Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Величественная красота музыки скрипичных концертов Джованни Виотти
Джованни Баттиста Виотти (1753—1824)
Джованни Баттиста Виотти - итальянский скрипач и композитор, ученик Гаэтано Пуньяни. Его произведения для скрипки оличаются трогательной и лиричной мелодичностью.
Виотти был великим скрипачом. Его исполнительство — высшее выражение стиля музыкального классицизма: игра отличалась исключительным благородством, патетической возвышенностью, большой энергией, огнем и вместе с тем строгой простотой; ей были присущи интеллектуализм, особенная мужественность и ораторская приподнятость. Виотти обладал мощным звуком. Мужественная строгость исполнения подчеркивалась умеренной, сдержанной вибрацией. «В его исполнении было нечто до такой степени величавое, вдохновенное, что даже самые искусные артисты стушевывались перед ним и казались посредственными», — пишет Герон-Аллен, цитируя слова Миеля. Исполнительству Виотти соответствовало и его творчество. Наибольшую известность из наследия композитора приобрели скрипичные произведения. Его произведения для скрипки оличаются трогательной и лиричной мелодичностью. Большое значение имеют 29 концертов для скрипки с оркестром, явившиеся важной вехой в развитии формы сольного инструментального концерта (наиболее популярен концерт № 22 a-moll). Виотти освободил скрипичный концерт от остатков церковного стиля, окончательно утвердил для 1-й части форму сонатного аллегро, тип финального рондо, расширил сольную партию скрипки, состав оркестра. В величии музыки концертов сказались героические настроения эпохи французской революции. В произведениях этого жанра Виотти создал образцы героического классицизма. Строгость их музыки напоминает полотна Давида и объединяет Виотти с такими композиторами, как Госсек, Керубини, Лесюер. Гражданственные мотивы в первых частях, элегический и мечтательный пафос в адажио, бурлящий демократизм финальных рондо, наполненных интонациями песен парижских рабочих предместий, — выгодно выделяют его концерты среди скрипичного творчества его современников. Виотти сумел чутко отразить веяния времени, что и придало его сочинениям музыкально-историческую значимость.
Скрипичный концерт №22.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Cмех в “серьезной” музыке Д.Д.Шостаковича
[показать]
[показать] Концерт для фортепиано с оркестром № 1 c-moll* Дмитрий Дмитриевич Шостакович(1906-1975) создал в 1933 году, и 15 октября того же года сочинение прозвучало впервые в Большом зале Ленинградской филармонии в исполнении Лениградского филармонического оркестра под управлением Фрица Штидри, немецкого дирижера, который эмигрировал из Германии в СССР после прихода к власти нацистов. Партию трубы исполнил Александр Шмидт, партию фортепиано — сам автор.
Как в большинстве своих произведений, Шостакович по–особому трактует традиционный жанр, привнося в привычную концертную форму новые элементы.
Во–первых, первоначально Концерт был задуман как сочинение для трубы, и «память» об этом сохраняется в той большой роли, которую играют в законченном сочинении сольные эпизоды трубы, состязающейся с фортепиано.
Во-вторых, композитор насыщает музыкальную ткань Концерта звучанием чужих мелодий, вводя реминисценции известных музыкальных тем из произведений Й. Гайдна (Соната для фортепиано Ре мажор) и Л. ван Бетховена («Аппассионата», «Ярость по поводу потерянного гроша»).
Выразительным элементом становится цитирование популярной одесской песни «Как шумно было в доме Шнеерсона», а в четвертой части Концерта использована тема финала, созданного Шостаковичем в качестве вставного номера к опере Э. Дресселя «Бедный Колумб», которую в 1929 году собирались ставить в Ленинградском Малом оперном театре и для которой молодой Шостакович написал дополнительные номера.
В результате в рамках четырехчастного концертного цикла возникает намеренно созданное композитором совмещение серьезного и смешного пластов.
Шостакович, говоря о сочинениях 20-30-х годов, отмечал: «Я хочу отвоевать законное право на смех в так называемой “серьезной” музыке. Когда слушатель громко смеется в моем симфоническом концерте, меня это нисколько не шокирует, напротив — радует».
Необычность звучанию Концерта придает и состав оркестра, в котором отсутствуют ударные и деревянные духовые инструменты (сначала автор даже называл сочинение «Концертом для рояля в сопровождении струнного оркестра и трубы»).
Шостакович играет Шостаковича
Концерт для рояля
в сопровождении струнного оркестра и трубы до минор
соч. 35 (1933)
1. Allegretto.
2. Lento.
3. Moderato.
4. Allegro con brio
*Концерт для фортепиано с оркестром (струнные и солирующая труба) № 1 c-moll навеян партитурой Пауля Хиндемита «Kammermusik № 2, op. 36.(ccылка)
[показать]Это цитата сообщения Сэр_42 Оригинальное сообщение
Избранные произведения Михаила Глинки
Народно-реалистическое по своей устремленности творчество Глинки оказало влияние на дальнейшее развитие русской музыки.
Оперы Глинки утвердили мировое значение русской музыки. В 1844-1848 гг. композитор проводит во Франции и Испании. Эта поездка утвердила европейскую популярность русского гения. Большим почитателем его таланта становится Берлиоз, исполнивший весной 1845 г. произведения Глинки на своем концерте.
С успехом прошёл авторский концерт Глинки в Париже. Там же в 1848 году он написал симфоническую фантазию "Камаринская" с русскими народными темами. Это необычайно жизнерадостная, полная юмора фантазия, наслаждаясь которой возникают ассоциации с русскими народными праздниками, народными инструментами и народным хоровым пением. "Камаринская" - это ещё и блестящая мастерская оркестровка. В Испании Михаил Иванович изучал культуру, нравы, язык испанского народа, записывал испанские фольклорные мелодии, наблюдал народные празднества и традиции. Итогом этих впечатлений были 2 симфонические увертюры: "Арагонская хота" и "Воспоминание о летней ночи в Мадриде".
Музыкальное искусство Глинки характеризуют полнота и разносторонность охвата жизненных явлений. Его оркестровое письмо, сочетающее прозрачность и внушительность звучания, обладает яркой образностью, блеском и богатством красок. Мастерское владение оркестром разносторонне выявилось в сценической музыке (увертюра "Руслана и Людмилы") и в симфонических пьесах. "Вальс-фантазия" для оркестра - первый классический образец русского симфонического вальса. "Испанские увертюры" - "Арагонская хота" и "Ночь в Мадриде"- положили начало разработке испанского музыкального фольклора в мировой симфонической музыке. В скерцо для оркестра "Камаринская" синтезированы богатства русской народной музыки и высочайшие достижения профессионального мастерства.
Основным творческим принципам Глинки сохраняли верность последующие поколения русских композиторов, обогащавшие национальный музыкальный стиль новым содержанием и новыми выразительными средствами. Под непосредственным влиянием Глинки - композитора и вокального педагога - сложилась русская вокальная школа. У Глинки брали уроки пения и готовили с ним оперные партии и камерный репертуар певцы Н. К. Иванов, О. А. Петров др.
В программе:
1. Арагонская хота.
2. Увертюра "Ночь в Мадриде".
3. Камаринская.
4. Вальс-фантазия.
5.Марш Черномора из оперы "Руслан и Людмила".
6. Восточные тацы: Турецкий, Арабский. Лезгинка.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Adagio Алессандро Марчелло
[790x120]Вчера я была (виртуально) на концерте "Ночь искусств" в зале им.Чайковского.
В исполнении Государственного академического камерного оркестра России - дирижер и солист Алексей Уткин (гобой)-прозвучали «Любимые классические мелодии».
С одной из них я вас познакомлю.
Автор-итальянский композитор Алессандро Марчелло.
[показать]Алессандро Марчелло (1673 — 1747)— венецианский дворянин, поэт, философ и математик. В наши дни он известен в первую очередь как композитор времён барокко, хотя и являлся композитором-любителем, писавшим музыку для своего удовольствия (впрочем, как и его младший брат, Бенедетто Марчелло, бывший более плодовитым композитором). В числе сохранившихся произведений А. Марчелло — 12 сольных кантат, 12 скрипичных сонат, а также 18 концертов для различных солирующих инструментов с оркестром.
Самым известным из концертов является впервые опубликованный в 1717 году концерт для гобоя и струнных ре минор (ранее ошибочно приписывавшийся Б.Марчелло и А.Вивальди).
Будем слушать вторую часть Adagio из Концерта для гобоя с оркестром.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Музыка, принесшая славу великому композитору
Ф.Шуберт. Музыка к пьесе Г.фон Шези "Розамунда."
В юности Шуберт возглавлял студенческий оркестр и дирижировал им. Тогда же он овладел мастерством инструментовки, но жизнь редко предоставляла ему поводы писать для оркестра.
Среди прочих оркестровых сочинений, которые он написал для оркестра, выделяется музыка к пьесе Г. фон Шези «Розамунда». Пьеса не долго просуществовала, однако музыка Шуберта (она включает увертюру, антракты, балетные номера, романс и хоры) уже более 150 лет исполняется как самостоятельное концертное произведение. Музыка к «Розамунде» восхитительна по своей благоуханной свежести, поэтичности и вдохновенной красоте. «Розамунда» проникнута духом народности. Ее мелодии вобрали в себя все лучшее, что создано величайшим композитором мира — народом. Здесь слышны отголоски народных песен и танцев. Созданное народом, преломившись сквозь призму гения, вернулось к народу. И стало во сто крат прекраснее прежнего. Даже случайная публика Театра ан дер Вин, привыкшая к эффектным зрелищам и алчущая их, не могла остаться равнодушной к тому, что написал Шуберт. Единственное, что было встречено аплодисментами в день премьеры, была его музыка. Увертюра по дружному требованию зрителей была исполнена на бис. Однако успех «Розамунды», каким бы значительным он ни был, особенно для неизбалованного овациями Шуберта, был кратковременным. Пьеса прошла лишь два раза и затем безвозвратно исчезла с афиши. А вместе с ней была забыта и музыка. Написанная к случаю, она ушла вместе с ним. Лишь много-много лет спустя «Розамунда» вновь и навсегда покорила людей. Но на сей раз как произведение, ничем не связанное с театром.
Говоря о «Розамунде», немецкий музыкальный писатель Гарри Гольдшмидт, автор интересной, богатой фактами и размышлениями книги о Шуберте, правильно пишет, что «эта музыка принесла ему славу, пожалуй, даже большую, чем его знаменитые песни. Для миллионов и миллионов людей, мало или ничего не знающих о Шуберте, его имя известно как имя автора неувядаемой музыки к «Розамунде».
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Русский Соловей. Александр Алябьев и его Музыка.
..Все родное к сердцу ближе.
Сердце чувствует живей,
Ну пропой же, ну начни же:
Соловей мой, соловей!..
В. Домонтович.
Любопытное было это дарование по душевной чуткости и соответствию запросам множества людских сердец, бившихся в тон алябьевским мелодиям... В нем уживались пестрота наблюдений ума, едва ли не «фельетониста от музыки», с вниканием в запросы сердца своих современников...
Б. Асафьев
Имя Александра Александровича Алябьева, известного русского композитора начала XIX века, в основном знакомо широкому кругу любителей музыки благодаря романсу "Соловей" - замечательному образцу русского городского романса эпохи романтизма. Романсы, песни, фортепианные танцевальные пьесы Алябьева издавались и были популярны еще при его жизни.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Жизнь, посвященная музыке. Клара Шуман
Клара Жозефина Вик Шуман (13 сентября 1819, Лейпциг — 20 мая 1896, Франкфурт-на-Майне) немецкая пианистка, композитор и педагог. Считается одной из самых выдающихся пианисток эпохи романтизма, влиятельным учителем и композитором. Начиная с 1840 года — жена и первая исполнительница сочинений Роберта Шумана. Также была первой исполнительницей сочинений Иоганнеса Брамса.
[498x600]
Отец Клары Шуман, Фридрих Вик был по образованию богословом. Он окончил университет, после чего поселился в Лейпциге, где стал преподавать фортепиано. Мать Клары — Марианна Тромлиц была концертирующей певицей и пианисткой. После замужества она преподавала фортепиано и за восемь лет брака родила пятерых детей. Клара была вторым ребёнком. После развода родителей Клара и её братья остались с отцом.
Все внимание уделялось Кларе, о которой он намеревался, из-за её музыкального таланта, заявить, как о вундеркинде и пианистке-виртуозе.
С раннего возраста карьера и жизнь Клары были распланирована её отцом до мельчайших деталей. Он давал ей ежедневные часовые уроки на фортепиано, скрипке, обучал её пению, теории, гармонии, композиции и контрапункту.Клара Вик играла в Лейпциге в концертном зале, когда ей было девять, а её сольный официальный дебют состоялся там же в возрасте 11 лет. Вик видел себя в качестве импресарио Клары, который организовывал её гастроли, нередко связанные с трудностями.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
«Вальпургиева ночь» Шарля Гуно на российской сцене
[показать]
«Вальпургиева ночь» – это балетная сцена, которую Шарль Гуно (17 июня 1818 — 18 октября 1893) дописал для второй редакции своей оперы «Фауст», созданной по мотивам одноимённой трагедии Иоганна Вольфганга Гёте.
Эпизод впервые был показан на сцене Парижской оперы в 1869 году и с тех пор превратился в самостоятельный одноактный балет.
БИОГРАФИЯ КОМПОЗИТОРА
Шарль Гуно родился 17 июня 1818 года в Париже в семье художника и преподавательницы музыки. В 11 лет мальчика отдали в лицей. За время обучения Шарль солировал в церковном хоре, изучал теорию музыки и, конечно же, сочинял. После того, как он увидел оперу «Дон Жуан» Моцарта, мальчик решил посвятить себя музыке. Затем последовала учеба в Парижской консерватории, а в 1839 году Шарль получил Римскую премию за кантату «Фернан». Это дало ему возможность провести более двух лет в Италии и некоторое время в Вене и Германии. Современное итальянское оперное искусство разочаровало молодого стипендиата, и он сосредоточился на изучении творчества Палестрины и других мастеров той эпохи. По возвращении в Париж Гуно несколько лет работал органистом и регентом в церкви Иностранных миссий, посещал курс богословия в семинарии Сен-Сюльпис, и даже жил в кармелитском монастыре и носил сутану аббата. Но этот период благополучно миновал, и Гуно вернулся к светской жизни и светскому искусству. Это было закономерно, характер его был открыт людям, нежной дружбе, любви и искусству. Человеку, говорившему, что «искусство – это жизнь и любовь, быть влюбленным – это всё», безусловно, было тесно в церковных рамках. Да к тому же очень сильно манил оперный театр, Шарль хорошо помнил свои впечатления от пения Малибран в россиниевском «Отелло» и от знакомства с Полиной Виардо. Именно по совету Виардо он свою первую оперу «Сафо», затем последовал еще ряд опер – одни провалились, другие были встречены публикой и критикой более тепло. Интересно, что «Фауст», появившийся на сцене «Лирического театра» в 1859 году, признание получил далеко не сразу. Лишь через 10 лет он попал в Гранд Опера, причем первоначальные диалоги были заменены речитативами и добавлены балетные сцены. В 1887 году здесь прошел пятисотый спектакль «Фауста», а в 1894-м праздновалось его тысячное исполнение. Сейчас на дворе 2008 год, и эта опера Гуно до сих в репертуаре многих театров мира.
П.И.Чайковский, дирижировавший в 1892-м году оперой «Фауст» в театре Прянишникова, сказал: «Гуно – один из немногих, которые в наше время пишут не из предвзятых теорий, а по внушению чувства».
Последние годы жизни Гуно жил в Сен-Клу, под Парижем. Здесь он занимался с молодым композитором Бюссе. Здесь же, в Сен-Клу, он ушел из жизни осенью 1893 года, когда писал Реквием памяти своего умершего внука. Ему было 75 лет.
На склоне лет он писал: «Я чувствую себя таким же молодым, как в 20 лет. Что в нас стареется – это квартира, жилец не стареет никогда». Чуть позже появились следующие строки: «Мои друзья не в силах восстановить мою жизнь и мои силы; я чувствую себя «Прерванным кадансом»…
Хореографическая сцена «Вальпургиева ночь» в опере «Фауст» относится к шедеврам мирового балетного искусства. Данное произведение одна из ярких сцен оперы, часто исполняемая как самостоятельный одноактный балетный спектакль.
По сюжету оперы сцена "Вальпургиевой ночи" разворачивается во владениях Мефистофеля, когда он стремится отвлечь мысли Фауста от Маргариты и предлагает ему насладиться всеми благами мира.
Начинаются танцы, один прекраснее другого.
Вином и страстью опьянены Вакх и Вакханка. Четыре сатира заигрывают с охмелевшей чаровницей, стараясь вызвать в ней эротические ощущения. Все безмятежно резвятся, не ведая земных печалей. Буйство природы и страстей олицетворяет Пан. На магические звуки его флейты слетаются три нимфы. В отличие от чувственных наслаждений других персонажей они символизируют любовь духовную, целомудренную. Точнее это лишь предощущение романтического чувства. Но таинственно мерцающий лунный свет разгоняется отсветом огненных факелов. Всех захватывает стремительный поток неудержимой пляски.
В XIX веке в России «Вальпургиева ночь» шла в постановке Мариуса Петипа.
Это цитата сообщения Сэр_42 Оригинальное сообщение
Вспоминая Великую певицу. Концерт Елены Образцовой
Елена Образцова родилась 7 июля 1939 года в Ленинграде, в семье Василия Алексеевича Образцова и Натальи Ивановны Образцовой. Жила в блокадном Ленинграде. В 1943 году вместе с семьёй была эвакуирована из Ленинграда в г. Устюжну Вологодской области.
В 1948—1954 годах пела в детском хоре Ленинградского Дворца пионеров имени А. А. Жданова.
Летом 1954 года отец Елены, Василий Алексеевич Образцов, был назначен главным конструктором на таганрогский завод «Красный котельщик». Руководство города выделило семье Образцовых квартиру в центре города, в доме Фрунзе 43, напротив Главпочтамта, в двух шагах от школы № 10, в которую определили Елену. Окончив в 1956 году среднюю школу, Елена сразу поступила в Музыкальную школу имени П. И. Чайковского. На отчётном концерте в музыкальной школе Образцову услышала директор Ростовского музыкального училища М. А. Маньковская, и по её рекомендации году Елена была принята в училище сразу на 2-й курс. Через год, пройдя успешное прослушивание, она поступила на подготовительное отделение ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова.
В 1962 году завоевала первую премию на Всесоюзном конкурсе вокалистов имени М. И. Глинки. В 1963 году, будучи студенткой консерватории, Образцова дебютировала на сцене Большого театра в партии Марины Мнишек в опере М. П. Мусоргского «Борис Годунов».
В 1964 году окончила ЛГК имени Н. А. Римского-Корсакова по классу профессора А. А. Григорьевой. С того же года — солистка Большого театра. В том же году во время первых гастролей Большого театра на сцене Миланского театра Ла Скала выступила в роли Гувернантки в опере П. И. Чайковского «Пиковая дама». Несмотря на скромность этой партии, обратила на себя внимание итальянской публики и прессы. В дальнейшем выступила на сцене Ла Скала в главных партиях.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Генри Пёрселл. Опера "Дидона и Эней"
Дидона и Эней— опера в трёх действиях английского барочного композитора Генри Пёрселла, либретто Наума Тейта по поэме Вергилия «Энеида», рассказывающей историю Энея, легендарного троянского героя.
[518x247]
«Дидона и Эней» — первая истинно великая опера, сочиненная англичанином; но есть злые языки, которые утверждают, что она также и последняя. Она была сочинена в 1689 году молодым Генри Пёрселлом, олицетворявшим собой славу английской музыки, и предназначалась — в первую очередь — для школы-пансиона, где учились только девочки. Этой школой руководил некто Джозайас Прист, у которого были, по-видимому, влиятельные друзья. Не только ведущий английский композитор написал музыку для школьного спектакля, но и признанный тогда английский поэт — Нейум Тейт — был автором либретто. Возможно, он не был великим поэтом, но он написал действительно хорошее и приемлемое либретто по мифу о страстной любви и смерти. Приемлемое — если иметь в виду, что опера предназначалась для постановки девочками. Источником для либретто послужила четвертая книга «Энеиды» Вергилия.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
"Африканские впечатления" Камиля Сен-Санса
[показать]Шарль-Камиль Сен-Санс
Он в первую очередь композитор. Но не только. Сен-Санс – это еще пианист, органист, дирижер, музыкальный пародист, критик, путешественник, драматург, поэт, философ, исследователь античной музыки.Он был членом Французского астрономического общества, ибо его познания в физике, астрономии, археологии и истории не уступали эрудиции иных ученых. Без сомнения, Сен-Санс – личность уникальная.
Он родился 9 октября 1835 года в Париже в семье, связанной с искусством: отец писал стихи, а мать была художницей. В детстве Камиль был одним из самых одаренных вундеркиндов, каких только знала история музыки, его считали вторым Моцартом. С трех лет он обучался игре на фортепиано, в 6 (некоторые исследователи утверждают, что в 5) – начал сочинять музыку, а с 10 состоялся его дебют как пианиста в зале Плейель. Невероятно, но на этом концерте юный пианист предложил публике в качестве «биса» одну из 32-х сонат Бетховена!
В возрасте 13 лет он поступил в Парижскую консерваторию, которую блестяще закончил через три года по классу органа, чуть позже – по композиции. К 20-ти годам, если не раньше, он был уже зрелым музыкантом, автором многих сочинений, в том числе Первой симфонии, получившей высокую оценку Берлиоза и Гуно. Дальнейшая жизнь Сен-Санса сложилась довольно традиционно: многочисленные гастроли, путешествия, преподавательская деятельность, сочинение музыки. А сочинял Сен-Санс невероятно быстро. Среди «рекордсменов» на скорость, таких, как, например, Вивальди, Доницетти или Россини, француз занимал не последнее место. Так, «Рождественская оратория» была написана за 12 дней, а знаменитый 2-й фортепианный концерт – за три недели!
Несмотря на разнообразие творческих и научных интересов, все-таки главное место в жизни артиста занимала музыка.
Сен-Санс говорил: «Я живу в музыке, как рыба в воде», «я рождаю музыку так же легко, как яблоня рождает яблоки»
[показать]Алжирская сюита для оркестра, Op.60 (1880)
I. Prelude
II. Rhapsodie mauresque (03.39)
III. Reverie du soir (09.45)
IV. Marche militaire francaise (15.09)
*****
Это цитата сообщения Сэр_42 Оригинальное сообщение
Сборник классической музыки для релаксации
Специально подобранные с учетом рекомендаций медиков и психологов фрагменты классических музыкальных произведений с определенной ритмомелодической структурой оказывают избирательное лечебное воздействие. Звуковые волны с определенной частотой и конфигурацией используются в качестве эталонных задающих сигналов в процессе саморегуляции при восстановлении организма, способствуя отстройке и синхронизации его внутренних ритмов. Классические композиции снимут ощущение переутомления, эмоциональный стресс, мышечное напряжение, восстановят здоровые ритмы функционирования внутренних органов, оптимизируют биоэнергетическую активность головного мозга, помогут организму включить резервы саморегулирования. К Вам вернутся силы, энергия, душевное равновесие, Вы станете спокойным, обновленным, способным на глубоко продуманные целенаправленные действия.
- Славянский танец Дворжака.
- Фортепианный концерт №2 Рахманинова, адажио.
- Струнный квартет Бородина. Анданте.
- Скрипичный концерт №2. Адажио. Макс Брух.
- Музыка к драматической пьесе "Розамунда". Intermesszzo No.2 Andantino - Шуберт.
- Фортепианный концерт №1. Andantino Semplice - Prestissimo - Tempo I - Чайковский.
- Симфония №5. Andante con Moto - Шуберт.
- Фортепианный концерт №1. Largo - Бетховен.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Фанни Мендельсон и ее мечта
Фанни Гензель (урожд. Мендельсон Бартольди, 14 ноября 1805, Гамбург — 14 мая 1847, Берлин) — немецкая певица, пианистка и композитор. Сестра Феликса Мендельсона Бартольди, дедом их обоих был известный еврейско-немецкий философ-просветитель Моисей Мендельсон.
[458x600]
В 1805 году в семье гамбургского банкира Абрахама Мендельсона родилась дочь - Фанни Циппора, а в 1809 - сын Феликс. Через несколько лет вся семья приняла лютеранскую веру, превратив Фанни Циппору в Фанни Цецилию, и подалась в Берлин. Именно тогда Мендельсоны стали Мендельсонами-Бартольди; после крещения было принято брать вторую фамилию. Финансовое благосостояние семьи позволяло брать детям наилучших учителей, и талант Фанни и Феликса не остался незамеченным. Они занимались фортепиано у самого Цельтера, лучшего берлинского преподавателя музыки. И он очевидно больше благоволил к сестре, нежели к брату. Сохранилось письмо Цельтера к Гёте, где музыкант с восторгом рекомендует поэту музыкально одарённую воспитанницу: "... а старшая дочь Мендельсона сыграет вам что-нибудь из вашего любимого Баха. Эта девочка - нечто особенное..."
Время шло, и вот уже Абрахам Мендельсон пишет пятнадцатилетней Фанни, которая уже пишет музыку и мечтает о карьере певицы: "Для Феликса музыка, возможно, станет профессией. Для тебя она может и должна остаться лишь украшением". Для Фанни предназначалась судьба богатой наследницы: свадьба, дом, дети. Однако замуж она вышла за очень незаурядного человека.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Фортепианные сонаты Джона Филда
Джон Филд (26 июля 1782, Дублин — 11 января 1837, Москва) — ирландский композитор, основоположник ноктюрна. Славился как пианист-виртуоз. Большую часть жизни провёл в России.
[355x237]
Джон Филд, родился в семье ирландских протестантов в Дублине в 1782 году. Семья Джона была музыкальной (отец был скрипачом, дед — органистом), поэтому музыкальный талант мальчика был рано замечен. Юный Филд обучался основам музыки под руководством отца и деда, а позже стал учеником жившего в Дублине итальянского маэстро Томмазо Джордани. Он выступил с первым концертом в Дублине в возрасте десяти лет.
В следующем году семья переехала в Лондон, где Джон Филд стал обучаться музыке у Муцио Клементи. Помимо обучения Филд работал продавцом-демонстратором в фортепьянной мастерской Клементи.
В феврале 1799 года Джон Филд успешно выступил с фортепианным концертом в Королевском театре. В 1802 году Клементи организовал для Филда европейское турне. Филд выступил в Париже, затем — в Вене, а в 1803 году Клементи и Филд прибыли в Санкт-Петербург.
После концертов в Санкт-Петербурге Филд решил не возвращаться и остаться жить в России. В России Джон Филд становится популярным композитором и исполнителем: с 1804 года он регулярно выступает с концертами в санкт-петербургской филармонии, а со следующего года начинает ездить с концертами по другим городам империи. У него было много богатых учеников. Учились у Филда, в частности, Александр Дюбюк (с которым Филд, учитывая его особую одарённость, занимался бесплатно) и Михаил Глинка, А. Верстовский, А. Виллуан, А. Гурилев, Н. Девитте, Шарль Майер.
Вот как Глинка впоследствии вспоминал о своём учителе:
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
У ЕСЕНИНА ДЕНЬ РОЖДЕНИЯ. Опера «Анна Снегина»
"Я думаю:
Как прекрасна
Земля
И на ней человек!"
С.Есенин
[показать]3 октября 1895 — 28 декабря 1925
[показать]
Одно из лучших произведений С.А. Есенина, поэма «Анна Снегина». Неслучайно поэму называют «энциклопедией русской жизни», т.к. она охватывает десятилетие в истории России, начиная с Первой мировой войны и до лета 1924 года.
Поэма "Анна Снегина" написана в стихотворной форме, но ее особенностью является слияние эпического и лирического жанров в единое нераздельное целое. В поэме нет сквозного действия, нет последовательного рассказа о событиях. Они даны отдельными эпизодами, автора интересуют его собственные впечатления и переживания от столкновения с этими событиями. Лирический герой поэмы выступает и как рассказчик, и как герой произведения, и как участник событий предреволюционного и революционного времени.
"АННА СНЕГИНА"
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
"Осень - мимолётное виденье" - к Международному дню музыки
[780x350]
ИЗ ИСТОРИИ ПРАЗДНИКА:
Международный день музыки каждый год отмечается во всем мире 1 октября. Инициатором его создания стал Международный музыкальный совет (IMC) при ЮНЕСКО.
Нужно напомнить, что решение об учреждении Международного дня музыки было принято в 1973 году. Произошло это событие в рамках 15-й Генеральной ассамблеи IMC, проходившей в Лозанне. Члены Международного музыкального совета 30 ноября 1974 года получили письмо с предложением о создание этого праздника. Его авторами стали сэр Иегуди Менухин (председатель Международного музыкального совета) и его заместитель Борис Ярустовский.
1 октября 1975 года впервые был проведен Международный день музыки. Основными целями, которые ставили перед собой создатели данного праздника, были: обмен опытом между культурами разных стран и распространение музыкального искусства.
В нашей стране Международный день музыки празднуется с 1996 года. Одним из инициаторов его учреждения в России стал Дмитрий Дмитриевич Шостакович - знаменитый советский композитор, пианист, педагог и общественный деятель. Он хотел обратить внимание общества на огромную роль музыки в нашей жизни, так как считал, что музыка способна открывать людям новые миры и объединять их. В 1996 году исполнилось 90 лет со дня рождения этого великого композитора. Тогда и было принято решение начать отмечать Международный день музыки.
Международный день музыки - это праздник для певцов и музыкантов, для композиторов, учителей музыки и преподавателей консерваторий, студентов и учащихся музыкальных учебных заведений, но его могут также отмечать и, просто, все любители музыки.
Само слово «музыка» можно перевести с греческого как вид искусства, для которого художественным материалом является особым образом организованный во времени звук.
И сегодня музыка способна будоражить наши чувства и оказывать сильнейшее влияние на наши эмоции. Музыка нам необходима и она не стареет. Сегодня существует большое количество разнообразных музыкальных жанров. К основным из них относятся: народная музыка, блюз, духовная музыка, джаз, кантри, рок, поп, шансон, электронная музыка, регги, рэп, романс и т.д.
Музыка является чудодейственным средством привлечения к добру и красоте. Пробуждает в нас представление о возвышенном и величественном, является великолепным фоном для возникновения духовной общности.
Каждый из нас имеет свои любимые мелодии, заставляющие нас плакать и радоваться, позволяющие задуматься о смысле жизни. Греческие философы считали даже, что музыка способна формировать характер человека.
источник текста
Кто-то грустит, проводив лето, я же ликую - осень!
[показать]
Увы,не мое..цитата..
В Международный день музыки, мне хочется предложить послушать два абсолютно "осенних" произведения.
Разные композиторы, разные страны, разные эпохи, разные мироощущения.
Но,какая проникновенная, потрясающе душевная музыка.
Вслушайтесь,это Осень, непредсказуемая и разная, где-то рядом...то напоминает о себе,то боится потревожить...
[показать]художник Ю. Обуховский
*****
[показать]композитор Аскольд Муров *
[SIZE=2] Русский
Иоганн Готфрид Ва́льтер (нем. Johann Gottfried Walther; 18 сентября 1684, Эрфурт — 23 марта 1748, Веймар) — немецкий лексикограф, теоретик музыки, органист и композитор.
Брал уроки музыки и игры на органе в Эрфурте у Иоганна Бернхарда Баха и Иоганна Андреаса Кречмара, а также у других немецких музыкантов. В 1702 году органист в эрфуртской церкви Св. Фомы. Тогда же начал посещать лекции по философии и праву в Эрфуртском университете, но оставил эти занятия, решив посвятить себя полностью музыке. В 1703—1707 годах путешествовал по различным городам Германии, знакомился с ведущими музыкантами, брал у них уроки композиции и органа. В 1704 году в Хальберштадте познакомился с Андреасом Веркмейстером, который подарил Вальтеру экземпляр «Плеяд» Барифона, а в дальнейшем переписывался с молодым музыкантом, посылал ему новые сочинения (в том числе Д. Букстехуде). Трактаты Веркмейстера, а также философские труды Роберта Фладда и Афанасия Кирхера оказали значительное влияние на формирование мировоззрения Вальтера. С 1707 года до конца своих дней Вальтер занимал пост органиста церкви Петра и Павла в Веймаре, где познакомился и подружился с И. С. Бахом (в 1712 был крестным отцом старшего сына Вальтера), его дальним родственником по материнской линии. С того же года до 1715 года выполнял обязанности учителя музыкальной композиции наследного герцога Иоганна Эрнста (сына герцога Иоганна Эрнста III Саксен-Веймарского). По неизвестным причинам Вальтер так и не смог занять пост кантора в Веймаре, несмотря на неоднократные (в том числе и после отъезда из Веймара Баха) прошения и умер в бедности.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Джорж Гершвин - принц джаза
26 сентября 1898 года родился Джордж Гершвин – классик музыки ХХ века и король бродвейских и голливудских мюзиклов…
С 7 января по 4 февраля 1924 года квартира Гершвина на 110-й улице была словно в осаде. Настороженная тишина изредка прерывалась короткими репликами. Работали так: Гершвин писал клавир рапсодии для двух фортепиано, оставляя пустые строчки для сольных импровизаций пианиста. Как только очередная страница была закончена, ее брал Фред Гроф (аранжировщик оркестра Уайтмана) и оркестрировал музыку для джазового состава. Затем он репетировал их со своим оркестром. И, наконец, родилась «Рапсодия в блюзовых тонах» (рус. Рапсодия в стиле блюз, Голубая рапсодия, Рапсодия в голубых тонах).
Никогда ранее на концерте не было столь разношерстной публики, как в тот день, 12 февраля 1924 года. На афишах было написано, что слушателям представят «эксперимент в современной музыке». Пол Уайтмен с удовольствием и волнением поглядывал из-за кулис на передние ряды, где сидели Леопольд Годовский, Сергей Рахманинов, Игорь Стравинский и другие достаточно известные в музыкальном мире персоны.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Море -"...и мудрое, и нежное, и сильное, и непредсказуемое"
Море завораживает, море убивает, волнует, пугает, а ещё смешит, иногда исчезает, при случае рядится озером или громоздит бури, пожирает корабли, дарует богатствами не дает ответов; оно и мудрое, и нежное, и сильное, и непредсказуемое. Но главное — море зовёт.
Алессандро Барикко “Море-океан”
[показать]
Трудно найти в природе что-либо прекраснее и величественнее морской стихии. Постоянно меняющаяся, бескрайняя, манящая вдаль, переливающаяся разными красками, звучащая, – она притягивает и завораживает, созерцать ее отрадно. Образ моря воспет поэтами, море живописали художники, мелодии и ритмы его волн легли на нотные строки произведений многих композиторов.
Симфоническая поэма «Море» написана К.Дебюсси почти с натуры – под впечатлением от созерцания Средиземного моря и океана, как признавался сам композитор.
Просыпается море (1часть – «От зари до полудня на море»), нежно плещутся морские волны, постепенно ускоряя свой бег, солнечные лучи заставляют море переливаться яркими красками. Далее следуют «Игры волн» — безмятежные и радостные. Контрастный финал поэмы — «Диалог ветра и моря» рисует драматическую атмосферу, в которой властвуют обе разбушевавшиеся стихии.
Это цитата сообщения liudmila_leto Оригинальное сообщение
Настоящий музыкальный Шик!
ХХ-й век… Торжественным маршем открыл он первую страницу своей летописи, а позже принёс немало бед и страданий. Начиналось столетие радостно. В филармонических залах Императорского Русского Музыкального Общества играли симфонические оркестры, в танцевальных залах гремели балы, а в домашних гостиных за роялем играли фортепианные дуэты. На семейном вечере с приглашёнными гостями, в салоне, на уроке с учителем музыки. Милая, излюбленная форма музицирования постепенно уходила в прошлое. Всё меньше становилось таких домов в России, где фортепиано было единственным средством музыкального общения.
События Первой мировой войны, российские внутриполитические потрясения первого десятилетия ХХ века, стремительная урбанизация, технические изобретения (в первую очередь, появление кинематографа, звуковых носителей – граммофонов, патефонов) вытесняли домашнее музицирование. Этот жанр на некоторое время – не умер, нет, но словно погрузился в летаргический сон. Возродится он уже в 1960-х…
А пока мы слушаем музыку той чудной эпохи, когда музицирование в 4 руки было необычайно популярным в России.
[показать] [показать] [показать]Nr.1 Prelude(Прелюдия)
Nr.2. Gavotte(Гавот)
Nr.3 Ballade(Баллада)
Nr.4 Menuetto(Менуэт)
Nr.5 Elegie(Элегия)
Nr.6 Consolation(Утешение)
Nr.7 Valse(Вальс)
Nr.8 Marche(Марш)
Nr.9 Romance(Романс)
Nr.10 Scherzo(Скерцо)
Nr.11 Berceuse(Колыбельная)
Nr.12 Polka(Полька)