Music, being the most emotional of all arts, throughout the centuries was believed to present the full spectrum of included keys instantly, to capture the listener’s attention and for keeping it for as long as possible in a state, in which the overall condition favours the further perception. Around that, the infamous music masters started to create and have advanced the music into what we now understand as modern music art.
Station Dysthymia attracted my attention a while ago, with their debut full-length work “Only Grey Days”, where the most important music influences already have been shown, despite the work being of a self-production type. After some resonance in the underground, the guys immediately have comprehended the fact that a perfect tool is required here in order to “cleave the superfluous slag” from their music monolith and to sculpture a veritable work of art. This perfect tool, a magician or simply an alchemist of sound was rightfully chosen in the face of Greg Chandler and his Priory Recording Studios. Besides that, the initial recording was done at the already famous Primordial Records, known for shaping the sound of Russian doom metal avant-garde. A combination of these two facts leaded the band to a reputable result.
“A concrete wall”, the opening track, immediately starts from pouring the listener into the imponderable delay tangles of layered guitar clean tone. Sophisticated manipulation of effects produces an excellent introduction to the first attempt on breaking through the concrete wall. The down-tuned, almost arid distorted guitar sound hits the inside walls, smashing the happiness with numerous diabolus in musica. The perfect stereo panning of two guitars, leaving the whole space in the middle of the mix to leads and rhythm section, allows the SD orchestra chelate to capture the mind of the listener and continue with telling the story about being stumbled at the deaf wall of concrete. Among the not infrequent changes of the composition’s palette, the band introduces several unique things that may appeal to any accuser of the common sense in music experimentation. One of the things, is the utilisation of throat-singing during one of the ambient moments of the song. The idea in itself introduces yet the surprisingly untouched direction, where a lot may be introduced into the emaciated body of doom metal, especially if with funeral tag.
On “Ichor” the authors continue using their most powerful weapons to date and hereby exploring the hidden dimensions of sound landscapes. Notorious, pure structures of the song are solidly supported by the maliciously aloof growling, being one of the best among the most low-pitched ones. Slow progression throughout the track leads the listener into the “Starlit” chapter, containing two parts, one of which is a fully instrumental near 10 minutes track.
The simple playing around with slowest tempos, haunting one-note leads and up-beat growling vocals have driven the authors to a ridiculous tempo discharge on the 6th minute that has forced me to dance with my shoulders throughout those 25 seconds, while keeping serious post-grimace on my face. This move supports the open-minded reputation that the band has gained through the previous hour of their music. It pushes the band’s limits (or abilities?) even further.
Station Dysthymia is not a generic funeral doom metal band, but a collective that explores the aforementioned hidden sonic dimensions by the means of simple things, simple approaches and of straightforward, but underlying messages.
This is a decent and definite piece of doom metal art that every admirer of the genre must peruse thoroughly. With unrestrained interest, I recommend looking forward to the next full-length album, because guys possess full arsenal to surprise us. Bravo, Siberia.
After the dawn of black sun, Georgian masters of eternal grief and sorrow in music are back with their second full-length “The Last Way”. While the new one roughly has a shorter timeline (by two minutes, indeed) than their debut work “Mze Ukunisa”, it, however, represents so much deeper fearful and emotionally very dark atmosphere. The sense of time may simply vanish and nothing but eternal depression will devour you, becoming your only friend (or foe).
Compared with a number of colleagues in genre, the duo has demonstrated a very good quality of production on their first release, and yet they do here a very good job of surprising the listener, pushing the threshold even higher. The crystalline, unstained and powerful guitar lines are the main key to the beyond in their interpretation. It is worth mentioning that technically, guys are out-of-reach by the mortal guitar players, especially in the doom metal genre. The guitar riffs are solid enough to hold the six feet of soil above and abundant soloing is so grievously beautiful that overall fear ignited by steady atmosphere of the album gives the listener only minutes of illusionary liberation from that burden of time, from the inevitability of the upcoming passage to the other world. Layered distorted guitar parts, charming clean tone and various arpeggio figures along with immaculate soloing creates the avant-garde in the music of Ennui, capable of crushing the most captious listener. A separate laud must be paid to the style of soloing that lies between the realms of guitar virtuoso and harmonized melodic doom/death style, well established in the mid-1990s. Important fact, sending us again to the latter is the overall loudness of the record, being in between the moderately loud and silent.
The one may pick up the Evoken’s brooding (“among the mist”, so to say) style and mix it up with a touch of Esoteric’s atmospheric key-features, and will be substantially right in setting the references here, but of course with certain stipulations around the final conclusion. First, Ennui uses no keyboards at all. Everything created on the album contains only very well recorded guitars, bass and vocals, with the only exception of drums, which were sampled electronically. This somehow makes the weakest point here since the dynamics from time to time lacks mobility, it is very straightforward and lacks the changes and actions that are easily accomplished by the “living” drummer. Drum patterns are complex enough by their structure and presented very lively (drum fills, in abundance) in their lines, but again the overall feeling pushes the experienced listener to the point that addition of the living drummer boldly will open new horizons.
Yes, the vocals are a separate instrument in Ennui’s arsenal. Being a very strong type of growling, David (the performer) creates a hissing, lightly low-pitched variation, occupying the neighbouring mid frequency range as the rhythm guitars do, creating a unique blend where both are complementing each other. Its “dry” and “in-the-face” character exerts the listener’s perception, causing numbness and depressive stupor, while singing the epitaph in Georgian, the most tragically sounding language I have personally ever heard... Indeed, rarely diluted with changes it is capable of hammering the thoughts into the dull, unpretentious hexagonal wooden box of depression, which is going to be nailed and sunken down into the damp earth.
Steadily increasing the load at the end, Ennui buries the listener in total of 77 minutes and 46 seconds lasting pure, guitar oriented funeral doom metal, full of despair, hateful sorrow and mortal grief. This music leaves nothing but a feeling of emptiness, so even the habitual admiration of the music’s beauty stinks with death, smells with wet soil and leaves a bitter taste in the mouth. These things may, however, be pretty much personal, but definitely not fortuitous.
Omit - Repose 2012
"Let yourself focus on your pain, let it grow inside"
While the one gazes through the whitish fog that surrounds the lonely trees scattered along the green vale, the Omit chamber orchestra has already started dispersing the magic spell around.
It might be pretty painful to go through the whole album as a listener due to two points: first, it is over 90 minutes of sound expression, and second, those 90 minutes are filled with grief, pain and despair so much that not everyone will be strong enough to bravely say that he or she went through it (several times?) and understood the path quite well.
Starting from the end of the tracklist, the most extensive song “Insolence” , being a heartrending cry of hopelessness, presents probably the most beautiful delivery of the liquid sorrow in doom metal music I have ever listened to. The ambient part grows into the maniacal feeling of despair and the soloing violin is the only thread that connects you with reality, so deep the impression is. Step by step the compositional idea progresses, blessing the listener with the inner feeling of being drained. The final couplet perfectly finishes the whole steady paced narration, showing the ultimate disillusionment of the one’s world.
In terms of the traditional vocalic performance, the voice of Cecilie Langlie on this album may seem emotionless, bleak and monotonous to the one who does not pour into this melancholic music in-depth. Sorrow, despair and harrowing grief are painted here with so many various semitones that surprisingly the respect on the vocal work silently comes by itself as a totally apparent thing. The biggest probable evidence is the song "Constriction" with all the "highs" that Cecilie shows, resonating somewhere in between the dark thoughts and the visions of light.
The whole acoustic and electric guitar work, as one of the main cornerstones of doom metal, is performed in a very classic way as for the sound so for the composition, becoming my personal favourite side of the album. It is not very high-sounding, but a little bit clearer and louder than the droning background, seemingly picturing the naturalistic aspects of how the real distorted guitar in mournful doom metal should sound like. I must admit that it is one of the main driving forces the Omit ensemble owes to, but however, it allows creating such atmosphere only after being densely inter-knitted with vocal lines and with the work of the rest of orchestra. Such a captivating example of brilliant heavy, but subdued guitar riffing is presented in the song "Dissolve", where the rhythm section provides the solid ground to step on for the guitar based moving forward, leaded by the vocals, "following as if your eyes were open" . And, such schematics seem to matter because the Omit wins over such elements and their essential variety.
Melodically speaking, the most catching development is possessed by a song "Fatigue" , where the main lines are sung with such a breathtaking passion that the words such as "takes forever more summers to mend..." complement the exact feelings and stay remembered as if the song would be about yours truly (listener). Pretty intense beginning for starting point, but whenever holding the function of introducing song, the "Scars" bring the Omit orchestra to audition. The right well hidden move (even if not intended to be such), though if the listener as every doomed human being must be literally caged into something that will prevent him from switching off and hold in its embrace for at least the certain period of listening time, without giving an opportunity to the subjective perception to bloom; then the majestic world will blossom out. The "Scars" precisely set the tone of the whole album. They draw the door into the world of sadness, mournful mornings and inescapable desolation and open it before the listener. They dither the boundaries of imagination and aural perception, so similar the colours are to the world we know. Becoming almost shamanistic at the second half of its time-line, the “Scars” have everything ready to start your journey into the despond world of Omit.
Concluding the written, it must be said that “Repose” became a valuable jewel in the modern world of mournful music, particularly among the doom metal sub-world. Generally speaking, the Norwegians do not offer a new revelation to the genre, full of innovation and exploring
They died in Siberian slush a long ago – 85%
In fact, the present second work sounds different than the debut; as the title states – it sounds dead, but “dead” in a very Russian way, where depression paints with shades of green and personality wears an emotionless mask. An old bench, overgrown with weeds near an abandoned house means nobody is waiting, pointing out that there is literally no one left to wait. Oppressed and doomed, feared to touch anything that could disturb the present state of the small world centered on that house. The personality does nothing but aimless drinking, getting their emotionless mask to fuse with their real face; drained and exhausted, it does not live anymore, but continues to exist among others.
Musically, this album has a much deeper sensual load than their debut. If the debut album had not been pushing towards certain oppressive cogitations, but just exhibited sorrowful, alcohol-driven soul tortures, then the present one does. It shows the whole fickleness of the mind while it is in deep, incurable depression. There are no beautiful interludes or hopeless tentative whining, but just exsiccated pain of living. No one can explain it that way until he goes himself entirely through it. This makes the music of WDISS very fair. Let us just follow the dynamic changes in “The Day of Marvin Heemeyer”, how oddly they sound and how they do change the perception of the song. Also, special attention here should be paid to Heemeyer’s personality, the topic of which is a bit of a strange choice for a doom metal band. In common, everything blends into a single composition, depicturing the embittered depression “at the edge” and ending up with a single hopeless dead shot; even if from the first look similarities are not so obvious.
The sound appreciation by the listener is impossible without a demonstration of undoubted technical skills by musicians, who play the music. This is what usually is hardly accomplished by the huge number of bands in genre, but once the point is reached, the next step is to apply it correctly. In the case with WDISS, while the first point is reached easily, the correct application stays within several moves that really make the music recognisable, but does not always sound well-timed. However, solid dry riffing makes the main sound of WDISS here, with an ideal minimum of keyboards; its sorrowful minor is almost fully responsible for the mood that the album creates. Harmonic guitar leads sound very balanced, rarely pumping the volume down or moving to simple power chords schematics and dissipating the accumulated energy for a moment before going on again.
The three songs in the middle present the main monolith of the album; it seems like the core of the whole depression’s description. Unsteady guitar soloing makes another recognisable mark here, filling a spot for a classic composition structure. Solid drum performance is given in a slightly subdued way, where the louder cymbals’ splashes might have given additional “shades of green” to the sound. Nevertheless, the chosen way does not allow any experiments in drumming and should be responsible for the strong rhythm section with no step aside, along with the dwelling bass-guitar lines. Again, here the cookie goes to the Primordial Studio craftsmanship (where the album was recorded and produced). Vocals, keeping their lines indeed in a really deep, but monotonous guttural growl way, show emotional variations, even if just few and of the same type, but real ones, ones you could touch and believe in.
The instrumental track “Funeral March № 14” presents a mournful journey through a rainy day, apparently giving the last honours to the one, whom the march is addressed to. Being supported by the peals of the brass section, the track creates a really gloomy atmosphere, with beautiful guitar work that however brings nothing but grief in the end. It looks like the musicians laid a specific portion of atmosphere particularly in this track, which on top of everything sounds as the most atmospheric one among all their works I have ever heard. It is an oasis in the middle of nowhere’s desert. In addition it needs to be said that this is the only track that justifies the “funeral doom” tag on the present album.
The final track is showing the quintessence of the whole album lyrically and instrumentally. Everything together reaches just an exceptional balance. The lyrics are the English
Who Dies in Siberian Slush?
By the means of keyboard introduction to “Leave me”, Russian doom/death metal band Who Dies in Siberian Slush introduces the serious intentions to occupy the next 45 minutes of the listener’s time and fill them with the honest, but depressing, funereally touched music. Along with the thundering roll, the band brings down on the head of listener a sturdy, heavy oak door of the bunker, where it seems like the album had been composed and recorded. Exactly with such a taste of gore on your lips, the listener wakes up after several minutes of the first track and understands: there is nowhere to go. There is no will to go. There is nothing wanted, except to throw the head back and merge with that drought atmosphere of the black swamp. Here, everything is not so dark and doomed as it may be concluded from the last phrase, but with the special touch of it ... This music does not beget the image forms in your brain; it gives the information portion by portion and does not let the listener to think, by closing the eyes just pour and hang in that black mire: “All my sins are because of me”.
The general impression of the album implies the monolith wall of very well produced sound, where every song merges with another one very lightly where both are supporting each other. Such a scenario holds the listener in a chosen direction without letting him rest, without giving him a hope for gulp of fresh air in that suffocating black swamp.
“The woman we are looking for” is a mean man’s cry in the name of the female one, who we are looking for all our life long and getting stuck, we come back to the same point. While listening to this music and understanding the lyrics it becomes obvious that “instinct driven” impulses are just futile efforts like trying to hook on the air during the downfall. The song presents a very beautiful guitar solo and maybe the most spectacular theme development possible to hear on this album. The jagged bridge shakes the indifferent body ... The vocals are resonating somewhere inside and finding no way out, gets absorbed, leaving a salty taste of blood on the lips ...
Perhaps the oldest and the most well-known composition is “Mцbius ring” finds its place on this album. It is a slow, exemplary type of funeral doom metal... It states that the life is pointless and words have lost now their significance. The darkness constrained the body and put on the greyness of a workaday life, which was nothing but a fake. The composition has a very dynamic ending, where the red line of soloing guitar spins around the neck, preventing from breathing in a far very dense environment ...
Involving some fresh air into the story, the band includes the wonderful keyboard played interlude, where it let the listener to rest and enjoy the beautiful tones until the next strike will appear. For the sake of clarity it is required to mention that the next song “The Testament of Gumiliov” contains Russian lyrics written by a poet of Silver century (such a period in Russian poetry), specifically, his own testament, which is forming the most suitable combination with music. The seamlessness of the duo makes the required lines of the listener’s consciousness to tremble and after the attentive listening it is not so far from a really total depression, such an impact the lyrics and the musical reflections have...
Feeding the listener with the second beautiful instrumental track, the band pictures the cold wintering way along somewhere in the middle of Siberian wastelands, giving a fine, ordinary and fair acoustic guitar piece before the last strike. The last path “The Bitterness of the Years That Are Lost” is the longest one. It is an apogee of the alcohol depression, a dynamic culmination to the black oblivion. Again, the red line appears, being slippery because of the oozed, but not coagulated blood, it twists along the body and the listener feels its tickling action. It is the maximum allowed mixture of the alcohol and blood, when it is still possible to get back to life in order to listen to this piece of work at least one more time. The length of the album favours the last point and is actually perfect for all the feelings and impressions to dip into, where just a wake up is needed thereafter, to shake of the dust and go living the life again. The band does not overload the listener with information it opens here, sometimes showing up as naпve in
Coronation of the Black Sun Aeon
The debut album of atmospheric funeral doom metal act Profetus sounds like a mystical, frightening, however, melancholic wooden box of your fears getting a long reverberating tail of drumming all over your awoken mind; it continues to spread ritualistic cymbals and hats going through the fog that diffuses the space of attentive thinking. The desperate, deaden deep growls haunt you from the first moment of the Eye of Phosphoros (second song, named \"The Skull of Silence\" in standard edition) and until the last breath on Blood of Saturn, where it has almost been transformed into the hopeless anguished whispers.
Simple and confident guitar work is full of melody lines combined with the power chords that quake the soil underneath the knelt place, where the black sun is subjected to coronation. Guitar lines here deliver a distinctive pleasure to those who are following and permitting themselves to be enchanted by its sounds.
Monotonous keys are guiding the listener across \"the desolated ruins, where the child of Saturn awakes with ashen wings (into the bliss of wind), drifting against the stream\" (\"Coalescence of Ashen Wings\"). They perfectly complete the atmosphere of archaic darkness. They are slowly picturing the death yearning in the shadow of the sullen eye.
[213x300]
The total mood that this album creates is about to sit still and bring yourself to the doleful fifty minutes of thinking and dialogues with your imagination, which will come to your mind nevertheless of time and date, sooner or later.
It\'s worth indicating that the artwork supports the contents of the CD very neatly, giving your imagination a few more freedoms to move. The album is highly recommended to the admirers of desperation.
(aka Stigmath, originally written for Encyclopedia Metallum 2012)
Who dies in Siberian Slush?
Альбом начинается с довольно смешанного по оттенкам чувств «дежавю», выкроенного посредством клавишной интродукции, объяснить которое я лично себе до сих пор не могу… Но вот что следует далее – будет главной темой моих последующих слов. Громоподобным раскатом обрушивает коллектив на невинные уши слушателей крепко сколоченную дубовую дверь от бункера, в котором, создается впечатление, сочинялся и записывался материал. Именно с таким вкусом на губах, со вкусом запекшейся крови, приходишь в себя через пару минут первого трека и понимаешь, что не хочется бежать. Не хочется идти. Не хочется ничего, кроме как откинуть голову и погрузится в эту сухую атмосферу черного безмолвия. Тут не все настолько черно и мрачно, как может показаться с первых слов моих; эта музыка не рождает образов. Она дает информацию порциями и не дает слушателю возможности размышлять, а закрывая глаза – погружаешься и зависаешь… в черном безмолвии. «И во всех моих грехах только моя вина…».
Забегая вперед, следует заметить, что альбом сделан монолитно и одна песня плавно перетекает в другую, полностью соответствуя предшествующей. Такой ход удерживает слушателя в нужном направлении, не позволяя ему передохнуть, не давая и надежды на глоток свежего воздуха в душном черном безмолвии.
«Женщина, которую мы ищем» - это крик, скупой мужской плач во имя той одной, которую мы все ищем на протяжении всей нашей жизни, и, спотыкаясь, каждый раз возвращаемся на то же самое место. И только во время этой песни ощущаешь, что «ведомые инстинктами» порывы тщетны так же, как и попытки ухватится за воздух во время падения... Красивое соло; наверное, самое красивое развитие темы которое встречается на этом альбоме. Рваный бридж трясет безразличное тело… Вокал резонирует где-то внутри, и не находя выхода из головы – впитывается, оставляя соленый привкус крови на губах…
Самая известная композиция, вероятно, это «Möbius Ring». Тягучий, образцовый похоронный дум… Без смысла в жизни и без исхода в словах. Сковавшая все тело тьма, облачает в серость будней, которые были не чем иным, как подделкой… Динамичное окончание композиции. Красная нить соло вьётся вокруг шеи и не дает дышать в без того душном черном безмолвии…
Следующая далее красивейшая интерлюдия предоставляет слушателю глоток морозного воздуха в пучине душной окружившей его тьмы. Перед самой депрессивной вещью для русскоязычных слушателей альбома, тем более, если они знакомы с творчеством замечательного поэта серебряного века, чье завещание было взято за основу лирики. Органично переплетаясь, партии ведущей гитары задевают «нужные струны» сознания, и после окончания композиции есть огромная вероятность погружения в полнейшую реальную депрессию…
Но очередным свежим глотком морозного воздуха становится инструментальная акустическая композиция «Ветхая дорога сквозь снег». Чистое доказательство чувств, дает видение со стороны. Дает возможность убедиться в искренности и реальности тех чувств, что хотели передать музыканты и которые испытывает слушатель… Последний привал перед самым длительным путем: «Горечью утраченных лет». Апогей алкогольной депрессии. Верх безразличия к внешним раздражителям. Динамичная кульминация черного забвения. И снова красная нить, будучи скользкой от проступившей, но еще не запекшейся крови, тянется по телу, и ты чувствуешь еще щекочущее передвижение, но тебе уже абсолютно все равно.
Неизвестно, к чему бы привело более длительное звучание альбома, но стоит отметить, что той порции, в которой он был издан – необходимо и достаточно, чтобы прочувствовать, проникнуться, потом встать, отряхнуться, и отложив в памяти, идти дальше по жизни. И прослушивать этот альбом как можно чаще.
Серое оформление, с довольно откровенной обложкой для русской души… непонятной больше никому, кроме русского человека. С музыкальной составляющей, в полной мере понятной только русскому человеку.
(*гордо*) Русский похоронный дум. Сильная работа и весомый вклад в свое дело.
P.S. Спасибо участникам коллектива за «hails to» и автографы в буклете.
Португальская тяжелая музыкальная сцена всегда выделялась. Она хоть и не пестрела множеством жемчужин, но знаковые коллективы там и по сей день живут, процветают и дарят музыкальную радость всем ее почитателям. Одним из них можно смело назвать и коллектив Insaniae. Их второй по счету полноформатный альбом дарит миру качественный и самый настоящий, сухой даже (неубоюсь таких эпитетов), дум-металл португальского розлива.
«Несовершенства руки человеческой» сочинён, аранжирован, записан и спродюссирован в несколько раз лучше дебютной работы, которая была к тому ж и самиздатом. Крепкое, без клавишных разъяснений и прочих расхождений мыслий по древу, «Оправдание (Absolvicao)» первым треком бьет, затягивает и соблазняет одновременно. Ничем вроде бы не выделяющий голос Изабель Кристины ведет чарующую мелодию, которая позже (далее вы поймете, почему) не может быть и представлена в чьем-либо другом исполнении. Далее, согласно общеизвестной схеме, (но в португальской манере) в кампанию Изабель подключается ее коллега Диого Мессиас, который играет роль «чудовища» и с этого момента вводит понятие «дуэт». Уже на первом треке следует отметить недюжинные идейные мелодические течения, к которым ухо будет возвращаться раз за разом на протяжении всего альбома. «Традиции предков» и «Логово» просто льют бальзам на душу, своим построением гитарных риффов и расстановкой акцентов как во время вступительного клинтона (прим. - clean tone) первого, так и в заключительной части второго. Следом, бескомпромиссно врывающийся «Acto Perfeito», с неистовой силой и необъяснимым притяжением продолжает почти эпический рассказ. Вокал Изабель звучит звонко и даже, неподстать своему коллеге, нежно, то и дело, сменяя его, а иногда и сливаясь с ним в мрачном экстазе. Лично моим фаворитом на этом диске является «…E Os Corpos Deixaram De Vir», где собраны воедино все способности, идеи и настроения, когда-либо проявляемые коллективом. И пусть этот трек не звучит очень оригинально, не пестрит невиданными идеями, но это Творение есть квинтэссенция всех «Несовершенств, творимых рукой человеческой». Он дает понять, что звучит правильная музыка и ни в коем случае ты не ошибся при выборе. Вокальная мелодия Изабель начинает звучать глубоко в мыслях, благодаря чему невольно замираешь. Замираешь, чтобы не спугнуть бабочку удовольствия, севшую тебе на плечо. И хотя во время коды ты понимаешь, что уже ее потерял, но пошевелиться по-прежнему не в силах.
В «Отречении от престола» группа приносит доказательства, что они обычные люди и их музыка всего лишь порывы их души, всего лишь выражение их чувств. И как все люди, они не идеальны. Равно, как и не идеальны их намерения. 12-ти минутное завершение альбома растворяет тебя в атмосферном вступлении, затем с огромной силой увлекает во мрак, сардонически подсмеиваясь. Там ты снова слышишь знакомый голос Изабель, пытаешься вырваться из нематериальных пут, но все тщетно… Тяжесть мрачных, хоть и бестелесных оков не дает пошевелиться в глубине музыкальной пещеры, а вдали продолжает свою песнь сеньорита Кристина, сопровождаемая тем парнем, чью сардоническую насмешку ты еще не успел забыть. И альбом заканчивается. И хочется испытать это снова. И снова.
В техническом аспекте, очень хочется отметить динамически правильного ударника. Несмотря на вязкость и медленность гитарных риффов в некоторых моментах, он продолжает активно вести ритм секцию вперед, не давая ей и на секунду замешкаться. Также радует и гитарный дуэт, наполняя действо выстроенными по интервалам партиями и редкими, но уместными диссонансами уменьшенных квинт.
Подводя итог, хочется сказать, что музыка португальцев многогранна, вопреки мнению, которое может сложиться во время первых прослушиваний. Многогранна, и, по-португальски, чертовски красива! Редкий экземпляр в современном мире «современного» дум-металла. Частый и желанный гость моего проигрывателя. Чего и вам желаю.
А за сиим – откланиваюсь. Абригадо за внимание.
©Maniacal Whale
Жизнь в бессонную ночь
Сон чрезвычайно важен для нашего организма… Именно во время сна восстанавливается вся его функциональность, которая могла быть утрачена частично или полностью во время бодрствования. А вот если теперь представить, какой нагрузке подвергается наш организм, проводя без сна более допустимого времени… сутки?... двое?.. недели? Психическая изнашиваемость начинает расти в геометрической прогрессии, и человека тогда назвать здравомыслящим не решится никто. Когда ты не спишь очень долго – ты теряешь дискретизацию окружающего мира по дням, все сливаются воедино: события, люди, слова, аккорды, чувства… И тогда вся жизнь как сплошной кошмар. В зависимости от психического здоровья человека, подверженного лишению сна, меняется и его поведение в социуме, меняются его устои и картина ежедневно наблюдаемого мира искажается…
“ALifeinInsomnia”, альбом, полотно которого соткано единолично товарищем Bran’ом в рамках проекта Hexenmeister, представляет своего рода экскурсию, рассказывающую именно о вышеперечисленном. Нет, прошу прощения… не экскурсию, а принудительный психологический сеанс на предмет тестирования вашей психологической изнашиваемости. Путешествие на просторах музыки. Путешествие, не ограниченное стилистическими клише и стандартизированными образцами музыкального изъяснения. Хотя автор и берет за отправную точку блэковую подоснову, это не мешает ему расти дальше и строить «ожившую архитектуру» в меланхолической манере.
Это творение дает нам первый вывод: любая работа заслуживает внимания. Она может всячески это внимание потом разорвать в пух’н’прах, но кредит внимания должен быть всегда. Гарантировано, что одно прослушивание не говорит вам ни о чем, кроме утверждения вышеупомянутого и заверения в надобности повтора сего действа. И с каждым погружением эти чувства будут сильнее.
Крепкое, очень крепкое музыкальное полотно. Это сразу чувствуется, с вступления «MelancholiaAttonita». С чарующего своей динамикой «SilenceIsBroken», с потрясающей идеей оформления красивейшего акустического эпизода… Отдельного жирного дифирамба заслуживает вокал: в этом плане сразу понимаешь, какую важную роль в звучании альбома он играет, а еще если и грамотно использованный - то и подавно, с лихвой прикрывает откровенно слабые моменты. Инструментарий… довольно стандартен, за исключением партии духовых, она добавляет свой колорит в задающую тон всему альбому заглавную композицию. Одноименная композиция – апогей того рассказа, что пытается донести до нас Bran, давая нам немного поразмыслить на мечтательной "Hermitage", и недолго думая, окунает нас в свои «моменты спокойствия», кои вовсе таковыми не являются. На миг в воздухе слушателя задерживается разбросанный по каналам участок, где басовые струнные встречаются с размазанным тремоло… и скрип старой пластинки только подтверждает реальность ощущений. В качестве завершения повествования, Он нам говорит «когда вы остановитесь, я продолжу падать» - я живу в бессоннице.
Завершает повествование кавер на Ved Buens Ende– «AutumnLeaves”. Очень красиво выполнен и загнан в тон альбома, браво (учитывая тот факт, что по заверениям определенных источников, кавер участвовал в трибьют-сборнике, то, выходит, он был готов раньше всего альбома – совпадение? Или целенаправленный подход?)!
Можно назвать несколько подобного рода проектов, имеющихся в мировом музыкальном сообществе (достаточно вспомнить небезызвестную французскую сцену с парой просящихся на сравнение примеров), играющих подобного рода музыку. Все они достаточно самобытны. И «Повелитель ведьм» - один из таких коллективов, только родом немного восточнее. Представлен немного другой ракурс, точка зрения, симбиоз, если угодно. Это просто нужно слышать, чтобы понять, о чем я так странно пытаюсь высказаться. Называть какие-то схожие имена – это конкретизировать, что уже является нарушением той статики альбома, по которой он был создан. Альбом не революционен, но это не умаляет его величия.
С визуальной точки зрения очень дополняет общую картинку оформление буклета, выполненное каллиграфическим почерком послание, которое невозможно разгадать, будучи ежедневно спящим...
Напоследок хочется отметить звук и кристально чистую фразировку отдельных партий музыкальных инструментов, кристально четкое видение того, что намереваешься донести до слушателя - это всегда оказывает сильный положительный эффект на восприятие материала.
Рекомендуется просто слушать с удовольствием. Желательно на ночь.
Хроники написания выборочных мыслеотражений прослушиваемой музыки.
Также пишу под ником - Stigmath.