22 сентября, в Стерлитамакской городской галерее открылась выставка современных художников - графиков города Самары. В экспозицию выставки вошли более 80 графических листов 20 художников, представляющих Самарское отделение Союза художников России.
[показать]
Какошкина Наталья Валентиновна. Улица Красноармейская. Бумага. Офорт.
Но стоит обратить и на другой факт, что это уже третья в этом году по счету выставка, которая знакомит с мастерами графики из других регионов. Первой стала выставка Питерских мастеров, только что закрылась экспозиция произведений московских художников графиков и вот мы можем познакомиться с творчеством художников из Самары.
Посмотреть работы самарских художников графиков можно здесь.
Организаторы проекта FotoEnlarge.RU приглашает всех желающих принять участие в обучающем вебинаре основам Фотошопа, который состоится 28 сентября 2011. Запись участников производится по адресу . Надеемся что вам понравится.
Игорь Валерьевич Тонконогий. Родился в 1958 году в городе Стерлитамаке. Специальное образование получил на художественно - графическом факультете Башкирского государственного педагогического института (1975 — 1980). Живет и работает в Уфе.
Полет. Офорт. 2004.
Художник - график Игорь Тонконогий работает в различных техниках печатной станковой графики (офорт, мягкий лак, сухая игла, акватинта, литография, линогравюра, ксилография, монотипия) и в материалах и техниках рисунка (графитный карандаш, пастель, масляная пастель, смешанная техника), иллюстратор книги. Член Союза художников России с 1991 года. С 1979 года участвует в республиканских, зональных, всероссийских, специальных, групповых и международных выставках. С 1996 года - постоянный экспонент известных и престижных в России ежегодных выставок "ART MANEGE", "ART MOSCOW", "Московский Арт-Салон", "Московский международный художественный Салон".
Игорь Тонконогий. Побег. Офорт. 1990.
Игорь Тонконогий. Хозяин. Офорт. 1991.
Игорь Тонконогий. Погоня. Офорт. 2008.
Взлет. Пастель. 2003.
Игорь Толстоногий. Перемещение. Пастель.1998.
Игорь Толстоногий. Граница. Пастель. 2009.
Творчество и картины Игоря Тонконогого
В годы моей учебы в Ленинграде (1957-1961) я довольно часто посещал лекторий при Академии художеств, где регулярно проходили встречи с известными мастерами изобразительного искусства. Непосредственное общение с ними было притягательным, питало любознательность. Посчастливилось видеть и слышать таких корифеев советской живописи, как Борис Иогансон, Александр Дейнека, Георгий Нисский, Александр Лактионов, Николай Ромадин, Сергей Герасимов... Эти замечательные встречи не носили официального или лекционного характера. Скорее, это были доверительные беседы мастеров с молодым поколением, с людьми, мечтающими стать художниками. Читать далее: Встречи с замечательными художниками из воспоминаний художника Владислава Эдуардовича Меоса
Архитектор по образованию, Ильдус Валитов как-то стремительно ворвался в акварельное искусство и зажил в нем так бурно, увлеченно и вместе с тем так естественно, словно долго искал свое предназначение и вдруг понял, что рожден был именно для этого.
И. Валитов. Улица Советская. Арка. 1996. Бумага. Акварель.
На архитектурном факультете Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, где учился Ильдус Валитов, акварель студенты всегда считали материалом вспомогательным - ею в числе других техник (тушь, гуашь) учили делать «отмывки» (видовой проект будущей архитектурной постройки). Однако многих из тех, кто не боялся трудностей работы с нею, эта чарующая своей изысканностью и непредсказуемостью техника время от времени заманивала в свои сети: небольшие пейзажные этюды пробовал писать акварелью, наверное, почти каждый однокурсник Ильдуса. Но только Валитова акварель захватила больше других, а через двенадцать лет после окончания института и вовсе увела из архитектуры.
И. Валитов. Крестовоздвиженская церковь. 1997. Бумага. Акварель.
Он любил технику акварели. Любил - вот уж точно! - всей душой и всем сердцем, самозабвенно. И не только в конечном результате, но и в укрощении этой строптивой краски, почти произвольно и неукротимо растекающейся по сырому листу, и в экспериментах с нею находил наслаждение. «Мне интересен даже не столько результат, сколько сам процесс», - говорил он. Ильдус всегда и все, за что взялся, делал всерьез и качественно. Так, чтобы нравилось самому. Порой просто изводил себя работой, несколько раз принимаясь за один и тот же мотив, пока в пятом-десятом-двадцатом листе не получалось то, что хотел выразить. Цветом, композицией, мягкой пластикой, подвижным контуром, строящим форму, он создавал ОБРАЗ природы, ХАРАКТЕР города. Исполнительское мастерство в его работах поражает не меньше, чем удивительные и тонкие по ощущениям образы его работ.
И. Валитов. Зимнее солнце. 1994. Бумага. Акварель.
Но и архитектура не хотела отпускать от себя. Научившись еще в институте видеть и понимать ее красоту, он никогда уже равнодушно не мог пройти мимо нее: восхищался пропорциями и декором, радовался при встрече со старыми уютными улицами и зданиями, переживал, когда они умирали, уступая место новостройкам. В листах с видами Уфы художник старался увлечь зрителя красотой точных пропорций и эффектных архитектурных элементов. Обратившись к теме старого города в акварели, он посвятил Уфе десятки листов. В них навсегда сохранились те здания, которых уже нет, о которых с грустью вспоминает сегодня мое поколение. К работам этим относится и его акварель «Последняя осень Летнего театра»...
И. Валитов. Последняя осень Летнего театра. 1996. Бумага. Акварель.
Архитектура, как и природа, была для художника Ильдуса Валитова живой: в какой-то степени она влияла на жизнь людей и формировала их вкусы, она старела и менялась, переживала холодные зимы, радовала глаз, освещенная летним солнцем, поднималась над суетой в торжественном свете заката. Художник знал это и пытался научить зрителя увидеть и «почувствовать» город, полюбить его так, как видел, чувствовал и любил его он сам.
И. Валитов. Сторожка. 1993. Бумага. Акварель.
Он мог бы еще придумать немало интересных тем, создать десятки и сотни других акварелей, пронзительных и хрупких в своем эмоциональном содержании. 11 наверняка бы создал... если бы не чужая неосторожность, закончившаяся автомобильной аварией и так внезапно прекратившая летом двухтысячного года жизнь и творчество художника. Ильдус оставил после себя несколько десятков произведений. И в каждом из них отчетливо проявляется не только мировосприятие, но и характер, душевное состояние и настроение автора. И, может быть, поэтому до сих пор с таким трудом произносятся глаголы в прошедшем времени, когда речь идет о художнике и друге.
Площадь у торгового центра «Юго-Западный», где проходил несколько дней назад республиканский фестиваль молодёжного искусства «Public Art», напоминала растревоженный улей.
Звучала зажигательная музыка, художники граффити воплощали свои творения на наружных стенах торгового центра, на импровизированных площадках демонстрировали свои таланты музыкальные и танцевальные коллективы республики, а художники-прикладники предлагали зрителям полюбоваться на чудо-творения, выполненные из различных и порой весьма неожиданных природных материалов.
К слову заметим, что подобные мероприятия проводятся в нашем городе уже не в первый раз. Так, в октябре минувшего года на территории детской игровой площадки по ул.Худайбердина, 25 художники граффити сделали целую серию рисунков на детскую тематику. Ребятня и жители близлежащих домов результатом остались довольны.
Читать полностью... В Стерлитамаке прошёл фестиваль молодёжного искусства
Художественное качество живописного профессионализма художника Рафаэля Кираева имеет высокий уровень. Живопись грамотна и профессиональна, но лишь в той степени, в какой может быть грамотно и профессионально современное изобразительное искусство, лишенное классической цельности чувствования и понимания гармонического порядка мира. Таково сегодняшнее время, таково современное поэтическое пространство. Любой художник подчинен их законам.
На террасе. 1998 год. Холст. Масло. Размеры: 92*84.
Картины современного художника Рафаэля Кираева написаны в современных ритмах и современным языком. Направление мысли художника скользит по плоскости философских изысканий пионеров «новостилей» ХХ века. Отдельные изобразительные плоскости можно даже сложить в некий кристалл с гранями, на которых фотографически отображается, пусть фрагментарно, история искусства ХХ века. Но вместе с тем в художественных образах отображается личность автора. Хочется даже заметить вслух, что характерное качество художника Рафаэля Кираева как художника – делать искусство живописи на грани между высокой экстравагантной модой на форму и подлинностью личностных переживаний. Это рождает многостильность в творчестве художника и ломает стереотип об авторстве индивидуального художественного языка.
Прогулка. Семья. 2003 год. Холст. Масло. Размеры: 92*112,5.
Это качество художественного ума Рафаэля Кираева подтверждено динамическим ритмом смены стилистики предлагаемого видеоряда. Спокойствие, умиротворенность эротических, трогательных и целомудренных женских образов с благородным и элегантным привкусом наива с использованием пастельных колористических приемов, сообщающих почти бесплотным телам-видениям томное состояние неги, сменяются абстрактными композициями с ярко выраженной экспрессией цвета и линии, рассказывающие нам об энергетике взаимодействий. Закорючки, напоминающие Миро, завихрения, ассоциирующиеся с творчеством Кандинского, линеарные мажорные композиции – портреты, живописные космогонии «цветочувств». Постепенно приходит понимание того, что стиль – ведь это далеко не суть смысл художественного произведения. Стиль становится лишь символической настроенностью формы на трепетную идею художника о скромном величии и предназначении искусства.
Похищение Европы. 2001 год. Холст. Масло. Размеры: 50*69.
В полдень. 2003 год. Холст. Масло. Размеры: 80*90.
Дон Кихот. 2002 год. Холст. Масло. Размеры: 71*80,5.
Композиция. 2001 год. Холст. Масло. Размеры: 51*73,5.
Сон. 1999 год. Холст. Масло. Размеры: 97*130.
Когда произносят имя художника Рифхата Арсланова, то сразу возникает образ семьи, связанной с театральной, оперной историей башкирской культуры; мать Салигаскарова Магафура Галилулловна в 1940-1970-е годы пленяла слушателей своим чудесным сопрано, прославлявшим башкирскую оперу, отец Мухамед Нуриахметович - театральный художник, основатель искусства сценографии в Башкортостане.
Эскиз декораций к балету И. Штрауса "Голубой Дунай". 2004.
Современный художник Рифхат Мухамедович Арсланов – один из ведущих мастеров современного изобразительного искусства Башкортостана. С 1977 года он является членом Союза художников России, с 1989 года — заслуженным деятелем искусств БАССР, с 1999 года – заслуженным деятелем искусств России. Его произведения хранятся в Государственной Третьяковской галерее (Москва), Государственном Центральном музее театрального искусства им. А.А. Бахрушина (Москва), Государственном музее им. М.И. Глинки (Москва), Башкирском государственном художественном музее им. М.В. Нестерова (Уфа).
Весенний мотив. 2007.
Учился Рифхат сначала в Училище искусств в Уфе, затем окончил театрально - декорационное отделение факультета живописи Московского художественного института им. В. И. Сурикова. Но основы, самые-самые азы, какие-то представления о живописи, о сцене, об искусстве пришли от отца: Мухамед Нуриахметович, преданный своему делу и очень талантливый человек, рассказывал о магической силе искусства, живописи в частности. И конечно, театра. Театр для семьи был всем - и страданием, и радостью, и болью, и счастьем. И, как говорили когда-то заядлые театралы, «этот запах кулис, волшебный мир звуков» стал для молодого человека при выборе профессии основополагающим. Во всяком случае, так видится начало творчества Рифхата Арсланова: не случайно уже после участия в нескольких первых выставках (1966-1976) он был принят в Союз художников СССР (1977), а потом в 1978 г. и институт окончил.
Рифхат Арсланов. Северный Амур. 2004.
Основная тема картин художника - город, та Уфа, которую мы сейчас не видим, не имеем. Уфимские улицы, дома и домики, обыватели (в лучшем смысле этого слова), сцены жизни домов той Уфы и тех людей. И вся эта жизнь показана как бы сквозь улыбку автора. Как воспоминания о милом сердцу, но таком несовременном укладе жизни.
Старая Уфа - неистощимая тема для художников, поэтов, музыкантов. Рисунки, стихи, картины, гравюры, фотографии, воспоминания, соединенные вместе, составили бы увлекательнейшее путешествие в уходящий мир, в нашу быт-историю.
Мой город. 1994.
Рифхат Арсланов. Дом, где жил Шаляпин (Домик Шаляпина). 2002.
Творчество художника Рифхата Арсланова.
Выставка "Портреты неизвестных" представляет 190 портретов (живопись, рисунок, миниатюра, скульптура) представителей дворянского и купеческого сословия России XVIII-XIX века, в разное время и при разных обстоятельствах поступивших в коллекцию музея с пометкой «портрет неизвестного лица», либо с мифологизированной или ошибочной аннотацией.
Макаров И. К. Портрет Натальи Николаевны Ланской (Пушкиной)
Многие из героев этих живописных произведений навсегда могли остаться «неузнанными», если бы они не стали предметом заинтересованного и досконального изучения музейных специалистов и историков.
Возвращение портрету имени – сродни научному открытию открытию и является знаменательным событием не только для музейного собрания, но и для культуры страны в целом. Особенность уникальной экспозиции, открываемой на Пречистенке, в том, что большинству из представленных здесь портретов возвращены настоящие имена! Выставка демонстрирует впечатляющие результаты научно-исследовательской и атрибуционной деятельности музея.
За долгое время преподавательской деятельности в УУИ Кудрявцев выпустил свыше 120 художников, которые работают как в Башкортостане, так и в других городах России и даже за рубежом, ведут педагогическую и творческую работу. Многие стали членами Союза художников Башкортостана - Николай Пегова, X. Танеев, Владислав Меос, И. Бикбулатов и другие. Высокого признания достигла его бывшая студентка Мария Краснорепова-Хасцлер, которая успешно проводит персональные выставки своих произведений во многих столицах мира - Германии (где теперь живет), Финляндии, Англии, Франции, Швеции, Италии и других. В знак благодарности нашему городу Уфе, где она получила образование в УУИ, была успешно проведена ее персональная выставка в музее им. М.В. Нестерова.
[показать] А. Кудрявцев. Здравствуйе, Алексанрд Эрастович.Покупка на аукционах, кроме приятных состязательных моментов, имеет множество «подводных камней»: иллюзии безопасности покупки, дополнительные расходы на транспортировку, налоги и дополнительные сборы. О последних «напастях» есть смысл поговорить подробнее. Мы расскажем как читать аукционные каталоги и что скрывается за основными понятиями.
Художник Евгений Клейменов родился 7 мая 1947 года в Уфе. Судьба отпустила ему небольшой жизненный срок, всего сорок пять лет, но он успел сказать людям то сокровенное, чем жил. Мы очень любили и уважали этого вдохновенного художника, обладавшего высоконравственной, чистой душой. Он был красив и внешне. Высокий, всегда подтянутый, темноволосый, с серьезным и внимательным взглядом жгуче-черных глаз. Евгений Олегович неизменно привлекал своим обаянием, сдержанностью благородных манер и, конечно, своим творчеством живописца. Его искусство, исполненное возвышенной романтики и необычайной доброты, всегда вызывало глубочайший интерес и признание зрителей, коллег.
Односельчане. 1984.
Годы учебы в художественной школе в Москве, затем в художественном институте имени В. И. Сурикова были для Евгения Клеймёнова не только временем постижения профессиональных основ, но и периодом постоянной работы над собой. Он самостоятельно и углубленно изучал историю, литературу, философию, теоретические труды мастеров Возрождения, знал Библию, Евангелие, собрал ценную библиотеку по искусству, фонотеку классической музыки. Писал стихи и сонеты. Любил петь, и его баритон звучал красиво. Он учился на факультете монументальной живописи, но блестяще защитил диплом станковой живописной композицией.
Е. Клейменов. Молодняк. 1984.
После окончания института и службы в армии Клеймёнов некоторое время жил и работал в Москве, а в 1976 году уехал в поселок Теплоозерск Хабаровского края. Здесь вместе с другом Анатолием Гребенщиковым в течение двух лет они создавали монументальную роспись в фойе дома культуры цементного завода «Праздничная феерия-фантазия по мотивам произведений Александра Грина».
Евгений Клейменов. Автопортрет. 1979. Холст. Масло.
В Уфу Евгений Олегович вернулся в 1979 году. Эта дата стоит на его «Автопортрете», находящемся, как и другие лучшие работы художника, в собрании уфимского художественного музея. Своеобразно закомпонован этот совсем небольшой холст. В руке художника - осколок зеркала, напоминающий очертания сердца. В нем — отражение его лица, обрамленного темными волосами и бородой, с напряженно-серьезным взглядом глаз. Ограниченное рамками зеркала лицо читается особенно четко на фоне висящей белой футболки с надписью на греческом - «согласие». Работа выявляет сложное душевное состояние автора, его неуспокоенность, требовательность к самому себе. В портрете с его смысловой содержательностью, интересным драматургическим решением задан тот высокий уровень профессионализма, образной глубины, которые всегда отличали творчество Евгения Клеймёнова. Как сейчас кажется, в портрете есть и предощущение собственной трагедии.
Евгений Клейменов. Портрет Кати Толстиковой. 1990. (Из собрания А. Г. Толстикова)
Много вдохновенных работ Евгений посвятил детям, он их любил и понимал, не скрывал своих нежных чувств к ним. Образы детей как нельзя лучше воплощали его просветленное отношение к жизни, которое столь ярко читается в вышеназванных произведениях, а также в картинах «Молодняк» 1984 г., «Август» 1991 г.
Художник Евгений Клеймёнов был таким художником, о которых говорят - «мастер». Великолепный рисовальщик, он столь же ярко был одарен в живописи, идя в ней от классики, от высоких традиций русского и мирового реалистического искусства. Глядя на его «Портрет Кати Толстиковой» 1 986 года, это понимаешь особенно четко. Это полотно удивительной красоты и глубины. В нем - умело переданная непосредственность, открытость девочки, сидящей в непринужденной позе, взгляд которой полон живого, пытливого интереса к окружающему.
Коллективная работа. Резьба по дереву. Декоративное панно "Сова". 2005 год.
Человек издавна стремится к прекрасному. При строительстве дома, при изготовлении любой вещи мастер думал не только об ее утилитарном назначении, но и о красоте. Дерево, как простой, и доступный материал, всегда находило применение у народных мастеров и благодаря фантазии художников превращалось в произведения декоративно - прикладного искусства. И в наше время не исчез интерес к народному искусству, в том числе к резьбе по дереву.
Это цитата сообщения Queen_de_la_reanimaR Оригинальное сообщение
ЯЗЫЧЕСКИЕ БОГИ
Попов Болеслав Иванович замечательный художник. Но это его не основной вид деятельности. В первую очередь он замечательный химик со множеством регалий и званий, вплоть до почетного профессора ЮНЕСКО. В этом году художнику исполнилось 70 лет и не так давно он провел свою юбилейную выставку, на которой представил более ста работ. Все собрание есть на нашем сайте.
Вся его жизнь - путешествеи. И где бы он не был, везде писал картины. И глядя на них можно представить как это интересно зарисовывать те места, где ты когда то был. Или прямо на месте, или потом по памяти. Но это, наверное, так хорошо. Ведь человек так устроен, что все плохое забывает быстро, а все хорошее хранит годами в своей памяти.
В Башкирии перед грозой. 1993 год. Картон. Масло. Размеры: 29*53.
Свои картинки художник Болеслав Попов пишет в свободное время, отсюда и такой сюжет - рассвет или закат, на гранях тьмы и света. Именно такая она Башкирии перед грозой.
Дорога на южной окраине Стерлитамака. 1996 год. Картон. Масло. Размеры: 43 Х 31.
Улица Ибрагимова в Стерлитамаке. 2009 год. Холст на картоне. Масло. Размеры: 34*49.
А где то рядом с этими двумя картинами я вырос. Улица Ибрагимова, мои родители до сих пор там живут. И старая водонапорная башня - давно ее нет, а я ее помню.
Домик у опушки. 1993 год. Холст на картоне. Масло. Размеры: 61*48.
Я часто бываю у художника дома (для меня он все таки больше художник чем химик) и эта картина висит у него в зале. Замечательная. Как мне хочется попасть в этот уголок. Не знаю почему такие желания. Или потому что я вырос в подобных местах, приезжая летом в деревню к родственникам. Или потому что понимаешь, что в таком месте живут хорошие люди, добрые... ласковые...
Самтавро. Грузия. 1988 год. Бумага. Сепия, сангина, соус. Размеры: 20*33.
Плес в верховьях Агидели. 2005 год. Бумага. Пастель. Размеры: 20*33.
Чечня. Рассвет над руинами юности. 1995 год. Бумага. Соус. Размеры: 18*35.
Форпосты Тавриды – Врата Византии. 1990 год. Бумага. Сепия, соус. Размеры: 39*58.
В апреле в лесу. 1996 год. Бумага. Сепия, сангина, соус. Размеры: 35*46.
В парке Виши. 1997 год. Бумага. Сепия, сангина, соус. Размеры: 23*35.
В повседневной жизни мы как то быстро привыкли к тому, что краски являются эстетическим эквивалентом действительности. Но в то же время как то быстро забыли что, цвета можно трактовать как символы, намекающий на то, что порой не может быть показано, будь то образ бога, высших космических сил или потустороннего бытия. Символизм цвета опирается на объективные особенности психики, на всевозможные ассоциации, нередко довольно простые: синее — море, океан, небо, мир; зеленое — весна, пробуждение, надежда; белое - чистота и непорочность, начало; желтое — солнце и тепло, осень; красное — огонь и кровь, опасность; черное — темнота, страх, неясность, смерть. Такая мотивировка имеет в своей основе человеческий опыт, который дополняется мифологическими, религиозными и эстетическими воззрениями. Сказания, древние тексты, традиции доводят до нас богатый мир, заставляющий художников акцентировать внимание на отдельных символических цветах. Читать полностью....
Екатеринбургский музей изобразительных искусств является одним из крупнейших художественных музеев Урала. Датой его основания считается 1936 год, хотя история его коллекций восходит к последней четверти XIX века и связана с деятельностью Уральского общества любителей естествознания. Уральское общество любителей естествознания сыграло немаловажную роль в формировании собрания Свердловского областного краеведческого музея, из художественного отдела которого впоследствии была образована Свердловская картинная галерея (с 1988 года – Екатеринбургский музей изобразительных искусств). В последующие годы музейное собрание пополнялось передачами произведений из Государственного Эрмитажа, Государственной Третьяковской галереи, Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина, поступлениями из Государственного музейного фонда, столичных закупочных комиссий, а также от частных коллекционеров и из мастерских художников. Читать далее...