Написать портрет с фотографии

Портрет , с которого смотрят узнаваемые черты человека изображенного в величественной позе либо в образе одного из известных исторических или художественных персонажей будет самым оптимальным вложением ваших средств. Аналогов такому приобретению нет, и даже если вас попытаются убедить в том, что фотография сделанная в профессиональной студии намного дешевле и более качественно отобразит все ваши черты, то не верьте этим людям. Срок корректной цветопередачи даже самой лучшей фотобумаги не превышает 5 лет. По прошествии этого срока краски достаточно быстро выцветают, и снимок превращается не в предмет гордости, а в объект, который владелец старательно прячет от чужих глаз. Чтобы узнать, как ведет себя портрет, с течением времени вам достаточно сходить в один из мировых музеев, или посмотреть фотографии сделанные с известных полотен мировых метров портретного искусства. Насыщенность красок, четкость линий, тончайшая передача полутонов именно так можно охарактеризовать картину, полученную в результате стараний настоящего мастера. Самое интересное в картинах с изображением человека это не точное сходство с объектом прорисовки, а точное отображение его внутреннего мира. **Портрет ** это не фотография и на нем вы не найдете прорисовки мельчайших деталей словно под микроскопом, это скорее образ человека, видение его художником. Сегодня не нужно длительное время позировать в студии художника принимая определенную позу и стиснув зубы, не обращая внимания на затекшее тело изображать умиротворенное выражение лица. Достаточно принести художнику фото на котором бы по вашему мнению было максимально приближенное к необходимому образу лицо человека, и спустя определенный срок портрет написанный именно в том стиле, что вам нужно будет готов. Источник www.v-protasov.ru

Необычные способы рисования

Как можно создавать действительно волшебные рисунки? С помощью самых обычных красок: акварели, гуаши. Они становятся волшебными, если добавить не только воды, а еще и побольше креатива, воображения, фантазии! С помощью следующих несложных, но очень интересных техник рисования малыши с Вашей помощью научатся создавать необыкновенные рисунки. 1. РИСУЕМ БРЫЗГАМИ! Этот способ рисования неизменно вызывает море восторга у деток. Хорошенько намочите кисточку, наберите побольше акварельной краски… и брызгайте на лист бумаги! Получаются замечательные узоры, в которых каждый увидит свое: салют, конфетти, россыпь морских камушков на берегу. Можно нарисовать силуэт дерева и «набрызгать» листочки и ягодки. А можно раскрасить весь лист синим, фиолетовым, а белой краской «набрызгать» звездное небо! Примечание для родителей: ненавязчиво следите, чтобы ребенок брызгал аккуратно, легонько постукивая кисточкой по пальцу, а не размахиваясь… иначе «звездное небо» будет у Вас на потолке! 2. «ВОЛШЕБНЫЙ РИСУНОК». Представьте себе: проводите кисточкой с краской по белому листу, и на нем… проявляется картина! Для ребенка это настоящее волшебство! А чтобы удивить малыша, понадобится белый масляный мелок, которым и рисуется картинка на белой бумаге. Если закрасить рисунок акварелью, картинка станет видна! 3. РИСУЕМ ОТПЕЧАТКАМИ. Особенно хорошо это удается с использованием пальчиковых красок: отпечатки ладошек и всевозможные композиции из них. Например, если ставить ладошку по кругу, получится снежинка или цветочек. А если «лесенкой», то можно изобразить елочку! Собрав пальчики в «пучок» и пройдясь ими по листу бумаги, Вы обнаружите «кошачьи следочки». С помощью акварели также можно рисовать отпечатками. Акварельные краски нужно разводить водой, и они не будут так хорошо держаться на пальцах. Потому для отпечатков лучше использовать, например, губку для мытья посуды. Жидкая краска хорошо впитается в поролон, и даже кроха художник с помощью такой «печатки» легко нарисует, к примеру, домик из «кирпичиков»! Нужны круглые отпечатки? Пожалуйста! Они получаются, если взять более густые краски – гуашь, а в качестве «печатки» — пробку от бутылки, крышку от банки или… половину картошки! 4. РИСУЕМ АКВАРЕЛЬЮ ПО МОКРОЙ БУМАГЕ. В самом деле, если бумагу слегка смочить, проведя по ней мокрой кисточкой, рисунок получается совершенно не такой, как на сухом листе! Краски смешиваются, образуя новые оттенки и красивые узоры. Изображение выходит прозрачным, полу размытым. Может быть, вам удастся нарисовать такие явления, как летний ливень или туман? 5. НЕ ТОЛЬКО НА БУМАГЕ Кто сказал, что рисовать можно только на бумаге? Гораздо интереснее использовать для этого различные материалы (конечно, обои в их список не входят). Попробуйте расписать стеклянную банку витражными красками – выйдет вазочка ручной работы. А еще сейчас есть в продаже интересные наборы для росписи морских камушков акриловыми красками. Для этой цели подойдет и обычная гуашь, а камушками Вы, возможно, запаслись летом на море. Еще гуашью хорошо раскрашивать фигурки из соленого теста, подсушенные в духовке. Можно налепить котиков и кроликов, раскрасить – будут отличные новогодние подарки для родных и друзей! Все будут приятно удивлены, получив в подарок к Новому Году сувениры ручной работы! А детки художники научатся фантазировать, видеть необычное вокруг себя и воплощать свои идеи с помощью удивительных рисунков! Источник www.v-protasov.ru

Васильев один из основоположников лирического направления в русской пейзажной живописи. Добрачный сын мелкого почтового чиновника. Художественную одаренность проявил раною В начале 1860-х состоял помощником реставратора ИАХ П..К. Соколова. В школьные годы окончательно определилось тяготение Васильева к пейзажу. Годом окончании школы датирован городской пейзаж « После дождя» (1867), отличающийся лиричностью и непосредственностью восприятия натуры. Определяющим для становления молодого художника явилось общение с Шишкиным И.И взявшим его под свое покровительство, их совместные летние поездки и работа на пленэре. Первым стало путешествие на о. Валаам .Тема деревни, сельской природы прочно вошла в творчество художника; ей посвящены многие его произведения: «У водопоя», «Возвращение стада», « Деревенская улица», «После грозы ». Летом 1870 Васильев вместе с И.Е. Репиным, своим братом, студентом Петербургской консерватории, и художником Е.К. Макаровым провел на Волге. Из поездки привез этюды, выполненные маслом и акварелью, а также рисунки. Уже признанный современниками, его талант рисовальщика мог бы поспорить с талантом живописца. Рисунки Васильева отличают легкость, особый артистизм исполнения. В них нет форсированных контрастов черного и белого- все прозрачно, полно воздуха и света. Тема трагичности человеческой жизни звучит в исполненной глубокого чувства в картине «Оттепель» (1871), переплетаясь с метафорическими темами дороги, родины, судьбы. Показанная на выставке ОПХ, картина стала событием в русской пейзажной живописи, породив множество подражаний. Художник был удостоен первой премии ОПХ. Еще до открытия выставки «Оттепель» приобрел Третьяков, а художнику было заказано повторение для царской семьи. В 1872 « Оттепель» экспонировалась на Всемирной выставке в Лондоне и была особо отмечена критикой. В феврале 1871 Васильев был зачислен вольнослушателем в ИАХ, однако занятий не посещал. В мае 1872 ИАХ присвоила ему звание классного художника 1-й степени без выполнения конкурсной программы, но с условием сдать экзамены по научным дисциплинам. Так как по болезни он не смог этого сделать, звание классного художника заменили званием почетного вольного общника. Работа над картиной « Оттепель» на открытом сыром воздухе спровоцировала у художника развитие туберкулеза- болезни, к которой он имел наследственную предрасположенность. Летом 1871 ему пришлось уехать Харьковскую губ., а затем в Ялту. Васильев не сразу воспринял южную природу, тосковал по неброскому, но такому близкому пейзажу средней полосы. В 1872 появилась одна из лучших его картин « Мокрый луг», написанная нес натуры, а на основании синтезированных зарисовок художника. Спустя непродолжительное время Васильев начал писать и природу Крыма. Лучшей картиной, объединившей крымские впечатления, стала картина « В Крымских горах» (1873), получившая первую премию ОПХ. Ощущение цельности, монументальности создают редкий для художника вертикальный формат и колорит, выдержанный в единой серовато- охристой и зеленовато- голубой гаме. Вместе с тем в пределах этой гаммы каждый даже небольшой фрагмент живописной поверхности изобилует тончайшими цветовыми оттенками. Последний год жизни художника отмечен появлением пейзажей не только с южными, но и со среднерусскими мотивами, среди которых такая признанная картина, как « Заброшенная мельница» (1871-1873),которая проникнута глубокой печалью, почти переходящей в тишину небытия. Осознав себя незаурядным колористом, он все более и более погружался в стихию цвета. Васильев умер и похоронен в Ялте. Но его пейзажи и наши дни продолжают радовать и трогать наши сердца. Источник www.v-protasov.ru

Художник Брюллов (БРЮЛЛО) Карл Павлович 12. 12. 1799, Санкт-Петербург — 11 (23). Об. 1852, Манциана, Италия (похоронен в Риме) Живописец, акварелист, рисовальщик; монументалист, автор картин на исторические, мифологические и религиозные сюжеты, портретист, жанрист, пейзажист. Педагог. Происходил из династии художников: сын П. И. Брюлло, брат Ф. П. Брюлло, А. П. и И. П. Брюлловых. Первые навыки рисования получил от отца. С 1809 учился в ИАХ, в классе исторической живописи у А. Е. Егорова, А. И. Иванова, В. К. Шебуева. К академическому периоду относятся работы «Обнаженный юноша с копьем» (1810-е) и «Гений искусств» (1817—1820-е), представляющие собой штудии обнаженной натуры, а также картина «Нарцисс, смотрящийся в воду» (1819). В 1821 окончил ИАХ с золотой медалью «первого достоинства». В конце августа 1822 вместе с братом Александром художник отправился в Италию в ка честве пенсионера ОПХ. В мае 1823 братья прибыли в Рим. Брюллов изучал античное искусство, произведения Рафаэля, П. П. Рубенса, Рембрандта, Д. Веласкеса, Тициана. В 1824 копировал на холсте фреску Рафаэля «Афинская школа». Копия была с восторгом принята современниками. Стендаль написал о ней в «Прогулках по Риму». Русское посольство оценило ее в 10 ООО руб. — огромную по тем временам сумму. В настоящее время «Афинская школа» украшает Рафаэлевский зал РАХ в Петербурге. Без опыта, приобретенного в процессе этой работы, Брюллов едва ли смог бы создать свою главную картину — «Последний день Помпеи». Портреты стилистически очень разные: есть и камерные, интимные, и парадные портреты-картины, восходящие к традициям XVIII в. К последним относятся, например, изображение великой княгини Елены Павловны с дочерью Марией (1830), знаменитая «Всадница» (1832), «Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованниной Пачини и арапчонком» (1834). В последнем выражено искреннее восхищение художника своей моделью. Самойлова удивительно отвечала его представлениям об идеале женской красоты. Брюллов неоднократно ее портретировал. Черты Самойловой узнаются в облике персонажей многих его картин: «Вирсавии» (1832), эскиза «Нашествие Гензериха на Рим» (1833—1835), «Последнего дня Помпеи». Мысль написать масштабное историческое полотно возникла у художника в процессе копирования «Афинской школы». Сюжет подсказала поездка с Ю. П. Самойловой в Помпею летом 1827. Первоначально картину пожелала иметь графиня М. Г. Разумовская, однаако около 1829 контракт на ее создание был подписан с А. Н. Демидовым, князем Сан-Донато. Завершенное в 1833 грандиозное полотно стало событием не только для автора, но и для всей русской живописи. Эскизы и наброски к нему хранятся во многих собраниях. Себя он написал в левой части полотна с ящиком кистей и красок. Взгляд художника устремлен на падающие статуи, которые выглядят зловеще на фоне прорезанного молниями багрового неба. Четкий рисунок, пластическая лепка форм, корректировка натуры по идеальным образцам, характерные драпировки фигур, подобные мраморным складкам одежды античных статуй, локальный колорит — все это несомненные признаки классицизма.гической принадлежности они очень разные: есть и камерные, интимные, и парадные портреты-картины, восходящие к традициям XVIII в. К последним относятся, например, изображение великой княгини Елены Павловны с дочерью Марией (1830), знаменитая «Всадница» (1832), «Портрет графини Ю. П. Самойловой с воспитанницей Джованниной Пачини и арапчонком» (1834). В последнем выражено искреннее восхищение художника своей моделью. Самойлова удивительно отвечала его представлениям об идеале женской красоты. Брюллов неоднократно ее портретировал. Черты Самойловой узнаются в облике персонажей многих его картин: «Вирсавии» (1832), эскиза «Нашествие Гензериха на Рим» (1833—1835), «Последнего дня Помпеи». Мысль написать масштабное историческое полотно возникла у Брюллова в процессе копирования «Афинской школы». Сюжет подсказала поездка с Ю. П. Самойловой в Помпею летом 1827. Первоначально картину пожелала иметь графиня М. Г. Разумовская, однако около 1829 контракт на ее создание был подписан с А. Н. Демидовым, князем Сан-Донато. Завершенное в 1833 грандиозное полотно стало событием не только для автора, но и для всей русской живописи. Эскизы и наброски к нему хранятся во многих собраниях. В картине «Последний день Помпеи» соединились классицистические и романтические качества, что вообще характерно для русской академической живописи первой половины XIX в. Изображение неординарного события — извержения Везувия 24 августа 79 н. э. — служит ярким показателем романтической коллизии полотна. Брюллов выводит на сцену смятенную толпу. Все персонажи эмоционально объединены чувством нависшей смертельной опасности, однако композиционно расчленены на группы. В соответствии с канонами классицизма художник выявил в каждом одно определяющее качество: алчность, благородство, самоотверженность, любовь в разных ее проявлениях и т. д. Себя он написал в левой части полотна с ящиком кистей и красок. Взгляд художника устремлен на Читать далее...

ИВАНОВ Александр Андреевич 16. 07. 1806, Санкт-Петербург - 03. 07. 1858, там же Живописец, рисовальщик, акварелист; автор композиций на мифологические и библейские сюжеты, пейзажист, портретист. Сын исторического живописца, профессора ИАХ А. И. Иванова. С 1817 учился в Академии в качестве «постороннего ученика» у своего отца и А. Е. Егорова. В 1822 за рисунок с натуры был удостоен большой серебряной медали, в 1824 за программную картину «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора» — малой золотой медали из средств, пожертвованных ОПХ. В 1827 за картину «Иосиф, толкующий сны заключенным с ним в темнице виночерпию и хлебодару» и картон «Лаокоон с детьми» — большой золотой медали из средств ОПХ. Картина экспонировалась на академической выставке. В 1828 Иванов получил звание классного художника и право на заграничное пенсионерство. В 1829 ОПХ предложило ему выполнить работу на сюжет из античной мифологии «Беллерофонт отправляется в поход против Химеры», как было сказано — «для окончательной проверки его способностей перед отправлением за счет ОПХ в Италию». Успешно справившись с этой задачей, весной 1830 Художник покинул Россию. С 1831 по 1858 жил в Италии (до 1838 как пенсионер ОПХ). Общался с русскими художниками. Был дружен с О. А. Кипренским и Н. В. Гоголем, с которым познакомился в 1838. Пользовался советами известных мастеров классицистического направления — живописца В. Камуччини и скульптора Б. Торвальдсе на. Испытал влияние Овербека, главы назарейцев, вставляющих романтическое на- правление в немецкой живописи. Вскоре по приезде в Италию Иванов начинает работать над картинами на библейский сюжет («Братья Иосифа нахо- щж чашу в мешке Вениамина», 1831— не окончена) и на сюжет из гречес- Ш мифологии («Аполлон, Гиацинт и прнс. занимающиеся музыкой и пешем». 1831-^-1834). Последняя отличается гармоничностью и классическим решением, 1836 с большим успехом экспонировалась ВМХ. Тогда же Иванову присвоили звание академика живописи. ОПХ продлили срок пенсионерства еще на два года. К 1833 относится замысел новой работы Явление Христа Марии Магдалине после Воскресения» (1835). Это ню из самых совершенных произведений в русском искусстве отвечает всем направлениям классицистической эстетике. В начале 1836 картина была показана в Риме, в мае отправлена в Ливорно, а потом морем в Россию. В сентябре 1836 с большим успехом экспонировалась ВМХ. Тогда же Иванову присвоили звание академика живописи. Картина была поднесена Николаю I (в 1843 художнику выплатили за нее 1500 руб. серебром). В 1830—1840-е Иванов написал несколько превосходных портретов: Виттории Марини (начало 1830-х), Виттории Кальдони (1834), натурщицы Ассунты (1840), Н. В. Гоголя (1841). В первой половине 1830-х мастер приступил к работе над своим главным полотном, «Явление Христа народу (Явление мессии)», воспринимая этот труд как служение идее нравственного возвышения и духовного просветления человечества. На воплощение грандиозного замысла ушло более двадцати лет. «Первоначальный» эскиз (ГРМ), который в 1834 художник показывал Камуччини, Торвальдсену, Овербеку и П. Корнелиусу, по общему решению сильно отличается от окончательного варианта, как и следующий, «строгановский» эскиз (ГТГ, происходит из собрания С. Г. Строганова, художник называл его ранним). Около 1836 (1837?) был выполнен еще один эскиз, по определению Иванова — «ближайший к картине» (ГРМ). Именно он наиболее важен, так как при написании малого варианта картины служил для автора рабочим. Появившийся после поездки в Венецию так называемый венецианский эскиз (вторая половина 1830-х, ГТГ) в действительности, скорее всего, является одним из ранних вариантов, затем прописанным в духе венецианской школы. В 1836 Иванов начал писать картину «Явление Христа народу» с размерами фигур «в третью часть роста человеческого» (по-видимому, как первый этап работы и был выполнен «ближайший к картине» эскиз). Сравнительно небольшой размер холста (172 х 247 см), по объяснению художника, он взял вынужденно, из-за «крайней бедности». Однако после того, как ОПХ продлило срок I пенсионерства, заказал холст большого ! размера (540 х 750 см) и с сентября 1837 j начал писать картину заново. В 1851 мастерскую художника посетил его соотечественник коллекционер К. Т. Солдатенков, пожелавший приобрести один из более близких к окончательно завершенных эскизов. . Большинство исследователей творчества Иванова считают, что художник уступил Солдатенкову доработанный вариант картины, начатый в 1836 (в 1858 экспонировался на выставке Иванова в ИАХ). Работа над картиной продвигалась медленно и сложно. Далеко не сразу была найдена удовлетворявшая художника композиция, вписанная в нетрадиционно решенное пространство. Оно организовано так, что фокусирует внимание на изображении Христа и поднимает истинное значение его небольшой фигуры до вселенских размеров.к Одновременно шла работа и над дру- гими заказами, в создании над которыми применял метод синтеза образа Иоанна Крестителя он использовал голову юноши в профиль с выражением Читать далее...

Русская пейзажная живопись XIX столетия — одно из замечательнейших явлений в истории художественной культуры нашей страны. Созданные в первой половине века пейзажи А. Г. Венецианова и И. К. Айвазовского, С. Ф. Щедрина и А. А. Иванова поэтически воплощают светлое, проникнутое гуманистическим духом восприятие природы. Расцвет реалистического искусства во второй половине XIX века углубил содержание пейзажной живописи, ее мастера нашли новые средства выражения, обратились к решению сложной задачи создания национального образа природы. Прекрасные произведения создали А. К. Саврасов, Ф. А. Васильев, А. И. Куинджи и, чуть позднее. И. И. Левитан и К. А. Коровин. Рядом с ними возвышается мощная фигура Ивана Ивановича Шишкина. Его творчество охватывает почти всю вторую половину столетия. Известность Шишкина прошла через многие годы, и он остался одним из наиболее любимых художников русского народа. Творческое развитие Шишкина было более сложным, чем это казалось в прошлом. Почти сорок лет своей художественной деятельности художник упорно шел вперед, открывал новое содержание в пейзажной живописи и средства его художественного воплощения. В жизненной правде он видел своеобразную поэзию своих произведений. Даже тогда, когда в конце XIX столетия рядом с ним начинали работать молодые поколения русских пейзажистов, он в постоянном творческом напряжении соперничал с ними и не уступал им первенства в своем искусстве. Иван Иванович Шишкин родился 13 января 1832 года в Блабуге. С помощью отца — любителя-археолога и краеведа юноша научился ценить прошлое своей родины и красоту ее природы; он рано полюбил просторы уходящей вдаль Камы, бесконечные леса Вятского края. Картин в Елабуге он не видал — их не было, он знал о них по рассказам, из книг. В 1852 году он уехал учиться в Москву, в Училище живописи и ваяния, и здесь впервые прошел серьезную школу рисования и живописи. С большой заботливостью относился к даровитому ученику профессор училища А. Н. Мокрицкий, сам когда-то прошедший реалистическую выучку у А. Г. Венецианова. Вместе с тем Шишкин много читал и размышлял об искусстве и пришел к убеждению, что художнику необходимо изучать природу и следовать ей.Банальные мотивы надуманных академических пейзажей не увлекали его и не вызывали желания следовать им. Взамен этого он много работал с натуры то в ближайших окрестностях Петербурга, то среди суровой природы на острове Валааме (в северной части Ладожского озера). Его занятия имели весьма самостоятельный характер (профессор С. М. Воробьев, по-видимому, ничему не мог научить своего воспитанника). Получение Большой золотой медали при окончании Академии в 1860 году дало Шишкину право на заграничную командировку, но, прежде чем воспользоваться ею, он отправился в Казань и дальше — на Каму. Только весной 1862 года он уехал за границу. Большие академические выставки в Берлине и Дрездене вызвали его резкую критику, но зато его обрадовала Прага, сами чехи и их живое,, реалистическое искусство. Затем он обосновался в Дюссельдорфе, крупном центре художественной жизни Западной Европы. За время пребывания в этом городе он стал известен художникам и знатокам своими рисунками пером, вызывавшими изумление. Суховатой чеканностью исполнения сходны с ними также и его ранние картины. Лучшей из них следует считать картину «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865), за которую он получил звание академика. В ней еще можно найти желание воздействовать сложностью композиции, чередованием планов. Но даже и при этом Шишкин показал себя художником, обладающим зорким глазом. Он не искал легкого успеха эффектных итальянских или швейцарских видов, модных в те годы. Изучение природы научило его воспринимать выразительность северного равнинного пейзажа и сообщило красоту и убедительность его картине. Однако Шишкин не довольствовался умением писать природу вообще. Он ставил перед собой более существенные задачи, связанные с исканиями передовых мастеров всего русского реалистического искусства. Вернувшись на родину, он сразу вошел в их круг, став постоянным участником вечеров Артели художников, порвавших в 1863 году с официальной Академией художеств, ставшей воплощением рутины в искусстве. В то же время началась его многолетняя дружба с идейным руководителем передового реалистического искусства той эпохи И. Н. Крамским. Шишкин стал видеть яснее, что пейзаж знакомит не только с обликом природы, но и с самой родиной, с жизнью народа, помогает выражению положительных идеалов эпохи. Тема родины составила основное содержание его картины «Полдень. В окрестностях Москвы», написанной в 1869 году; фигуры крестьян вносят в картину элемент народного бытового жанра. В дружной среде художников-демократов творчество Шишкина быстро становилось все более зрелым и значительным, приобретало национальный характер. Вместе с тем Шишкин преодолевал недостаток своих ранних картин — однообразную детализированность всего изображения. Особенно ярко проявилась его творческая зрелость в двух картинах 1872 года — «Сосновый бор» и «Лесная Читать далее...

Иванов Андрей Иванович (1745 — 12. 07. 1848), Санкт-Петербург живописец,рисовальщик; автор картин юрические, мифологические ейские сюжеты, портретист, Педагог. Отец живописца А. А, Иванова. О его родителях ничего не известно. С 1782 находился в Воспитатель- училище при И АХ. Прошел полный курс в сроком пятнадцать лет. учился у Г. И. Угрюмова. Получил медали: в 1795 за рисунки с натуры — золотую и серебряную, в 1797 за картину «Ной по выходе из гарема приносит жертву Богу» — большую золотую. В том году был удостоен аттестата 1-й степени и оставлен пенсионером при ИАХ. Воспитанный в традициях академи­ческой живописи, на протяжении всего творчества Иванов был одним из наиболее ярких представителей русской ака­демической школы конца XVIII — начала XIX в. В своих лучших работах воплощал идеи патриотизма, героического служения родине. В 1802—1807 входил в Вольное общество любителей словесности, наук и художеств, где эти убеждения составляли основу программы и разделялись большинством членов. В 1798 был определен преподавателем рисовального класса и зачислен в штат ИАХ. В 1800 признан назначенным вакадемики. В том же году художник женился и поэтому потерял право на заграничную пенсионерскую поездку. К этому периоду относятся картина «Ганимед» (1800-е), выполненная в экспрессивной барочной манере, и редкие в творчестве Иванова портретные работы В- «Автопортрет» и портрет его молодой жены, Е. И. Ивановой, в образе весталки (оба — 1800). В 1803 за программную картину «Адам и Ева с детьми под деревом после изгнания из рая» Иванову было присвоено звание академика. Картина экспонировалась на выставке ИАХ в 1804. Там же была показана одна из десяти композиций, написанных для Казанского собора в Петербурге, — «Христос в пустыне, коему служат ангелы». Для этого храма также были выполнены «Крещение Спасителя», «Сретение Господне» (находились в приделе Казанской Богоматери), «Преображение», «Христос, воскрешающий сына вдовицы» и др. Работа над ними продолжалась почти до самого освящения собора 15 сентября 1811. В 1806 Иванов был признан старшим адъюнкт-профессором. Незадолго до того он представил торжественному собранию Вольного общества любителей словесности, наук и художеств эскиз картины «Петр Великий в лагере при реке Прут» (1804-1805), знаменовавший поворот к темам из отечественной истории. Правда, произошло это не сразу. В 1805—1806 художник написал одну из своих капитальных картин «Смерть Пелопида», в которой изобразил героя, павшего в борьбе с тиранией. Героический поступок, совершаемый во имя свободы родины, стал содержанием наиболее известных и, несомненно, лучших картин Иванова «Подвиг молодого киевлянина при осаде Киева печенегами в 968 году» (не позднее сентября 1810) и «Единоборство князя Мстислава Владимировича Удалого с косожским князем Редедей в 1022 году» (не позднее 27 августа 1812). Сюжеты взяты из «древней Российской истории», что подчеркнуто введением дат событий в названия работ. Картины создавались почти одновременно, и в их решениях много общего. Прежде всего, это характерное для Иванова соединение классицистических и барочных черт, динамичная композиция с диагонально направленным движением, обнаженные главные герои с прекрасными телами атлетов, написанные с одного натурщика фигуры поверженных врагов. В «Единоборстве князя Мстислава Владимировича Удалого...»Картина «Подвиг молодого киевлянина» в 1812 была поднесена Александру I. ш «Единоборство князя Мстислава Владимировича Удалого...» 1 сентября 1812 художник получил звание профессора лирической живописи. В свете событий Отечественной войны 1812 живопись приобрела в глазах современников особый смысл. В 1829 Иванов написал картину, посвященную раннему периоду христианства на Руси, — «Крещение великого князя Владимира в Корсуни». Занимался религиозной живописью, роспись Казанского собора, выполнил для домовой церкви Архистратига в Михайловском замке, . Александровского собора «Спаситель и Божья Матерь», (1830); «Преображение», «Сошествие Святого Духа», оба — 1835—1836), Собора в Тифлисе («Пророк») (1836) и др. (Автор росписей в ИАХ: на одной из чугунной лестницы («Минерва), В 1830 художник показал на академической выставке новую картину «Смерть генерала Кульнева» (1827— 1830), которая не понравилась Николаю I. Он нашел в работе «недостатки и несообразности непростительные, доказывающие, что Иванов не может с пользою быть при классе исторической живописи в Академии». Художнику было велено подать «просьбу об увольнении». После тяжело пережитой отставки Иванов продолжал заниматься живописью. Участвовал в конкурсах, посвященных Петру I: выполнил две картины в 1830-х и эскиз памятника для Полтавы в середине 1840-х. Умер во время эпидемии холеры. Источник www.v-protasov.ru

Художник Валентин Александрович Серов (1865- 1911) Происходил из семьи музыкантов: отец, Д.Н Серов, — композитор и музыкальный критик; мать. В. С. Серова (урожденная Бергман). — пианистка, композитор. Потеряв в шестилетнем возрасте отца. своим художественным образованием Серов был обязан матери. В 1872— 1874, живя с ней в Мюнхене, брал уроки рисования у К. Кёппинга. В 1874—1875, переехав в Париж, художник познакомился с В. Д. Поленовым. И. Е. Репиным, семьей Мамонтовых. Отношения с Мамонтовыми, переросшие в душевную привязанность, сохранял всю жизнь (входил в Абрамцевский кружок, подолгу гостил в Абрамueве). В Париже по настоянию матери начал заниматься рисованием и живописью с И. Е. Репиным. Занятия не оставил и по возвращении в Россию (1878— | 1880). С 1879 художник жил в семье Репина, который позаботился, чтобы Серов продолжил обучение в ИАХ (1880—1885) у П. П. Чистякова. Неудовлетворенный академической рутиной, Серов ушел из Академии, бросив задание по рисунку за неделю, а по живописи — за день до последнего экзамена. Большое значение для развития твор- чества художника имели состоявшиеся непосредственно перед уходом из ИАХ путешествия в Германию и Голландию. Он изучал классическую европейскую живопись в Старой пинакотеке в Мюн- хене, возобновил занятия офортом у | Кёппинга. С ним в июле — августе путешествовал по Бельгии и Голландии (Амстердам, Харлем, Гаага, Брюссель, Антверпен), особенно интересуясь Голанским пейзажем XVII в. В раннем творчестве Серова пейзаж занимает значительное место («Волы», 1885; «Осенний вечер. Домотканово», «Облачный день», «Прудик. Абрамцево (Верхний пруд в Абрамцеве)*», «Зима в Абрамцеве. Церковь», все — 1886; «Заросший пруд. Домотканово», «Старая баня в Домотканове», обе — 1888; «Пруд», «Дворик», «Дорога», все — 1880-е, и др.). Постепенно художник освоил пленэрную живопись, начал использовать светлые тона и прозрачные цветные тени. Подлинными шедеврами стали написанные в импрессионистической манере портреты В. С. Мамонтовой («Девочка с персиками», 1887) и двоюродной сестры художника, М. Я. Симонович j («Девушка, освещенная солнцем», 1888). j Оба полотна выходят за рамки собственно портретного жанра. Главное место в творчестве Серова I всегда занимал портрет. В 1890-е он создал множество превосходных работ в этом жанре: портреты итальянских певцов А. Мазини (1890) и Ф. Таманьо (1891), художников К. А. Коровина I (1891), И. Е. Репина (1892), И. И. Левитана (1893), писателя Н. С. Лескова (1894), композитора Н. А. Римского- Корсакова (1898) и др. Тогда же был написан один из последних жанровых пленэрных портретов «Летом» (1895), на I котором изображена жена художника, О. Ф. Серова, урожденная Трубникова. Иначе решен «Портрет М. К. Олив» (1895), отличающийся психологической глубиной и приглушенной, богато нюансированной колористической гаммой. Слава портретиста привлекла к художнику множество заказчиков, в том числе членов императорской фамилии и представителей высшей знати. Серов создал портреты Николая II и Александра III (оба — 1900), великих князей Михаила Александровича (1893), Павла j Александровича (1897), Георгия Михайловича (1901), великих княжон Ольги Александровны, Ксении Александровны (оба —1893), Марии Павловны-младшей С 1908 по 1909 Серов совместно с К. А. Коровиных преподавал в портретно-жанровой мастерской МУЖВЗ. а также в московской шкале Е . Н. Званцевой и А. А. Хотяннцевой. В 1909 участвовал в ставке русских к финляндских худож- ников, фактически положившей начало объединению «Мир искусства», в которое Серов сразу же вошел. Им выполнены портреты ее членов — С. П. Дягилева (1904. не окончен) и Л. С. Бакста (первая половина 1900-. гуашь, тушь). Совместно с другими мирискусниками Серов нллюстрировал второй том издания Н И. Кутепова «Царская и импера- на Р\\:н. Конец XVII и XVIII (СПб.. 1902). В технике темперы. В связи с тем, что поданное совместно с В. Д. Поленовым в ее Совет письмо, в котором тогдашний президент Академии великий князь Владимир Александрович обвинялся в организации расстрела безоружных людей 9 января, не было поставлено на обсуждение. Художник занял активную гражданскую позицию, запечатлев события тех дней в ряде работ: «Разгром демонстрации в 1905 году» (гуашь, белила), «Солдатушки, бравы ребятушки”1908 — началj 1909 Серов выполнил два портрета Андреева в технике литографии. Последнее десятилетне творчества художника было чрезвычайно продуктивным. В 1898 его избрали первым русским членом мюнхенского Сецессиона; в 1903 он вошел в состав СРХ. Постоянный участник многочисленных выставок: «Мира искусства» (1899—1903, 1906, 1911), СРХ (1905-1910), Всемирных в Париже (1900, Гран-при) и Брюсселе слава?» (пастель, гуашь), «Похороны Н. Э. Баумана. 20октября 1905 года» (гуашь, белила). В 1905 произошло знакомство и сближение Серова с М. Горьким. Он участвовал в выпуске известных сатирических журналов «Жало» и «Жупел», где печатались его острые сатирические карикатуры на Николая 11 - «1905. После усмирения». «Виды на урожай». Новые настроения, во власти Читать далее...

САВРАСОВ Алексей Кондратьевич 12. 05. 1830, Москва - 26. 09. 1897, там же Живописец, рисовальщик; пейзажист. Педагог. Происходил из небогатой купеческой семьи. Профессиональное образование получил в МУЖВ (1844—1850), где учился е пейзажном классе у К. И. Рабуса. В 1850 за картину «Камень в лесу у разлива», изображавшую вид в имении И. Д. Лужина близ станции Влахерн- ской, и «Вид Московского Кремля при лунном освещении» получил звание неклассного художника. Из ранних работ Саврасова сохрани- лись немногие. В их числе романтический «Вид на Кремль в ненастную погоду» (1851). а также написанные во время поездки на Украину «Рассвет в степи» и «Стень днем» (обе - 1852). Два последних пейзажа и появившийся одновременно «Вид Киева с Днепра на Печерскую лавру» понравились в И АХ, и художник был приглашен поработать в Сергиевском даче президен та Академии великой княгини Марии Николаевне. За созданные здесь картины «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума» и «Вид в окрестностях Ораниенбаума» в 1854 он был удостоен звания академика живописи. Для самою художника эти работы означали постепенный отказ от эффектных романтических видов и переход к поэтизации обыденных мотивов. Саврасов увлеченно работал на натуре, фиксируя тончайшие цветовые и световые нюансы. В его пейзажах много пространства, воздуха, света («Рыбаки», «Морской пейзаж», «Пейзаж с рекой и рыбаками», все — 3 859 В 1857 Саврасов возглавил пейзажный класс МУЖВ, сменив на этом посту умершего К. И. Рабуса. Педагогичен деятельность Саврасова — особая страница в истории национального пейзажа У него учились И. И. Левитан, В. Н. Бакшеев, К. А. Коровин, усвоившие и разные техники живописи. Саврасов воспитывал учеников на собственном примере — работал рядом с ними, вместе выезжал на природу писать этюды. В его творчестве 1860-х почти этюдные по свежести восприятия и камерности работы («Ранняя весна. Половодье», 1868; «Зима», 1860-е) появляются одновременно с проникнутыми эпическим настроением пейзажами («Сельский вид», 1867) и картинами, отмеченными признаками классической живописи («Лосиный остров в Сокольниках», 1869) В 1862 на средства МОЛХ Саврасов ездил на Всемирную выставку в Лондон, где экспонировалась его картина «Вид в окрестностях Ораниенбаума». На обратном пути посетил Францию, Швейцарию, Германию. В 1867 художник побывал на Всемирной выставке в Париже. Хотя очевидного влияния современное западное искусство на художника не оказало, увиденное обогатило его, стимулировало дальнейшее развитие. На 1870-е приходится расцвет творчества Саврасова. Открывает новое десятилетие проникнутый тоскливым чувством.Последнее десятилетие творчества художкика было омрачено пагубным пристрастием к вину: в середине 1870~х от него ушли жена с двумя дочерьми; в 1882 Уволили с ИАХ. Многочисленные «весим», повторял на продажу «Грачей». В минуты же просветления и душевного подъема появлялись такие работы, как «Рожь» (188 f) или написанное не задолго до смерти художника полотно «Огороды» (1893) показывающее масштаб его таланта, данного ему природой. Умер Саврасов в Москве в одиночестве и нищите. Источник www.v-protasov.ru

Шарж заказать на сайте www.v-protasov.ru

Шаржи на заказ на сайте www.v-protasov.ru

Шаржи с фотографии на сайте www.v-protasov.ru

Шаржи по фото на сайте www.v-protasov.ru

Портрет карандашом на сайте portretpofoto.ru
[368x500]

Заказ портрета маслом на сайте portretpofoto.ru
[550x700]

Заказать портрет можно на сайте portretpofoto.ru
[527x700]

Заказать скульптуру можно на сайте portretpofoto.ru
[400x600]

Скульптуру на заказ можно сделать на сайте portretpofoto.ru
[371x600]

На сайте portretpofoto.ru можно купить картину
[600x482]

Картины на заказ на сайте portretpofoto.ru
[600x483]