ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: КАСПАР ДАВИД ФРИДРИХ "МЕЧТАТЕЛЬ"
26-10-2019 09:59
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Каспар Давид Фридрих "Руины монастыря Ойбин (Мечтатель)" - . После 1835. Холст, масло. 27 x 21. Государственный Эрмитаж, С-Петербург.
Великий немецкий художник Каспар Давид Фридрих один из лучших представителей романтического направления в живописи. В своих картинах он затрагивал проблему трагического одиночества и затерянности человека в огромном мире. Художник продолжает эту тему и в камерном полотне «Мечтатель».
Его задумчивый герой, сидящий на основании окна готической руины, некогда прекрасного собора, погружен в себя, его одолевают мысли о прошлом и настоящем, о загадочном будущем своей судьбы.
Безымянный мечтатель - своеобразный двойник зрителя, которому Фридрих предлагает мысленно занять его место.
Для живописца священна природа, которую он понимает как носительницу глубоких религиозных переживаний, в его картинах она приобретает символическое значение, через нее он отображает свои глубокие эмоциональные переживания.
Непризнанный при жизни, он оказал влияние на движение английских прерафаэлитов.
Слава пришла к Фридриху в конце XIX века с возникновением символизма.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Каспар Давид Фридрих "Руины монастыря Ойбин (Мечтатель)" - . После 1835. Холст, масло. 27 x 21. Государственный Эрмитаж, С-Петербург.
Великий немецкий художник Каспар Давид Фридрих один из лучших представителей романтического направления в живописи. В своих картинах он затрагивал проблему трагического одиночества и затерянности человека в огромном мире. Художник продолжает эту тему и в камерном полотне «Мечтатель».
Его задумчивый герой, сидящий на основании окна готической руины, некогда прекрасного собора, погружен в себя, его одолевают мысли о прошлом и настоящем, о загадочном будущем своей судьбы.
Безымянный мечтатель - своеобразный двойник зрителя, которому Фридрих предлагает мысленно занять его место.
Для живописца священна природа, которую он понимает как носительницу глубоких религиозных переживаний, в его картинах она приобретает символическое значение, через нее он отображает свои глубокие эмоциональные переживания.
Непризнанный при жизни, он оказал влияние на движение английских прерафаэлитов.
Слава пришла к Фридриху в конце XIX века с возникновением символизма.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ИЛЬЯ РЕПИН "КАКОЙ ПРОСТОР"
25-10-2019 19:50
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Илья Ефимович Репин "Какой простор!", 1903. Холст, масло. 179 x 284,5, Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.
Одна из самых противоречивых работ Ильи Репина – картина «Какой простор!». И противоречие здесь кроется в отношении публике к полотну: художник поддался мимолётному настроению, создав живописный эмоциональный сюжет, а вот критики разразились бранью, обвиняя Репина то в легкомысленном следовании за западным импрессионистами, а то и вовсе усматривали в работе какие-то революционные аллегории.
Общество сетовало – художник, создавший монументальных «Бурлаков», «Ивана Грозного» увлёкся какими-то романтическими свиданиями.
Сын и дочь художника изображены в высоких волнах прибоя. Словно былые, еще не распятые души – олицетворение молодости – представлены на полотне. Веселье и радость жизни, переполняющие молодых людей, вполне соответствуют бушующему энергией состоянию окружающей их природы – могучим волнам прибоя, захлестывающим 2 беззащитные фигуры.
Но они улыбаются, смеются, их не смущают холод воды и непогода. Девушка придерживает шляпку, чтобы ее не унесло ветром и прячет лицо от его порывов, юноша же, напротив, распахнул шинель и стремится навстречу стихии со всей силой молодости.
Чувство победы над страхом, воли, открытой стихии владеет зрителем. Картина написана в «Пенатах», вдали от столицы. Так что версия о предчувствии Репиным общественных движений и реющих над Россией могучих грозовых вихрях отдает приоритет теме радости жизни, ее близости к миру природы, ликованию юности. От картины веет счастьем и теплом, как и от всех репинских портретных полотен, посвященных его семье.
В характерной для художника манере «любви-вражды» он выражает свое отношение к новому поколению.
Мастерски изображена водная стихия – зеленовато-прозрачная на переднем плане, она переходит в сурово-синюю на заднем. Вскидывающая водные брызги и белую пену вода предстает как сила, безудержная и неутомимая. Финский залив и Невские берега вдохновили художника.
Среди шумной бури, раскинувши руки,
Стоит смело парень, кричащий подруге:
«Смотри, что за сила! Простор и свобода!
И даже во гневе прекрасна природа!»…
Не каждый свиданье устроить решится
В тот час и в том месте, где шторму не спится.
Влюбленным же это совсем безразлично,
Там, где они вместе, и место отлично!».
(Н. Алешкова)
Техника живописца здесь очень близка к импрессионистской, однако, такой неровный мазок только способствовал реалистичности воплощения. Мало кто поспорит, что в изображении моря Репин вполне достоин самого известного мариниста Айвазовского. Фактура, характер, динамика – стихия очень эмоциональна и правдива. Тем сильнее впечатление от реакции на неё смелых молодых людей.
Черту всем пересудам по поводу скрытых смыслов картины подвёл критик Стасов, который увидел в работе могучую силу русской молодёжи, готовой противостоять и встречать с улыбкой все невзгоды и возможные беды.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Илья Ефимович Репин "Какой простор!", 1903. Холст, масло. 179 x 284,5, Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.
Одна из самых противоречивых работ Ильи Репина – картина «Какой простор!». И противоречие здесь кроется в отношении публике к полотну: художник поддался мимолётному настроению, создав живописный эмоциональный сюжет, а вот критики разразились бранью, обвиняя Репина то в легкомысленном следовании за западным импрессионистами, а то и вовсе усматривали в работе какие-то революционные аллегории.
Общество сетовало – художник, создавший монументальных «Бурлаков», «Ивана Грозного» увлёкся какими-то романтическими свиданиями.
Сын и дочь художника изображены в высоких волнах прибоя. Словно былые, еще не распятые души – олицетворение молодости – представлены на полотне. Веселье и радость жизни, переполняющие молодых людей, вполне соответствуют бушующему энергией состоянию окружающей их природы – могучим волнам прибоя, захлестывающим 2 беззащитные фигуры.
Но они улыбаются, смеются, их не смущают холод воды и непогода. Девушка придерживает шляпку, чтобы ее не унесло ветром и прячет лицо от его порывов, юноша же, напротив, распахнул шинель и стремится навстречу стихии со всей силой молодости.
Чувство победы над страхом, воли, открытой стихии владеет зрителем. Картина написана в «Пенатах», вдали от столицы. Так что версия о предчувствии Репиным общественных движений и реющих над Россией могучих грозовых вихрях отдает приоритет теме радости жизни, ее близости к миру природы, ликованию юности. От картины веет счастьем и теплом, как и от всех репинских портретных полотен, посвященных его семье.
В характерной для художника манере «любви-вражды» он выражает свое отношение к новому поколению.
Мастерски изображена водная стихия – зеленовато-прозрачная на переднем плане, она переходит в сурово-синюю на заднем. Вскидывающая водные брызги и белую пену вода предстает как сила, безудержная и неутомимая. Финский залив и Невские берега вдохновили художника.
Среди шумной бури, раскинувши руки,
Стоит смело парень, кричащий подруге:
«Смотри, что за сила! Простор и свобода!
И даже во гневе прекрасна природа!»…
Не каждый свиданье устроить решится
В тот час и в том месте, где шторму не спится.
Влюбленным же это совсем безразлично,
Там, где они вместе, и место отлично!».
(Н. Алешкова)
Техника живописца здесь очень близка к импрессионистской, однако, такой неровный мазок только способствовал реалистичности воплощения. Мало кто поспорит, что в изображении моря Репин вполне достоин самого известного мариниста Айвазовского. Фактура, характер, динамика – стихия очень эмоциональна и правдива. Тем сильнее впечатление от реакции на неё смелых молодых людей.
Черту всем пересудам по поводу скрытых смыслов картины подвёл критик Стасов, который увидел в работе могучую силу русской молодёжи, готовой противостоять и встречать с улыбкой все невзгоды и возможные беды.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
«МАЛЬЧИК В ПЛАЩЕ И ТЮРБАНЕ» ЯН ЛИВЕНС (ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА)
25-10-2019 19:48
Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение
ДАЛЕЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение
«Мальчик в плаще и тюрбане» Ян Ливенс (история одного шедевра)
В XVII веке в Голландии одновременно работали два мастера – Ян Ливенс и Рембрандт Харменс ван Рейн. Они не просто отлично знали друг друга – они учились у одного мастера, затем делили мастерскую, писали друг друга и были большими друзьями. И хотя затем пути их разошлись, оба они пережили периоды абсолютного благополучия и умерли в нищете.
С годами тень Рембрандта на творчестве Ливенса становилась все масштабнее. Это потянуло за собой проблему атрибуции. В итоге вопрос наследия Ливенса все еще открыт: часть его работ ушла с аукционов под именем Рембрандта, авторство еще части остается под вопросом.
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ВАСИЛИЙ СУРИКОВ "ВЕЧЕР В ПЕТЕРБУРГЕ"
25-10-2019 19:47
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Суриков "Вечер в Петербурге" 1871. Бумага, акварель. 13 x 22 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Легкая акварельная воздушность картины идеально соответствует изображенному времени суток. Благодаря технике письма тени кажутся прозрачными, как это бывает прохладными вечерами, а контуры предметов и очертания фигур — мягко размытыми, несколько бесформенными, словно сглаженными потоком холодного влажного петербургского воздуха.
Объем и особое ощущение прохлады подчеркивает слабое, бледное сияние ослепительно белой полной луны и пронзительный искусственный свет фонарей вдоль проспекта.
Голые деревья и расплывающиеся в тени контуры зданий слабо читаются на заднем плане, выделяясь лишь узнаваемым контуром массивного купола с башенкой Исаакиевского собора.
По заснеженной дороге резво бежит гнедая лошадка, запряженная в легкие санки. В них сидит пассажир, укрытый медвежьей полостью, а правит санками возница в приталенном кафтане. Вдоль стенки скользит барышня в алой юбке, сливающаяся с собственной прозрачной тенью.
А вот ближайшая к зрителю часть полотна отображает представителей совсем другого класса — рабочего. Возле прилавка с горящим подвесным фонарем собрались простые люди — дворник в белом фартуке, двое несчастных нищих и мальчишка-попрошайка. Их фигуры выполнены в невнятной коричневато-серой гамме и четко дистанцированы от других представителей тогдашнего общества. Другие герои картины окрашены более яркими и свежими красками, расположены как бы по другую сторону улицы, подальше от простолюдинов.
Прозрачность красок картины помогает передать звенящую чистоту, глубину холодного зимнего воздуха, особые краски вечера и яркость света — природного и искусственного. Эта жанровая картина словно привет от давно исчезнувшей в потоке времени жизни, воспоминание одного человека, запечатленное легкими акварельными мазками.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Суриков "Вечер в Петербурге" 1871. Бумага, акварель. 13 x 22 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Легкая акварельная воздушность картины идеально соответствует изображенному времени суток. Благодаря технике письма тени кажутся прозрачными, как это бывает прохладными вечерами, а контуры предметов и очертания фигур — мягко размытыми, несколько бесформенными, словно сглаженными потоком холодного влажного петербургского воздуха.
Объем и особое ощущение прохлады подчеркивает слабое, бледное сияние ослепительно белой полной луны и пронзительный искусственный свет фонарей вдоль проспекта.
Голые деревья и расплывающиеся в тени контуры зданий слабо читаются на заднем плане, выделяясь лишь узнаваемым контуром массивного купола с башенкой Исаакиевского собора.
По заснеженной дороге резво бежит гнедая лошадка, запряженная в легкие санки. В них сидит пассажир, укрытый медвежьей полостью, а правит санками возница в приталенном кафтане. Вдоль стенки скользит барышня в алой юбке, сливающаяся с собственной прозрачной тенью.
А вот ближайшая к зрителю часть полотна отображает представителей совсем другого класса — рабочего. Возле прилавка с горящим подвесным фонарем собрались простые люди — дворник в белом фартуке, двое несчастных нищих и мальчишка-попрошайка. Их фигуры выполнены в невнятной коричневато-серой гамме и четко дистанцированы от других представителей тогдашнего общества. Другие герои картины окрашены более яркими и свежими красками, расположены как бы по другую сторону улицы, подальше от простолюдинов.
Прозрачность красок картины помогает передать звенящую чистоту, глубину холодного зимнего воздуха, особые краски вечера и яркость света — природного и искусственного. Эта жанровая картина словно привет от давно исчезнувшей в потоке времени жизни, воспоминание одного человека, запечатленное легкими акварельными мазками.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
«АЛЖИРСКИЕ ЖЕНЩИНЫ» ПАБЛО ПИКАССО (ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА)
25-10-2019 19:46
Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение
ДАЛЕЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение
«Алжирские женщины» Пабло Пикассо (история одного шедевра)
8 апреля 1973 года скончался один из самых плодовитых, влиятельных и дорогих художников из когда-либо существовавших. Имя ему — Пабло Пикассо. О себе он говорил так: «Хочу жить бедно, но с кучей денег в кармане». И последнее ему вполне удавалось. За его картины и при жизни, и сегодня отдают миллионы долларов. Снежана Петрова расскажет об одном из самых дорогих полотен современности — «Алжирские женщины» Пикассо.
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ОРЕСТ КИПРЕНСКИЙ "МОЛОДОЙ САДОВНИК"
25-10-2019 19:42
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Орест Адамович Кипренский "Молодой садовник" - 1817. Холст, масло. 62 х 49,5 см, Государственный Русский музей, С-Петербург
В этой картине художнику удалось в полной мере проявить свой талант виртуозного портретиста. Изображение мальчика очень реалистичное, объемное и яркое. У него в руках инструмент для обрезки растений и сбора винограда. Очевидно, в жаркий день он утомился от работы и решил немного передохнуть, облокотившись на невысокую стенку из дикого камня, полуразрушенную и поросшую мелкими цветущими растениями. У него очень красивые темные глаза и густые волосы, а юношеская нежность его кожи прекрасно передана мастером.
Юный возраст модели чувствуется и по его рукам. Они все еще красивой формы, без мозолей, не загрубевшие, тяжелый труд еще не сказался на их состоянии. Столь же виртуозно, как и внешность садовника, передана и фактура его одежды. Светлая рубашка из простого полотна не кажется грубой, потому что складки на закатанных рукавах выглядят мягкими, хорошо драпирующимися.
Благодаря нежному и неяркому колориту и особой нежности изображения картина производит впечатление очень камерного, лирического изображения, радующего глаз каждого зрителя. Не зря это полотно, написанное в Италии и впервые показанное в Петербурге, оказало огромное влияние на современников художника.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Орест Адамович Кипренский "Молодой садовник" - 1817. Холст, масло. 62 х 49,5 см, Государственный Русский музей, С-Петербург
В этой картине художнику удалось в полной мере проявить свой талант виртуозного портретиста. Изображение мальчика очень реалистичное, объемное и яркое. У него в руках инструмент для обрезки растений и сбора винограда. Очевидно, в жаркий день он утомился от работы и решил немного передохнуть, облокотившись на невысокую стенку из дикого камня, полуразрушенную и поросшую мелкими цветущими растениями. У него очень красивые темные глаза и густые волосы, а юношеская нежность его кожи прекрасно передана мастером.
Юный возраст модели чувствуется и по его рукам. Они все еще красивой формы, без мозолей, не загрубевшие, тяжелый труд еще не сказался на их состоянии. Столь же виртуозно, как и внешность садовника, передана и фактура его одежды. Светлая рубашка из простого полотна не кажется грубой, потому что складки на закатанных рукавах выглядят мягкими, хорошо драпирующимися.
Благодаря нежному и неяркому колориту и особой нежности изображения картина производит впечатление очень камерного, лирического изображения, радующего глаз каждого зрителя. Не зря это полотно, написанное в Италии и впервые показанное в Петербурге, оказало огромное влияние на современников художника.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: КОНСТАНТИН САВИЦКИЙ "ОТЕЦ"
25-10-2019 19:41
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Константин Савицкий "Отец" - . 1896. Холст, масло., Таганрогский художественный музей
Одним из самых проникновенных произведений Константина Савицкого является картина «Отец», которая была закончена мастером в 1896 году. Чаще мы видим рядом с больным ребёнком страдающую мать, а здесь главным героем становится отец. Взволнованный, отчаявшийся, с упрямым намерением вымолить у Господа больного ребёнка.
Второе название полотна – «С больным ребёнком перед чудотворной иконой». Оба названия, и лаконичное однословное, и развёрнутое, являются очень глубокими по своему содержанию.
В простое одеялко, собранное из пёстрых лоскутков, обёрнут ребёнок, который спит. Лицо его спокойно, но со следами усталости – малютка борется с болезнью. Это уже не месячный малыш, так что родители уже успели увидеть его первую улыбку, услышать первые звуки, всем сердцем привязаться. На руках больного ребёнка держит отец. Это небогатый, простой мужчина, скорее всего, крестьянин или мастеровой. Возможно, он не один километр прошёл к чудодейственной иконе, чтобы попросить у святого образа исцелить свою кровинку.
Смысловым и кульминационным центром полотна является не сам ребёнок, а глаза отца. Сколько разных эмоций смог передать Савицкий в этом взгляде. Тут и исступленная боль отчаяния, и трагическое предчувствие, и искренняя мольба, устремлённая к невидимой зрителю иконе, и упорство пополам с упрямством, не отдать смерти малыша, и едва осязаемая надежда, и огромная неисчерпаемая усталость. Эти глаза производят колоссальное впечатление! Зритель невольно скорбит вместе с неутешным родителем и надеется, что несмотря на большую детскую смертность и ограниченность медицинской помощи в те времена, этот малыш справится с болезнью.
Через шесть лет после написания, Савицкий подарил картину родному Таганрогу, городу своего безмятежного детства, где был он так счастлив, пока смерть одного за другим не забрала его родителей, оставив его сиротой.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Константин Савицкий "Отец" - . 1896. Холст, масло., Таганрогский художественный музей
Одним из самых проникновенных произведений Константина Савицкого является картина «Отец», которая была закончена мастером в 1896 году. Чаще мы видим рядом с больным ребёнком страдающую мать, а здесь главным героем становится отец. Взволнованный, отчаявшийся, с упрямым намерением вымолить у Господа больного ребёнка.
Второе название полотна – «С больным ребёнком перед чудотворной иконой». Оба названия, и лаконичное однословное, и развёрнутое, являются очень глубокими по своему содержанию.
В простое одеялко, собранное из пёстрых лоскутков, обёрнут ребёнок, который спит. Лицо его спокойно, но со следами усталости – малютка борется с болезнью. Это уже не месячный малыш, так что родители уже успели увидеть его первую улыбку, услышать первые звуки, всем сердцем привязаться. На руках больного ребёнка держит отец. Это небогатый, простой мужчина, скорее всего, крестьянин или мастеровой. Возможно, он не один километр прошёл к чудодейственной иконе, чтобы попросить у святого образа исцелить свою кровинку.
Смысловым и кульминационным центром полотна является не сам ребёнок, а глаза отца. Сколько разных эмоций смог передать Савицкий в этом взгляде. Тут и исступленная боль отчаяния, и трагическое предчувствие, и искренняя мольба, устремлённая к невидимой зрителю иконе, и упорство пополам с упрямством, не отдать смерти малыша, и едва осязаемая надежда, и огромная неисчерпаемая усталость. Эти глаза производят колоссальное впечатление! Зритель невольно скорбит вместе с неутешным родителем и надеется, что несмотря на большую детскую смертность и ограниченность медицинской помощи в те времена, этот малыш справится с болезнью.
Через шесть лет после написания, Савицкий подарил картину родному Таганрогу, городу своего безмятежного детства, где был он так счастлив, пока смерть одного за другим не забрала его родителей, оставив его сиротой.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ВАСИЛИЙ ПОЛЕНОВ "ЗАРОСШИЙ ПРУД"
25-10-2019 13:52
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Поленов. "Заросший пруд" - 1879. Холст, масло. 77x121,8 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Быстротечность времени и грусть по ушедшему – вот основные лейтмотивы картины «Заросший пруд» Василия Поленова. Если определять жанр данной работы, то поэтический шедевр можно отнести к «повествовательному пейзажу», и создан он был как сумма нескольких впечатлений автора.
В 1877 году Поленов летом жил в деревне Петрушки недалеко от Киева, и там мастер создал небольшой этюд, который впоследствии послужит основой картины.
Целый год живописец не вспоминал о написанной работе, а после Поленов переехал с Арбата на московскую окраину, в Хамовники. Живописная местность поразила чуткого мастера и особенно прелесть старого сада. В конце концов, новые впечатления наслоились на давнишний этюд, привнеся особое настроение, и вылились в совершенно необыкновенную работу – «Заросший пруд».
В этой картине художник выступил как тонкий колорист. Вся прелесть данной работы лежит в филигранном обыгрывании градации одного и того же цвета, в мельчайшей нюансировке, тоновых вариациях. Замечательно изображён старый мостик – он вытоптан до белизны досок и это придаёт сюжету ностальгичность: когда-то пруд имел совсем другой вид и сотни ног стерли мостки на его берегу. А сейчас лишь одинокая женская фигурка на скамейке, едва различимая и абсолютно не нарушающая покоя одичавшей природы.
Композиция выстроена с явной отсылкой к академической традиции – противопоставления переднего и заднего плана. Причём первый выполнен с особой тщательностью и детальной прорисовкой, тогда когда второй отличается некоторой обобщённостью и приблизительностью. Отдельное внимание обращают на себя жёлтые кувшинки, которые как тёплые огонёчки расцвечивают мрачноватую тёмную гладь воды.
Впервые на публике картина появилась в 1879 году и имела большой успех, положив начало отдельной теме в пейзажной живописи. Позже многие художники писали свой заросший пруд, в частности ученик Поленова Исаак Левитан.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Поленов. "Заросший пруд" - 1879. Холст, масло. 77x121,8 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Быстротечность времени и грусть по ушедшему – вот основные лейтмотивы картины «Заросший пруд» Василия Поленова. Если определять жанр данной работы, то поэтический шедевр можно отнести к «повествовательному пейзажу», и создан он был как сумма нескольких впечатлений автора.
В 1877 году Поленов летом жил в деревне Петрушки недалеко от Киева, и там мастер создал небольшой этюд, который впоследствии послужит основой картины.
Целый год живописец не вспоминал о написанной работе, а после Поленов переехал с Арбата на московскую окраину, в Хамовники. Живописная местность поразила чуткого мастера и особенно прелесть старого сада. В конце концов, новые впечатления наслоились на давнишний этюд, привнеся особое настроение, и вылились в совершенно необыкновенную работу – «Заросший пруд».
В этой картине художник выступил как тонкий колорист. Вся прелесть данной работы лежит в филигранном обыгрывании градации одного и того же цвета, в мельчайшей нюансировке, тоновых вариациях. Замечательно изображён старый мостик – он вытоптан до белизны досок и это придаёт сюжету ностальгичность: когда-то пруд имел совсем другой вид и сотни ног стерли мостки на его берегу. А сейчас лишь одинокая женская фигурка на скамейке, едва различимая и абсолютно не нарушающая покоя одичавшей природы.
Композиция выстроена с явной отсылкой к академической традиции – противопоставления переднего и заднего плана. Причём первый выполнен с особой тщательностью и детальной прорисовкой, тогда когда второй отличается некоторой обобщённостью и приблизительностью. Отдельное внимание обращают на себя жёлтые кувшинки, которые как тёплые огонёчки расцвечивают мрачноватую тёмную гладь воды.
Впервые на публике картина появилась в 1879 году и имела большой успех, положив начало отдельной теме в пейзажной живописи. Позже многие художники писали свой заросший пруд, в частности ученик Поленова Исаак Левитан.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: АНДРЕЙ РУБЛЕВ «СВЯТАЯ ТРОИЦА»
25-10-2019 13:47
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА . АЛЕКСЕЙ КОНДРАТЬЕВИЧ САВРАСОВ. "ГРАЧИ ПРИЛЕТЕЛИ"
25-10-2019 13:45
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА.АЛЕКСАНДР ИВАНОВ "ЯВЛЕНИЕ ХРИСТА НАРОДУ. "
25-10-2019 13:29
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА. ЭДГАР ДЕГА."ГОЛУБЫЕ ТАНЦОВЩИЦЫ"
25-10-2019 13:28
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА.МИХАИЛ ВРУБЕЛЬ."ДЕМОН СИДЯЩИЙ"
25-10-2019 13:27
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: «АЛЕНУШКА» ВИКТОР ВАСНЕЦОВ
25-10-2019 12:29
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА. РАФАЭЛЬ САНТИ.«СИКСТИНСКАЯ МАДОННА
25-10-2019 12:28
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
КАК ПОЯВИЛСЯ «ДЕВЯТЫЙ ВАЛ» И. АЙВАЗОВСКОГО: ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА
25-10-2019 12:27
Это цитата сообщения babeta-liza Оригинальное сообщение
Сегодня, 29 июля, исполняется 201год со дня рождения знаменитого художника-мариниста Ивана Айвазовского. За всю жизнь он написал около 6 тысяч картин на морскую тему, а самой известной среди них является «Девятый вал». История создания этого шедевра позволяет приблизиться к пониманию основных принципов работы художника над морскими пейзажами и приоткрыть завесу над тайнами его творческой мастерской.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения babeta-liza Оригинальное сообщение
И. Айвазовский. Девятый вал, 1850
Сегодня, 29 июля, исполняется 201год со дня рождения знаменитого художника-мариниста Ивана Айвазовского. За всю жизнь он написал около 6 тысяч картин на морскую тему, а самой известной среди них является «Девятый вал». История создания этого шедевра позволяет приблизиться к пониманию основных принципов работы художника над морскими пейзажами и приоткрыть завесу над тайнами его творческой мастерской.
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ВАСИЛИЙ ПОЛЕНОВ "ХРИСТОС И ГРЕШНИЦА"
25-10-2019 12:26
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Дмитриевич Поленов "Христос и грешница (Кто без греха?)" 1888. Холст, масло. 325x611, Государственный Русский музей, С- Петербург.
Одной из тем живописного наследия Василия Дмитриевича Поленова являются его евангельские сюжеты. Вторая половина XIX века поставила перед человеком ряд вопросов, связанных с духовным поиском и новым пониманием религиозных знаний. После написания в 1837-1857 А. А. Ивановым монументального полотна «Явление Христа народу» следующее поколение художников (к которому и принадлежал Поленов) по-своему переосмыслило Священное Писание. Во многом опорой для них стала книга Э. Ренана «Жизнь Иисуса», где Спаситель предстал в образе обыкновенного человека, не наделенного божественным ореолом.
Изображение Поленовым Христа в исторически реальной обстановке и одежде было новаторским для своего времени. Для художника евангельский сюжет был поводом показать Христа как гуманиста, противостоящего изуверскому догматизму фанатиков (по закону, уличенных в измене жен закидывали камнями, а искушаемый народом на обвинение Христос защитил женщину, сказав: «Кто без греха, киньте в нее камень!», и толпа разошлась.
Совершив многочисленные поездки по странам Ближнего Востока, Поленов исполнил более ста пятидесяти натурных этюдов и эскизов к картине. Долгое пребывание в солнечных странах обогатило его палитру яркими красками, что удивляло публику, привыкшую к темной живописи передвижников. Необходимо обратить внимание и на композиционное решение полотна - многофигурное действие разворачивается словно на фоне театрального задника. Это ощущение неслучайно, художник много работал в театре и был одним из зачинателей реформы театрально-декорационного искусства, произошедшей на сцене Частной оперы Мамонтова, с которым его связывала многолетняя дружба. Любопытно, что свою картину Поленов заканчивал в доме мецената.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Василий Дмитриевич Поленов "Христос и грешница (Кто без греха?)" 1888. Холст, масло. 325x611, Государственный Русский музей, С- Петербург.
Одной из тем живописного наследия Василия Дмитриевича Поленова являются его евангельские сюжеты. Вторая половина XIX века поставила перед человеком ряд вопросов, связанных с духовным поиском и новым пониманием религиозных знаний. После написания в 1837-1857 А. А. Ивановым монументального полотна «Явление Христа народу» следующее поколение художников (к которому и принадлежал Поленов) по-своему переосмыслило Священное Писание. Во многом опорой для них стала книга Э. Ренана «Жизнь Иисуса», где Спаситель предстал в образе обыкновенного человека, не наделенного божественным ореолом.
Изображение Поленовым Христа в исторически реальной обстановке и одежде было новаторским для своего времени. Для художника евангельский сюжет был поводом показать Христа как гуманиста, противостоящего изуверскому догматизму фанатиков (по закону, уличенных в измене жен закидывали камнями, а искушаемый народом на обвинение Христос защитил женщину, сказав: «Кто без греха, киньте в нее камень!», и толпа разошлась.
Совершив многочисленные поездки по странам Ближнего Востока, Поленов исполнил более ста пятидесяти натурных этюдов и эскизов к картине. Долгое пребывание в солнечных странах обогатило его палитру яркими красками, что удивляло публику, привыкшую к темной живописи передвижников. Необходимо обратить внимание и на композиционное решение полотна - многофигурное действие разворачивается словно на фоне театрального задника. Это ощущение неслучайно, художник много работал в театре и был одним из зачинателей реформы театрально-декорационного искусства, произошедшей на сцене Частной оперы Мамонтова, с которым его связывала многолетняя дружба. Любопытно, что свою картину Поленов заканчивал в доме мецената.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА -ИВАН КОНСТАНТИНОВИЧ АЙВАЗОВСКИЙ - «ДЕВЯТЫЙ ВАЛ»
25-10-2019 12:24
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ВИКТОР ВАСНЕЦОВ " ЦАРЕВНА НЕСМЕЯНА"
25-10-2019 12:22
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Виктор Васнецов "Царевна Несмеяна",Дом- музей Васнецова г. Москва.
Царевна Несмеяна — персонаж русских сказок из сборника Александра Афанасьева «Народные русские сказки».Несмеяна-Царевна — Царевна Несмеяна - персонаж русских сказок.
Небо, затемненное тучами, называется «хмурым» («смотреть хмуро» — смотреть невесело, сердито), согласно с этим тускло светящее, зимнее солнце представляется в сказках Несмеяною-царевною.
Исследуя историю своего отечества, Виктор Михайлович Васнецов обращается в основном к фольклору. Чаще всего он свои идеи доносит до народа посредством изображения прекрасных героинь – царевен.
В картине «Царевна-несмеяна» в центре композиции находится девушка, сидящая на высоком троне. Вся её поза отражает отрешенную печальную задумчивость: её лицо печально, взгляд устремлен вдаль, одна рука подпирает голову, а вторая – устало опущена вниз.
Справа от неё находится веселящаяся толпа: приглашённые женихи из дальних мест, слуги, простой народ, дворцовые скоморохи, гусляры. Все они пытаются развеселить героиню.
Множеством художественных приёмов передаёт Васнецов пропасть между главным персонажем и остальными.Фигура царевны расположена на некотором возвышении от остальных, причём даже не по центру, а несколько левее. Её белое одеяние резко контрастирует с тёмной зелёно-красной цветовой гаммой изображённой толпы. В отличие от второплановых персонажей, царевна изображена в статичной позе.
Данная картина относится к позднему периоду творчества художника, она написана в 1914–1924 гг. Некоторые исследователи творчества Васнецова предполагают, что данным произведением автор пытался передать положение России в настоящий момент. Царевна сидит на троне, сделанном из слоновой кости, который по народной традиции символизирует центр мира. На заднем плане видны древняя роспись фресок, изображения языческих идолов, украшающих колонну.
Славное прошлое отражают нарисованные на заднем плане два всадника на белом и вороном конях, которые съехались на славный бой. Слева от героини синеет даль, а полосатая колонна напоминает русскую версту.
источник: гр.Эрмитаж>Ольга Миронова
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Виктор Васнецов "Царевна Несмеяна",Дом- музей Васнецова г. Москва.
Царевна Несмеяна — персонаж русских сказок из сборника Александра Афанасьева «Народные русские сказки».Несмеяна-Царевна — Царевна Несмеяна - персонаж русских сказок.
Небо, затемненное тучами, называется «хмурым» («смотреть хмуро» — смотреть невесело, сердито), согласно с этим тускло светящее, зимнее солнце представляется в сказках Несмеяною-царевною.
Исследуя историю своего отечества, Виктор Михайлович Васнецов обращается в основном к фольклору. Чаще всего он свои идеи доносит до народа посредством изображения прекрасных героинь – царевен.
В картине «Царевна-несмеяна» в центре композиции находится девушка, сидящая на высоком троне. Вся её поза отражает отрешенную печальную задумчивость: её лицо печально, взгляд устремлен вдаль, одна рука подпирает голову, а вторая – устало опущена вниз.
Справа от неё находится веселящаяся толпа: приглашённые женихи из дальних мест, слуги, простой народ, дворцовые скоморохи, гусляры. Все они пытаются развеселить героиню.
Множеством художественных приёмов передаёт Васнецов пропасть между главным персонажем и остальными.Фигура царевны расположена на некотором возвышении от остальных, причём даже не по центру, а несколько левее. Её белое одеяние резко контрастирует с тёмной зелёно-красной цветовой гаммой изображённой толпы. В отличие от второплановых персонажей, царевна изображена в статичной позе.
Данная картина относится к позднему периоду творчества художника, она написана в 1914–1924 гг. Некоторые исследователи творчества Васнецова предполагают, что данным произведением автор пытался передать положение России в настоящий момент. Царевна сидит на троне, сделанном из слоновой кости, который по народной традиции символизирует центр мира. На заднем плане видны древняя роспись фресок, изображения языческих идолов, украшающих колонну.
Славное прошлое отражают нарисованные на заднем плане два всадника на белом и вороном конях, которые съехались на славный бой. Слева от героини синеет даль, а полосатая колонна напоминает русскую версту.
источник: гр.Эрмитаж>Ольга Миронова
ИСТОРИЯ ОДНОГО ШЕДЕВРА: ИСААК ЛЕВИТАН "СОЛНЕЧНЫЙ ДЕНЬ"
25-10-2019 12:21
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Исаак Ильич Левитан "Солнечный день". 1898. Холст, масло. 35х44,Национальная галерея Армении
Задний двор усадьбы или деревенской церкви залит полуденным солнечным светом. Развесистые кроны берез бросают неуверенную тень на уставшую от жары траву. Зелень уступает солнцу, приобретя светлый, приглушенный цвет.
Само небо, проглядывающее сквозь листву, обесцветилось от обилия и щедрости летнего дня. Белые стены здания, стволы деревьев, отражая теплый свет, наполняют работу праздничным летним настроением.
Свежий забор еще не успел выгореть и потерять свой естественный цвет. Идеально ровная лужайка подчеркивает строгий порядок и делает композицию по-домашнему уютной и привлекательной.
За красотой изображенного дня угадывается настроение самого автора, его восхищение тихим, лишенным всякой парадности уголком усадьбы. Летнюю полуденную тишину подчеркивает неяркая цветовая гамма работы. Здесь нет кричащих красок, нет динамичных, резких мазков.
Автор избегает деталей, которые могут нарушить тихую идиллию композиции, ее уравновешенность и мягкость.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение
Исаак Ильич Левитан "Солнечный день". 1898. Холст, масло. 35х44,Национальная галерея Армении
Задний двор усадьбы или деревенской церкви залит полуденным солнечным светом. Развесистые кроны берез бросают неуверенную тень на уставшую от жары траву. Зелень уступает солнцу, приобретя светлый, приглушенный цвет.
Само небо, проглядывающее сквозь листву, обесцветилось от обилия и щедрости летнего дня. Белые стены здания, стволы деревьев, отражая теплый свет, наполняют работу праздничным летним настроением.
Свежий забор еще не успел выгореть и потерять свой естественный цвет. Идеально ровная лужайка подчеркивает строгий порядок и делает композицию по-домашнему уютной и привлекательной.
За красотой изображенного дня угадывается настроение самого автора, его восхищение тихим, лишенным всякой парадности уголком усадьбы. Летнюю полуденную тишину подчеркивает неяркая цветовая гамма работы. Здесь нет кричащих красок, нет динамичных, резких мазков.
Автор избегает деталей, которые могут нарушить тихую идиллию композиции, ее уравновешенность и мягкость.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин