[487x400]Автопортрет
Искусство Павла Филонова (1883-1941) явилось одной из самых ярких страниц в русском изобразительном искусстве первой трети ХХ века. Оно заключало в себе во многом новое философское ощущение действительности, а также оригинальный художественный метод, не оцененные до конца ни современниками, ни историками искусства последующих десятилетий. Фигура Филонова во всей ее масштабности стала закономерной для своей эпохи. Драматическая творческая концепция мастера сложилась накануне первой мировой войны, а его основные художественные приемы возникли и оказались развитыми в полемике с мастерами европейского авангарда начала ХХ века, особенно кубизма и футуризма.
Павел Николаевич родился в Москве 27 декабря 1882 года по ст. стилю, то есть 8 января 1883 — по новому, но родители Филонова, как он сам пишет, — «мещане г. Рязани»; все многочисленные члены семьи значились в податных книгах и посемейных списках Рязанской мещанской управы до 1917 года.
Отец — Николай Иванов, крестьянин села Реневка Ефремовского уезда Тульской губернии, до августа 1880 года — «бесфамильный»; предположительно, за ним фамилия «Филонов» была закреплена при переезде семьи в Москву. П. Филонов указывает, что отец работал кучером, извозчиком. О матери, Любови Николаевне, он сообщает лишь то, что она брала белье в стирку. Так и не установлено где в Москве жили Филоновы — в городском ли доме господ Головиных или служили у них, имели ли свое дело…
1894−1897 — ученик городской («Каретнорядной») приходской школы (Москва), которую окончил с отличием; за год до того от чахотки умерла мать.
После переезда в Петербург в 1897 году Филонов поступил в живописно-малярные мастерские и по окончании оных работал «по малярно-живописному делу». Параллельно, с 1898 года он посещал вечерние рисовальные классы Общества поощрения художеств, а с 1903 года — учился в частной мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского (1849—1916).
В 1905—1907 гг. Филонов путешествовал по Волге, Кавказу, посетил Иерусалим.
[647x426]Пейзаж.Ветер 1907
[578x550]Маги(мудрецы)
[428x643]Икона св.Екатерины 1908-10
[640x501]Бегство в Египет 1918
В 1908-1910 годах Филонов пытался завершить свое профессиональное обучение как вольнослушатель Высшего художественного училища при Академии художеств (среди его преподавателей были Г. Мясоедов и Я. Ционглинский). Но принципиальное расхождение с академической профессурой в понимании задач и метода творчества побудило его покинуть училище и начать самостоятельный путь художника.
[695x392]Головы 1910
[610x482]Масленица 1912-1914
Дореволюционный период творчества Филонова был очень плодотворным: молодой художник уже с конца 1910 года оказался одной из ведущих фигур объединения "Союз молодежи», в который вошли представители художественного авангарда Петербурга и Москвы. В 1913 году к Союзу примкнула группа литераторов "Гилея» - поэты-футуристы В. Хлебников, В. Маяковский, А. Крученых, В. Каменский, Д. и Н. Бурлюки и другие. Филонов участвует в работе над декорациями к трагедии «Владимир Маяковский»
Муха (Муша -по-французски) Альфонс (Mucha Alphonse Maria,1860—1939) - чешский живописец,
декоратор, график, основатель и мастер театральной и рекламной афиши в стиле
модерн, в частности стиля Арт Нуво (Art Nouveau).
[314x600]Альфонс Мария Муха родился в чешском городке Иванчице, недалеко от Брно,
в семье мелкого судебного чиновника. Здание суда, где работал отец художника, стоит до сих пор,
и сейчас в нем открыт музей Мухи-младшего.
[300x369]Мальчик с детства хорошо рисовал и пытался поступить в Пражскую Академию художеств,но безуспешно.
После гимназии он работал писарем, пока не нашёл по объявлению работу помощника
художника-декоратора в венском «Рингтеатре» и не перебрался в столицу Австро-Венгрии.
В Вене по вечерам он посещал курсы рисования и делал первые иллюстрации
к народным песням. После того как театр сгорел, Альфонс вынужден был переехать в
чешский город Микулов, где писал портреты местных дворян.
Там он познакомился с графом Куэн-Беласи -человеком, сыгравшим в его жизни очень важную роль.
Муха занимался декорированием графского замка, и аристократ был очарован его работами.
В результате Куэн-Беласи стал меценатом молодого художника.
Он оплатил Альфонсу два года обучения в Мюнхенской академии изящных искусств.
В 1888 году Муха переехал в Париж и там продолжил образование.
Многие в то время стремились в столицу Франции — ведь тогда это был центр нового искусства:
Эйфель уже сконструировал трехсотметровую башню, шумели Всемирные выставки, а художники ломали
каноны и пропагандировали свободу. Однако финансовые дела графа ухудшились,
и Муха остался без средств к существованию.
В Париже Альфонс Муха впервые занялся оформительством, установил связи с издательствами,
начал создавать обложки и иллюстрации. Писал он маслом,
а его живопись переводили на язык ксилографии.
Он долгое время перебивался мелкими заказами, пока в его жизни не появилась Сара Бернар -
блистательная французская актриса.
Возможно, Муха достиг бы успеха и без нее, но кто знает…
[359x580]Сара Бернар
О Саре : http://blogs.mail.ru/mail/guseva-margarita/2814EB3A9EA78E74.html
[401x600]Сара Бернар
[289x800]Сара Бернар на плакате Мухи к спектаклю «Жисмонда».
В 1893 году, перед Рождеством, Муха получил заказ на создание афиши к спектаклю «Жисмонда»
театра «Ренессанс», которым владела Сара Бернар.
Художник изобразил приму, игравшую в спектакле главную роль, на необычном по форме плакате —
длинном и узком. Это подчеркнуло ее царственную осанку, распущенные волосы актрисы Муха
украсил венком из цветов, в тонкую руку вложил пальмовую ветвь, а взгляду придал томность,
создав общее настроение нежности и неги. Ничего подобного до Мухи никто не делал.
Чтобы заполучить плакат, коллекционеры подкупали расклейщиков или срезали «Жисмонду» ночью с заборов.
Неудивительно, что актриса пожелала познакомиться с автором и заключила с ним контракт о сотрудничестве.
В театре Бернар Альфонс работал шесть лет. «Дама с камелиями», «Медея», «Самаритянка»,
«Лорензачио» — все эти
Владимир Иванович Бурмакин
Художники Узбекистана
Владимир Иванович Бурмакин - Академик, Заслуженный деятель искусств Узбекистана родился 9 января 1938 г. в Ташкенте.
Творить новую природу, извлекать из глубины подсознания неудержимую фантазию, вплавливая её в безудержном вареве красок на упругий, сдерживающий натиск и агрессию холст, суть художника. Его духовность выросла из природы, взяв из неё самое ценное, это - осознание жизни.
Холст написан, создана еще одна реальная нереальность, которую можно пощупать, погладить, понюхать, впиться глазами во все уголки извилистых и бесконечных форм, перевернуть, если надо, с ног на голову, поставить на правый или левый бок, дав при этом импульс совершенно новому ощущению.
Одиннадцать лет отдано профессиональной подготовке (первые годы обучения у народного мастера, резчика по ганчу - Ташпулата Арсланкулова), затем учеба под руководством известного портретиста, Народного художника Узбекистана Абдулхака Абдуллаева. Заканчивал Владимир Бурмакин учебу в училище под руководством заслуженного деятеля искусств В.И. Жмакина, с 1959 по 1965 годы учеба в Ташкенском Театрально-художественном институте, под руководством профессора, Народного художника Узбекистана, академика Р.А. Ахмедова.
Владимир Бурмакин был одним из первых, если не сказать первым, художником в Узбекистане, которому удалось всколыхнуть устоявшее представление и стереотип мышления. Большая персональная выставка в 1969 году в зале "Дома знаний", расположенного в центре Ташкента, позволила совершенно иначе взглянуть на сам процесс творчества. Выставка ожесточила и озлобила одних и дала надежду и веру в безграничные возможности творчества другим. Три десятка лет после той выставки не ослабили внимания к творчеству этого художника, всегда оригинально мыслящего, неожиданного как для своих коллег художников, так и для поклонников его таланта. Работы Владимира Бурмакина несут в себе энергию здоровой, нравственной и духовной силы. Рожденные природой подсознания, проверенные затем логикой и разумом, они утверждают радость бытия и силу творческого духа, данную человеку Богом и природой. В этом художник видит свое предназначение.
За эти, далеко не безмятежные творческие десятилетия, художником созданы сотни живописных и графических работ. Он участвовал во многих выставках у себя на родине в Узбекистане, в России, за рубежом. Это страны: Англия, Франция, Америка, Германия, Болгария, Турция, Польша. Его работы находятся во многих музеях, галереях и частных собраниях мира. Так в Германии, под Кельном, в галерее ЭКЮ-Отеля города Гуммерсбаха собрано около 200 работ художника, куда он выезжает для творческой работы.
За годы творческой деятельности Владимир Бурмакин посетил Францию, Австрию, Швейцарию, Марокко, Индию, Маллазию, Сингапур, Болгарию, Кубу.
Он мечтает об Италии, Испании, Мексике.
Работы Бурмакина украшают дворец "Дружбы Народов", станцию метрополитена "Пахтакор", спортивный комплекс "Трудовые резервы", его росписи на фасаде ресторана "Зеравшан", его мозаики украшают ташкентский ипподром, им расписан зал аэропорта, зал сената Ташкента.
Более сорока лет художник отдал педагогической работе, преподавая в художественных заведениях Ташкента, воспитав десятки талантливых мастеров, чьи имена вошли в списки известных художников Узбекистана.
Ему присвоено звание "Заслуженного деятеля искусств Республик Узбекистан". В 1997 году Владимир Бурмакин был избран Действительным Членом Академии, ему присвоен почетный титул - Академик. В 2005 году Владимир Бурмакин награждён орденом.
[500x698]
[500x655]
[500x643]
[500x656]
[500x580]
Абдуллаев Абдулхак Аксакалович
(1918.30.XII – 2001)
Художник –живописец.Член Союза художников СССР.Заслуженный деятель искусств УзССР(1950).Народный художник УзССР(1968).А.Абдуллаев - один из ярких представителей художников первого поколения живописцев Узбекистана, на протяжении всего творческого пути верного традициям реалистической школы живописи.Абдулхак Абдуллаев родился в 1918 в.г. Туркестане.Склонность к рисованию определилась у него в детстве. „Я очень любил животных, - вспоминает художник, - с интересом наблюдал за ними, узнавал их повадки, характер и тут же пытался вылепить их из глины или нарисовать на стенах дома углем".В 1928.г мальчик поступает в трудовую школу в Ташкенте, где наряду с другими предметами учащихся знакомили с основами рисования.В школе он начинает серьезно думать о профессии живописца.Осуществлению этого стремления помог счастливый случай: в 1931.г школа была переведена в Самарканд, где находилось художественное училище. Абдуллаев написал копию с портрета какого-то актера и, когда ее рассмотрели в училище, он был зачислен студентом без приемных экзаменов.Училище в Самарканде, обладавшее к тому времени сильным составом педагогов, считалось одним из лучших в стране.Учителями молодого художника были педагоги –Л.Л.Бурэ, З.М.Ковалевская, П.П.Беньков.Особенно большим уважением и популярностью пользовался П.П.Беньков -прекрасный педагог и замечательный художник. Он учил своих воспитанников верно видеть и правильно изображать предметы окружающего мира, требовал строгого и точного рисунка, максимального приближения к реальному цвету.В художественном училище Абдуллаев ревностно, с увлечением учится и вскоре делает успехи: в 1934.г в Москве открылась первая выставка узбекских художников, на которой была экспонирована работа молодого живописца „У хауза”. Эта работа, привлекавшая к себе внимание свежестью живописи, была приобретена Государственным музеем восточных культур.Бывая в Москве, художник посещает Третьяковскую галерею, Музей им, Пушкина и вдумчиво изучает полотна великих мастеров кисти и резца.Особенно пленяли молодого художника работы Репина. Он часами простаивал у „Протодьякона", восхищаясь могучей силой репинского гения. Именно здесь у художника зародилось желание испытать себя в жанре портрета.В 1936.г Абдулхак Абдуллаев оканчивает художественное училище с твердым намерением продолжать свое образование, В течение двух лет он мною и упорно работает, пишет портреты и пейзажи.В 1937.г, когда в Москве была организована вторая выставка произведений узбекских художников, Абдуллаев представил две работы: портреты брата и товарища.Вторая работа выделялась широкой манерой письма, стремлением раскрыть характер человека. С этого времени можно говорить о повороте Абдуллаева к искусству портрета.В 1938.г художник-поступает в Московский художественный институт, им. Сурикова. Однако закончить учебу Абдуллаеву не удалось: помешала начавшаяся Великая Отечественная война;.В начале. 40-х годов художник выполняет целую серию портретов людей колхозного кишлака.Пять лет упорного труда позволили Абдуллаеву приступить к созданию сложных портретов-образов. Первой такой работой был портрет народного артиста СССР лауреата Сталинской премии Абрара Хидоятова (1946).По собственному признанию Абдуллаева, его неизменно привлекают люди волевые, энергичные, темпераментные.Страстное желание написать портрет актера зародилось у художника тогда, когда он увидел Хидоятова в его коронной роли Отелло.Начиная писать портрет Отелло-Хидоятова, художник еще не представлял отчетливо, как изобразить актера. Хидоятов сам подсказал ему решение этой задачи, придя на сеанс в гриме и костюме Отелло. «Мне так понравилось костюм, грим, выражение и поза, которые принял Хидоятов, - вспоминает Абдуллаев, - что я, ничего не меняя, сразу же стал его писать".Портрет Абрара Хидоятова был одобрен зрителями.Ободренный успехом, Абдуллаев в том же году начал писать два портрета.Внимание художника привлекли другие видные деятели театра им. Хамзы: народная артистка СССР С. Ишантураева и народный артист республики М.Уйгур.Портрет Маннона Уйгура, законченный в 1947 году по силе выразительности, по меткости характеристики и глубине раскрытия состояния человека - один из наиболее сильных образов в творчестве Абдулхака Абдуллаева.Постоянно думающий, обуреваемый творческими замыслами и планами, таким остался в нашей памяти этот талантливый режиссер.Таким предстает перед нами Уйгур и на портрете.В 1948.г Абдуллаев создает портреты народных мастеров Усто Ширин Мурадова, Ташпулата Арсланкулова и несколько вариантов портрета знатного хлопкороба Назарали Ниязова.Стремление
[600x454]
Автопортрет со скелетом, 1896
Ловис Коринт 1858-1925 (полное имя - Франц Генрих Луис Коринт, нем. Lovis Corinth) родился 21 июля 1858 года в Тапиау (ныне - Гвардейск). Его отец был человеком весьма решительным: так, Генрих Коринт совсем юным влюбился в женщину, чей супруг умер, оставив ей кучу долгов и пятерых детей. Генрих Коринт женился на бедной вдове. Ловис был их единственным общим ребёнком.
Генрих Коринт держал кожевенную мастерскую и имел довольно крупное фермерское хозяйство. В работе ему помогали дети жены - своему единственному и горячо любимому сыну он прочил совсем иное будущее. Поэтому отправил его, восьмилетнего, в Кёнигсберг, к тётке. Мальчик посещал Кнайпхофскую гимназию.
[437x599]
[446x599]
[453x600]
[600x330]
[600x422]
Его картины, висевшие в доме Греты Гарбо, ставили в тупик экспрессивной мистикой, пока однажды не были конфискованы нацистами как "дегенеративное искусство". Сегодня они принадлежат к золотому фонду европейского авангарда, а их автор считается выдающимся художником русского зарубежья.
[372x500] Женщина с пионами. 1909 г.
Алексей фон Явленский
(1864-1941)
«Немецкий художник, выходец из России» или наоборот: «русский художник, один из ярких представителей немецкого экспрессионизма» - так характеризуют Алексея Явленского энциклопедические словари. Художник большую часть жизни прожил за границей, и его имя гораздо лучше известно за пределами России, чем на родине. Явленский создал более трех с половиной тысяч произведений, его работы хранятся во многих музеях и частных коллекциях Европы и Америки, но в российских собраниях их не больше двух десятков. В то же время, чем дольше Явленский жил в Европе, тем явственней проявлялась глубинная связь его творчества с русской культурой.
[600x569] 'Landscape near Marseille', 1907
[357x600] [564x600] [572x600] «Портрет танцора Александра Сахарова»
1909
[600x509] Фабрика (1910)
[414x600] Алексей Явленский__Автопортрет (1912)
Алексей фон Явленский родился 13 марта 1864 года в Торжке. Он был русским гвардейским офицером, но его влекла живопись. В конце концов, он решил оставить военную службу и посвятить себя целиком живописи. Алексей являлся учеником Ильи Репина при Петербургской академии художеств.
В 1896 году он переехал в Мюнхен, где вместе с Василием Кандинским поступил в художественную студию Антона Ажбе.
Имя Явленского тесно сопряжено с именем Василия Кандинского. Явленский был свидетелем того, как Кандинский в 1910 г. сделал последний шаг к беспредметному искусству, но, хотя многие работы Явленского этого периода были близки к опытам Кандинского, «его приближение к беспредметности останавливается едва ли не на последней грани» (М. Герман. «Модернизм»).
В 1902 году у него родился сын Андрей, чьей матерью была возлюбленная художника Елена Незнакомова.
После мюнхенского реализма он писал в стиле Ван Гога вплоть до 1908 года, когда под влиянием французских художников он развил свой собственный стиль цветовой гаммы, сохранённый им до начала первой мировой войны.
[450x368] Melancholy in the Evening - Wasserburg on the Inn by Alexei Jawlensky
В 1909 году он основал «Новое мюнхенское художественное объединение», предшествовавшее «Синему всаднику», группе, которую создали Кандинский и Франц Марк и к которой тесно примыкал сам Явленский. Он выставлял свои работы совместно с работами художников группы. в 1912-13 гг. вошел в группу "Синий всадник".
[600x551] «Дом в горах»_1912
[600x438] Одиночество_1912
Примерно в это время созданные им кратины кажутся близкими марнауским опытам Кандинского.
В 1914 году, после начала войны, Явленскому пришлось покинуть Германию и переселиться в Швейцарию. Здесь он начал свои «Вариации» – цикл работ, посвящённый ландшафтной тематике.
В Висбадене Явленский познакомился с коллекционером и меценатом Генрихом Кирхгофом, который стал его материально поддерживать. С 1914
[600x324]
Self-Portrait with his Wife, 1900.
Эдвард Окунь (1872-1945) — польский художник, рисовальщик,иллюстратор.Представитель польского дворянского рода герба Белина. Получил прекрасную профессиональную подготовку в области изобразительного искусства. В 1890—1891 г. обучался рисунку и живописи в варшавском Классе Рисования В. Герсона, затем в 1891—1893 — в школе изобразительных искусств в Кракове (ныне Академия
изобразительных искусств) под руководством Исидора Яблонского и Яна Матейко, продолжил совершенствоваться в академии Мюнхена (1893) и в Париже (1894). Затем вернулся в Мюнхен. С 1898 года более 20 лет провëл в Риме.
В 1925—1930 г. — профессор Школы изящных искусств им. Герсона в Варшаве, в 1933—1934 — был еë директором.Член Товарищества польских художников «Искусство» (Sztuka).16 декабря 1922 г. был свидетелем убийства на художественной выставке в Варшаве первого президента Польши Г. Нарутовича. Вместе с одним из адъютантов президента задержал убийцу Элигиуша Невядомского, критика-модерниста и художника.
Во время Второй мировой войны жил в Варшаве. После Варшавского восстания переехал в Скерневице, где в январе 1945 года был убит случайной пулей на улице.
Э. Окунь — представитель польского модерна и символизма, автор многих портретов, идиллических пейзажей с элементами фантастичности, с доминирующим чувством декоративности и внимания к колористики. Сначала он писал реалистические композиции.В отдельных случаях сам изготавливал резные рамы для своих картин.
[600x493]
Wojna i my
[500x479]
Mazurek Chopina (fragment), 1911
[600x460]
Philistines
[600x472]
Portrait of the artist’s wife, 1907
[479x600]
Portret Pani Herse
[407x596]
Jesień w Sabińskich Górach
[600x475]
Pejzaż włoski
[451x600]
Zwycięzca
[559x500]
Edward Okuń Gold yarn, c. 1920
[423x600]
[461x600]
Wieśniaczka z Kampani
[523x600]
Pomarańcze i cytryny
[600x436]
Ruiny nad morzem
[323x600]
Chrystus śnieżny
[600x377]
Иуда
[395x600]
Wodospad
[600x406]
Jesienne liście
[600x394]
Ogród - prymulki i cynerarie
Автор - Т.Тимофеева Сообщество "Картины великих художников"
Ефим Васильевич Честняков родился в 1874 году. Умер — в 1961-м.
Его творческая деятельность непосредственно как художника и поэта закончилась где-то в конце 1920-х — начале 1930-х годов, когда он стал физически слаб, остался совсем без какого-либо имущества, которое могло бы поддержать его творческую работу. У него уже не было ни красок, ни холстов, ни бумаги. Кормился он тем, что подавали соседи и приходящие за лекарской помощью крестьяне.
И тем не менее, ему была дана долгая жизнь — почти 88 лет.
[419x435]
Что о нем говорит википедия:
Ефи́м Васи́льевич Честняко́в (Евфи́мий Само́йлов) (1874, д. Шаблово Кологривского уезда Костромской губернии — 1961, д. Шаблово Кологривского района Костромской области) — русский художник (портреты и сказочные сюжеты в русле псевдонаивного искусства), писатель (сказки, сказания, роман в стихах, стихи, размышления), скульптор (мелкая глиняная пластика), создатель детского театра в Шаблово. Пик творчества пришёлся на первую четверть XX века.
«В самом раннем детстве сильнейшее влияние имела бабушка. Она много рассказывала сказок про старину… Дедушка был мастер рассказывать про свои приключения… Он рассказывал и сказки, и не забуду, как чудно рассказывал. От матери слушал сказки и заунывные мотивы. Отец перед праздниками вслух читал Евангелие. Поэзия бабушки баюкала, матери — хватала за сердце, дедушки — возносила дух, отца — умиротворяла…»
[600x480] «Тетеревиный король»
[500x273]
Имя этого замечательного человека стало широко известно только в 1968 году, когда летом экспедиция сотрудников Костромского музея благодаря счастливой случайности обнаружила его картины и глиняные скульптуры в деревне Шаблово, где он родился и жил. После восстановления московскими реставраторами произведения мастера были выставлены для обозрения в музеях Москвы, Петербурга, Турина, Флоренции, Парижа и всюду пользовались большим успехом: так ярки, необычны, глубоко искренни они были.
Еще не изданы многие литературные труды Честнякова: роман, повести, сказки, пьесы. Еще ничего почти не известно о последнем тридцатилетнем периоде жизни художника. Недавно ничтожно малым тиражом вышел сборник поэзии Ефима Честнякова. И сразу же будто яркий цветной луч осветил его картины, и еще заметнее стало, что лирика его и живопись вдохновлялись огнем сердечного знания.
[441x600]
[600x498]
[600x325] «Детские игры»
Честняков, Ефим Васильевич родился в деревне Шаблово (Костромская губерния) 19 (31) декабря 1874 года в крестьянской семье. Первые уроки рисования получил в Кологривском уездном училище, которое окончил в 1889 году. После семинарии работал учителем в селе Здемирово, Костроме и селе Углец. В 1899 году приехал в Петербург, поступив в мастерскую живописи и рисования княгини М.К.Тенишевой, а затем в Высшее училище при Академии художеств, однако в 1903 году оставил его. С 1905 года обосновался в родной деревне.
В строгом смысле Честнякова, прошедшего профессиональную школу, нельзя считать самоучкой. Однако его "наивное искусство" ближе всего к манере тех самодеятельных мастеров, которые не следовали классико-академическому канону, поскольку просто (подобно Н.Пиросманашвили) не ведали его. Честняков этот канон знал, но в итоге отверг. Его живопись формировалась как непрерывное фольклорное действо из отдельных сцен-картин (впечатлению сценического единства способствует и тот факт, что мастер не датировал свои работы, тем самым затруднив их хронологическую оценку). Отдельные "посиделки", "свадьбы", "коляды" подчинены лейтмотиву Города всеобщего благоденствия, существующего и в виде отдельной композиции. По сути, это народный спектакль о рае, творимом средствами искусства.
[600x595]
«Сказочный
[600x418]
В. А. Серов
Похищение Европы, 1910
Используя характерный для эстетики модерна приём стилизации, Серов первым создает свою, далекую от академических канонов, версию античного сюжета.
Идея написать «Похищение Европы» приходит Серову во время его поездки с Бакстом в мае 1907 в Грецию, посещения острова Крит и изучения найденных там археологами остатков Кносского дворца, украшавших его фресок и других памятников критской культуры. Существуют многочисленные свидетельства того, что эта поездка была им предпринята в целях работы над росписями, предназначенными для Музея изящных искусств в Москве. Исследователи творчества Серова обращают внимание и на то, что художник создавал именно декоративное монументальное панно, а не станковую картину.
Сюжет картины, взятый Серовым из древнегреческой мифологии, принадлежит к одному из наиболее популярных сюжетов мирового искусства, связанных с античной культурой. Зевс влюбился в Европу, дочь финикийского царя Агенора, и явился царевне и ее подругам, гулявшим на берегу моря, в виде прекрасного быка. Девушки забавлялись игрой с быком, украшая его рога цветочными гирляндами. Когда Европа решилась сесть на спину быка, тот бросился в море и увез царевну на остров Крит, где она стала женой Зевса, родив ему впоследствии трех сыновей-героев.
Композиционное решение полотна было им найдено достаточно быстро. С высокой линией горизонта, она построена на диагональном движении форм. В 1909—1910 годах Серов лишь продолжает поиски масштабных соотношений ее элементов, подчеркивающих монументальность произведения. Он вытягивает, трансформирует силуэты быка и дельфинов, чтобы подчеркнуть динамику общего композиционного движения. Очень выразителен и особо «упругий» ритм этого произведения. Горизонталь неба и моря как бы взрыты поднимающимися волнами. Море неспокойно, оно вздымает валы. Дельфины повторяют движение плывущего Зевса, чем усиливают динамику композиции.
В колористическом решении Серов также отступил от традиции, использовав ту гамму, которая привлекала его в тот период. Так, быка вопреки сложившимся в искусстве представлениям, он сделал не белоснежным, а рыжим. Это ярко-оранжевое пятно на фоне сине-фиолетового моря необычайно красиво и выразительно. Хотя новаторский замысел остался в итоге неоконченным в связи с безвременной кончиной художника, исследователи сходятся о том, что в «Похищении Европы» Серов нашел не только свой новый изобразительный язык, но и открыл новый вариант утверждавшегося художественного стиля.
По некоторым свидетельствам, Серовым было создано 6 вариантов картины.
[600x412]
[600x483]
Помимо наиболее часто упоминаемого в источниках варианта из собрания ГТГ, существуют два одноимённых эскиза меньшего размера в той же ГТГ и ГРМ (40 х 52 см, темпера, гуашь, картон). Наиболее завершённый вариант композиции Серова (холст, темпера, 138 х 178 см) до 1996 года хранился у наследников художника. С 1996 года, по соглашению между ГТГ и наследниками, находился на временном хранении в ГТГ в экспозиции музея. В 1999 работа была приобретена у наследников для частного собрания (в качестве нового владельца называется В. Кантор).
Все варианты можно посмотреть по ссылке:
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Rape_of_Europa_%28Serov%29?uselang=ru
Загадочна и трагична судьба этой картины. Не одно поколение историков и поклонников искусства пыталось узнать: кто позировал художнику и почему мастер столь вольно интерпретировал древнегреческий миф о Данае? А может, это и вообще не Даная изображена на полотне?
Итак, сюжет. Даная, дочь арагосского царя, оказалась в очень непростом положении.
Отец, узнав от оракула, что ему суждена смерть от руки внука, заключил ее в подземные покои из бронзы и камня. Чтобы никто не видел ее, не пленился красотой и не похитил. Заключить-то заключил, но от судьбы, как известно, ни спрятаться, ни скрыться. Каким-то таинственным образом красавицу узрел громовержец Зевс и воспылал к ней страстной любовью. Он проникает к ней в покои под видом золотого дождя, и там, глубоко под
землей, Даная становится его возлюбленной. От этого брака у нее родился сын, которого она назвала Персеем… Узнав об этом, разгневанный Акрисий распорядился замуровать дочь и внука в ящик и бросить в море. Но ящик был выловлен, заточенные в нем мать и сын спасены. Как рассказывается далее в легенде, Персей, обладавший огромной силой и мужеством, совершил много подвигов. Сбылось и пророчество оракула. Однажды, участвуя в соревновании по метанию диска, Персей оказался в стране своего деда. Неточно брошенным диском он убил Акрисия.
Но Персей и его подвиги — это другая история. Сейчас — о Данае, которая, надо сказать,
пользовалась популярностью у живописцев в разные, в том числе античные, времена. Есть “Даная” у Корреджо, Тициана, Тинторетто, Веронезе, Пуссена. У одних, как у Корреджо, бедра красавицы прикрыты легкой тканью, у других — Тициана — на картине роскошная молодая женщина, в сладкой истоме разбросавшаяся на ложе без каких-либо прикрытий, если не считать браслета на руке.
[600x458]
Тинторетто. Даная и золотой дождь.
[600x381]
Тицман. Даная. Государственный Эрмитаж, С.-Петербург
[600x480]
Корреджо. Даная. 1531 Галерея Боргезе, Рим
Но,пожалуй, самая известная “Даная” — Рембрандта. На богатом ложе возлежит молодая женщина. Она основательно открыта зрителям, ткань закрывает лишь ступни и икры ног, а все остальное во всем великолепии выписано весьма реалистично — свисающий рыхловатый живот, небольшие груди, пухлые коленки, покатые плечи. “Боже, какая красота, настоящая Даная”, — вздыхают некоторые зрители, глядя на картину. Но тут начинается самое загадочное. А Даная ли это?
Прежде чем оказаться в Эрмитаже, “Даная” достаточно напутешествовалась по свету. В 1656 году картина в числе других полотен была продана за долги Рембрандта. Она переходила от одного владельца к другому, пока не оказалась в парижской коллекции герцога Пьера Кроза. Собрание Кроза купила Екатерина II, и картина оказалась в Эрмитаже. Почти сразу же вокруг “Данаи” разгорелся ученый спор. Исследователей интересовало многое. Если это Даная, то где же золотой дождь, в образе которого перед Данаей предстает Зевс? Если нет дождя, то, естественно, нет и Зевса, а следовательно, и всего
остального. Даная должна смотреть вверх, на нисходящий дождь, но ее взгляд на картине обращен прямо перед собой. Почему на безымянном пальцелевой руки Данаи обручальное кольцо? Кто это? Девушка, заточенная в подземные покои по приказу царя, или замужняя дама?
[519x468]
Кольцо на безымянном пальце левой руки.
В 1836 году английские искусствоведы даже предлагали изменить название картины: вместо “Даная” — “В ожидании любовника”. Эксперты подметили и другое: по краям полотна детали тщательно проработаны, в колорите преобладают холодные тона, зато в центральной части — письмо широкое, а цвет выдержан в теплых, золотистых и коричневых, тонах, излюбленных художником в зрелый период творчества. Возможно, картина писалась в два этапа. Но кто позировал живописцу для этой картины?
С 1633 года, когда состоялась помолвка Рембрандта с Саскией ван Эйленбург, и вплоть
до ее смерти в
Это цитата сообщения ulakisa Оригинальное сообщение
И снова Наргиз!
[показать]Она приехала, чтобы "раскрутиться" в России?
Получилось, как и не мечталось.
Имя сделала, армия поклонников образовалась.
Контракта, обещанного победителю, не получит?
А может и это к лучшему?
Однозначно, именно Наргиз вывела проект за рамки обычного, привычного, традиционного.
Бомба, подарок, украшение. Браво ей,
Это цитата сообщения Лулу_Прада Оригинальное сообщение
Сейчас самое время остановиться на минуту и посмотреть последнюю актерскую работу Юрия Яковлева, которую хочется запечатлеть в памяти и посоветовать увидеть тем, кто еще не успел этого сделать...
"Пристань"
[610x490]Это цитата сообщения ulakisa Оригинальное сообщение
[446x672]Телезрители бурно обсуждают самую яркую участницу музыкального шоу Первого канала «Голос-2» бритоголовую татуированную 42-летнюю рок-певицу Наргиз Закирову.Взорвав слушателей легендарным хитом Scorpions Still loving you, она сразу стала безоговорочным фаворитом проекта. За сутки видеоролик на YouTube собрал больше миллиона просмотров. В эксклюзивном интервью «Вокруг ТВ» Наргиз Закирова рассказала, почему она решила участвовать в «Голосе» на Первом канале, о семье и своих детях, об эмиграции в США и о том, какую роль в ее жизни играет боди-арт.
— Наргиз, видеоролик вашего выступления взорвал интернет. Неожиданный
или, напротив, предсказуемый для вас результат?
Наргиз Закирова: Скорее, неожиданный…. На другой день, на репетиции, ко мне подошел Дмитрий Нагиев и рассказал об этом. Сейчас я не пользуюсь ни интернетом, ни телевизором — все свободное время провожу в тишине.
— Неужели за это время ни одного комментария не прочитали?
Наргиз Закирова: После моего выступления из Нью-Йорка позвонил муж Фил и
предупредил: «Не читай комментарии — так будет лучше». Когда только появился видеоролик на YouTube, я все же заглянула туда и обнаружили очень много позитивных и добрых отзывов. Но нашлись и те, кому я не понравилась. Это нормально.
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts Оригинальное сообщение
ИМПРЕССИОНИЗМ. До этой поры я была знакома только с европейским вариантом этого направления в живописи, работая же над этим материалом, поразилась тому количеству американских художников, которые не только следовали в фарватере европейских тенденций, но и развивали их, придавая им местный колорит.
[показать]
В настоящее время слово "учитель" порой звучит как нарицательное. Взяточничество, поборы разного рода в сфере образования..Этого не должно быть. Но это наша система заставляет своих учителей, врачей.. да и всех вместе, выживать.
Врач не может работать на даче, ему нужны руки для того, чтобы оперировать. Учитель не должен выращивать свиней, чтобы выживать, он должен учиться, чтобы учить. Не быть просто загнанной лошадью, что домой приползает, а дома щи не варены, полы не мыты, картошку жук з
Это цитата сообщения Dmitry_Shvarts Оригинальное сообщение
Выдающийся русский художник Василий Верещагин родился 26 октября 1842 года. Его картины потрясают своим реализмом, творца называют одним из лучших в области батальных сцен. Но его личность поражает не меньше его картин. Потрясающей глубины человек умел реализовываться в разных сферах жизни, проявлять себя всегда отважным и достойным гражданином. Ему удалось сделать намного больше, чем любому другому художнику того времени. Активный общественный деятель и литератор, исследователь и историк – все это по праву является званиями Василия Васильевича.Читать далее
Это цитата сообщения ulakisa Оригинальное сообщение
Акварельные портреты Соколова отличаются тонкостью характеристик, им свойственна легкая, подвижная манера письма. Художник стремился избегать детализации в рисунке, отказывался от многоцветия в колорите, умело подбирая красочные полутона. Соколов писал акварелью, не прибегая к белилам и не нанося предварительного карандашного контура. Прозрачность и чистота акварельных красок, когда сквозь них просвечивает белая бумага, точность моделировки, свобода и виртуозность красочного мазка делают портреты, созданные Соколовым, живыми и естественными.
[599x771]Портрет Волконского Сергея Григорьевича
(1788 — 1865) Конец 1816-начало 1817 г, бумага, итальянский карандаш, сангина 22.5 Х17.5 см
Государственный музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург