Таинственное – одних манит, других пугает, но вряд ли кого оставит равнодушными. Портрет "Джоконда", кисти Леонардо да Винчи, можно в полной мере причислить к наиболее загадочным произведениям, внимание к которому, особенно, проявилось в наше время. Любознательность – неотъемлемое качество познавательного процесса. Повышенный интерес к портрету «Мона Лиза» достигается именно состоянием неопределённости, лёгкой вуали, отсутствием резких границ и мастерством его исполнения. Еле уловимые переходы из одного состояния в другое: зыбкость, неясность, нечёткость – как если бы это был живой человек в движении, при этом непрерывно, еле заметно, меняющий мимику, настроение и сам облик. Человек – фантом. Нам постоянно что-то мерещится. Издали – это, определённо, взрослая женщина, ещё ближе – это уже миловидное, юное лицо, если ещё внимательней всматриваться, то можно обнаружить мужские и старческие черты. Одно изображение вместило в себя образы нескольких человек. Взгляд зрителя постоянно в движении, нет ключевых точек задержки внимания, явных, за которые смог бы зацепиться разум. Практически вся картина – сплошная неопределённость. Пейзаж обобщён и глобален горы, море, река, дорога, мост и ни одного животного или птицы. И даже линия горизонта имеет лёгкий, еле заметный, уклон. Ошибка Леонардо? Сомнительно. Здесь, всё на чуть-чуть.
Любой художник, писатель, кинорежиссёр хочет, что бы его произведения были востребованы, были эстетическим воплощением гармонии и красоты, облагораживали духовно, провозглашали торжество Духа и разума. Но прежде творческое сознание стремиться отразить то, что наиболее важно, что наиболее интересно с точки зрения познания. И это стремление может завести так далеко, что приведёт к огромному разрыву между художником и зрителем. Но гении, поглощённые процессом, вряд ли об этом задумываются, а мы об их замыслах узнаём достаточно поздно. Умение держать человека в состоянии неуловимой тайны, возбуждая непрерывный интерес, разве это ещё и не гениальное воплощение мыслей о продолжении жизни в своих произведениях. Нет определённости, а значит, и воздействие будет оказывать различное: одних приводить в восторг, других разочаровывать, третьих вдохновлять, четвёртых раздражать. Портрет, как чуткий прибор отражает характеры смотрящих на него людей.
Незавершённость или вечность, в которой пребывает душа, постоянно путешествуя, проявляясь в другой форме каждый раз при новом воплощении, наблюдает этот мир и набирается опыта. Разве не это хотел выразить Леонардо да Винчи в своём творении? Картина, спустя много лет привлекает внимание и возбуждает интерес. Вот и сейчас она находится в спокойном состоянии, с лёгкой иронией наблюдает за происходящими событиями. Проходят тысячи, миллионы человек перед ней, отдавая дань уважения таланту художника, пытаются заглянуть в эти глаза, и может быть получить какой-нибудь ответ. И если бы велась статистика всех впечатлений о портрете, мы бы смогли сложить общее мнение и приблизиться к его пониманию. Но наверное, всё-же, должна существовать какая-то тайна, а вместе с ней и надежда её разгадки. Это поддерживает в нас желание к познанию.
Посвящается юбилею двух эпохальных событий.
У Брейгеля просто так не бывает, это становится понятным даже при неглубоком анализе произведений, собранные воедино все случайные фрагменты из реальной жизни гармонизируются в смысловом сюжете картины и составляют единое целое. Цвет, ландшафт, действия людей, растения, животные, постройки – всё это мы наблюдаем повседневно, но в работах Брейгеля каждая деталь несёт свой особый смысл и в целом меняет наше восприятие его произведений. Одним словом, картина становится носительницей другого, неявного смысла.
О чём думал Брейгель, когда создавал своих «Охотников на снегу», были ли это мысли о гармонии мира и человека в нём или же он видел нечто противоположное ей, мешающее и ломающее проявление этой самой гармонии, а может его волновало будущее новых, зарождающихся, отношений в социуме и перспективы их лучшего развития?
Полагаю, что все эти вопросы и многие другие нашли своё отражение в этом произведении. Даже если не вдаваться глубоко в анализ, картина оставляет сильное эстетическое и эмоциональное впечатление. С моей стороны было несколько опрометчиво, в прошлой статье о падении Икара сказать, что с ней более или менее всё понятно. Это далеко не так.
Картина является одной из серии «Времена года» (1565г.) и в значительной степени других привлекает наше внимание. В этой серии картин есть лето, осень, зима, но нет той буйной весны, вселяющей в нас волнующие надежды на радость жизни. Наверное, этому были основания, ибо настоящей радости ещё не наступило; родина Брейгеля Нидерланды находилась в сложных политических и религиозных коллизиях. Прошло почти сорок лет с момента провозглашения Реформации в западных странах, расколовшей католическую церковь на два лагеря - католический и протестантский (лютеранство). Помимо всего прочего страна являлась испанской колонией. Приверженная католичеству, Испания жестоко подавляла проявления раскола в Нидерландах, где в северной её части принимался протестантизм. Идеи Реформация влияли на сознание людей, меняя его и приспосабливая к новым, зарождающимся, буржуазным отношениям. Назревал острый кризис, настраивавший на серьёзные изменения.
Будучи современником происходящих событий, остро ощущавшим унижение от Испанской колониальной политики и всевозможных социальных пороков, Брейгель считал своим нравственным и моральным долгом отстаивать идеи гуманизма, выявляя своим трудом всё то, что способствовало угасанию человечности в обществе. И если итальянские художники эпохи Возрождения направляли своё внимание на красоту и совершенство человека и его тела, на радость жизни, то северных художников в большей степени волновали социальные проявления, из-за чего их произведения не столь оптимистичны. Последние работы Брейгеля, вообще, отмечены трагизмом и страхом за будущее («Слепые» и «Сорока на виселице»). Стоит отметить, что граждане Нидерландов и сам Брейгель находились под постоянным страхом смерти, из-за доносов и сплетен; подобное состояние, в виде символических образов, нашло отражение в его творчестве.
[показать]Рис.1
С точки зрения художественной грамоты, картина «Охотники
В очередной раз захотелось пересмотреть картины Питера Брейгеля (1525-1569), вспомнить его знаменитых охотников на снегу (рис.1). Полотно, которое удивительным образом возвращает к земному. Всё в ней дышит мирскими делами: ожиданиями, заботами, простыми человеческими радостями, тревогами и ощущением жизни. В этом плане Брейгель нашёл универсальную формулу, понятную почти каждому человеку. Сколько любителей и поклонников живописи могут сказать, что «болели» его произведениями; однажды войдя в нашу жизнь, он остаётся в ней навсегда.
Рис.1. "Охотники на снегу, зима" (1565)
В своих работах Брейгель проявил себя как талантливый живописец, философ, гуманист, тонко понимающий время, в котором жил и творил. Остро ощущая несправедливость, пороки, присущие не только отдельным людям, но и общественным отношениям, он оформляет свои мысли на живописных полотнах и даже пытается заглянуть в будущее. Особое место в его творчестве занимают простые люди, в основном крестьяне, к ним художник особенно благодушен, и совершенно осознанно, за что, впоследствии и получил прозвище – «мужицкий».
Но речь пойдёт о другой его картине – «Падение Икара» (рис.2), может не такой популярной, но не менее интересной и достойной внимания. И если с охотниками на снегу более или менее всё понятно, то полотно с падением Икара, вызывает смешанные чувства. Вот и моё внимание привлекло это произведение, совершенно неожиданно, как иногда бывает, а может быть просто подошло время к более глубокому пониманию сюжета картины, талантливо переосмысленным нидерландским художником эпохи Северного Возрождения – Питером Брейгелем Старшим.
Рис.2. "Падение Икара" (1558) https://www.google.com/culturalinstitute/beta/asset/_/6gGkgMwPyiEqUQ
На фоне ирреального вечернего пейзажа с морем, горами, разворачиваются основные события. Точка обзора находится высоко, из-за этого мы смотрим на пейзаж, как-бы, сверху, охватывая всё целиком, возникает ощущение глубины пространства, гармоничности и незыблемости этого огромного мира. Однако, действия человека, часто бывают, противоречивы и дисгармоничны природе. Внутренней композиционной связи, на первый взгляд, между персонажами нет, они фрагментарны, каждый занимается своим делом. Связь начинает
"Случается, увиденная один раз картина захватывает наше воображение, запечатлеваясь в памяти, но ещё долго остаётся непонятой и загадочной. Через некоторое время к ней возвращаешься, потом ещё и ещё, каждый раз открывая что-то новое, интересное. По крупицам складывается общий замысел произведения. Наступает момент, когда старинная работа художника начинает казаться близкой и понятной. Она открывает свои тайны, делится мудростью и красотой, заботливо вложенной в неё душой и рукой мастера". Об одном из таких произведений и пойдёт речь.
Ещё мгновение, минута покоя на ветру,
и другая женщина родит меня.
Д ж е б р а н Х а л и л ь «П р о р о к»
Наверное, каждого художника, как и обычного человека, волновали вопросы: о смысле жизни, о душе, добре и зле, о рождении и смерти. Не оставили в стороне эти размышления и знаменитого германского художника эпохи Возрождения, Альбрехта Дюрера(1471-1528). Его творчество является ярким тому доказательством.
Зарубежные поездки в Италию и Нидерланды, знакомства с учёными, художниками, философами, астрологами, увлечение математикой, геометрией, анатомией служили расширению кругозора Дюрера. Его рисунки становились глубже, проникновенней. Не смотря на то, что в его картинах и гравюрах много сюжетов на религиозную и мифологическую темы, всё большую силу своего таланта он направляет на познание реальной жизни. О чём свидетельствуют многочисленные рисунки природы, растений, животных, а портреты современников являют нам стремление художника не только добиться внешнего сходства, но и раскрыть внутренний мир человека, передать его духовную красоту.
Из всех картин мастера гравюра «Меланхолия» выделяется какой-то необычностью, новизной, прорывом в сферу непознанного, фантастичностью. Это роднит её с величайшим творением флорентийского гения — Леонардо да Винчи, портретом «Мона Лиза» (1503-1519). Гениальность произведения можно определить способностью, притягивать к себе внимание, будоражить умы и сердца на протяжении многих лет и даже столетий.
Гравюра «Меланхолия» остаётся одной из наиболее сложных художественных произведений по