Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
[803x945] Имя Людвига ван Бетховена известно всякому человеку, даже если он не имеет никакого отношения к классической музыке – также как всякому человеку известны имена Микеланджело, Шекспира, Гёте. Немало людей слышали и музыку Бетховена – Лунную сонату или, скажем, «К Элизе», думаю, знают все. Мало того: в России – стране не с особенно широким распространением классики – Бетховен долгое время являлся, может быть, самым популярным зарубежным композитором.
Это было обусловлено двумя причинами. Во-первых, тем, что именно от него отталкивались в своём творчестве русские музыканты. Например, Чайковский считал, что добетховенская музыка, исключая любимого им Моцарта, чужда восприятию современного человека. Бах и Гендель – сухая устаревшая музыкальная математика, Гайдн простоват и мелковат… а вот с Бетховена начинается настоящая, по мнению Чайковского, музыка. Такую точку зрения разделяло большинство русского культурного общества. Произведения Бетховена исполнялись в России много, существовала солидная традиция русской «бетховенианы». Это до революции. Вторая причина – уже следствие революции: идеологическая. Дело в том, что Бетховена любил тов. Ленин – и героическая составляющая творчества великого немецкого композитора, а также некоторые факты его биографии и некоторые особенности его характера были взяты на вооружение коммунистической пропагандой, в результате чего появился некий особый феномен – «советский Бетховен», этакий революционер, бунтарь и строитель «светлого будущего».
Нельзя сказать, чтобы такое положение вещей не имело под собою оснований. Бетховен – фигура действительно титаническая. Жил он на рубеже эпох; великая французская революция, наполеоновские войны, коренное преобразование европейского политического ландшафта – всё пришлось на его жизнь. В творчестве Бетховена это так или иначе, несомненно, отражалось. Личные обстоятельства также играли здесь свою роль. К тому же Бетховен – последний великий классик, им завершилась эпоха музыкального классицизма, на смену которому пришёл романтизм – а романтизм совсем иначе воспринимал фигуру художника, чем классицизм. Гений, творец в парадигме романтизма обязательно должен был быть титаном и борцом, неким Прометеем, трагической фигурой, ниспровергателем старого, прокладывающим новые, неизведанные, индивидуалистические пути. Именно таким с середины XIX веке и стал восприниматься Бетховен. Титаническое, «прометеевское» начало, трагизм и борьба и в самом деле есть в музыке Бетховена.
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
Да вьется вокруг цепи правил серебряная нить фантазии.
[349x448]Р. Шуман
Гектор Берлиоз принадлежит к числу величайших композиторов и величайших новаторов XIX века. Он вошел в историю как создатель программного симфонизма, оказавшего глубокое и плодотворное влияние на все последующее развитие романтического искусства.
"Именно Берлиоз сформировал мое поколение", - писал Сен-Санс
Для Франции с именем Берлиоза связано рождение национальной симфонической культуры. Берлиоз — музыкант широкого профиля: композитор, дирижер, музыкальный критик, отстаивавший передовые, демократические идеалы в искусстве, порожденные духовной атмосферой Июльской революции 1830 года.
Гектор Берлиоз родился 11 декабря 1803 года в Ла-Кот-Сент-Андре близ Гренобля.
Детство Гектора протекало в благоприятной атмосфере. Отец — врач по профессии — прививал сыну вкус к литературе, искусству, философии. Под влиянием атеистических убеждений отца, его прогрессивных, демократических взглядов складывалось мировоззрение Берлиоза. Но для музыкального развития мальчика условия провинциального городка были очень скромны. Он учился игре на флейте и гитаре, а единственным музыкальным впечатлением было церковное пение — воскресные торжественные мессы, которые он очень любил. Тяга Берлиоза к музыке проявилась в попытке сочинять. Это были небольшие пьесы и романсы. Мелодия одного из романсов впоследствии вошла в качестве лейттемы в «Фантастическую» симфонию.
В 1821 Берлиоз едет в Париж по настоянию отца поступать в Медицинскую школу. Но медицина не привлекает юношу. Увлеченный музыкой, он мечтает о профессиональном музыкальном образовании. В конце концов Берлиоз принимает самостоятельное решение бросить науку ради искусства, и этим навлекает на себя гнев родителей, не считавших музыку достойной профессией. Они лишают сына всякой материальной поддержки, и отныне будущий композитор может рассчитывать только на самого себя. Однако, веря в свое предназначение, он все силы, энергию и увлеченность обращает на самостоятельное овладение профессией. Живет он подобно бальзаковским героям впроголодь, в мансардах, однако в опере не пропускает ни одного спектакля и все свободное время проводит в библиотеке, штудируя партитуры.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Неслучайно Прокофьева часто сравнивают с В. Маяковским в поэзии и М. Сарьяном в живописи - так много в его музыке солнца, света, ярких красок: «Светить всегда, светить везде, до дней последних донца, светить – и никаких гвоздей! Вот лозунг мой и Солнца»
[показать] [показать]Иногда композиторы изменяют собственному стилю, имитируя музыкальные формы прошлого времени. Прокофьеву это отлично удалось в его ранней Первой симфонии, известной как «Классическая». Он написал её в духе классицизма: в музыке слышатся отголоски изящности Гайдна и жизнерадостности Моцарта. Это произведение – искусная стилизация с множеством гармоний и мелодических оборотов, принадлежавших скорее Прокофьеву и его времени, нежели XVIII веку.
Когда Прокофьев создавал свою «Классическую» симфонию, он писал: «Мне казалось, что если бы Гайдн дожил до наших дней, он сохранил бы свою манеру письма и в то же время воспринял бы кое-что от нового. Такую симфонию мне и хотелось написать». Вот и в его симфонии скромная фактура и прозрачная оркестровка в стиле Гайдна и Моцарта сочетались с «налётом новых гармоний». Это тоже было в стиле Гайдна. Вы ведь помните, что «отца симфонии» в своё время обвиняли в «скандальной весёлости и нарушении правил строгого голосоведения».
Композитор закончил симфонию летом 1917 года, в период политических потрясений. Он удалился от невзгод на свою загородную дачу под Петроградом (так стал называться Петербург в 1914 году), где в первый раз сочинял без фортепиано и обнаружил, что «тематический материал, сочинённый без рояля, часто выходит лучшего качества».
Премьера произведения состоялась в мае 1918 года. Прокофьев дирижировал сам, а среди зрителей на премьере присутствовал новый нарком просвещения Анатолий Луначарский.
Музыка полна острых, «колючих» тем, стремительных пассажей, ярких акцентов. Использование особенностей танцевальных жанров (полонеза, менуэта, гавота, галопа), игра тембрами и регистрами (скрипки, флейты), новизна гармоний, внезапные гармонические «дерзости» - всё это с головой выдаёт Прокофьева, особенности его музыкального почерка.
«Автор задался целью воскресить «старые добрые времена», времена фижм, пудреных париков и косичек», - говорится в авторизованном пояснении к первому исполнению симфонии. Но в музыке нет черт музейного реставраторства: она полна детской беззаботности, жизнерадостности. Её слегка ироничный тон подчёркивается пикантными сопоставлениями и забавными скачками в мелодии.
(Cимфония N1) OP. 25
Allegro - 0.35
Larghetto - 5.25
Gavotta: Non troppo allegro - 9.40
Finale: Molto vivace - 11.20
Это цитата сообщения Путь_к_истинной_себе Оригинальное сообщение
Это цитата сообщения Nelya_Gerbekova Оригинальное сообщение
Французская косынка, в народе называемая франтоном или шарфом-трансформером, это универсальная и практичная вещичка, которая просто обязана быть в гардеробе каждой женщины. При помощи одного франтона можно создать не менее шести ярких образов.
Это цитата сообщения Mellodika Оригинальное сообщение
СОВЕТЫ как научиться печатать ВСЛЕПУЮ
Правила набора вслепую
1) На период обучения вам, к сожалению, придется расстаться со своими неимоверно красивыми, но чересчур длинными, ногтями. Возможно, в дальнейшем вы сможете печатать не подушечками пальчиков, а ноготками, но начинать лучше с простого. Лучше всего, если выши ногти будут недлинными и закругленными. Сейчас — самое лучшее время опробовать французский маникюр. Он неброский, элегантный и легко сочетается с любым нарядом.
2) Не смотрите на клавиатуру. Должна работать не зрительная память, а ваши пальцы. Всю работу тут выполняет мышечная память, используя тактильные ощущения пальцев. Если пальцы запомнят расположение клавиш, печатать будет гораздо проще. Если вам трудно сдеражаться и вы время от времени все таки поглядываете на клавиатуру, советуем воспользоваться маленькой хитростью. Возьмите самоклеящуюся бумагу (которую потом можно легко снять) и заклейте все клавиши. Тогда вы быстро отвыкните посматривать вниз, ибо все равно ничего там не увидите.
3) Держите руки в правильной позиции (ФЫВА ОЛДЖ). Левая рука (мизинец, безмянный, средний и указательный) на буквах ФЫВА, правая — ОЛДЖ.
На рисунке ниже пальцы и их «ответственная зона» выделены одним цветом.
4) Большие пальцы обслуживают пробел по-очередно, т.е. если последнюю клавишу (букву, знак в предложении) вы нажали левой рукой, то и левый большой палец нажимает пробел и наоборот. В «периоде покоя» большие пальцы зависают в воздухе над клавишей пробела.
5) Нажатие клавиши производится ближайшим пальцем, при нажатии смещается только один палец, после чего он возвращается в начальную позицию. Таким же образом вводятся и заглавные буквы, однако при этом мизинец свободной руки удерживает зажатой клавишу Shift.
6) Не ставьте перед собой цель запомнить, где какая буква расположена на клавиатуре, главное - запомнить, каким пальцем и какое движение нужно сделать, чтобы набрать нужный символ. В своем подсознании вы должны соединить движения пальцев с определенной буквой.
7) Есть также специальные сервисы, которые позволяют печатать вслепую онлайн. К сожалению, ни одного варианта достойного вашего и нашего внимания мы не нашли.
[604x379]
Это цитата сообщения aramill_stells Оригинальное сообщение
Импрессионизм - одино из самых ярких и интересных направлений во французском искусстве последней четверти 19 века, родилось в очень сложной обстановке, отличающейся пестротой и контрастами. Термин impresssioisme произошёл от французского слова impression – "впечатление”. Так назвал свою картину К.Моне – "Впечатление. Восход солнца”. Первоначально импрессионизм проявил себя в живописи. Художники, примыкавшие к этому направлению –К.Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей, Э. Дега. Стремясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты освободились от традиционных правил, они создали новы метод живописи.Суть его состояла в передаче внешнего впечатления света, тени рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей свето-воздушной среде.Импрессионистический метод стал максимальным выражением самогшо принципа живописности. Для художника-импрессиониста важно не то, что он изображает, а важно – как изображает. Объект становился тольок поводом для решения чисто живописных "зрительных задач, поэтому импрессионизм первоначально имел ещё одно, позднее забытое название –"хроматизм” от греческого chroma – "цвет”.
Импрессионисты обновили колорит, они отказались от тёмных, земляных красок, и наносили на холст чистые, спектральные цвета, почти не смешивая их предварительно на палитре. Из мастерских они выходят на пленэр ( pleinair - "вольный воздух” ). Предшественник импрессионистов Э.Мане гордился тем, что все его картины, как он сам утверждал, написаны, кроме одной, целиком с натуры.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Голос её густой, сочный, напоминает низкий человеческий.
Лучше всего звучат на виолончели широкие напевные мелодии.
Федор Иванович Шаляпин говорил: «Петь надо так, как поет виолончель».
В этих словах заключена, пожалуй, наиболее глубокая характеристика этого замечательного музыкального инструмента.
То произведение ,что хочу вам предложить послушать,я впервые услышала на балу в честь Елены Образцовой.
Популярную арию Ленского из "Евгения Онегина" в переложении для виолончели исполнял виолончелист Борислав Струлев(его записи не нашла).
Виолончель пела!
исп.МИША МАЙСКИЙ
*****
Писатель Максим Горький в своей автобиографической повести «В людях» вспоминает, как однажды, идя поздним вечером по улице, он услыхал из окна «необыкновенный звук, точно кто-то очень сильный и добрый пел, закрыв рот; слов не слышно было, но песня показалась мне удивительно знакомой и понятной… Я сел на тумбу, сообразив, что это играют на какой-то скрипке, чудесной мощности и невыносимой — потому что слушать ее было почти больно. Иногда она пела с такой силой, что казалось — весь дом дрожит и гудят стекла в окне. Капало с крыши, из глаз у меня тоже закапали слезы».
Инструмент, который растрогал до слез молодого Горького, был виолончелью. Он в первый раз слышал звучание виолончели и еще не знал ее названия.
Впрочем, назвав виолончель «скрипкой чудесной мощности», Горький не так уж ошибся.
Это цитата сообщения Сэр_42 Оригинальное сообщение
Народно-реалистическое по своей устремленности творчество Глинки оказало влияние на дальнейшее развитие русской музыки.
Оперы Глинки утвердили мировое значение русской музыки. В 1844-1848 гг. композитор проводит во Франции и Испании. Эта поездка утвердила европейскую популярность русского гения. Большим почитателем его таланта становится Берлиоз, исполнивший весной 1845 г. произведения Глинки на своем концерте.
С успехом прошёл авторский концерт Глинки в Париже. Там же в 1848 году он написал симфоническую фантазию "Камаринская" с русскими народными темами. Это необычайно жизнерадостная, полная юмора фантазия, наслаждаясь которой возникают ассоциации с русскими народными праздниками, народными инструментами и народным хоровым пением. "Камаринская" - это ещё и блестящая мастерская оркестровка. В Испании Михаил Иванович изучал культуру, нравы, язык испанского народа, записывал испанские фольклорные мелодии, наблюдал народные празднества и традиции. Итогом этих впечатлений были 2 симфонические увертюры: "Арагонская хота" и "Воспоминание о летней ночи в Мадриде".
Музыкальное искусство Глинки характеризуют полнота и разносторонность охвата жизненных явлений. Его оркестровое письмо, сочетающее прозрачность и внушительность звучания, обладает яркой образностью, блеском и богатством красок. Мастерское владение оркестром разносторонне выявилось в сценической музыке (увертюра "Руслана и Людмилы") и в симфонических пьесах. "Вальс-фантазия" для оркестра - первый классический образец русского симфонического вальса. "Испанские увертюры" - "Арагонская хота" и "Ночь в Мадриде"- положили начало разработке испанского музыкального фольклора в мировой симфонической музыке. В скерцо для оркестра "Камаринская" синтезированы богатства русской народной музыки и высочайшие достижения профессионального мастерства.
Основным творческим принципам Глинки сохраняли верность последующие поколения русских композиторов, обогащавшие национальный музыкальный стиль новым содержанием и новыми выразительными средствами. Под непосредственным влиянием Глинки - композитора и вокального педагога - сложилась русская вокальная школа. У Глинки брали уроки пения и готовили с ним оперные партии и камерный репертуар певцы Н. К. Иванов, О. А. Петров др.
В программе:
1. Арагонская хота.
2. Увертюра "Ночь в Мадриде".
3. Камаринская.
4. Вальс-фантазия.
5.Марш Черномора из оперы "Руслан и Людмила".
6. Восточные тацы: Турецкий, Арабский. Лезгинка.
Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Чем является: песня для сопрано в сопровождении фортепиано, Op. 52, № 6.
Написана: лето 1825 года.
Текст: Вальтера Скотта (Третья песня Эллен из поэмы "Дева озера").
Посвящена: графине Софи Габриэль фон Вейсенвольф.
Издана: апрель 1826 года. Издательство "Маттиас Артариа".
История создания песни
В 1825 Шуберт познакомился с поэмами шотландского поэта Вальтера Скотта, в их немецких переводах. Поскольку Скотт был очень популярным поэтом и романистом, Шуберт решил, что, если ему удастся издать свои песни на его стихи одновременно с английским текстом и по-немецки, он станет лучше известен за пределами Австрии. Он не скрывал своего намерения и так писал об этом отцу и мачехе: "Я поступил с этими песнями иначе, чем обычно. Автор стихов - знаменитый Вальтер Скотт. Если, издавая их, добавить английский текст, то они сделают меня более известным в Англии". Итак, имея это в виду, Шуберт отбирает семь из тринадцати песен, входящих в поэму "Дева озера" Вальтера Скотта, которая была опубликована в Австрии еще в 1810 году. Примечательно, что в свое время на эту поэму обратил внимание Россини. В 1819 году он написал одноименную оперу.
Фрэнк Кадоган Купер. "Дева озера"
Семь отобранных стихотворений Шуберт решил аранжировать следующим образом: пять песен для сольного голоса (три песни Эллен, "Песнь Нормана" и "Песнь плененного охотника") и две песни для вокальных ансамблей - "Коронах" (для женского хора в сопровождении фортепиано) и "Песнь лодочников" (для квартета мужских голосов тоже с фортепиано). Так вот, "Третья песнь Эллен" и есть знаменитая "Ave Maria". При каких же обстоятельствах Шуберт создал свой цикл песен?
Город Гмунден
Чтобы ответить на этот вопрос, нужно мысленно перенестись в лето 1825 года. Небольшой австрийский городок Гмунден, расположенный на северном берегу живописного озера Траун, вытянутого точно с севера на юг. Здесь Шуберт провел шесть благословенных недель, в течение которых сочинил, наряду с другими произведениями, цикл песен на стихи Вальтера Скотта.
Гмунден - панорама.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Траурный марш— музыкальное произведение торжественно-скорбного характера, разновидность марша, пишется в ритме размеренного, замедленного шага.
Эти марши первоначально создавались специально для сопровождения траурных процессий, как например марш А. Филидора — для похорон Людовика XIV (1715),
или написанный в годы Великой французской революции траурный марш Ф. Ж. Госсека, или принадлежащий А. Адану марш, которым в 1840 году сопровождалось перезахоронение в Париже останков Наполеона Бонапарта.
В России произведение в характере траурного марша впервые прозвучало в 1699 году при похоронах Ф. Я. Лефорта.
Однако уже в XVIII веке траурные марши стали включать в различные инструментальные и вокально-инструментальные произведения; так, траурный марш звучит в ораториях Г. Ф. Генделя «Саул» и «Самсон»,
в опере Р. Вагнера «Гибель богов» (Траурный марш Зигфрида) .
Это цитата сообщения EFACHKA Оригинальное сообщение
Скелетирование листьев - процесс несложный, но требующий терпения и аккуратности. Всё, что нам потребуется это - листья (лучше собирать осенью, тогда они более плотные), пищевая сода и пищевой краситель.
Это цитата сообщения Марриэтта Оригинальное сообщение
Ажурный жакет крючком. Схема хорошего качества
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
[414x572]«…Наряду с Моцартом и поздним Бетховеном, Шопен является «трудным» для исполнителя композитором.
В чем эта трудность?
Мне кажется, что основательная трудность заключается в максимальном приближении к той степени одухотворенности, которая так свойственна этим авторам. Иногда, когда слушаешь этих авторов в хорошем исполнении, кажется, будто слышишь не звуки рояля, а живой голос души, преисполненный великой доброты и любви к людям и жизни. Чтобы приблизиться к этой ступени одухотворенности, исполнителю необходимы величайшая искренность и страстная влюбленность в произведения этих авторов, которая одна только способна оградить его от перевеса материала – пусть даже очень добросовестного и красивого самого по себе – над духом сочинения, от малейшей фальши интонации, и помочь исполнителю найти правду, естественность и ту меру свободы проявления своего «я», которая необходима и допустима у данного автора. Шопен как никто другой чувствителен к мере этой любви и искренности и требует в работе того жара и того духовного напряжения, которые мы называем вдохновением, а также величайшей совести в выборе тех или иных вариантов фразировки, темпов и т.д.
Советская пианистическая школа дала миру немало выдающихся пианистов, и было бы печально, если бы эта традиция нарушилась. Тем, кто внимательно прочтет статью Пастернака о Шопене, станет ясно, что она не только и не столько о Шопене, сколько о творчестве вообще, и они извлекут из нее много полезного для работы».
(Фрагмент из статьи Станислава Генриховича НЕЙГАУЗА «Устарел ли романтизм?», - предисловия к статье Б. Л. Пастернака о Шопене, 1970-е)
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
Как всякий могучий талант. Верди отражает в себе национальность и свою эпоху. Он — цветок своей почвы. Он — голос современной Италии, не лениво-дремлющей или беспечно-веселящейся Италии в комических и мнимосерьезных операх Россини и Доницетти, не сентиментально-нежной и элегической, плачущей Италии беллиниевской, — а Италии, пробудившейся к сознанию, Италии, взволнованной политическими бурями, Италии, смелой и пылкой до неистовства.
А. Серов
Никто не мог лучше, чем Верди, почувствовать жизнь. А. Бойто
Джузеппе Верди — классик итальянской музыкальной культуры, один из самых значительных композиторов XIX века. Его музыке присуща неугасающая с течением времени искра высокого гражданского пафоса, безошибочная точность в воплощении сложнейших процессов, происходящих в глубинах человеческой души, благородство, красота и неисчерпаемый мелодизм. Перу композитора принадлежат 26 опер, духовные и инструментальные произведения, романсы. Самую значительную часть творческого наследия Верди составляют оперы, многие из которых звучат со сцен оперных театров всего мира уже более ста лет. Произведения других жанров, за исключением вдохновенного Реквиема, практически не известны, рукописи большинства из них утеряны.
Это цитата сообщения Annakraj Оригинальное сообщение
5 самых узнаваемых мелодий Эдварда Грига
15 июня 1843 года, на свет появился Эдвард Хагеруп Григ, ставший одним из самых известных композиторов своего времени. Творческое наследие Грига насчитывает более 600 музыкальных произведений, по которым поставлено множество музыкальных спектаклей. АиФ.ru собрал пять самых узнаваемых мелодий композитора.
1. «В пещере горного короля» – самая узнаваемая мелодия Грига. Эта композиция была написана композитором в составе сюиты на пьесу Генрика Ибсена «Пер Гюнт» в 1876 году. К настоящему моменту мелодия пережила множество обработок эстрадными исполнителями и часто используется в качестве саундтрека к фильмам и рекламе. «В пещере горного короля» звучала в рекламе Microsoft и Burger King, в телесериале «Доктор Хаус», «Интерны», «Симпсоны». Кавер-версии мелодии исполняла финская метал-группа Apocalyptica, британская рок-группа The Who, хард-рок группа Rainbow и другие.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
У каждого народа есть своя культура и свой язык, её характеризующий. Одна из ярких форм выражения народных чувств и ощущений – это песня. Как у всякого человека, так и у каждой песни есть своя история. Конечно же, не имеющие авторства народные песни рождаются или творятся какими-то конкретными личностями. Так и на русской земле, скорее всего, авторы народных песен были не те, чьим ремеслом было сочинять стихи и музыку, а простые граждане.
Песню, оставшуюся в народе на века, мог придумать обычный русский крестьянин или ямщик, мастеровой или служивый, мещанин или дворянин, работник или священник… Неизвестный сочинитель какой-нибудь любимой и популярной в наше время русской народной песни ни заботился, ни помышлял о том, чтобы его имя было увековечено в будущем. Впрочем, душа непризнанного творца, которая давным-давно оказала нам любезную услугу тем, что создала прекрасную народную песню, не беспокоясь об авторском праве, должна, наверное, в компенсацию испытывать необычайное блаженство от того, что многие русские люди поют её и в радости, и в горе многие годы. Вероятно, случалось так, что в какой-то очень радостный или горестный момент жизни от сильной эмоции не обладающий особыми талантами рядовой человек сумел своим духом осуществить художественный прорыв в создании уникальной мелодии и точно подходящей ей по смыслу текстовой идеи, и возникала из глубины русского сердца песня, которая сразу становилась народным шедевром и легко вживалась в целую нацию как нечто родное и близкое. Это неудивительно, так как рядом с создателем красивой, умной, доброй песни проживали те, кто имел с ним одни и те же генетические корни. Хотя подобная музыкально-поэтическая композиция, возможно, оттачивалась в дальнейшем до идеального состояния другими – более профессиональными композиторами и поэтами. Так стали появляться многочисленные обработки русских народных песен. Но, в любом случае, рождённая безымянным русским бардом песня уже живёт в народе своей жизнью и естественным образом передаётся из поколения в поколение.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Этюды любят и знают любители музыки и все, без исключения, пианисты. Жанр этюда известен с XVIII века. Этюд в музыке, инструментальная пьеса, основанная на использовании какого-либо технического приема игры и предназначенная для развития исполнительской техники. Обычно этюды объединяются в сборники, которые включают пьесы, способствующие приобретению разнообразных технических навыков.
событие и тд.. Трудно порой описать, какой содержательности, какой выразительности и
глубины можно достичь в такой миниатюрной, да еще "технической" пьесе..
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Ноктюрн – характерный жанр романтичной музыки, разновидность лирической миниатюры – отличается своей оригинальной тематикой. Слово «ноктюрн» в переводе с французского означает «ночная песня» лирического, мечтательного характера. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах, хотя итальянский термин notturno существовал ещё в XVIII веке и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
ПРЕЛЮДИИ.
Слово «прелюдия» в переводе означает «вступление». Сначала этим термином обозначали небольшой вступительный раздел перед главным изложением музыкального произведения. В XIX веке так стали называть маленькую самостоятельную пьесу, в которой воплощается настроение. Разнообразны прелюдии не только по содержанию (меланхоличные, певучие, бурно-стремительные, сосредоточенные, светлые, жизнерадостные), но и по форме. Несмотря на миниатюрность некоторых прелюдий, Ля-мажор, до-минор, эти произведения завершенные и совершенные. Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века.
