Это цитата сообщения Бахыт_Светлана Оригинальное сообщение
< Блестяще одаренный, амбициозный, самоуверенный Ян Ливенс был одним из наиболее значительных художников своего времени.
Ян Ливенс родился где в 1607 году в Лейдене.
Город был известен не только как центр текстильного производства, но и первым в стране университетом.
В 12 лет Ян уехал учиться, теперь уже в Утрехт, известный центр голландской "итальянской" живописной традиции.
Его работы высоко ценились, несмотря на юный возраст, он был восходящей звездой, вундеркиндом, поражающим современников своей одаренностью.
Автопортрет,ок.1629-1630 В отличие от Рембрандта Ян Ливенс был еще и красив.В его таланте были уверены не только меценаты, но и он сам – это видно по выбору сюжетов. Он с одинаковым энтузиазмом писал портреты, исторические сцены, пейзажи, бытовые сцены и, как апофеоз – большие аллегории и картины на библейские сюжеты.С 1624 года 17-летний художник начинает независимую карьеру. В этом же году в Лейден после обучения в Амстердаме возвращается Рембрандт.
Пир Эсфири, 1625 г. Художнику было всего 18 лет, поэтому здесь сильное влияние Питера Ластмана, как и ранних работах Рембрандта.Он устраивает мастерскую на чердаке в доме своего отца-мельника, и приглашает Ливенса туда работать. Ливенс, имевший в активе 6 лет обучения живописи, был далеко впереди, а потому уверен в себе.Он привнес в мастерскую сочетание харлемской и антверпенской виртуозности. Ян свободен, общителен, склонен к авантюрам.
Мальчик в мастерской художника, ок.1630
Рембрандт замкнут, он боится потерять идеал величия, который взлелеял. Ян нарушает правила искусства своими многофигурными композициями, но он использует то, чем владеет, а не тратит время, как Рембрандт, на то, что ему не дается. Ян ведет себя как вундеркинд, желающий возвыситься до уровня старших.
Пилат, умывающий руки.Очевидно,1620-е
Художники часто позируют друг для друга, пишут картины на одни и те же сюжеты.
Их дружба сыграла очень своеобразную роль для Ливенса.Они работали в схожей манере, часто повторяя сюжеты, или писали картины вместе.
Самсон и Далила,ок.1630-1635
Позднее все эти работы были приписаны одному Рембрандту. Более того, сам Ливенс был определен в ученики Рембрандта на том простом основании, что был младше его на год.
Но к тому времени, когда Рембрандт начал свое обучение, Ливенс был уже вполне сложившимся и весьма известным художником, так что вопрос о влиянии Рембрандта на творчество Ливенса представляется как минимум спорным.Значительно уступая Рембрандту в отношении богатства фантазии,
Это цитата сообщения МАРЬЯША7 Оригинальное сообщение
Есть что-то в ней, что красоты прекрасней,
Что говорит не с чувствами — с душой;
Есть что-то в ней над сердцем самовластней
Земной любви и прелести земной.
Как сладкое душе воспоминанье,
Как милый свет родной звезды твоей,
Какое-то влечет очарованье
К ее ногам и под защиту к ней.
Е. Баратынский
[696x925]
Ф.К.Винтерхальтер. Портрет В.Д. Римской-Корсаковой, 1864 год (музей Орсэ, Париж)
Женщины явно усердствовали в обилии драгоценностей. Пример подавала сама императрица Евгения Монтихо, отчаянная щеголиха, ревностно относившаяся к впечатлению, которое производила ее красота на окружающих. Она изобретала одно развлечение за другим, лишь бы была возможность продемонстрировать изысканные, но слишком затейливые туалеты и себя в них. В ней говорило ущемленное самолюбие женщины, муж которой собрал себе целый гарем из актрис и ловил любой момент, когда в обычном костюме можно будет покинуть Тюильри, чтобы как частному лицу отменно повеселиться.
[700x486]
Ф.К. Винтерхальтер. Императрица Евгения в окружении фрейлин. 1855
Это цитата сообщения RetroGM Оригинальное сообщение
История тротуарного искусства
Однажды летом, Курт Веннер и Манфред Stader, один из художников Рима, который ввел Курта в мир уличной живописи, решили вместе написать несколько картин.
Они сели в переполненный ночной поезд , прибыли в Вену, и сразу же начали искать хорошую площадь.
Веннер был еще новичком в уличной живописи и рисовании копий картин в масштабе, но Венские власти с энтузиазмом откликнулись на театральность процесса гигантской живописи и щедро оплатили работу художников
. 
Падение мятежных ангелов. Нюрнберг, Германия.
Эта большая композиция (пятнадцать на сорок футов) задокументирована только фотографией. Переусердствовавший дворник уничтожил работу на следующий день после того, как она была закончена.
Потом был Зальцбург, родина Моцарта, где проходит ежегодный музыкальный фестиваль.
Однако, когда Веннер и Stader бродили вокруг в поисках места, они обнаружили, что все улицы вымощены причудливым, но невероятно ухабистым булыжником. Неудача!
И художники оказались в Нюрнберге, а там двое друзей столкнулись с немецкой чертой, которая не поддается уличной живописи: чистота.Каждое утро в 5 часов утра, дворник смывает любые картины, которые он нашел.
[показать]Испанский художник Пабло Пикассо.
Пабло Пикассо – настоящая легенда живописного искусства ХХ века. Он экспериментировал со стилями, отличался невероятной производительностью и за время своего творчества написал более 20 тысяч картин. Работы Пикассо настолько востребованы, что они и сегодня пользуются наибольшим спросом у ценителей живописи, но и у похитителей картин. Об этом и других любопытных фактах из жизни художника – далее в обзоре.
[показать]Пабло Пикассо в детстве. | Фото: images.tildacdn.info.
При крещении испанский художник получил целых 23 имени в честь многочисленных родственников и святых. На самом деле его зовут Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо. Любопытно, что Пикассо – это фамилия матери. Отца живописца звали Хосе Руис Бласко.
[показать]Пабло Пикассо в юности. | Фото: picasso-pablo.ru.
У матери Пикассо были очень тяжелые роды. Акушерка даже решила, что ребенок появился на свет мертвым, и положила его на стол. Его дядя доктор Сальвадор, подошел взглянуть на младенца и выдохнул ему в лицо дым от сигары, которую он курил. Внезапно Пабло сморщился и закричал. Такой необычный метод реанимации сработал.
[показать]Знание и милосердие. Пабло Пикассо, 1897 год. | Фото: img-fotki.yandex.ru.
Пикассо без сомнения был гением в живописи, но вот школьные дисциплины давались ему с трудом, да и примерное поведение хромало. Как вспоминал сам живописец, в школе его часто сажали в своеобразный изолятор («calaboose»), который представлял собой белую комнату со скамейкой. Ученикам следовало думать о своем поведении в одиночестве. Для Пикассо не было места лучше, чем это. Он мог бесконечно рисовать, не отвлекаясь ни на кого и ни на что.
[показать]Кирпичный завод в Тортосе (Фабрика в Хорта де Эбро). Пабло Пикассо, 1909 год. | Фото: artlemon.ru.
Как известно, Пабло Пикассо и французский художник Жорж Брак в 1909 году придумали новое течение в искусстве – кубизм. Вернее их творчеству дал такое определение французский искусствовед Луис Вокселлес (Louis Vauxcelles), который первым отметил, что картины художников «полны маленьких странных кубиков».
[показать]Это цитата сообщения Ada_Peters Оригинальное сообщение
[показать]Айвазовский Иван Константинович 1817 - 1900
Автопортрет. 1874 Холст, масло. 74 x 58 см
Галерея Уффици, Флоренция, Италия
29 июля 1817 года в Феодосии родился всемирно известный художник-маринист Иван Айвазовский. Впрочем, в метрической книге он записан как Ованес Айвазян, но ещё его отец переделал фамилию на польский манер и звался Константином Гайвазовским.
Иван с детства обнаружил художественные способности и по окончании симферопольской гимназии был принят в Императорскую академию художеств в Санкт-Петербурге.
Это цитата сообщения Синтез Оригинальное сообщение
Пожалуй, Иван Айвазовский – самый известный и плодовитый российский художник-маринист. Из-под его кисти появилось более 6000 картин. Живописец никогда не писал картины в открытом море, а то, с какой скоростью он создавал свои полотна, поражало современников. Самый долгий срок, который он потратил на создание одного полотна – всего 10 дней. Об этих и других любопытных фактах из жизни прославленного художника – далее в статье.
Полотна Ивана Константиновича Айвазовского удивительно хорошо сохраняются, они практически не растрескиваются и почти не нуждаются в реставрации. Некоторые считали, что художник добавлял какой-то секретный ингредиент в краски. Так, Иван Крамской как-то писал Павлу Третьякову: «Айвазовский, вероятно, обладает секретом составления красок, и даже краски сами секретные; таких ярких и чистых тонов я не видел даже на полках москательных лавок».
Но секрет был не в красках, а в технике их нанесения на холст. Айвазовский использовал технику лессировки (глизаль), которая подразумевала это последовательное нанесение прозрачных слоев краски с условием обязательного высыхания предыдущего. От этого, картины казались такими реалистичными и, к тому же, устойчивыми к растрескиванию.
Айвазовскому повезло быть признанным при жизни художником. Его картины побывали на 120 выставках, половина из которых – персональные. Творчество художника было востребовано и за рубежом. Как-то Папа Римский увидел картину «Хаос. Сотворение мира», которая произвела на него сильное впечатление. Понтифик захотел приобрести полотно, но Айвазовский просто подарил его ему.
Прошло три года. "Тайная вечеря" была почти завершена, однако Леонардо, пока так и не нашёл подходящего натурщика для Иуды. Кардинал, отвечавший за роспись собора, торопил его, требуя, чтобы фреска была закончена как можно скорее. И вот после многодневных поисков, художник увидел валявшегося в сточной канаве человека: молодого, но преждевременно одряхлевшего, грязного, пьяного и оборванного. Времени на этюды уже не оставалось, и Леонардо приказал своим помощникам доставить его прямо в собор, что те и сделали.
Когда он окончил работу, нищий, который к этому времени уже немного протрезвел, открыл глаза, увидел перед собой полотно и вскричал в испуге и тоске:
- Я уже видел эту картину раньше!
- Когда? - недоуменно спросил Леонардо.
Это цитата сообщения Ludmam Оригинальное сообщение
Иногда, любуясь старинным церквями и соборами люди замечают на их фасадах фигуры или статуи, которые совершенно не вписываются в архитектурный стиль зданий. Голый паяц или голова быка на готическом соборе вызывают недоумение у прохожих. Какие пасхалки («секреты») скрыты в известных памятниках архитектуры - далее в обзоре.
В картине «Дама в саду» Моне выбирает утренний час, когда свет и тени разделены более четко, чем в знойный полдень, а краски сохраняют яркость и чистоту. В соответствии с основным замыслом он подчеркивает светотеневые контрасты: на фоне темной стены тополей сверкают насыщенные солнечным светом пятна — цветущее деревце; за ним, в глубине,— другое; и слева — фигура молодой женщины в голубом платье. Стремясь достигнуть максимального эффекта в передаче освещения, Моне сгущает тени вокруг предметов. Однако, внимательно наблюдая природу, художник увидел, что и тени наполнены светом. Поэтому в своих пейзажах он старается избежать глухой черноты в затененных местах и, по возможности, не пользоваться черной краской. В картине «Дама в саду» это ему еще не вполне удается.
Интенсивность освещения Моне передает при помощи чистого цвета. Так, цветы на солнечной стороне клумбы он пишет яркой киноварью, на затененной — более холодным краплаком. По тому же принципу дифференцирует он зелень травы. Пристальное изучение натуры приводит его к употреблению большого количества оттенков зеленого.
В ранней картине «Дама в саду» контрасты света и тени слишком прямолинейны, живопись местами жестковата, а цвет еще несколько резок, но он приобретает определяющее значение и это становится важнейшим признаком всего последующего искусства.
Картину отличает ясная и строгая композиция, явно рационалистическая при всей своей естественности. Нечеткое пространственное построение указывает на преемственную связь искусства Моне с традицией всей французской пейзажной живописи. Вместе с тем изображаемый мотив исполнен тонкой поэтичности.
Точная и эмоционально насыщенная, интерпретация действительности стала неотъемлемой чертой французского импрессионизма, начало которому положили в 1860-х годах Моне и его соратники Писсарро, Сислей, Ренуар.
Картина поступила в Эрмитаж в 1930 году из Государственного музея нового западного искусства в Москве.
Это цитата сообщения Мариникка Оригинальное сообщение
Художник Владимир Куш (Vladimir Kush) родился в московских Сокольниках в семье математика. Известно, что в возрасте 14 лет он написал свою первую картину, некоторое время продавал свои картины на Арбате, а с 1987 года начал «выставляться».
Его называют русским Сальвадором Дали и самым знаменитым представителем русского сюрреализма.
[показать]Это цитата сообщения Мари_Мэри Оригинальное сообщение
Работы одного из лучших русских портретистов Ореста Кипренского в ХІХ в. получили широкую популярность не только на родине, но и далеко за ее пределами. Настоящая известность пришла к нему в Италии, когда неаполитанские академики, увидев работы молодого художника, отказались верить в то, что их автор – не Рембрандт, Ван Дейк или Рубенс. К сожалению, пребывание Кипренского в Риме породило и дурную славу: его обвиняли в убийстве натурщицы и подозрительной опеке над девочкой, позировавшей ему для картины, так восхитившей знатоков живописи.
Это цитата сообщения ЕЖИЧКА Оригинальное сообщение
Николай Фешин. Автопортрет
Стоимость некоторых его картин сегодня на аукционах составляет миллионы долларов. А продажа картины «Маленький ковбой» в 2010 году за 6,9 млн фунтов стерлингов и вовсе сделала его одним из самых дорогих художников России. Тем не менее, мировую известность ему принесли портреты американцев, а на родине его имя — Николай Фешин — знакомо немногим.
Это цитата сообщения Ела2012 Оригинальное сообщение
https://artchive.ru/publications/2756~Istorija_ljubvi_v_kartinakh_Gustav_Klimt_i_Emilija_Flege
Владелица венского дома моды и кутюрье Эмилия Флёге оставалась единственной постоянной спутницей любвеобильного Густава Климта более двадцати лет. Этот факт не вызывает сомнений, а вот характер их отношений — предмет споров и дискуссий со времен начала ХХ века. Взаимное притяжение и эмоциональную зависимость творческая пара скрепила негласным дружеским союзом, приправив его долей романтики. Альянс оказался сильнее уз брака и стал их неразгаданной формулой любви.
Густав Климт и Эмилия Флеге
Это цитата сообщения Ada_Peters Оригинальное сообщение
Бретань, городок Ландерно: в бывшем монастыре капуцинов культурный Фонд Елены и Эдуара Леклерк представляет потрясающую и объемную экспозицию работ Марка Шагала, которые объединяет тема поэзии.
Ведь и Шагала-художника вдохновляли поэты, и сам мастер писал стихи и щемящую, поэтичную прозу. Вашему вниманию — выставка с цитатами и рифмами.
Марк Шагал, «Синий цирк».
«…я начал писать стихи. Словно выдыхал их.
Слово или дыхание — какая разница?..»
— Марк Шагал
На выставке «Шагал: от поэзии к живописи» представлено более 300 живописных, графических и скульптурных работ мастера, часть из которых предоставили частные коллекционеры.
Это цитата сообщения алла_разумикина Оригинальное сообщение
Константин Сомов, русский художник и иллюстратор, известен, прежде всего, как основатель журнала "Мир искусства" и одноименного журнала. Сомов родился в семье, где все были увлечены искусством. Его отец был искусствоведом, хранителем коллекции Эрмитажа. Мать прекрасно играла на фортепиано и с раннего детства прививала своим детям любовь к музыке, живописи и поэзии. Кроме того, будущий художник рос в окружении картин и рисунков, которые долгие годы коллекционировал его отец.
Свое образование Константин Сомов начал в Академии Художеств, где занимался в мастерской Ильи Репина. Однако в 1897 году, не окончив курс, Сомов отправился в Париж. Художник испытал как влияние французских живописцев, преимущественно 18-го века, так и вошедшей в моду немецкой графики. Во время обучения и работы в Париже Сомов познакомился и сдружился со многими живописцами, вошедшими в "Мир искусства".
После возращения в Россию художник сосредоточился на портретном направлении, причем многие из портретов он выполнял в технике графики. Его работы отличаются превосходной техникой, лаконичной композицией, тонким чувством цвета и вместе с тем – утонченностью и элегантностью. Другим главным интересом Константина Сомова была книжная иллюстрация, вернее даже, особая оформительская концепция для книг, в которой все элементы – шрифт, обложка, иллюстрации, заставки, обрез – должны были выполняться в продуманном, едином, гармоничном стиле.
Первая персональная выставка работ К. Сомова прошла в Петербурге, в 1903 году. Художник предпочитал работать с красками на водной основе, акварелью и гуашью. На создание одного из его самых знаменитых произведений, "Дамы в голубом", он потратил три года. К 1914 году Сомов стал очень известным художником – он выставлялся не только в России, но и за рубежом. В этом же году он стал действительным членом Академии художеств. Как и многие его единомышленники, Сомов имел нетрадиционную ориентацию, придерживался предельно свободных взглядов на физическую близость и очень часто изображал сцены интимного, эротического характера. Самое полное собрание иллюстраций и рисунков Сомова на эротические темы было издано в 1918 году, уже при большевиках, в Петрограде. Однако больше всего известны портреты и пейзажи работы Сомова. Самой дорогой из проданных на аукционах картин Сомова является пейзаж "Радуга". Эта работа, написанная в 1927 году, уже после того, как художник навсегда покинул Россию, была продана за 7,33 млн. долларов в 2007 году.
Великий русский художник Константин Сомов картины
Автопортрет в зеркале
Это цитата сообщения ЕЖИЧКА Оригинальное сообщение
Он был любимым врачом царя Алексея Михайловича Тишайшего, потом – единственным лекарем, которого допускал до себя болезненный царь Фёдор Алексеевич. Когда царь Фёдор все же умер и начался Стрелецкий бунт – именно доктор Данила Жидовин стал первой жертвой мятежников. Его обвинили в отравлении царя яблоком и разрубили на мелкие кусочки прямо на Красной площади.
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts Оригинальное сообщение
Пьета (Pietà) в переводе с итальянского – это «жалость, милосердие, сочувствие, сострадание», пьета в изобразительном искусстве – иконографическая (не повествовательная) сцена оплакивания Христа девой Марией.
Статуя была не просто совершенна. В те далекие времена так не мог ваять никто.
Великий Микеланджело Буонаротти ещё не был великим и не знал, каким великим даром он обладает, какова сила его таланта. Когда будущему Великому Художнику было двадцать четыре года, он получил заказ от французского кардинала Жана Билэра на изготовление скульптуры на будущую гробницу самого кардинала. В качестве материала для скульптуры был выбран огромный монолит каррарского мрамора. Читать далее