Это цитата сообщения Roman_FRF Оригинальное сообщение
Композиция и дети - 1
Для молодых педагогов без специального художественного образования, вынужденных жизнью обучать детей рисованию и живописи.
Даже опытные художники, столкнувшись с дошкольниками и детьми младших классов, теряются, и не могут быстро сообразить, чем можно с ними заниматься. По себе знаю, как трудно забыть о своих знаниях академического рисунка и живописи, и переключиться на условный изобразительный язык детей.
Быстро заметил одну убийственную закономерность, педагоги без художественного образования упорно стремяться обучать детей тому, чему сами хотели бы научиться, - реалистичному рисунку. Ни какие слова о том, что к этой задаче дети созревают только к 10-12 годам не помогают, и начинает продолжаться педагогическая пошлость, основанная на извращённых критериях оценки детского творчества. Кошечки с бантиками, слащавые фигурки Барби, цветочки, содранные с книжек и открыток (не важно, по памяти или нет), важно встретить умиление благодарных родителей, важно потешить своё самолюбие, - мои детки рисуют как большие, по настоящему! У меня нет желания упрекать людей в отсутствии знаний и вкуса, в том, что они отнимают у ребят детство, сажая их за натюрморты, есть естественное желание поделиться своим пониманием, чему можно и нужно учить детей с учётом их возрастных особенностей.
Изобразительное творчество детей я отношу к композиции, и процесс обучения строю во круг этого "взрослого" предмета. Ни светотень, ни пространственные ракурсы, а элементарные знания о линии, о пятнах цвета, о возможных сочетаниях этих средств изображения друг с другом, о гармонии и асоциациях, о том, что доступно пониманию детей с самого младшего возраста. Именно по этому я называю подборку этих страниц
Композиция и дети
Уровень сложности
Большая или меньшая условность языка детского рисунка определяется возрастными ограничениями.
То, что доступно в старшем возрасте, не доступно в младшем.
У художника нет таких ограничений. Для воплощения своего замысла он может выбрать
любой уровень сложности.
Перспективные ракурсы, наличие светотени,
это один уровень сложности рисунка.
У детей младшего возраста возможности ограничены.
Фронтальная проекция, простота форм и полное отсутствие светотени и ракурсов,
это другой уровень сложности рисунка.
Даже количество суставов у нарисованного человечка
говорит о большей или меньшей сложности рисунка.
Зачем я говорю об этом?
Не владея перспективой и светотенью, ребёнок способен обозначить знакомый ему предмет своими средствами, и наша задача, показать, как этими средствами добиться большей выразительности рисунка.
Это цитата сообщения Roman_FRF Оригинальное сообщение
Композиция и дети - 02
Формализованные материалы
Представлены материалы по композиции, доступные пониманию детей начиная с дошкольного и младшего школьного возраста. Учебные темы только обозначены, но детальное их раскрытие не вызовет проблем у педагога-художника.
Все могут нарисовать приметивную форму, для этого не нужно быть художником (вспомните рисунки малышей).Но все ли могут из примитивных форм составить единое целое, то, что называют композицией, не просто собрать все в одно место, в одну кучку, а получить эстетически значимое целое? Художественная практика выработала массу профессиональных приемов, помогающих решению подобных задач.
С законами композиции можно знакомиться на самой ранней стадии освоения изобразительного искусства. Палочки, крючки, буквы, - это все, что вам сегодня доступно? Но и на этой базе графического материала можно учиться композиции.
Составными элементами композиции могут быть детали фотографий, реальные предметы, люди. Переставляя мебель в комнате, высаживая цветы на клумбе, делая игрушку или куклу, вы из частей составляете единое целое. Но в рисунке, а отличии от театра или архитектуры, все приходится рисовать. Сложность используемых элементов зависит от ваших сегодняшних возможностей.
Прошло уже года два или три с момента публикации этого предисловия. В нём я наивно полагал, что детальное раскрытие публикуемых тем не должно вызвать у педагогов каких-либо проблем. Проблемы возникли, и все о них скромно умолчали. В свою очередь, я деликатно умолчал о своей надежде просветить не только детей, но и самих педагогов, Начну исправлять свои ошибки, и по мере сил попытаюсь более детально (более многословно) высказываться по каждой теме.
Ассоциативное восприятие линии
Изобразительные средства могут находиться в гармонии друг с другом и в дисгармонии, могут располагаться хаотично или в каком-либо порядке, но в каждом случае будет получена своя, весьма предсказуемая реакция зрителя. Знание выразительных возможностей линии помогает решению творческих задач.
Эмоциональное состояние композиции формируется не только ее сюжетной драматургией, но и соответствующими изобразительными
средствами. Форма должна находиться в гармонии с содержанием.
.
Нюансные отношения (очень похожих друг на друга линий)
могут восприниматься, как шепот, тишина, покой, нежность.
Количественное соотношение темного – светлого в пользу темного
может воздействовать угнетающе, как подавление чего-то слабого.
Контрастные сочетания линий, противоположных по своим свойствам, воспринимаются, как крик, беспокойство, резкость.
Характер ритма линейных элементов бесконечно разнообразен. Несмотря на это, легко уловить самые общие закономерности
в воздействии того или иного ритма на человека.
Равномерное чередование линий нас успокаивает, динамическое – возбуждает. Напрашивается прямая аналогия с воздействием музыкальных ритмов на человека.
Это цитата сообщения Roman_FRF Оригинальное сообщение
Композиция и дети - 03
Пространство
Отбрасывая перспективные ракурсы (возрастное ограничение), мы оставляем за собой право на применение
фронтальной перспективы, когда простым изменением размера объекта его можно зрительно
отдалить или приблизить к нам. Не осознано, мы решаем, что к нам ближе, что дальше, анализируя для этого и другие признаки объектов.
1 - большая деталезация объекта делает его ближним.
2 - темный толстый контур зрительно воспринимается ближе светлого.
3 - верхний объект кажется нам дальше нижнего.
4 - больший объект кажется ближе меньшего.
5 - частичное перекрытие одного объекта другим - гарантия их разноплановости.
6 - все признаки разноплановости в комплексе.
Детям по старше можно усложнить жизнь. Возможно, их заинтересует интуитивное применение перспективы .
7 - пространственные планы. Постепенное уменьшение объектов, и перекрытия.
8 --перспективные сокращения удаляющихся в пространстве объектов применяются
интуитивно, без каких либо вспомогательных построений и расчетов (о точке схода надо что-то рассказать).
9 - применение плоскостного рисования на декорациях в пространстве (мягкий переход к изучению азов перспективы).
Лента
Лента, как и предыдущие примеры с декорациями сцены, может служить переходным мостиком между плоскостным и пространственным рисованием.
Создание простейших лент не требует особых умений и способности к рисованию.
К ленточным объектам применимы все учебные темы по композиции.
Во многом лента схожа с линией, только линия имеет толщину, а лента ширину.
Ленту можно украсить орнаментом.
Лента сама может быть орнаментом.
Лента может подчеркнуть пространственные, конструктивные характеристики объекта.
Это цитата сообщения Roman_FRF Оригинальное сообщение
Композиция и дети - 04
Дробление поверхности
Рисование можно представить, как процесс дробления поверхности. Нарисованная форма разбиваенся на отдельные цветовые элементы.
К этому можно отнестись педантично, используя ограничения, которые помогают определить стилистику рисунка.
Закономерность в разбивки поверхности.
Членение поверхности: параллельными прямыми, пересекающимися прямыми, лекальными кривыми не пересекающимися (ограничения).
“Меандр” - один из самых известных орнаментов Древнего мира. Для меня он интересен свойством симметричного делния ленты на две равные полосы ломанными и лекальными линиями своих завитков. Возможность разделить поверхность на равные площади одной кривой линией для детей весьма неожиданна. Они всегда с интересом выполняют эти задания, находя, прой, весьма неожиданные решения.
Масштаб
Это цитата сообщения Вечерком Оригинальное сообщение
Как научить ребенка рисовать
Как можно научить ребенка рисовать с помощью цифр
Отличный способ вызвать у детей интерес одновременно к математике и творчеству — предложить им рисовать с помощью цифр, дополняя их различными линиями. Это довольно легко, поэтому с такой задачей справятся даже самые маленькие.
Это цитата сообщения Rishon Оригинальное сообщение
Какая красота – земля в снегу…
Как будто не осталось больше слёз.
Я без любви, конечно же, смогу,
Но вот зачем такая жизнь – вопрос…
Однажды я стояла на краю,
Казалось, больше некуда спешить…
Но вдруг вошла любовь в судьбу мою,
Лишь в тот момент я начинала жить.
Я видела глаза, что мне не лгут…
И начинала заново дышать.
Я без любви, конечно же, смогу,
Но от самой себя не убежать…
Насколько же красивей белый снег,
Когда в душе любовь и теплота…
С тобою рядом я счастливей всех.
Для неудач и бед я занята!
Пускай от нас проблемы убегут.
Снежинки – это нам с небес привет.
Я без любви, конечно, не смогу,
Ведь без любви – людей и жизни нет…
Это цитата сообщения ВЕнеРИН_БАШМАЧОК Оригинальное сообщение
Theodore Rousseau (1812 - 1867), a French Barbizon school painter.
[показать] Теодор Руссо ( Théodore Rousseau) (15 апреля 1812, Париж — 22 декабря 1867, Барбизон) — французский художник-пейзажист, основатель барбизонской школы, объединившей первых художников, использовавших в творчестве пленэр. Брат менее известного художика Филиппа Руссо. Творчество Теодора Руссо относят к реализму.Теодор Руссо родился 15 апреля 1812 года в Париже. Как художник формировался в основном самостоятельно.Первые уроки живописи Теодор Руссо получил у своего двоюродного брата-художника. В пятнадцать лет его взял в обучение на два года художник-пейзажист Жан Шарль Ремон. Т. Руссо путешествовал по Оверни и Нормандии, что нашло отражение в его творчестве.В 1831 г. девятнадцатилетний Руссо подал заявку на участие в Парижском салоне. Его пейзаж дикой природы Оверни получил признание благодаря живой технике письма. Следующие четыре Парижских салона были для Теодора Руссо неудачными, и он не участвовал в публичных выставках вплоть до 1849 г.Руссо ввёл понятие «интимного пейзажа», мотивы для которого предоставлял в основном лес Фонтенбло. При простоте и натуральности изображённого главную роль в нём призван играть общий колорит картины, сильно и поэтично передающий настроение, создаваемое в душе художника природой в тот или другой момент времени. В 1832-33 гг. он впервые вышел на пленэр. Зиму 1836—1837 гг. Руссо провёл вместе с художниками Нарсисом Виржилем Диасом де ла Пенья и Клодом Феликсом Теодором Алиньи в Барбизоне. Природа Барбизона произвела на него такое большое впечатление, что Руссо стал приезжать туда каждый год, а с 1848 г. окончательно переселился туда со своей женой.Со временем вокруг Руссо образовался круг его коллег-художников, как и он писавших природу на природе — Каба, Добиньи и Дюпре. Так постепенно возникла барбизонская школа.
Пейзаж с пахарем.
Это цитата сообщения Александр_Ш_Крылов Оригинальное сообщение
Английский художник Эдвард Бёрн-Джонс
[407x581]Эдуард Коли Бёрн-Джонс (Burne-Jones) (1833-1898), английский живописец, рисовальщик, мастер декоративно-прикладного искусства. Родился в Бирмингеме 28 августа 1833 в скромной семье столяра-рамочника.
Принадлежал к младшему поколению прерафаэлитов. Стремясь к возрождению духовности и наивной поэзии средневекового и раннего ренессансного искусства, Бёрн-Джонс стилизовал формы своих произведений в духе итальянской живописи XV века.
Декоративно-изощренные композиции Бёрн-Джонса на религиозные и мифологические сюжеты (“История Пигмалиона”, 1869-1879, Бирмингем, Художественная галерея и городской музей; “Зеркало Венеры” 1872-1877, Лиссабон, Национальный музей старого искусства; “История Персея” после 1875, Штутгарт, Городское собрание; “Золотая лестница”, 1876–1880, “Король Кофетуа и нищенка”, 1880–1884, “Любовь среди руин”, 1893, – все картины в Галерее Тейт, Лондон) отличаются чертами романтической взволнованности и идеализации, гибким линейным ритмом, тяготением к орнаментальности. С 1853 года Бёрн-Джонс учится на богословском факультете в Экситер-колледже Оксфорда, но тяга к искусству оказалась сильнее, и с 1856 года он посещает студию живописи Данте Габриэла Россетти.
Между 1859 и 1873 годами Бёрн-Джонс совершает несколько путешествий в Италию, что позволяет ему лучше узнать творчество Мантеньи, Боттичелли и Микеланджело. Совершая поездку вместе с Джоном Рёскиным, убедившим живописца заняться копированием старых мастеров венецианской школы, Эдуард Бёрн-Джонс обновляет свою технику. В стиле художника с этих пор заметны признаки новых влияний, что в конце концов приносит ему славу и рыцарское звание, дарованное художнику как открывателю новой эпохи в искусстве.
В 1864 году Бёрн-Джонс избран в члены Старого общества акварелистов. В 1877 году художник представляет свои произведения на первую выставку в галерее Гровнор и становится постоянным участником ее салонов вплоть до 1887 г. Известность Берн-Джонса растет, выходя далеко за пределы Англии. В период царствования королевы Виктории британцы начинают все больше думать об имперской роли своей страны.
[589x700]"Персей и морские нимфы" 1877
Музыку Антонио Вивальди исполняют Виктор Третьяков, Олег Каган и оркестр Рудольфа Баршая
Это цитата сообщения Леда_Аветис Оригинальное сообщение
Мрачная фантастика Генриха Фюсли
 [770x] Иоганн Генрих Фюссли (Фюсли) или Генри Фузели (Fussli, Fuseli) (1741-1825) - швейцарский и английский живописец, график, писатель, историк и теоретик искусства, автор знаменитой серии картин на тему кошмара (которые иллюстрируют готическое направление в искусстве Нового времени). Фюсли считается одним из главных новаторов живописи рубежа XVIII-XIX веков.  |
Это цитата сообщения NADYNROM Оригинальное сообщение
Жизнь и творчество Форда Мэдокса Брауна
Форд Мэдокс Браун родился 16 апреля 1821 года в Кале, в семье отставного корабельного казначея, шотландца по национальности. В 1836 году отправился учиться в Европу. Сначала в Брюгге, где он брал уроки рисунка у одного из учеников Давида, а позднее перебрался в Антверпен, где учился в мастерской Густава Вапперса. Здесь он освоил самые разные художественные техники – фреску, масляную живопись, акварель, пастель, литографию и другие виды гравюры. Уже первая его большая картина «Казнь Марии Шотландской» (1840) явилась демонстрацией зрелого мастерства художника.
[571x700]Ф. М. Браун. Автопортрет
Вскоре Браун перебрался в Париж, где поддался обаянию французской романтической живописи с ее увлечением литературными сюжетами, энергичным мазком и смелым колоритом.
Своеобразным отражением его новых эстетических предпочтений стала картина «Манфред на вершине Юнгфау» (1842), написанная на сюжет поэмы Байрона.
Читать далее
Это цитата сообщения Муромлена Оригинальное сообщение
Картины с выставки «Прерафаэлиты: Викторианский авангард».
Побывала недавно на выставке «Прерафаэлиты: Викторианский авангард» в ГМИИ имени Пушкина. Впечатления - самые приятные. Показать здесь все картины, представленные на выставке, не получается (что-то забылось, что-то не смогла найти в Интернете), так что буду благодарна за дополнения.
Три таинственные буквы P.R.B. (The Pre-Raphaelite Brotherhood) привели в смятение английскую общественность 150 лет назад: члены братства изменили не только принципы традиционного искусства Англии XIX века, но и его роль в социальной жизни общества; прерафаэлиты боролись против условностей Викторианской эпохи и слепого следования классическим образцам.
История «Братства прерафаэлитов» начинается в 1848 году. В начале сентября несколько молодых художников, среди которых были Данте Габриэль Россетти, Уильям Холман Хант, Форд Мэдокс Браун и Уильям Моррис, собрались в мастерской Джона Эверетта Миллеса. Здесь было решено создать новое художественное общество, участники которого отказывались от канонов Высокого Возрождения как безусловного образца для подражания, принятого в Королевской академии. Отныне их ориентир — Средневековье и Раннее Возрождение. Прерафаэлиты мечтали вернуть в искусство «священный огонь» и незамутненный условностями взгляд на мир, писать просто, без правил и теории — так, как это делали художники треченто (XIV век) и кватроченто (XV век). В технике это выражалось в использовании чистого цвета и отказе от подмалевка — полупрозрачные краски наносили на сырой белый грунт. Прерафаэлиты считали, что картины нужно писать исключительно с натуры, а максимальную достоверность изображаемого возводили в абсолют, тщательно прорисовывая мельчайшие детали.
В живописи XIV век ассоциируется с именем флорентийца Джотто ди Бондоне, родоначальника реалистического направления. Именно у Джотто живопись перестает быть вспомогательным комментарием к Священному Писанию, обретая самостоятельное значение. В его библейских сценах действуют живые люди, испытывающие живые человеческие эмоции. Параллельно развивалась сиенская школа, которая сочетала в себе византийские, готические и ренессансные элементы. В литературе треченто — время Данте, Петрарки и Бокаччо.
Принципы братства подверглись критике со стороны многих уважаемых живописцев. На сторону прерафаэлитов встал Джон Рескин, влиятельный историк искусства и художественный критик Англии. В нескольких статьях, опубликованных в «Таймс», Рескин дал произведениям прерафаэлитов лестную оценку, подчеркнув, что лично не знаком ни с кем из братства. Он провозгласил, что их работы могут «лечь в основу художественной школы, более величественной, чем все, что знал мир предыдущие 300 лет». Постепенно именно Рескин становится идеологом братства и формулирует основной принцип прерафаэлитов: «находить во всем, что кажется самым мелким, проявление вечного божественного новосозидания красоты и величия, показывать это немыслящим и незрящим».
Экспозиция состоит из шести разделов, каждый из которых отражает важный аспект творчества братства: "Спасение", "Красота", "Утопия", "Образы прошлого", "Природа", "Поэтическая живопись". А при входе в главный зал зрителей встречает работа Сандро Боттичелли «Мадонна с младенцем» как указание на происхождение "Братства прерафаэлитов".
Это цитата сообщения ВЕнеРИН_БАШМАЧОК Оригинальное сообщение
Художник Борис Щербаков(1916 - 1995)
[показать]Творчество Бориса Валентиновича Щербакова (1916-1995) является уникальным явлением в русском искусстве ХХ века. Благодаря таланту и высочайшему профессиональному мастерству автора, его трудолюбию и отношению к искусству как к "делу святому, которому нужно посвятить всю жизнь без побуждений корысти и карьеры", он занимает особое место в отечественной культуре. Жизненный путь художника совпал с одним из самых трагических периодов российской истории. Он мужественно выдержал все испытания, выпавшие на его долю, оставаясь верным Родине и Искусству. Мастер получил широкую известность еще при жизни. И в России, и за рубежом поклонниками творчества Бориса Щербакова являются миллионы людей. Его многочисленные выставки всегда привлекали внимание публики и критики. Какой современный художник может похвастаться таким количеством благодарных зрителей? Их Любовь всегда вдохновляла Щербакова, помогала переносить невзгоды, давала стимул творчеству. Эта любовь была взаимной. Люди чувствовали, что мастер работает для них, щедро дарит им свой яркий, светлый, несущий радость и успокоение талант. Б.В.Щербаков прожил долгую, тяжелую, но счастливую жизнь. Служение искусству составлило смысл его существования. Занятие живописью - тяжелейший труд на протяжении более шести десятилетий - доставляло радость и было так же необходимо, как воздух и свет. В своем деле он достиг вершин мастерства. Его полотна, проникнутые любовью и добротой, неизменно находили отклик в сердцах людей. Их внимание помогло художнику выживать. Его единственной музой была необычайно красивая и преданная женщина, Зоя Анатольевна Щербакова, с которой он прожил 55 лет, влюбившись в нее в ранней юности и пронеся это чувство через всю жизнь. Любовь и верность - основные черты характера мастера, качества, ведущее его по жизни, принципы, которым он не изменял никогда: ни в работе, ни в своем отношении к Родине, ни в общении с людьми. Незыблемые понятия о чести, благородное, доброе, уважение ко всем людям без исключения делали его как бы гостем из позапрошлого, ХIХ столетия - золотого века русской культуры. Зрители признали его классиком еще при жизни, даже слабые копии его картин тиражируются и охотно покупаются по всей стране, а многие весьма популярные "мастера живописи" не гнушаются плагиатом. Но это уже не имеет значения. Самого художника нет, но он оставил огромное творческое наследие. Его картины хранятся в музеях частных коллекциях по всему миру; его альбомы репродукций берегут, словно драгоценность. Его творчество будет привлекать людей во все времена, независимо от веяний моды, стран и континентов, так как оно несет мощнейший позитивный заряд. Борис Валентинович Щербаков родился 7 апреля 1916 года, на Благовещение, в Санкт-Петербурге (тогда Петрограде). Семья жила на Васильевском острове, где в ту пору селилась художественная интеллигенция столицы. Неподалеку находилась Императорская Академия художеств, а вокруг нее на многочисленных линиях Васильевского острова располагались мастерские художников, которые одновременно являлись и квартирами. Отец Бориса Щербакова - Валентин Семенович Щербаков, ученик И.Е.Репина и Ф.А.Рубо, окончивший Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств, к моменту появления на свет сына был уже сложившимся живописцем. Учась в мастерской техники и технологии живописи под руководством профессора Д.И.Киплика, он в совершенстве овладелуже забытой к тому времени техникой фресковой живописи, изучил приемы работы старых мастеров. Основным занятием Валентина Семеновича было исполнение заказов по росписи церквей под руководством архитектора А.В.Щусева. Мать Бориса - Клавдия Прокофьевна после окончания Бестужевских курсов преподавала литературу в гимназии. Семья не бедствовала, но начавшаяся Первая мировая война, а затем Октябрьская революция и Гражданская война полностью перевернули их жизнь. Чтобы не умереть от голода в холодном Петрограде, Валентин Семенович Щербаков переезжает на свою родину, в Казань, где ему предлагают место главного художника в Театре оперы и драмы, а также руководителя мастерской монументальной живописи.
Полдень у Большого пруда.
Это цитата сообщения kroshka_50369 Оригинальное сообщение
Жак Луи Давид. Портрет.
[показать] Жак Луи Давид (фр. Jacques-Louis David; 30 августа 1748, Париж — 29 декабря 1825, Брюссель) — французский художник, основоположник французского неоклассицизма.
В 1775—1780 обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения. В 1783 избран членом Академии живописи.
Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Примкнул к радикально-экстремистскому крылу революционеров во главе с Маратом и Робеспьером. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды.
В 1797 стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона и с тех пор становится его пылким сторонником.
После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежит в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни. Похоронен на кладбище святой Гудулы в Брюсселе.
Жак Луи Давид родился 30 августа 1748 года. Его отцом был состоятельный парижский коммерсант. Отец вскоре погиб на дуэли, и его воспитывала мать, которой помогали родственники — семейства Бюрон и Демезон. Среди членов этих семей были архитекторы, подрядчики строительных работ, и в их среде поощрялась рано проявившаяся у Жака Луи страсть к рисованию. Они даже служили моделями для его ранних портретов. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1756 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься у одного из ведущих мастеров исторической живописи раннего неоклассицизма Жозефа Мари Вьена. Педагогичекая система последнего была основана на изучении античного искусства, Рафаэля, братьев Карраччи, Микеланджело, требовании достижения в живописи «правды» и «величия». Вьен несколько лет провёл в Италии, был увлечен античностью.
Это цитата сообщения TimOlya Оригинальное сообщение
Давид Жак Луи (David Jacques-Louis),1748-1825.Франция.
Мадмуазель Гимар в образе Терпсихоры
Мадмуазель Дюкрё
Это цитата сообщения Алевтина_Князева Оригинальное сообщение
Жан Оноре Фрагонар
Живопись Фрагонара наполнена трепетной эмоциональностью, чувственной негой, ощущением радости бытия, отличается декоративностью колорита, легкостью живописной манеры. Связь с рококо проявляется в пикантных и вместе с тем иронических ситуациях . Художнику удалось передать интенсивную красочность реального мира в теплой золотистой гамме, в игре света. В портретах современников запечатлел творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний. |
||
[показать] Дени Дидро. В «Портрете Дени Дидро» он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. За пределы портретного жанра выходит образ «Вдохновения», подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. Экспрессивная живописная манера и подобная быстрота в исполнении портретов, возможно, вызывали неприятие Дени Дидро, не оставившего ни строчки о собственном портрете, «Портрет Дени Дидро".
В интимно-лирических портретах Фрагонара характерные черты романтизма XIX века.
"Поцелуй украдкой"
Жан Оноре Фрагонар родился на юге Франции, в городе Грасе, расположенном в провинции Прованс. Его отец – Франсуа Фрагонар – был перчаточником, занимаясь коммерцией, он потерял все свое небольшое состояние и вынужден был определить сына-подростка в конторские служащие. Нотариус, у которого работал Жан Оноре, заметил склонность мальчика к рисованию и посоветовал отцу отдать его в обучение к художнику. В возрасте восемнадцати лет Фрагонар
Это цитата сообщения Ела2012 Оригинальное сообщение
Франсуа Буше (1703-1770) - французский художник эпохи Рококо.
Густав Лундберг. Портрет Франсуа Буше (1741)
Франсуа Буше является ярким представителем эпохи рококо и мастером художественных искусств во французской живописи начала 18 столетия. Творчество Буше крайне тяжело охарактеризовать только в одних оттенках и ракурсах, так как его изобразительная деятельность распространяется не только на картины.
Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.
Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника (1765 год). Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Лучшие работы Буше отличаются необыкновенным очарованием и совершенным исполнением.
Франсуа Буше (1703-1770) был типичным представителем легкого, праздничного, повышенно декоративного искусства рококо. На его живопись оказало влияние творчество Антуана Ватто, но легкая грусть, сквозящая в его картинах, Буше была чужда. Можно сказать, что Ватто дал рококо дух, а Буше - плоть. Полотна мастера - сплошная чувственность, но на французский манер: когда любовь способна принять форму красивой игры.
Диана после купания (1742) (56 х 73) (Париж, Лувр)
В богатом живописном наследии Франсуа Буше (1703-1770), работавшего в чувственном и рафинированном стиле рококо, одной из самых популярных картин является «Купание Дианы».
Красивейшая олимпийская богиня Диана предстала на полотне французского художника прелестнейшей чаровницей, отдыхающей после своих охотничьих забав на берегу ручья. Буше не стремился в написании ее образа точно следовать греческим мифам о богине. Его не интересует мифология как таковая, он лишь пользуется ею как удобным предлогом для изображения обнаженного женского тела, юного и прекрасного. Его Диана - нежное создание, привыкшее к неге и заботе, она живет лишь для того, чтобы дарить усладу жадным взглядам.
Туалет Венеры (1751) (108 х 85) (Нью-Йорк, Метрополитен)
«Туалет Венеры» был заказан художнику его покровительницей - фавориткой Луи XV мадам Помпадур для ее Шато Бельвю близ Парижа. Сама мадам Помпадур играла главную роль в одноименном спектакле в театре Версаля. На полотне Венера похожа на придворную даму XVIII века: у нее «фарфоровое» личико с томно-игривым выражением, жесты прелестной жеманницы, характерная прическа с естественно лежащими локонами, и вся она, несмотря на пышность форм, похожа на куколку. Амуры не столько наряжают эту очаровательную кокетку, сколько играют с ее волосами и украшениями. Возле Венеры вьются голуби, священные птицы, один из них прижимается к груди богини. Тело красавицы написано в редких и изысканных, но несколько неестественных тонах. Буше сделал это сознательно: он не стремился подражать природе, объясняя это тем, что и природа несовершенна.
Это цитата сообщения Ела2012 Оригинальное сообщение
Эпоха Рококо: Жан Антуан Ватто (Jean-Antoine Watteau) - мастер галантных сцен
Живопись Ватто, чарующе прекрасная, как манящая мечта, и столь же зыбкая и ускользающая, стала высшим воплощением рококо; но в то же время она выходит далеко за рамки чисто декоративных устремлений этого стиля. Творивший в эпоху безвременья, духовного кризиса, художник, как никто другой, чутко выразил предчувствие неизбежных перемен, утрату старых идеалов и поиски новых.
(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)
[показать]Жан Антуан Ватто (1684-1721)
Ватто родился 10 октября 1684 г. во фламандском городе Валансьене, который незадолго до этого был захвачен войсками французского короля Людовика XIV. В молодости учился изобразительному искусству у Жака-Альбера Герена.
Около 1702 года художник приехал в Париж, работал как копиист. Обучение у живописцев Клода Жилло (1703—1707/08) и Клода Одрана (1708—1709) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. Ватто испытал влияние Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже.
В 1717 Королевская академия художеств приняла его картину "Паломничество на остров Киферу", и Ватто стал академиком. В 1719—1720 он посетил Великобританию.
Сюжет картины «Паломничество на остров Киферу», заимствованный из балетных и оперных постановок 18 в., представлен как галантное празднество в саду перед статуей Венеры; на дальнем плане видны зыбкие силуэты золотой ладьи и резвящихся амуров. Как и другие произведения Ватто, картина построена не на действии, а на оттенках чувств и настроений. Плавные жесты, неуловимые взгляды перетекают один в другой; ритмическая организация фигур и предметов уподобляет их изысканно красивым арабескам, модным в 18 в.
Паломничество на Киферу (между 1718 и 1720) (129 х 194) (Берлин, дворец Шарлоттенбург)
Ватто был создателем своеобразного жанра, традиционно называемого «галантными празднествами». Сущность этих сцен раскрывается не столько в их прямом сюжетном значении, сколько в тончайшей поэтичности, которой они проникнуты. «Праздник любви» (1717), как и другие картины Ватто, содержит в себе богатую гамму эмоциональных оттенков, которым вторит лирическое звучание пейзажного фона. Ватто открыл художественную ценность хрупких нюансов чувств, едва уловимо сменяющих друг друга. Его искусство впервые ощутило разлад мечты и реальности, и поэтому оно отмечено печатью меланхолической грусти.
Праздник любви (ок.1717) (61 x 75) (Дрезденская галерея)
Брачный договор (ок.1711) (47 x 55) (Мадрид, Прадо)
Это цитата сообщения Людмилка-Н Оригинальное сообщение
~Французский живописец и рисовальщик Антуан Ватто~
[показать]
[700x150]
[250x335]Ватто Антуан (Watteau Antoine, 1684–1721), французский живописец и рисовальщик. Жан Антуан Ватто родился 10 октября 1684 года в городке Валансьенн на границе Франции и Фландрии. Около 1702 приехал в Париж, работал как копиист. Учение у живописцев Клода Жилло (1703–1707/08) и Клода Одрана (1708–1709) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. В начале своего творчества Ватто писал батальные сцены, но для него, видимо, столь же привычной была и жанровая живопись рубенсовской традиции, широко открытая чувственной стороне жизни. Антуан Ватто испытал сильное влияние творчества Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже. В 1717 Ватто присвоено звание академика. На рубеже 1720-х годов Антуан Ватто посетил Великобританию. Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни (“Бивак”, 1710, Музей изобразительных искусств, Москва; “Савояр с сурком”, 1716, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность. В зрелый период творчества Антуан Ватто разрабатывает новый тип сюжетов – театральные сцены и “галантные празднества” (картины “Праздник любви”, “Общество в парке”, около 1720, – обе в дрезденской картинной галерее; “Затруднительное предложение”, около 1716, “Капризница”, около 1718 - обе в Государственном Эрмитаже, Санкт-Петербург; “Меццетен”, 1719, в музее Метрополитен, Нью-Йорк; “Паломничество на остров Киферу”, 1717-1718, “Жиль в костюме Пьеро” – обе в Лувре, Париж), в которых за галантной игрой постоянно повторяющихся персонажей, под маской актера кроется бесконечное разнообразие оттенков поэтического чувства, целый мир тончайших душевных состояний, нередко окрашенных иронией и горечью, порожденной столкновением мира мечты с реальностью. Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Антуана Ватто подчеркивается пейзажем, окрашенным тонким лирическим чувством, изящной выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов и как бы вибрирующих мазков.
[700x150]
[800x674] 1718
Это цитата сообщения stewardess0202 Оригинальное сообщение
ЧТОБЫ ПОМНИЛИ. Осеева Валентина Александровна
Писательница
Лауреат Государственной премии СССР (1952)
Валентина Осеева родилась 28 апреля 1902 года в Киеве.