[235x284]
Эдита Станиславовна Пьеха родилась 31 июля 1937 года во Франции, в провинциальном городке Нуаэль-су-Ланс. Ее родители были поляками, а во Францию приехали в поисках работы. В 1945 году семья Эдиты вернулась в Польшу и поселилась в поселке Боже Гура. В школьные годы Эдита пела в хоре, потом с отличием окончила педагогический лицей, а также курсы русского языка в Гданьске.
В 1955 г. по путевке польского комсомола Эдита Пьеха приехала в город Ленинград, где училась на отделении психологии философского факультета Ленинградского государственного университета. Будучи еще студенткой, она принимала активное участие в концертах студенческого землячества. Её дебютное сольное выступление с шуточной песней на польском языке «Автобус червоный» состоялось в новогодний вечер 1955/56 г. с первым в СССР вокально-инструментальным ансамблем «Дружба», которым руководил Александр Броневицкий. На следующий день о прекрасной талантливой незнакомке заговорил весь артистический Ленинград, и она стала солисткой ансамбля, в котором проработала до 1976 г.
В 1976 году Эдита Пьеха организовала свой ансамбль, музыкальным руководителем которого стал выпускник Ленинградской консерватории Григорий Клеймиц. Первое же выступление нового ансамбля на Всероссийском конкурсе исполнителей советской песни в Сочи в октябре 1976 г. принесло победу - коллектив был удостоен почетного диплома.
Со второй половины 1970-х годов певица начала выступать с сольными программами и за короткое время завоевала огромную популярность. География гастролей Э.С.Пьехи потрясает: она представляла советскую и российскую эстрадную песню в более чем 20 странах мира, а в некоторых из них - неоднократно (в Германии, на Кубе, в Польше и др.). Первой из советских артистов выступила в Боливии и Гондурасе, в Афганистане после апрельской революции 1978 г.
Первой из эстрадных артистов нашей страны Эдита Пьеха пела в Карнеги-холле в Нью-Йорке, дважды она выступала на сцене парижского зала "Олимпия", неоднократно в самых престижных концертных залах европейских столиц. Ей доводилось петь и на сцене Государственного Академического Большого театра, и для космонавтов в сеансах прямой орбитальной связи, и на заводах, и для оленеводов Чукотки, и в госпиталях Афганистана. В качестве сценической площадки часто выступали грузовики КАМАЗ - и в разрушенных землетрясением городах Перу и Армении, и в Чернобыльской зоне, и в Афганистане. На протяжении всей творческой деятельности много раз она выступала с шефскими концертами в воинских частях, была участницей культурной программы Олимпийских игр в Мюнхене и Москве. [268x235]
Французская изысканность, проявляющаяся во внешности и манере общения, изначально сделала Пьеху не похожей ни на кого на советской эстраде. Она является исполнительницей первых советских твистов и шейков, первой сняла микрофон со стойки, первой стала разговаривать с публикой на концертах. В репертуаре певицы песни известных композиторов О. Фельцмана, М. Фрадкина, А. Петрова, А. Пахмутовой на стихи Р. Рождественского, Н. Добронравова, И. Резника, а также А. Флярковского, А. Морозова, В. Успенского, С. Пожлакова.
Первые пластинки Э.С. Пьеха записала в 1956 г. За прошедшие с тех пор годы она выпустила более 10 дисков-гигантов на Всесоюзной фирме грамзаписи "Мелодия", песни с которых вошли в золотой фонд отечественной эстрады: "Огромное небо", "Город детства", "Венок Дуная", "Стань таким", "Наш сосед", и другие, а также три компакт-диска ("Я вас люблю", "Пьеха знакомая и незнакомая" и "Тем, кто любит Пьеху"). Многие песни были записаны фирмами грамзаписи во Франции, на Кубе, в ГДР, Польше. Общий тираж пластинок певицы достиг десятков миллионов экземпляров. За рекордные тиражи грамзаписей Эдита Пьеха была удостоена нефритового диска в Каннах (Франция).
Эдита Станиславовна Пьеха - Народная артистка СССР (1988 г.), лауреат премии Ленинградского комсомола, лауреат VI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Москве (1957 г., золотая медаль), IX Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Софии (1968 г., золотая медаль и первое место в конкурсе песен протеста), Всероссийского конкурса артистов эстрады, Международного эстрадного конкурса в Берлине, обладательница Российской национальной премии "Овация" в номинации "Живая легенда" (1996 г.). Осенью 1998 г. прошла церемония открытия именной звезды Э. С. Пьехи на Площади звезд у ГЦКЗ "Россия" в Москве. Она была членом жюри многих Всесоюзных и Международных песенных конкурсов и фестивалей. Если Петр Первый прорубил окно в Европу, то Эдита Пьеха открыла дверь на европейскую эстраду.
Певица имеет множество правительственных и неправительственных наград и титулов СССР, России, других государств, в том числе ордена: Трудового Красного Знамени, Дружбы Читать далее...

[525x568]Далёкий день, нам по шестнадцать лет, Я мокрую сирень ломаю с хрустом: На парте ты должна найти букет И в нём - стихи. Без имени, но с чувством. В заглохшем парке чуткая листва Наивно лепетала язычками Земные, торопливые слова, Обидно не разгаданные нами. Я понимал затронутых ветвей Упругое упрямство молодое, Когда они в невинности своей Отшатывались от моих ладоней. Но май кусты порывисто примял, И солнце вдруг лукаво осветило Лицо в рекламном зареве румян И чей-то дюжий выбритый затылок. Я видел первый раз перед собой Вот эту, неподвластную эпохам, Покрытую сиреневой листвой Зверино-торжествующую похоть. Ты шла вдали. Кивали тополя. И в резких тенях, вычерченных ими, Казалась слишком грязною земля Под туфельками белыми твоими... Но на земле предельной чистотой Ты искупала пошлость человечью, - И я с тугой охапкою цветов Отчаянно шагнул тебе навстречу. А. Прасолов klavdia-France

Адам Петрович Ожаровский
[517x599]
Александр Александрович Башилов
[523x599]
Александр Александрович Писарев
[530x600]
Александр Борисович Фок
[517x599]
Александр Иванович Талызин
[523x599]
Смотреть далее>>>

[590x416] Глухая ночь. Крадусь к окну. Стучу – ответа нет. А сердце бьётся, как в плену, Спеша увидеть свет. ....................................... Уж за полночь, уйти хочу, Забыть тебя, твой дом… Но нету сил, и я стучу - Ведь ты же за окном! А. Мишенков

Это цитата сообщения lipa_fv Оригинальное сообщение

Мне кажется, что никто не будет против, если Вам Доброго утра пожелают Карцев и Ильченко монологом Михаила Жванецкого "Воскресное утро"

[273x203]
Один из величайших пианистов «лириков джаза», реформатор джазового трио Билл Эванс (William John 'Bill' Evans) родился 16 августа 1929 года в Плейнфилде, шт. Нью-Джерси. Юношей он был отправлен в Юго-Западный Университет Луизианы, где обучался музыкальной грамоте и игре на флейте, а в 1950 году получил степень в качестве пианиста. Со своей интеллигентной внешностью он вполне мог быть профессором физики в одном из американских университетов, но стал одним из самых влиятельных пианистов в истории джаза XX века.
В годы становления Билл Эванс испытал на себе очень большое влияние классической музыки, в первую очередь – эпохи импрессионизма. Главными фигурами для него в этом отношении были великие французские композиторы Дебюсси и Равель. Он старался трансформировать их язык в джазе, и новизна его идей пришлась очень по вкусу многим представителям молодого джазового поколения. Причём, как мы знаем теперь, далеко не только в Америке. Именно поэтому без идей Билла Эванса просто невозможно представить себе развитие джаза второй половины XX века. Великий Лало Шифрин сравнивал его с Шопеном.
Билл Эванс приобрёл известность в профессиональных кругах в 1956 году, когда сделал свои первые записи. Затем он работал в ансамбле известного саксофониста Тони Скотта, и, конечно же, вехой в его карьере стала работа с великим джазовым трубачом, новатором Майлзом Дэвисом, в ансамбле которого он оказался в самом конце 50-х годов. Тем самым легендарным секстетом Майлза Дэвиса с участием Билла Эванса был записан в 1959 году, вероятно, самый влиятельный альбом в истории джаза XX века. Называется он "Kind Of Blue" ("Оттенок грусти"). [252x209]
В 1959 году Эванс организовал трио (с контабасистом Скоттом Ла Фаро и барабанщиком Полом Моушеном), в котором «провозгласил» равенство партнеров. Контрабас и ударные не были только аккомпаниаторами, а проводили свои мелодические линии, создавая непрерывный контрапункт по отношению к фортепиано.
В 60-е годы Б. Эванс нечасто выходил на сцену. Выступал он, в основном, в Нью-Йорке в клубе The Village Vanguard и в Лос-Анджелесе в клубе знаменитого барабанщика Шелли Мэнна (Shelly Manne). Тем не менее, это был очень успешный для него период, который принёс ему и большую известность, и очень высокую оценку профессионалов. В частности, именно тогда он получил свою первую премию "Грэмми" за альбом под названием "Conversations With Myself" ("Беседы с самим собой"). Альбом этот был необычен тем, что на нём мы слышали Билла Эванса, которые ведёт музыкальные диалоги действительно с самим собой. Он записал сначала одну партию на многоканальный магнитофон, а потом, надев наушники и слушая её, записывал другую. Так и получился этот удивительный альбом.
Очень высокую оценку критики получил и завоевал большой успех у любителей джазового искусства дуэтный диск пианиста Билла Эванса и другого выдающегося мастера, гитариста Джима Холла (Jim Hall) под названием "Undercurrent", вышедший тогда же, в 60-е годы.
Газета "Вашингтон пост" когда-то удивительно точно написала об этом музыканте: "Билл Эванс – один из величайших виртуозов в истории современного джаза, но его виртуозность не в пальцах, а в самом складе мышления, всегда направленном на превращение любого выступления в акт созидания, творчества, на то, чтобы всякий раз добиться нового видения композиции". [191x241]
В нашей стране из биографии этого великого музыканта часто вспоминают деталь, которая была, наверное, не слишком важна для самого Билла Эванса, хотя, говорят, он любил русскую музыку – и классическую, и духовную. Имеются в виду его русские корни по материнской линии. Хотя причина возникновения необычайного лиризма, который является наиболее характерной чертой стиля Эванса, может быть, как раз и кроется в том, что в детстве он много слушал русской музыки.
Билл Эванс рано ушёл из жизни. Это случилось в сентябре 1980 года, когда музыканту был всего 51 год. В памяти людей он остался как созидатель, лирик, музыкант - реформатор, без которого в настоящее время просто невозможно представить себе огромный, музыкальный мир современного джаза.

Бытует мнение, что красивых мужчин и красивых женщин на Земле одинаковое количество. Просто мужская красота реже описывается в литературе и искусстве. Возможно, это из-за того, что издавна в мужчине ценились другие качества, такие как сила и ум.
Как часто говорят: «Для мужчины внешность не важна, мужчина должен быть чуть-чуть получше обезьяны!» Между тем известно, что даже очень умным и сильным мужчинам не была чужда забота о своей внешности. Об этом говорит то, что заведения для причесывания мужчин были открыты значительно раньше, чем подобные заведения для женщин.
Еще в далекие времена в Европе определились два основных эталона мужской красоты: классический идеал греческих богов и герой северных легенд. Этот идеал широко представлен в живописи и скульптуре. Герой северных легенд — высокий мужчина с длинными ногами, светлыми волосами, синими глазами.
В средние века в Европе идеал мужской красоты стал несколько иным. Теперь это был рыцарь, обладающий слегка женственной внешностью, длинными светлыми локонами, голубоглазый, с хрупкой фигурой. Смелость не отменялась, но она должна была сочетаться с изысканной галантностью в поведении и элегантностью в одежде.
В эпоху Возрождения снова стали популярны мужественность, гордая осанка, однако по-прежнему ценилось внешнее изящество. Таков эталон мужской красоты в Италии XVI века.
В XVII веке многие мужчины стремились быть похожими на льва, поэтому носили парики рыжего цвета, напоминающие гриву «царя природы». Образец мужской красоты этого века — импозантный надменный мужчина с тонкими чертами лица, белокурыми волосами и мелодичным голосом, ловкий охотник, наездник и танцор, галантный в обращении с дамами, изысканно одетый, но имеющий весьма средние интеллектуальные способности.
В XVIII веке недостатки фигуры научились исправлять с помощью корсетов и подкладных подушек. Образцом для подражания становится гладко выбритый, украшенный накладными буклями, напомаженный, надушенный франт, ставящий целью жизни наслаждение.
Вторая половина XVIII века характеризуется новым стилем — романтизмом. Это отразилось и на представлении о мужской красоте, непременный признак которой теперь — одухотворенное лицо тонко чувствующего человека, овеянного ореолом благородства и духовного богатства.
В более поздние времена все больший общественный интерес привлекают политики, финансисты, актеры, художники, писатели. А к концу XIX века в моде деловой мужчина, скупой на чувства и их проявление, внешне подтянутый, с короткой стрижкой, в темном строгом костюме и галстуке.
С начала XX века моду на мужскую красоту диктует киноэкран. Он предлагает зрителям парад кинозвезд. Своим обликом и поведением красавцы разных континентов отражают представления о мужской красоте, соответствующей тому или иному времени, стране, даже определенному слою общества, подтверждая тем самым известную истину, что красота — явление социальное.
А в наше время уже и конкурсы красоты среди мужчин никого не шокируют. Но, как бы то ни было, в фаворе все-таки остаются мужчины спортивного телосложения, подборку фотографий которых я решил сегодня представить Вашему вниманию.
[700x520]
[700x525]
[700x560]
[700x560]
Смотреть дальше

[176x230]
«…В мире было всего несколько кларнетистов, которые смогли заполнить пустоту, оставшуюся после Бенни Гудмана. И нет сомнений, что Кен Пепловски один из них. Этот парень просто маг». Вот так, одним кратким высказыванием Мэл Тормэ очертил и уровень мастерства, и место Кена Пепловски в современном джазе.
Детские годы Кена Пепловски прошли в Кливленде. Он рано взял в руки инструмент и еще в школьные годы выступал на радио и телевидении, играл на танцах и свадьбах. "Вот где я научился импровизировать, узнал об аккордах и т. д. - это именно то, как научиться плавать, будучи брошен в воду!" – говорил он позже.
В отличие от саксофона и флейты, на кларнете более сложная аппликатура, которая не позволяет с легкостью импровизировать и транспонировать мелодию. Именно поэтому после исчезновения больших оркестров кларнет постепенно был почти полностью вытеснен саксофоном. Однако в последние годы появилось сразу несколько очень интересных джазовых кларнетистов, и среди них Кен Пепловски занял особое место. Он соединил в своей музыке свинг 30-х с босса-новой 60-х и downtown-стилем 90-х. Он не боится экспериментировать, записываясь не только в традиционных составах, но и с симфоническим оркестром, с квартетом кларнетистов, в дуэте с гитарой. [211x195] У него очень «поставленное», даже просто шикарное звучание — мечта любого духовика, но иногда такая гладкость и благолепие начинают раздражать: ухо джазмена со стажем требует какой-нибудь вольности, даже шероховатости. Хотя придираться к этому совершенно неприлично: должен ведь быть и просто красивый, ласкающий ухо, гармоничный, сбалансированный во всех отношениях джаз.
Настоящей профессиональной школой для Кена стал оркестр Томми Дорси под управлением Бадди Морроу. Как вспоминает сам Пепловски: «Мы учились дисциплине и играли каждый день, на протяжении 48 недель в году. Бадди был великолепным и очень щедрым бэндлидером».
В 1980 году Кен перебрался в Нью-Йорк и тут перепробовал практически всё — от диксиленда до авангарда. Играл в команде Бенни Гудмена на тенор-саксофоне, когда в 1984 году мэтр вернулся на сцену и собрал новый бэнд.
"Когда ты вырастешь, в Кливленде, штат Огайо, играя в польской группе, ты научишься думать быстро ", - говорит Пепловски. "С первого раза, выступая в общественных местах, я знал, что хотел играть музыку для жизни». [229x164]
Кен Пепловски не только выдающийся кларнетист и саксофонист, но также харизматичный артист, который радует зрителей на протяжении 30 лет своей теплотой, остроумием, и музыкальностью.
Предлагаю послушать три замечательные подборки пьес в исполнении Кена Пепловски, характеризующие его как великого музыканта-импровизатора современного джазового направления.

Кларнетист Кен Пепловски



Саксофонист-тенорист Кен Пепловски



Оркестр Кена Пепловски



Кен Пепловски на сцене концертного зала

[537x700]

[529x600]

[549x700]

[512x629]

Смотреть далее

[192x250]
В 1933 году в «Серебряном оркестре города Престона», что в английском графстве Ланкастер, появился новый корнетист, которому сразу же доверили первую партию. Это событие осталось бы вполне заурядным, не будь корнетист столь юн — ему только что исполнилось 11 лет. Но даже и об этом редком проявлении музыкальной одаренности можно было бы не упоминать, если бы молодым виртуозом не был Эдди Кэлверт, один из самых известных на Британских островах трубачей-солистов и лидеров оркестров популярной музыки.
Родился Эдди Кэлверт 15 марта 1922 года в Престоне (Великобритания). Члены его семьи были страстными поклонниками и энтузиастами духовой музыки, и как следствие, Эдди научился играть на многих духовых инструментах, в том числе и трубе. Он начал выступать в составе любительских оркестров, а вскоре и в популярных профессиональных танцевальных коллективах. Эдди стал широко известен благодаря виртуозности своих концертных выступлений, а также частым выступлениям по телевиденью в составе оркестра Стенли Блэка. В это время он получил имя “Человек с золотой трубой”.
[284x188]На другой берег Ла-Манша слава Кэлверта перешагнула только в 1953 году, когда вышла пластинка, где он наиграл медленную, сентиментальную мелодию «О мой папа» из одноименной оперетты швейцарского композитора Пауля Буркхардта. Пластинка разошлась тиражом более миллиона экземпляров и надолго вошла в репертуар европейских музыкальных радиопередач в качестве своеобразной колыбельной. Эта композиция возглавляла рейтинг в Великобритании в течении девяти недель и принесла Эдди Кэлверту первый в истории “золотой диск” когда-либо вручаемый инструменталисту.
Через два года Эдди Кэлверт и его оркестр получают национальную премию за работу в грамзаписи. Слушатели среднего и старшего поколения не могут не помнить знаменитое глиссандо (вниз и ввысь) — тугой, парящий звук его трубы в пьесе (латиноамериканского толка) француза Жака Ларю «Розовая вишня и белый цветок яблони». В конце 50-х и начале 60-х годов не было на европейских эстрадах трубача-солиста, который не включал бы этой пьесы в свой концертный или танцевальный репертуар. Первым исполнителем и этого глиссандо и этого соло был Эдди Кэлверт. [200x250]
За прошедшие с тех пор два десятилетия стиль Кэлверта не изменился, лишь аранжировка и вся звуковая «оправа» его стали респектабельней, роскошнее.
В окружающей нас музыке всегда находилось место для серенады (проникновенно и пылко повествующей о томлении неразделенной любви). Знаменитые серенады пели знаменитые тенора. Эдди Кэлверт доказал, что серенады можно спеть на трубе. Названия его популярных пьес — «Одиночество», «Ностальгия» — говорят сами за себя.
Кэлверт всегда питал слабость к красивой, напевно льющейся мелодии, такой, чтобы ее хотелось повторять снова и снова. Поэтому он редко варьирует темы своих пьес и вообще, избегает какого-либо драматизма в их развитии. Это песни без слов, это мечтательные танцы, это музыка тихих ночных прогулок, когда голос долго не затихает вдали. Это приятный музыкальный фон для домашней беседы или какого-либо занятия. От мягкого, как сердцебиение, ритма, от бархатных инструментовок, от жаркого, полнокровного, пульсирующего звука трубы веет негой и покоем, как от амстердамских тюльпанов на клумбах старого парка. Он обращается к вам и играет только для вас.

Это цитата сообщения Biruza9

Старый патефон.

 

Это цитата сообщения LAT

[497x61] [показать]