Древностью своего происхождения гобой соперничает с флейтой: он ведет свою родословную от первобытной свирели. Из предков гобоя наибольшее распространение получил греческий авлос, без которого древние эллины не мыслили себе ни пира, ни театрального представления. В Европу предки гобоя пришли с Ближнего Востока. В 17 веке из бомбарды - инструмента свирельного типа - был создан гобой, который сразу стал популярным в оркестре. Вскоре он стал и концертным инструментом. В течение почти целого столетия гобой был кумиром музыкантов и меломанов. Лучшие композиторы 17-18 веков - отдали дань этому увлечению.  Однако в начале 19 века "культ" гобоя в оркестре несколько угас, а ведущая роль в группе деревянных духовых перешла к кларнету.

[700x498]

 Благодаря некоторым особенностям конструкции гобой никогда не теряет настройку. Поэтому стало традицией настраивать по нему весь оркестр. Перед симфоническим оркестром, когда музыканты собираются на эстраде, нередко можно услышать, как гобоист играет ля первой октавы, а другие исполнители подстраивают свои инструменты. Гобой обладает подвижной техникой, хотя и уступает в этом отношении флейте. Это скорее поющий, чем виртуозный инструмент: его область, как правило, - грусть и элегичность. 

[300x58]

     Родился Дмитрий Дмитриевич Шостакович 25 сентября 1906 года.

    Когда Мите исполнилось одиннадцать лет, мать будущего композитора — Софья Васильевна решила определить его в частную музыкальную школу Гляссера.

   Незаурядные способности мальчика были многими замечены, и на одном из музыкальных вечеров, он был представлен известному композитору, директору Петроградской консерватории Александру Константиновичу Глазунову, который внимательно отнесся к начинающему музыканту. Не отрицая его исполнительского дарования, Глазунов посоветовал ему всерьез заняться композицией, считая ее основным призванием талантливого юноши.

   Рассказывали, что Глазунов назвал его новым Моцартом — так поразил он всех своей необыкновенной музыкальностью, прекрасной памятью, тонким слухом и композиторским даром, который проявился в небольших прелюдиях для фортепиано, сочиненных им незадолго до поступления в Петроградскую консерваторию и исполненных перед экзаменационной комиссией.

Михаил Плетнёв.

Основатель, художественный руководитель и главный дирижёр Российского национального оркестра
Один из самых неординарных музыкантов нашего времени - Михаил Плетнёв - сочетает в себе незаурядные таланты пианиста, дирижера и композитора.
В возрасте 16 лет стал лауреатом Международного юношеского фортепианного конкурса в Париже. С 1974 по 1979 год обучался в Московской консерватории. Закончил аспирантуру. В 1977 году пианист завоевал I премию на Всесоюзном конкурсе пианистов в Ленинграде, в 1978 - I премию и Золотую медаль VI Международного конкурса имени П.И.Чайковского. С этого времени началась интенсивная концертная деятельность артиста. Он выступал по всему миру с сольными программами, а также вместе с известнейшими коллективами мира.  Публику и коллег всегда восхищали его безупречная техника, тонкое чувство стиля, свежесть исполнительской трактовки. По мнению BBC Music Magazine, Михаил Плетнёв "исполняет каждое сочинение как свое собственное, его интерпретации поразительны - подобное вряд ли под силу любому другому пианисту".


[610x413]

[показать]

Шарль Гуно - автор знаменитого "Фауста", в молодости написал две вполне неплохие симфонии, музыка которых привлекает поэтической цельностью выражения, естественностью музыкального языка, полного галльского остроумия и очарования. Гуно привносит в инструментальную музыку элементы оперного жанра, что для француза неудивительно. Это придаёт симфониям оригинальный оттенок театральности. Возможно, если бы не увлечение оперой и религией, Гуно со временем стал бы одним из лучших французских симфонистов. Симфонии были окончательно закончены Гуно в 1855 году, но большой известности не получили из-за безразличного отношения тогдашней французской публики к симфоническому жанру. Заново эти гармоничные образцы французкого симфонизма были открыты лишь в 50х годах XX века и сейчас с успехом исполняются.

[400x85]

Первая симфония ре-мажор продолжает традиции позднего Моцарта, отчасти Гайдна - не случайно композитор присвоил ей неофициальный заголовок "Гайдновская". Традиционная классическая форма в симфонии 25-летнего Гуно представлена с французской ясностью и точностью. Первая часть открывается полётной темой, играемой скрипками. Вторая часть симфонии - марш, начинающийся в мрачноватом ре миноре, затем трансформируется в менее зловещий си-бемоль мажор с разработкой в форме фуги. Скерцо - элегантный менуэт с контрастным трио в народном деревенском стиле (как раз напоминающем о Гайдне). Финал написан в типично моцартовском духе.

Симфония №1 in D-major.

Феликс Мендельсон.

[699x525]

Основу фортепианного творчества Мендельсона составили "Песни без слов" - замечательные образцы лирической миниатюры, нового жанра романтической фортепианной музыки. В противовес распространившемуся в то время эффектному бравурному пианизму Мендельсон создает пьесы в камерном стиле, выявляя прежде всего кантиленные, певучие возможности инструмента. Привлекала композитора и стихия концертной игры - виртуозный блеск, праздничность, приподнятость отвечали его артистической природе (2 концерта для фортепиано с оркестром, Блестящее каприччио, Блестящее рондо для фортепиано с оркестром,  и др.).
 

Рондо каприччиозо оп.14

[показать]Портрет Альфреда Шнитке. Художник Реджинальд Грей

  Альфред Шнитке родился в 1934 году в городе Энгельсе – на тот момент столице Автономной республики немцев Поволжья. В 11 лет он с семьей оказался в Вене, куда командировали его отца – корреспондента и переводчика – для работы в газете Österreichische Zeitung. "Здесь мне было позволительно быть немцем, здесь мое имя не обращало на себя внимание, и здесь повсюду была столь желанная музыка", – вспоминал композитор. Именно в Вене он начал серьезно заниматься музыкой с педагогом, и окончательно убедился, что в этом и есть вся его жизнь. Его целью было именно писать музыку, а не "пробивать" ее, не устраивать ей комфортное житье. "У него не было желания, чтобы его музыку играли ежедневно все радиостанции мира. Этим он отличался от многих композиторов", – уточняет Родион Щедрин.

    По воспоминаниям друзей и близких Альфред Гарриевич был очень скромным, сдержанным, немногословным человеком, и, даже став уже известным композитором, никогда не устраивал вокруг себя никакого шоу. Он никогда не хотел и всегда боялся, что будет слишком понимаемым, слишком признанным. Шнитке  был сомневающимся творцом, что для музыканта является очень ценным качеством, и понимал, что он не Бог, а всего лишь проводник, просто композитор, профессионал. Но обычным человеком его никто не считал.

Фортепианные сонаты Бетховена с давних пор стали драгоценным достоянием человечества. Их знают, играют и любят во всех странах мира.
Многие из них прочно вошли в педагогический репертуар, стали неотъемлемой его частью. И, однако, это обстоятельство нисколько не приковало фортепианные сонаты Бетховена к сфере учебного музицирования: они остаются желанными номерами концертных программ, а овладение всем циклом бетховенского сонатного фортепианного творчества — заветная мечта каждого серьезного пианиста.
Причины широчайшей популярности фортепианных сонат Бетховена, простирающейся от классов музыкальных школ до эстрад филармоний, заключены, конечно, не только в самом факте принадлежности их гениальному композитору, одному из величайших музыкантов всех времен и народов.

[700x585]

[734x543]

Нейгауз Генрих Густавович— пианист, педагог, теоретик пианизма. Директор Московской консерватории;

Родился в семье музыкантов, содержавших в Елисаветграде музыкальную школу. Отец – Густав Вильгельмович Нейгауз (1853–1937) – учился в Германии у известного музыканта Хиллера. Помимо педагогической деятельности, занимался вопросами музыкальной нотации и техническими изобретениями по усовершенствованию фортепиано; автор романсов на стихи немецких поэтов. Мама – Ольга Михайловна (урожд. Блуменфельд, 1859–1937) – сестра Ф.М. Блуменфельда.

Отношение Генриха к музыке (обучался игре на фортепиано с 6 лет) было «удивительно двойственное»: «страшный восторг, слезы, детские потрясения» и одновременно «взгляд на музыку как на нечто в высшей степени прозаическое». Последнее во многом культивировалось отцом, который неодобрительно относился к художественным по­искам сына. С 8 лет он начал импровизировать, затем записывать сочиняемую музыку.

«Арлекинада».  Хореография Мариуса Петипа. Композитор - Риккардо Дриго. Возобновление. 1974

[700x525]

Мариус Петипа (1818—1910) — выдающийся французский артист балета и русский балетмейстер. Так получилось, что именно в России полностью раскрылся хореографический талант М. Петипа. Россия стала для него «второй родиной», и даже имя его русифицировалось — по русскому обычаю его стали называть Мариусом Ивановичем. Мариус Петипа прибыл в Российскую империю, собиравшую таланты для русской императорской труппы по всей Европе и сразу заявил о себе не только как о талантливом танцовщике, но и хореографе. Вся дальнейшая жизнь Мариуса Петипа и всё его дальнейшее творчество принадлежало полностью России, где он оставался до самой своей смерти. К слову сказать, русский язык досконально он так и не выучил, говорил с сильным акцентом, путая слова, ударения и падежи, часто прибегая к профессиональному приему — мимике, — но его понимали. На сценах театров Петербургской императорской труппы он поставил множество балетных спектаклей и танцевальных дивертисментов. На русской земле он обрел и личное счастье — не все сразу сложилось, но к старости он имел надежную любящую семью. 
Все балеты, поставленные Мариусом Петипа в Петербургской императорской труппе, стали достоянием не только русской культуры, но и мирового балета.
Часто он сам придумывал сценарий и либретто своих балетных постановок, обращаясь за музыкальной разработкой к композиторам, когда новый балет был им уже полностью придуман и обдуман. Так было и с балетом «Арлекинада», автором музыки к которому стал Риккардо Дриго.
Итальянский композитор и дирижер Риккардо Дриго  (1846—1930) прибыл в Россию в 1879 году, куда был приглашен дирижёром в театр Итальянской оперы в Петербурге, с 1886 года он возглавил как дирижёр труппу императорского балета в Санкт-Петербурге. Работая на императорской сцене, он сочинял собственную музыку к постановкам в театре. Дриго проработал в России более 40 лет, покинув ее и вернувшись в Италию после октябрьского переворота — в 1920 году.
Как композитор, Риккардо Дриго сочинил музыку к нескольким постановкам опер и балетов в императорской труппе, в том числе к балету «Арлекинада»  по просьбе М. Петипа.
 

[показать]Ода, написанная в 1785 году Фридрихом Шиллером для дрезденской масонской ложи по просьбе его друга-масона Христиана Готфрида Кёрнера, была изменена в 1793 и не раз положена на музыку разными композиторами. Наиболее известна музыка, сочинённая к этой оде в 1823 году Бетховеном и вошедшая в состав знаменитой 9-й симфонии. Существуют также другие менее известные музыкальные произведения на стихи Шиллера: 1815 — музыка Франца Шуберта, 1865 — музыка П. И. Чайковского, русский перевод В. Коломийцева.
При жизни Чайковского кантата «К радости» не издавалась и, кроме выпускного экзамена, не исполнялась. В 1890 г. Чайковский писал Юргенсону в ответ на предложение об издании этого произведения: «Рукопись кантаты в консерватории в Петербурге. Печатать ее я не желаю, ибо это юношеское произведение без будущности». Любопытно, что в 1936 г. в газете «Известия» появилось следующее сообщение: «Ода «К радости», неизвестная кантата Чайковского, написанная для оркестра, хора и солистов, найдена в Ленинградской консерватории при разборе нотных архивов». В период 1936-1938 гг. А. А. Егоров восстановил утраченный фрагмент партитуры по сохранившимся в библиотеке голосам.

[показать] Мауро Джулиани
(27 июля 1781 - 8 мая 1829)
(полное имя Мауро Джузеппе Серджо Панталео Джулиани)
Oдин из крупнейших представителей итальянской школы игры на гитаре . Его сочинения — одна из наиболее ярких страниц гитарной литературы, широко используются в концертной и педагогической практике.

Первоначально обучался теории музыки и игре на флейте, скрипке и виолончели, однако вскоре заинтересовался гитарой и начал её осваивать. Поскольку сделать карьеру концертирующего гитариста в Италии было затруднительно из-за малого интереса публики к этому инструменту и из-за наличия большого количества первоклассных гитаристов, прочно занимавших концертные сцены, Джулиани в 1806 году перебрался в Вену, где быстро завоевал репутацию одного из лучших гитаристов Европы и хорошего композитора.
В 1808 году большой интерес публики вызвало исполнение им своего Концерта A-dur с оркестром. С этого времени он начинает публиковать свои композиции, продолжая активно концертировать соло, играть в ансамблях и даже в оркестре. Так, сохранились сведения о том, что Джулиани исполнял партию виолончели на первом исполнении Седьмой симфонии Бетховена 8 декабря 1813 года. Сам Бетховен высоко ценил исполнительское мастерство Джулиани, называя его гитару «маленьким оркестром».
В 1814 году Джулиани получил титул «придворного камерного виртуоза» при императрице Марии-Луизе Австрийской, в следующем году принимал участие в праздничных концертах в честь Венского конгресса. Несколько лет спустя Джулиани из-за огромных долгов вынужден был покинуть Вену и вернулся в Италию, где жил сначала в Риме (1820—1823), а затем — в Неаполе, где играл при дворе Королевства Обеих Сицилий. В последние годы жизни гастролировал в разных странах (в том числе в России в 1822).
Композиторское наследие Джулиани огромно, это около трехсот сочинений, среди которых три концерта для гитары с оркестром (соч. 30, 36, 70).
 

Мария Каллас (2 декабря 1923, Нью-Йорк — 16 сентября 1977, Париж) — греческая и американская певица, одна из величайших оперных певиц XX века. С самого начала выступала как драматическая колоратура, позже — как лирико-драматическое сопрано, в последние годы жизни стала исполнять партии меццо-сопрано.
Взлёту карьеры Каллас в середине XX века сопутствовало появление в звукозаписи долгоиграющей пластинки и дружба с видным деятелем звукозаписывающей компании EMI Вальтером Легге.
Приход на сцену оперных театров нового поколения дирижёров, таких как Герберт фон Караян и Леонард Бернстайн, и кинорежиссеров, таких как Лукино Висконти и Франко Дзеффирелли, сделал каждый спектакль с участием Марии Каллас событием. Она превратила оперу в настоящий драматический театр, заставляя даже «трели и гаммы выражать радость, беспокойство или тоску».
 

[496x592]

Виотти Джованни Баттиста (1755, Италия ‒ 1824, Лондон), итальянский скрипач, композитор и педагог. С 1775 придворный музыкант в Турине. В 1781 играл при дворе Екатерины II в Петербурге.  Жил в Париже, в Англии и других странах, периодически возвращаясь в Париж. Выдающийся скрипач-виртуоз, был автором многочисленных произведений для скрипки, камерно-инструментальных ансамблей (квартеты, трио, дуэты). Большое значение имеют 29 концертов для скрипки с оркестром, явившиеся важной вехой в развитии формы сольного инструментального концерта. Его музыка отличается трогательной и лиричной мелодичностью.

  [549x700] 

Виотти гастролировал с концертами по Германии, Польше и России, и всюду его ожидало признание слушателей. Окрыленный успехом, он через три года отправился в Париж, но здесь публика не обратила на него должного внимания. Несмотря на это, королева Мария-Антуанетта, частенько выступавшая в роли протеже по отношению к молодым талантливым музыкантам, назначила его придворным аккомпаниатором, а в дальнейшем помогла ему получить место капельмейстера у герцога Субиза.

Виотти мог бы совершенствоваться дальше как композитор и скрипач, но допустил крупную ошибку, став импресарио итальянской оперы в Париже. Административная деятельность отнимала у него столько времени и сил, что он был вынужден забросить работу над произведениями. Под его руководством  дела театра сначала шли успешно, но начавшиеся через некоторое время политические смуты во Франции вызвали массовую эмиграцию из этой страны. Лишившись поклонников и меценатов, Виотти оказался на грани разорения. Он уехал в Англию, но и там ему не повезло.

Немного о не совсем обычном начале  пути к славе Святослава Рихтера.

Учитель Рихтера, Генрих Густавович Нейгауз, рассказал однажды о первой встрече со своим будущим учеником: «Студенты попросили прослушать молодого человека из Одессы, который хотел бы поступить в консерваторию в мой класс.

— Он уже окончил музыкальную школу?— спросил я.
— Нет, он нигде не учился.
Признаюсь, ответ этот несколько озадачивал. Человек, не получивший музыкального образования, собирался в консерваторию!.. Интересно было посмотреть на смельчака.
И вот он пришел. Высокий, худощавый юноша, светловолосый, синеглазый, с живым, удивительно привлекательным лицом. Он сел за рояль, положил на клавиши большие, мягкие, нервные руки и заиграл.
Играл он очень сдержанно, я бы сказал, даже подчеркнуто просто и строго. Его исполнение сразу захватило меня каким-то удивительным проникновением в музыку. Я шепнул своей ученице: «По-моему, он гениальный музыкант». После Двадцать восьмой сонаты Бетховена юноша сыграл несколько своих сочинений, читал с листа. И всем присутствующим хотелось, чтобы он играл еще и еще...
С этого дня Святослав Рихтер стал моим учеником» (Нейгауз Г. Г.)
 

[499x512]

Так, не совсем обычно начинался путь в большом искусстве одного из крупнейших исполнителей современности Святослава Теофиловича Рихтера. В его артистической биографии вообще было много необычного и не было многого из того, что вполне обычно для большинства его коллег. Не было до встречи с Нейгаузом повседневной, участливой педагогической опеки, которая другими ощущается сызмальства. Не было твердой руки руководителя и наставника, планомерно организованных занятий на инструменте. Не было каждодневных технических экзерсисов, кропотливо и долго разучиваемых учебных программ, методичного продвижения со ступеньки на ступеньку, из класса в класс. Была страстная увлеченность музыкой, стихийные, никем не контролируемые поиски за клавиатурой феноменально одаренного самоучки; была нескончаемая читка с листа самых разнообразных произведений , настойчивые попытки сочинять; со временем — работа аккомпаниатора в Одесской филармонии, затем в театре оперы и балета. Была заветная мечта сделаться дирижером — и неожиданная ломка всех планов, поездка в Москву, в консерваторию, к Нейгаузу.

В ноябре 1940 года состоялось первое выступление 25-летнего Рихтера перед столичной аудиторией. Оно имело триумфальный успех, специалисты и публика заговорили о новом, ярком явлении в пианизме. За ноябрьским дебютом последовали еще концерты, один примечательнее и удачнее другого. Ширилась известность пианиста, крепла слава.

http://www.belcanto.ru › Персоналии › Пианисты

 

Концерт Святослава Рихтера . 

В программе концерта:

- Соната №8 ми минор Моцарта.

- Этюды Шопена.

- Вступительное слово Святослава Бэлзы.

...Я был рожден не вовремя. По темпераменту и склонностям мне надлежало, как и Баху, хотя и иного масштаба, жить в безвестности и регулярно творить для установленной службы и Бога. Я устоял в мире, в котором был рожден... я выжил... несмотря на торгашества издателей, музыкальные фестивали, рекламу...

И. Стравинский

...Стравинский — истинно русский композитор... Русский дух неистребим в сердце этого настоящего подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного...

Д. Шостакович

Творческая жизнь И. Стравинского — это живая история музыки XX в. В ней, как в зеркале,

[показать] отразились процессы развития современного искусства, пытливо ищущего новые пути. Стравинский снискал репутацию дерзкого ниспровергателя традиций. В его музыке возникает множественность стилей, постоянно пересекающихся и подчас трудно поддающихся классификации, за что композитор заслужил от современников прозвище «человек с тысячью лиц». Он подобен Фокуснику: свободно перемещает жанры, формы, стили на своей творческой сцене, как бы подчиняя их правилам собственной игры.

Вслед за так называемым «русским периодом», когда Стравинский опирался на богатейшие пласты русского национального фольклора, после разнообразных жанровых экспериментов, он приходит к строгому конструктивизму: стремлению воплотить по-новому старинные классические формы, «...в классическом танце я вижу торжество вдумчивой композиции над расплывчатостью, правила над произволом, порядка над "случайностью"», — писал композитор. «Аполлон Мусагет» стал последним из балетов Стравинского, поставленным дягилевской труппой.
Премьера состоялась в парижском театре Сары Бернар 12 июня 1928 года в хореографии Дж. Баланчина, одного из самых знаменитых балетмейстеров XX века В последствии «Аполлон Мусагет» шел на многих сценах мира.
В двух картинах балета, которые распадаются на десять эпизодов, воплощен миф об Аполлоне, покровителе искусств. Из девяти муз, дочерей верховного бога греческого пантеона Зевса и богини памяти Мнемосины, в балете действуют три музы — Каллиопа, «прекрасноголосая», муза эпической поэзии и науки, Полигимния, муза гимнической поэзии и музыки, и Терпсихора, муза танца.

Сюжет

На острове Делос в глубине пещеры рождается сын Зевса от дочери титанов Коя и Фебы, персонифицирующей забвение Лето. Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал, делая первые, еще неловкие движения. Две богини подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона золотой пояс в знак его божественного происхождения, обвивают чело виноградными гроздьями и вкладывают в руки арфу — символ искусства. По воле своего отца он должен стать покровителем искусств.
Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры на арфе, а теперь делает первые шаги в танце. Подходят музы Полигимния, Терпсихора и Каллиопа и склоняются перед своим повелителем — водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает Терпсихору двум другим музам. Все прославляют великую силу искусства.

[736x415]

«Травиата» (итал.«падшая», «заблудшая», от гл. traviare — сбиваться с пути) — опера Джузеппе Верди на либретто Франческо Мария Пьяве по мотивам романа «Дама с камелиями» А. Дюма-сына. «Травиата» была впервые представлена публике 6 марта 1853 года в оперном театре Ла Фениче в Венеции и потерпела провал, однако, переработанная, вскоре стала одной из знаменитейших и популярнейших опер. Постановки в Европе шли примерно в одно время с выходом «Дамы с камелиями» Дюма.

Необычными для оперной постановки того времени были: выбор главной героини — куртизанки, умирающей от неизлечимой болезни,  действие оперы в современном для слушателей Париже середины 19-го века. Как и в «Риголетто» и «Трубадуре», Верди в «Травиате» в центр драмы помещает персонаж, отвергнутый обществом.

[700x525]

[показать]

Поздравляю с Днем Рождения  сообщество "Искусство звука"  и создателя сообщества Барукабу.  Творческих успехов всем.

Как многогранна музыка!

Как юно Она, звуча сквозь времени пласты,

В сердцах людских затрагивает струны

Любви, печали, памяти, мечты.

Ирина Волобуева

Этюды любят и знают любители музыки  и все, без исключения, пианисты. Жанр этюда известен с XVIII века. Этюд в музыке, инструментальная пьеса, основанная на использовании какого-либо технического приема игры и предназначенная для развития исполнительской техники. Обычно этюды  объединяются в сборники, которые включают пьесы, способствующие приобретению разнообразных технических навыков. 

[600x400] 

У каждого народа есть своя культура и свой язык, её характеризующий. Одна из ярких форм выражения народных чувств и ощущений – это песня. Как у всякого человека, так и у каждой песни есть своя история. Конечно же, не имеющие авторства народные песни рождаются или творятся какими-то конкретными личностями. Так и на русской земле, скорее всего, авторы народных песен были не те, чьим ремеслом было сочинять стихи и музыку, а простые граждане.

[686x700]

Песню, оставшуюся в народе на века, мог придумать обычный русский крестьянин или ямщик, мастеровой или служивый, мещанин или дворянин, работник или священник… Неизвестный сочинитель какой-нибудь любимой и популярной в наше время русской народной песни ни заботился, ни помышлял о том, чтобы его имя было увековечено в будущем. Впрочем, душа непризнанного творца, которая давным-давно оказала нам любезную услугу тем, что создала прекрасную народную песню, не беспокоясь об авторском праве, должна, наверное, в компенсацию испытывать необычайное блаженство от того, что многие русские люди поют её и в радости, и в горе многие годы. Вероятно, случалось так, что в какой-то очень радостный или горестный момент жизни от сильной эмоции не обладающий особыми талантами рядовой человек сумел своим духом осуществить художественный прорыв в создании уникальной мелодии и точно подходящей ей по смыслу текстовой идеи, и возникала из глубины русского сердца песня, которая сразу становилась народным шедевром и легко вживалась в целую нацию как нечто родное и близкое. Это неудивительно, так как рядом с создателем красивой, умной, доброй песни проживали те, кто имел с ним одни и те же генетические корни. Хотя подобная музыкально-поэтическая композиция, возможно, оттачивалась в дальнейшем до идеального состояния другими – более профессиональными композиторами и поэтами. Так стали появляться многочисленные обработки русских народных песен. Но, в любом случае, рождённая безымянным русским бардом песня уже живёт в народе своей жизнью и естественным образом передаётся из поколения в поколение.