концептуализма. Родился в Москве 14 января 1937 года. Окончил Московское художественно-промышленное училище им. Калинина (1951–1957) и Московский полиграфический институт (1957–1962). После окончания института несколько лет посвятил книжной иллюстрации, прежде всего иллюстрации детских книг. Оформил более 50 книг, сотрудничал с журналами «Мурзилка» и «Весёлые картинки». В 1967 году выполнил серию монотипий «Искушение Св. Антония», которую считает началом своей творческой деятельности. С 1967 года начинает систематически работать сначала в разных графических техниках, а с 1970 года в живописи. В 70-е годы, вслед за Кабаковым, разрабатывает новый синтетический жанр, соединяющий рисунок и текст, который получил название “альбомы”. В этом жанре с некоторыми перерывами В.Пивоваров работает до настоящего времени. В области живописи В.Пивоваров отдает предпочтение тематически связанным концептуальным циклам и сериям картин. С 1982 года живет и работает в Праге.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Виктор Дмитриевич Пивоваров. Фотография 1990-е гг.
Виктор Дмитриевич Пивоваров - советский и российский художник, представитель «неофициального» искусства, один из основоположников московского концептуализма. Родился в Москве 14 января 1937 года. Окончил Московское художественно-промышленное училище им. Калинина (1951–1957) и Московский полиграфический институт (1957–1962). После окончания института несколько лет посвятил книжной иллюстрации, прежде всего иллюстрации детских книг. Оформил более 50 книг, сотрудничал с журналами «Мурзилка» и «Весёлые картинки». В 1967 году выполнил серию монотипий «Искушение Св. Антония», которую считает началом своей творческой деятельности. С 1967 года начинает систематически работать сначала в разных графических техниках, а с 1970 года в живописи. В 70-е годы, вслед за Кабаковым, разрабатывает новый синтетический жанр, соединяющий рисунок и текст, который получил название “альбомы”. В этом жанре с некоторыми перерывами В.Пивоваров работает до настоящего времени. В области живописи В.Пивоваров отдает предпочтение тематически связанным концептуальным циклам и сериям картин. С 1982 года живет и работает в Праге.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК ЭПОХИ ПОЗДНЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ ДОССО ДОССИ / DOSSO DOSSI (1489-1542). ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА, ЧАСТЬ II
17-03-2024 20:45
Доссо Досси (1489-1542). Автопортрет. Холст, масло. Галерея Уффици, Флоренция.
Доссо Досси (1489-1542), настоящее имя Джованни ди Никколо де Лутери, - итальянский художник эпохи позднего Возрождения феррарской школы. Его картины написаны в основном под влиянием венецианской живописи, особенно Джорджоне и раннего Тициана. С 1514 года он был придворным художником герцогов Эсте в Ферраре и Модене, чей небольшой двор дорожил своей репутацией художественного центра. Доссо Досси часто сотрудничал со своим младшим братом Баттистой Досси, который работал под руководством Рафаэля. Художник известен не столько своим натурализмом и вниманием к дизайну, сколько загадочными символическими замыслами в произведениях искусства на мифологические темы. Манера исполнения его портретов сродни венецианскому искусству того времени.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Доссо Досси (1489-1542). Автопортрет. Холст, масло. Галерея Уффици, Флоренция.
Доссо Досси (1489-1542), настоящее имя Джованни ди Никколо де Лутери, - итальянский художник эпохи позднего Возрождения феррарской школы. Его картины написаны в основном под влиянием венецианской живописи, особенно Джорджоне и раннего Тициана. С 1514 года он был придворным художником герцогов Эсте в Ферраре и Модене, чей небольшой двор дорожил своей репутацией художественного центра. Доссо Досси часто сотрудничал со своим младшим братом Баттистой Досси, который работал под руководством Рафаэля. Художник известен не столько своим натурализмом и вниманием к дизайну, сколько загадочными символическими замыслами в произведениях искусства на мифологические темы. Манера исполнения его портретов сродни венецианскому искусству того времени.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК ЭПОХИ ПОЗДНЕГО ВОЗРОЖДЕНИЯ ДОССО ДОССИ / DOSSO DOSSI (1489-1542). ФЕРРАРСКАЯ ШКОЛА, ЧАСТЬ I
14-03-2024 22:08
Джузеппе Макферсон (1726-1780). Портрет Доссо Досси. 1772-1780 гг. Слоновая кость, акварель. 7 х 5,5 см.
Британская королевская коллекция, Лондон.
Доссо Досси (1489-1542) – художник и гравер позднего итальянского Возрождения, основатель Феррарской школы живописи. Сын Николо де Лутеро, управляющего герцога Эрколе I. Первая картина, за которую художник получил плату, упоминается в 1512 году. Современник художника поэт Лодовико Дольче в своем «Диалоге о живописи» (1557) указывает, что Досси долгое время жил в Венеции. В 1517 году состоял на службе у герцога Альфонсо I во Флоренции. Будучи в 1518 году в Венеции, подружился с Тицианом и вместе с ним совершил в 1519 году поездку в Мантую для знакомства с тамошними произведениями искусства. В 1523-м работает в Ферраре по заказам Изабеллы д’Эсте, в частности, пишет вид города. В 1532–1533 годах работает в Триесте. Ариосто в поэме «Неистовый Роланд» отмечает Досси и его брата Батисту, как блестящих живописцев. Досси получил прозвище «Ариосто в живописи».
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Джузеппе Макферсон (1726-1780). Портрет Доссо Досси. 1772-1780 гг. Слоновая кость, акварель. 7 х 5,5 см.
Британская королевская коллекция, Лондон.
Доссо Досси (1489-1542) – художник и гравер позднего итальянского Возрождения, основатель Феррарской школы живописи. Сын Николо де Лутеро, управляющего герцога Эрколе I. Первая картина, за которую художник получил плату, упоминается в 1512 году. Современник художника поэт Лодовико Дольче в своем «Диалоге о живописи» (1557) указывает, что Досси долгое время жил в Венеции. В 1517 году состоял на службе у герцога Альфонсо I во Флоренции. Будучи в 1518 году в Венеции, подружился с Тицианом и вместе с ним совершил в 1519 году поездку в Мантую для знакомства с тамошними произведениями искусства. В 1523-м работает в Ферраре по заказам Изабеллы д’Эсте, в частности, пишет вид города. В 1532–1533 годах работает в Триесте. Ариосто в поэме «Неистовый Роланд» отмечает Досси и его брата Батисту, как блестящих живописцев. Досси получил прозвище «Ариосто в живописи».
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ЭЛИЙ МИХАЙЛОВИЧ БЕЛЮТИН (1925-2012), ЧАСТЬ II
09-03-2024 19:50
Элий Белютин за работой в Абрамцево. Год неизвестен.
Творческий диапазон Элия Белютина (1925-2012) необычайно широк: он не ограничивается только живописью и графикой. Создав для системы обучения «теорию всеобщей контактности», где искусство трактуется как средство духовной компенсации в конфликте человека с окружающей средой, он издает в 1991 г. одноименную книгу. Кроме того, он - автор учебных пособий по рисунку и живописи. Защитил диссертацию по деятельности П.П. Чистякова, вместе с женой организовал выставку «Чистяков и его ученики». Также вместе они работали над изучением и систематизацией истории педагогической системы русской Академии художеств. Ими совместно и по отдельности было написано около 400 публикаций – статьи и романы, трактаты и переводы, монографии и биографии, искусство России и Запада.
Элий Михайлович Белютин прожил яркую жизнь. В 86 лет в 2012 г. ушел из жизни художник, на долю которого выпало много испытаний, но он не сошел с избранного пути и обрел широкую известность за пределами страны. Выставки Мастера проходили во многих странах мира, его произведения находятся в 74 региональных музеях РФ и 34 зарубежных музеях. В родной стране признание наконец пришло к художнику в постперестроечное время, президент России Владимир Путин наградил его в 2001 году Орденом Почета.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Элий Белютин за работой в Абрамцево. Год неизвестен.
Творческий диапазон Элия Белютина (1925-2012) необычайно широк: он не ограничивается только живописью и графикой. Создав для системы обучения «теорию всеобщей контактности», где искусство трактуется как средство духовной компенсации в конфликте человека с окружающей средой, он издает в 1991 г. одноименную книгу. Кроме того, он - автор учебных пособий по рисунку и живописи. Защитил диссертацию по деятельности П.П. Чистякова, вместе с женой организовал выставку «Чистяков и его ученики». Также вместе они работали над изучением и систематизацией истории педагогической системы русской Академии художеств. Ими совместно и по отдельности было написано около 400 публикаций – статьи и романы, трактаты и переводы, монографии и биографии, искусство России и Запада.
Элий Михайлович Белютин прожил яркую жизнь. В 86 лет в 2012 г. ушел из жизни художник, на долю которого выпало много испытаний, но он не сошел с избранного пути и обрел широкую известность за пределами страны. Выставки Мастера проходили во многих странах мира, его произведения находятся в 74 региональных музеях РФ и 34 зарубежных музеях. В родной стране признание наконец пришло к художнику в постперестроечное время, президент России Владимир Путин наградил его в 2001 году Орденом Почета.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ЭЛИЙ МИХАЙЛОВИЧ БЕЛЮТИН (1925-2012), ЧАСТЬ I
06-03-2024 19:15
Элий Михайлович Белютин. Фотография 1960-е гг.
Элий Михайлович Белютин (1925-2012) – советский и российский художник, скульптор и теоретик искусства, один из лидеров неофициального искусства. Высшее художественное образование получил в Московском художественном институте (1942–1947), его преподавателями были А.В. Лентулов, П.В. Кузнецов, Л.А. Бруни. Затем занимался в аспирантуре на кафедре живописи и рисунка Московского педагогического института, с 1950 г. преподавал в различных учебных заведениях и студиях. С 1954 г. руководил Экспериментальной студией живописи и графики «Новая реальность», созданной при городском объединении художников графики и книги. В ноябре 1962 г. принял участие в организации в Манеже выставки, посвященной тридцатилетию Московского отделения Союза художников СССР. 1 декабря 1962 г. эту выставку посетил Н.С. Хрущев, который возмутился произведениями авангардистского толка. Этот скандал сделал Э.М. Белютина известным, его картины стали экспонироваться за рубежом. В дальнейшем вел частную студию, где учил принципам «новой реальности» - умению обобщать натурные формы, сохраняя их в абстракции. В 1970 г. избран членом Итальянской академии современного искусства.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Элий Михайлович Белютин. Фотография 1960-е гг.
Элий Михайлович Белютин (1925-2012) – советский и российский художник, скульптор и теоретик искусства, один из лидеров неофициального искусства. Высшее художественное образование получил в Московском художественном институте (1942–1947), его преподавателями были А.В. Лентулов, П.В. Кузнецов, Л.А. Бруни. Затем занимался в аспирантуре на кафедре живописи и рисунка Московского педагогического института, с 1950 г. преподавал в различных учебных заведениях и студиях. С 1954 г. руководил Экспериментальной студией живописи и графики «Новая реальность», созданной при городском объединении художников графики и книги. В ноябре 1962 г. принял участие в организации в Манеже выставки, посвященной тридцатилетию Московского отделения Союза художников СССР. 1 декабря 1962 г. эту выставку посетил Н.С. Хрущев, который возмутился произведениями авангардистского толка. Этот скандал сделал Э.М. Белютина известным, его картины стали экспонироваться за рубежом. В дальнейшем вел частную студию, где учил принципам «новой реальности» - умению обобщать натурные формы, сохраняя их в абстракции. В 1970 г. избран членом Итальянской академии современного искусства.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК БАРОККО ПЬЕТРО ДА КОРТОНА / PIETRO DA CORTONA (1596-1669). РИМСКАЯ ШКОЛА, ЧАСТЬ II
03-03-2024 19:20
Пьетро да Кортона (1596-1669). Автопортрет. 1637 г. Холст, масло. 77 х 55 см.
Музей Феша, Аяччо на Корсике.
Пьетро да Кортона (1596-1669) - итальянский художник, архитектор, декоратор и дизайнер, выдающийся представитель стиля барокко. Он разработал строгий стиль, который идеально подходил для прославления Церкви и выдающихся меценатов. Кортона написал ряд грандиозных фресок для высокопоставленных лиц в Риме и Флоренции, а также алтари, исторические картины, проекты гробниц и другие проекты. Он родился в Кортоне, где первоначально обучался у своего отца, каменщика, и Андреа Коммоди, прежде чем переехать в Рим примерно в 1612 году. Он работал на семью Саккетти, затем папа Урбан VIII (Маффео Барберини) поручил ему написать фрески в церкви Санта-Бибиана в Риме (1624-1626). Он написал «Аллегорию Божественного Провидения» для потолка Палаццо Барберини, начатую в 1633 году, но прерванную, когда Кортоне пришлось уехать во Флоренцию, чтобы выполнить работу для великого герцога Фердинанда Медичи во дворце Питти. Пьетро да Кортона умер от подагры 16 мая 1669 года в Риме в возрасте 72 лет.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Пьетро да Кортона (1596-1669). Автопортрет. 1637 г. Холст, масло. 77 х 55 см.
Музей Феша, Аяччо на Корсике.
Пьетро да Кортона (1596-1669) - итальянский художник, архитектор, декоратор и дизайнер, выдающийся представитель стиля барокко. Он разработал строгий стиль, который идеально подходил для прославления Церкви и выдающихся меценатов. Кортона написал ряд грандиозных фресок для высокопоставленных лиц в Риме и Флоренции, а также алтари, исторические картины, проекты гробниц и другие проекты. Он родился в Кортоне, где первоначально обучался у своего отца, каменщика, и Андреа Коммоди, прежде чем переехать в Рим примерно в 1612 году. Он работал на семью Саккетти, затем папа Урбан VIII (Маффео Барберини) поручил ему написать фрески в церкви Санта-Бибиана в Риме (1624-1626). Он написал «Аллегорию Божественного Провидения» для потолка Палаццо Барберини, начатую в 1633 году, но прерванную, когда Кортоне пришлось уехать во Флоренцию, чтобы выполнить работу для великого герцога Фердинанда Медичи во дворце Питти. Пьетро да Кортона умер от подагры 16 мая 1669 года в Риме в возрасте 72 лет.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК БАРОККО ПЬЕТРО ДА КОРТОНА / PIETRO DA CORTONA (1596-1669). РИМСКАЯ ШКОЛА, ЧАСТЬ I
01-03-2024 20:24
Джузеппе Макферсон (Ок.1726-1780). Портрет Пьетро да Кортона (1596-1669). 1772-1780 гг.
Слоновая кость, акварель. 6,5 х 5,2 см Королевская коллекция, Лондон.
Пьетро да Кортона (1596-1669) - выдающийся итальянский живописец-декоратор, рисовальщик, архитектор и теоретик искусства XVII века. Один из самых ярких мастеров эпохи барокко. Наряду с Джан Лоренцо Бернини и Франческо Борромини он был одним из интерпретаторов римского барокко в архитектуре, создателем фресковых ансамблей во дворцах Рима и Флоренции. «Его монументальные циклы росписей, алтарные образы для церквей, станковые живописные работы отличаются высоким уровнем выполнения и истинным вдохновением». Пьетро учился в Риме примерно с 1612 года у второстепенных флорентийских художников Андреа Коммоди и Баччо Чиарпи и находился под влиянием античной скульптуры и работ Рафаэля.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Джузеппе Макферсон (Ок.1726-1780). Портрет Пьетро да Кортона (1596-1669). 1772-1780 гг.
Слоновая кость, акварель. 6,5 х 5,2 см Королевская коллекция, Лондон.
Пьетро да Кортона (1596-1669) - выдающийся итальянский живописец-декоратор, рисовальщик, архитектор и теоретик искусства XVII века. Один из самых ярких мастеров эпохи барокко. Наряду с Джан Лоренцо Бернини и Франческо Борромини он был одним из интерпретаторов римского барокко в архитектуре, создателем фресковых ансамблей во дворцах Рима и Флоренции. «Его монументальные циклы росписей, алтарные образы для церквей, станковые живописные работы отличаются высоким уровнем выполнения и истинным вдохновением». Пьетро учился в Риме примерно с 1612 года у второстепенных флорентийских художников Андреа Коммоди и Баччо Чиарпи и находился под влиянием античной скульптуры и работ Рафаэля.
АМАЗОНКА ВТОРОГО РУССКОГО АВАНГАРДА ХУДОЖНИЦА-НОНКОНФОРМИСТКА ЛИДИЯ АЛЕКСЕЕВНА МАСТЕРКОВА (1927-2008), ЧАСТЬ II
26-02-2024 19:45
Все мы, начиная с 24 февраля 2022 года, оказались перед лицом наступающего варварства, насилия и лжи. В этой ситуации чрезвычайно важно сохранить хотя бы остатки культуры и поддержать ценности гуманизма - в том числе ради будущего России.
На фоне художников-концептуалистов, прекрасно вписавшихся в западную культурную индустрию, Лидия Мастеркова кажется аутсайдером среди аутсайдеров — имя ее нечасто возникает в разговорах о советском неофициальном искусстве. Одни художники неофициального направления в советском искусстве, как Оскар Рабин, называли Лидию Мастеркову знаковой фигурой; другие, как Михаил Гробман, – амазонкой второго русского авангарда. Действительно, Мастеркова была единственной художницей, кто еще в конце 1950-х годов обратился к абстракции и остался верен ей до конца своих дней. Лидия Мастеркова умерла 12 мая 2008 года на 82-м году жизни в городке Сен-Лоран-сюр-Отен в 300-х километрах от Парижа, где и похоронена.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Все мы, начиная с 24 февраля 2022 года, оказались перед лицом наступающего варварства, насилия и лжи. В этой ситуации чрезвычайно важно сохранить хотя бы остатки культуры и поддержать ценности гуманизма - в том числе ради будущего России.
На фоне художников-концептуалистов, прекрасно вписавшихся в западную культурную индустрию, Лидия Мастеркова кажется аутсайдером среди аутсайдеров — имя ее нечасто возникает в разговорах о советском неофициальном искусстве. Одни художники неофициального направления в советском искусстве, как Оскар Рабин, называли Лидию Мастеркову знаковой фигурой; другие, как Михаил Гробман, – амазонкой второго русского авангарда. Действительно, Мастеркова была единственной художницей, кто еще в конце 1950-х годов обратился к абстракции и остался верен ей до конца своих дней. Лидия Мастеркова умерла 12 мая 2008 года на 82-м году жизни в городке Сен-Лоран-сюр-Отен в 300-х километрах от Парижа, где и похоронена.
ГОБЕЛЕНЫ ХУДОЖНИКА-МАНЬЕРИСТА ИТАЛЬЯНСКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ АНЬОЛО БРОНЗИНО / AGNOLO BRONZINO (1503-1572)
24-02-2024 19:24
Гобелен «Правосудие, освобождающее невинность», основанный на рисунке Аньоло Бронзино и сотканный Яном Ростом, изображает Невинность, женскую фигуру в нижнем центре, окруженную Вероломством, яростью, завистью и алчностью. 1550 г. Ткань. 242 х 172 см. Палаццо Веккьо, Флоренция.
В 1539 году Аньоло Бронзино, вернувшись на родину во Флоренцию, и оказавшись привлеченным к созданию декораций по случаю бракосочетания Козимо I и Элеоноры Толедской, становится любимым придворным художником, отчасти и благодаря своим литературным талантам. Блестящий интерпретатор холодного и строгого этикета, царившего при дворе великого герцога, Бронзино - одна из отправных точек в развитии европейского маньеризма: его композиция «Положение во гроб» была отправлена Козимо I-м кардиналу Гранвелле, могущественному министру короля Франции Карла V. Параллельно с портретами художник создает росписи на виллах, украшает личные апартаменты в Палаццо Веккьо (капелла Элеоноры Толедской, 1543) и заканчивает многочисленные картоны для ковровых мануфактур.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Гобелен «Правосудие, освобождающее невинность», основанный на рисунке Аньоло Бронзино и сотканный Яном Ростом, изображает Невинность, женскую фигуру в нижнем центре, окруженную Вероломством, яростью, завистью и алчностью. 1550 г. Ткань. 242 х 172 см. Палаццо Веккьо, Флоренция.
В 1539 году Аньоло Бронзино, вернувшись на родину во Флоренцию, и оказавшись привлеченным к созданию декораций по случаю бракосочетания Козимо I и Элеоноры Толедской, становится любимым придворным художником, отчасти и благодаря своим литературным талантам. Блестящий интерпретатор холодного и строгого этикета, царившего при дворе великого герцога, Бронзино - одна из отправных точек в развитии европейского маньеризма: его композиция «Положение во гроб» была отправлена Козимо I-м кардиналу Гранвелле, могущественному министру короля Франции Карла V. Параллельно с портретами художник создает росписи на виллах, украшает личные апартаменты в Палаццо Веккьо (капелла Элеоноры Толедской, 1543) и заканчивает многочисленные картоны для ковровых мануфактур.
АМАЗОНКА ВТОРОГО РУССКОГО АВАНГАРДА ХУДОЖНИЦА-НОНКОНФОРМИСТКА ЛИДИЯ АЛЕКСЕЕВНА МАСТЕРКОВА (1927-2008), ЧАСТЬ I
22-02-2024 23:00
Лидия Алексеевна Мастеркова. Фото Анатолия Брусиловского, 1970 г.
Лидия Алексеевна Мастеркова (1927-2008) - амазонка второго русского авангарда. Русская художница-нонконформистка из «Лианозовского круга». Училась в Московской средней художественной школе в 1940-1941 годах, в Московской детской художественной школе в 1943-1946 годах, в Московском городском художественном училище памяти 1905 года в 1946–1950 годах. С середины 1950-х годов входила в Лианозовскую группу. Мастеркова писала в стиле метафизической абстракции, наделяя геометрические формы сакральным значением. Также в своих композициях она использовала технику коллажа, включая в живопись кружево, парчу и старинные ткани. Участвовала в легендарной «Бульдозерной выставке», после разгрома которой в 1975 году эмигрировала во Францию.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Лидия Алексеевна Мастеркова. Фото Анатолия Брусиловского, 1970 г.
Лидия Алексеевна Мастеркова (1927-2008) - амазонка второго русского авангарда. Русская художница-нонконформистка из «Лианозовского круга». Училась в Московской средней художественной школе в 1940-1941 годах, в Московской детской художественной школе в 1943-1946 годах, в Московском городском художественном училище памяти 1905 года в 1946–1950 годах. С середины 1950-х годов входила в Лианозовскую группу. Мастеркова писала в стиле метафизической абстракции, наделяя геометрические формы сакральным значением. Также в своих композициях она использовала технику коллажа, включая в живопись кружево, парчу и старинные ткани. Участвовала в легендарной «Бульдозерной выставке», после разгрома которой в 1975 году эмигрировала во Францию.
СОВЕТСКИЙ ХУДОЖНИК-НОНКОНФОРМИСТ ВЛАДИМИР НИКОЛАЕВИЧ НЕМУХИН (1925-2016). «НЕМУХИНСКИЕ МОНОЛОГИ», ДОКУМЕНТАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ
19-02-2024 12:02
Документальный сериал (Россия, 2014). 4 части.
Режиссер: Александр Шаталов.
Фильм-монолог советского российского художника Владимира Немухина, который стал классиком второй волны русского авангарда. Его роль трудно переоценить, потому что сегодня, пожалуй, только Немухин может нарисовать картину творческой жизни тех лет. Следуя за художником в его воспоминаниях, зрители станут участниками ключевых процессов в послевоенном неофициальном искусстве, где отправными точками были «нонконформизм», «лианозовская группа» и «бульдозерная выставка».
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Документальный сериал (Россия, 2014). 4 части.
Режиссер: Александр Шаталов.
Фильм-монолог советского российского художника Владимира Немухина, который стал классиком второй волны русского авангарда. Его роль трудно переоценить, потому что сегодня, пожалуй, только Немухин может нарисовать картину творческой жизни тех лет. Следуя за художником в его воспоминаниях, зрители станут участниками ключевых процессов в послевоенном неофициальном искусстве, где отправными точками были «нонконформизм», «лианозовская группа» и «бульдозерная выставка».