Этюд ми мажор (ор. 10 № 3) не случайно исполняют также в переложениях для скрипки, для виолончели и для певческого голоса в сопровождении фортепиано. Мелодию, звучащую в крайних разделах трёхчастной формы этого произведения, сам Шопен считал лучшей из всех, им созданных. Изумительно нежная и певучая, она исполнена сердечного тепла - словно ласковая материнская колыбельная песня с тихими, "баюкающими" покачиваниями в аккомпанементе.

А контрастная аккордово-пассажная середина этой пьесы - будто разыгравшаяся грозная буря или охвативший человека страшный сон. Но всё рассеивает возобновляющееся успокаивающее звучание задушевной песни. Слушая однажды, как Этюд ми мажор играл один из его учеников, Шопен воскликнул: "О, моя Родина!".

Слушаем:

Среди фортепианных миниатюр Шуберта выделяются восемь "Экспромтов". Это романтический жанр, пьесы,возникающие как бы в результате импровизации под влиянием какого-либо внезапного впечатления, вдруг нахлынувшего настроения. 

В "Экспромте" ми-бемоль мажор проявил себя дар Шуберта претворять в музыке поэтическое восприятие голосов природы и тем самым полнее раскрывать мир душевных переживаний человека. В крайних частях трехчастной формы этой пьесы прихотливо вьющееся стремительное пассажное движение напоминает журчание ручья с кристально чистыми, звонкими струями. Кажется, что они то весело сияют, отражая солнечные лучи, то темнеют от набежавших туч, рождая тревожные думы. А мелодия, выступающая на первый план в средней, си-минорной части, звучит подобно песне одинокого странника, полной взволнованных надежд и помыслов. Этой песне аккомпанируют словно беспокойно "завихряющиеся" всплески воды.

Тема среднего раздела вновь появляется в заключающей коде, которая заканчивается модуляцией в ми-бемоль минор.

Слушаем:

Брянцева В.Н. Музыкальная литература зарубежных стран.

Ты гимны дивные писал
И, созерцая мир блаженный,
Его нам в звуках начертал...

Агафангел. Памяти Бортнянского.

[показать]

Как то шутя, Глинка спросил "Что такое Бортнянский?" И сам себе ответил: «Сахар Медович Патокин — довольно!!». И, между тем, именно Бортнянский, не смотря на формальную красивость своих произведений, был одним из тех композиторов, кто подготовил почву для рождения гения самого Глинки. Бортнянского «на ура» принимали современники, о его творчестве восторженно отзывались зарубежные композиторы, его критиковали в XIX в., его называли предвестником эпохи Пушкина и Глинки, его имя забывали и вспоминали вновь. А.С. Пушкин произнес однажды, ставшие известными слова — «… я предполагал, будто многие духовные произведения являются или сочинениями Бортнянского, или «древними напевами», отнюдь не произведениями иных авторов». По воспоминанию современников, Бортнянский был чрезвычайно симпатичный человек, строгий к службе, горячо преданный искусству, добрый и снисходительный к людям. Его сочинения, проникнутые религиозным чувством, стали заметным шагом вперед по сравнению с прерыдущим отечественным музыкальным искусством.

Увертюра к "Руслану и Людмиле" стала первой вершиной симфонического творчества Глинки. Она была сочинена после завершения всего произведения, строится на темах оперы и передаёт её главную идею - победу светлых сил над миром зла. Музыка увертюры, стремительная и ликующая, по словам Глинки, "летит на всех парусах"; она содержит основные образы оперы - мужественную героику, радость любви, таинственную сказочность.

Увертюра написана в тональности ре мажор, звучащей празднично и приподнято; она имеет сонатную форму. Вступление начинается с решительных могучих аккордов оркестра: они подобны, по выражению композитора, богатырским ударам кулака. Ярко национальный характер звучания первых тактов достигается благодаря плагальным оборотам (тоника - субдоминанта - тоника), типичным для русской музыки. Главная партия (взятая, как и тема вступления, из финала оперы), динамичная и неудержимая, также воплощает богатырский героический образ.

Певучая и исполненная радостного чувства побочная партия появляется в фа мажоре (в репризе прозвучит в ля мажоре). Она построена на теме любви из арии Руслана во втором действии и поручена виолончелям.

В разработке характер обеих тем меняется; внезапные контрасты динамики, регистров, тембров, повторяющиеся "аккорды оцепенения" делают музыку таинственной и тревожной. Однако силы добра и любви побеждают: когда после "бурлящей" радостью репризы у тромбонов возникает призрак Черномора (целотонная гамма), то он быстро исчезает под напором жизнерадостных богатырских сил.

Слушаем:

По кн.: Козлова Н.П. Русская музыкальная литература

Этюд-картина ля минор ор.39 № 6.  Жуткая аллегория-сказка лежит в основе этой пьесы. Этюд, по словам Рахманинова, "вдохновлен образами Красной Шапочки и Волка". Вообще весь опус 39 у Рахманинова мрачный, грозный, свирепый. Он создавался в 1916 - 1917 годы, накануне надвигаюшихся социальных катастроф, и творческая реакция композитора была смятенная. 

Этюд строится на развитии двух контрастных образов. Зловещая хроматическая тема в басу с грозно "рыкающими"  аккордами - это Волк. Жалобные, захлебывающиеся, будто спотыкающиеся шестнадцатые в высоком регистре - Красная Шапочка, убегающая от Волка. 

Начинается преследование. Ритм скока Волка жесткий, агрессивный. Все быстрее темп, все размашистее прыжки, все торопливее и беспомощнее бег шестнадцатых, все чаще они "спотыкаются", будто выбиваясь из сил. Хроматическая гамма в басу и два аккорда-удара завершают пьесу. Волк настиг свою жертву.

Слушаем:

«Коппелия», полное название «Коппелия, или Красавица с голубыми глазами» — комический балет французского композитора Лео Делиба. Либретто написано по новелле Э. Гофмана «Песочный человек» Ш. Нюитером и балетмейстером спектакля А. Сен-Леоном. Премьера балета состоялась в Парижской Опере («Гранд-Опера») 25 мая 1870, в присутствии Наполеона III и его супруги, императрицы Евгении. Балет пользуется большой популярностью, его постоянно ставят многие театры мира.

[показать]

Концертная фантазия ор. 33 для скрипки с оркестром написана в пер-
вой декаде января 1887 года
 и посвящена скрипачу Петру Артемьевичу Краснокутскому,
концертмейстеру оркестра Мариинского театра и преподавателю
Санкт-Петербургской консерватории — коллеге Римского-Корсакова.
Премьера сочинения состоялась в исполнении Краснокутского под
управлением автора 5 декабря 1887-го в Пятом Русском симфо-
ническом концерте. Программы этих мероприятий складывались
в то время в основном из произведений одночастных, компактных,
легко воспринимаемых с точки зрения структуры.

[700x542]

Фантазия (от греч. phantasm - воображение), инструментальная музыкальная пьеса, в которой важное значение приобретает импровизационное начало, свободное развёртывание музыкальной мысли. В 17 в. фантазия испытывала влияние концерта, симфонии, увертюры, сонаты, рондо. В 17-18 вв. она часто использовалась в качестве вступления к др. пьесе, например к фуге, порой и к сонате. В 19 в. сближается с сонатой. Фантазии зачастую создаются как свободные варианты сонатной формы порой по структуре близкие к симфонической поэме. Одновременно получила распространение Фантазия, как виртуозная пьеса, основанная на разработке (большей частью вариационной) тем из опер, балетов,например фантазия для фортепиано Листа на темы из оперы «Дон Жуан» Моцарта, мелодий народных песен, «Фантазия на темы русских народных песен» для скрипки с оркестром Римского-Корсакова.

Ольга Филиппова

16 лет, Пензенская область, Белинский район, с. Чернышево

Музыка

Музыка: Антон Аренский. Сюита для 2-х фортепиано №1. Romance

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.

[669x300]

ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

[показать]

Валентина Юрьевна Зо́граф-Пла́ксина (1866—1930) — русская и советская пианистка, педагог, общественный деятель. Сестра зоолога, профессора Московского университета Николая Зографа и пианистки Александры Зограф-Дуловой. Внучатой племянницей Зограф-Плаксиной была арфистка Вера Дулова, начинавшая под её руководством свои занятия музыкой.

В 1891 году окончила педагогическое отделение Московской консерватории. Училась у Сергея Танеева (теория) и Василия Сафонова (фортепиано).
После окончания консерватории, будучи прекрасной пианисткой, Валентина Юрьевна не смогла из-за тяжелого заболевания продолжить исполнительскую деятельность и перешла целиком на педагогическую работу.

 Основательница (1891) и первый директор Общедоступного музыкального училища (ныне Академическое музыкальное училище при Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского ). Сама Валенина Зограф-Плаксина вела класс фортепиано, среди её первых учениц была юная Марина Цветаева. В автобиографической прозе «Мой Пушкин» Марина Цветаева впоследствии писала: «Немножко позже – мне было шесть лет, и это был мой первый музыкальный год – в музыкальной школе Зограф-Плаксиной, в Мерзляковском переулке, был, как это тогда называлось, публичный вечер – рождественский. Давали сцену из «Русалки», потом «Рогнеду».

[показать]

 По инициативе Валентины Юрьевны в педагогический коллектив училища приглашались замечательные музыканты – выпускники Московской консерватории (классов В.И. Сафонова, С.И. Танеева Г.А. Лароша, Ф.П. Комиссаржевского), инструменталисты оркестра Большого театра.

Александр Гречанинов - русский композитор, ученик Римского-Корсакова, более всего известный своими хоровыми произведениями и обработками народных песен. В стилистическом отношении - поздний продолжатель национальной эстетики «Могучей кучки».

[показать]

Александр Гречанинов родился в Калуге, в купеческой семье. Очень скоро его родители переехали в Москву, где и прошло все детство и юность. Проучившись в гимназии всего пять классов, Гречанинов довольно скоро бросил занятия и в течение последующих пяти лет нигде не учился. Музыкой он начал заниматься очень поздно. В своей автобиографии, Александр Гречанинов вспоминал, что «настоящее» фортепиано впервые увидел в возрасте четырнадцати лет, а из музыкальных инструментов до той поры знал только оркестрион и гитару. Первая мелодия, которую он смог робко подобрать на пианино «одним пальцем», была ектения.

Симфония — самый серьезный и ответственный жанр оркестровой музыки. Подобно роману или драме, симфонии доступен круг самых разнообразных явлений жизни во всей их сложности и многоплановости.

[640x425]

Бетховенские симфонии возникли на почве, подготовленной всем ходом развития инструментальной музыки XVIII века, в особенности непосредственными его предшественниками — Гайдном и Моцартом. Сложившийся окончательно в их творчестве сонатно-симфонический цикл, его разумные стройные конструкции оказались прочным основанием массивной архитектуры симфоний Бетховена.
Но бетховенская симфония могла стать тем, что она есть, лишь в результате взаимодействия множества явлений и их глубокого обобщения. Большая роль в развитии симфонии принадлежала опере. Оперная драматургия оказала существенное влияние на процесс драматизации симфонии, — это было явно уже в творчестве Моцарта. У Бетховена же симфония вырастает в подлинно драматический инструментальный жанр.
Следуя по пути, проложенному Гайдном и Моцартом, Бетховен создавал в симфонических инструментальных формах величественные трагедии и драмы.
Художник иной исторической эпохи, он вторгается в те области духовных интересов, которые с опаской обходили его предшественники и только косвенно могли их затронуть.
Бетховенская симфония, обращенная к огромным человеческим массам, нуждалась в монументальных формах «соразмерение числу, дыханию, зрению собравшихся тысяч» (Ромен Роллан). И действительно, Бетховен широко и свободно раздвигает границы своих симфоний.
Высоким сознанием ответственности художника, дерзновенностью замыслов и творческих концепций можно объяснить тот факт, что Бетховен до тридцати лет не решался писать симфонии. Теми же причинами по-видимому вызваны медлительность, суровая избирательность, напряжение, с которым он отделывал каждую тему. Любое симфоническое произведение Бетховена — плод долгого, подчас многолетнего труда.
Симфония №1 C major.

[показать]

Виллем де Феш - виртуозный нидерландский басовый скрипач и композитор. Ученик Карела Розира. Де Феш работал в Амстердаме с 1710 по 1725 гг.. С 1725 до 1731 он служил капельмейстером в Антверпенском Соборе. Затем музыкант переехал в Лондон, где давал концерты и работал в оркестре Генделя с 1746 г. После 1750 года он уже не выступал.
Как композитор Виллем де Феш создал оратории "Джудит" (1732) и "Джозеф" (1746), дуэты, соло и трио-сонаты, концерты и песни. Обе оратории долгое время считались утраченными, когда в 1980 году копия рукописи "Джозефа" была найдена в Королевской Консерватории Лондона.Виллем де Феш был, вероятно, одним из наиболее интересных и плодовитых голландских композиторов 18 века. За свою жизнь он имел возможность работать в разных европейских городах и странах, благодаря чему приобрёл значительную широту познаний в музыкальной теории и практике. 
 

W. de Fesch: Op. 3. Molti Concerti e Concerti Grossi

В 1867 году популярный французский композитор Шарль Гуно создает прославленную оперу "Ромео и Джульетта". По окончании консерватории Гуно отправился на три года в Рим, где изучал старинных итальянских мастеров, в результате чего появились его первые культовые композиции. В Париже, под влиянием Берлиоза и Мендельсона, Гуно обратился в сторону светской музыки. Несмотря на разносторонность творчества композитора, его широкая популярность основывается на операх "Ромео и Джульетта" и "Фауст".
Опера "Ромео и Джульетта" - произведение более сложное в гармоническом отношении. Причины его длительного воздействия на вкусы широкого слушателя заключаются прежде всего в необычайной доступности его музыки, основанной на соединении всевозможных стилей, выработанных опытом французских, итальянских и немецких опер.

[700x442]

"Ромео и Джульетта" Гуно хорошо известна в мире и ставится до сих пор. Впервые опера была поставлена в театре Лирик в Париже. Либретто Барбье и Карре.  В России впервые шла на итальянском языке в 1870 году. Маргарита Дезире Арто - знаменитая французская певица с голосом обширнейшего диапазона примирила Петра Ильича даже с музыкой Гуно, которую он до тех пор не любил. На советской сцене опера была поставлена 16 марта 1919 года в театре Оперы и балета в Петрограде. Режиссер - Боссе. Затем ставилась во многих городах. Среди выдающихся исполнителей: Ромео - Фигнер, Алчевский, Собинов, Смирнов, Юдин, Лемешев; Джульетта - Мравина, Больска, Нежданова, Барсова, Катульская, Масленникова. 

Известно, что звон колоколов полезен для здоровья, но мало кто знает, в чем же конкретно заключается эта польза. Еще в древности на Руси люди верили, что если над тяжелобольным человеком ударить в колокол, то это поможет ему выздороветь. В средние века при угрозе эпидемий начинали бить в колокола, пытаясь таким образом спастись от напасти.

[показать]

В настоящее время многочисленными наблюдениями подтверждено благоприятное действие колокольного звона для лечения нервозности, стресса, вегетососудистой дистонии и гипертонической болезни. Помогает он также при язвенной болезни желудка и двенадцатиперстной кишки, при бронхиальной астме, болезнях сердца, желчнокаменной болезни, мастопатии. Колокольный звон способен исцелить больных инфекционными заболеваниями, укрепив их иммунитет.
Что же скрывается за живительной силой колокольного звона, метафизическая сущность или вполне объяснимые явления? Однозначного мнения тут нет, однако ученые, проводившие исследования в этом направлении пришли к некоторым интересным результатам.
Колокольный звон исцеляет душу

Музыка Л. Минкуса была написана для постановки балета «Дон Кихот» в московском Большом театре балетмейстером Мариусом Петипа. Первое представление состоялось 14 декабря 1869 года в Большом театре.

[700x465]

В романе Сервантеса образ печального рыцаря Дон Кихота, готового на любые подвиги и благородные поступки, является основой сюжета. В балете Дон Кихот является второстепенным персонажем, а сюжет сосредотачивается на любовной истории Китри и Базиля, исполняющих свои вариации на городской площади. Опытный капельмейстер Людвиг Минкус был отличным знатоком балетного ремесла, его признавали балетным композитором. Его искрящаяся, как шампанское музыка радовала слух и заставляла пускаться в пляс. Петипа подхватил такое настроение, материалиазовав эту жизнерадостность во множестве испанских и цыганских  танцев, подлинные названия которых — шика, морена и зингара.

Получилось очень вкусно, советую и вам приятного аппетита!

[600x400]

Ингредиенты:

Кабачки 450 г.

Кефир 300 мл.

Яйца 4 шт.

Мука 350 г.

Масло подсолнечное 1 ст. л.

Петрушка 2 ст. л.

Соль 1 ч. л.

Сода 0,5 ч. л.

Масло сливочное для смазки блинчиков.

Приготовление:

Кабачок натереть на мелкой терке, отжать сок.

Добавить, взбитые яйца, соль, кефир, порубленную петрушку и все перемешать.

Постепенно добавляя муку, замешиваем не густое тесто.

Добавить 1 ст. л. растительного масла, соду, перемешать.

Дать постоять тесту 20 минут.

Горячую сковороду смазать растительным маслом,

формируем блинчик и жарим с обеих сторон до золотистого цвета.

Готовый блинчик смазать сливочным маслом.

Приятного аппетита!

[показать]

Джон Филд ( 26 июля 1782, Дублин — 11 января 1837, Москва) — ирландский композитор, основоположник ноктюрна. Славился как пианист-виртуоз. Большую часть жизни провёл в России.
Известный ирландский композитор, пианист и педагог Дж. Филд связал свою судьбу с русской музыкальной культурой и внес свою немалую лепту в ее развитие. Филд родился в семье музыкантов.
Жизнь Филда в России связана с двумя городами — Петербургом и Москвой. Именно здесь развернулась его композиторская, исполнительская и педагогическая работа.
Филд стал основоположником нового музыкального жанра — ноктюрна, получившего затем блестящее развитие в творчестве Ф. Шопена, а также ряда других композиторов. Творческие достижения Филда в этой области, его новаторство очень высоко ценил Ф. Лист: «До Филда фортепианные произведения неизбежно должны были быть сонатами, рондо и т. п. Филд же ввел жанр, не относящийся ни к одной из этих категорий, жанр, в котором чувство и мелодия обладают верховной властью и свободно движутся, не стесненные оковами насильственных форм. Он открыл путь всем тем сочинениям, которые впоследствии появились под названием „Песен без слов“, „Экспромтов“, „Баллад“ и т. п., и был родоначальником этих пьес, предназначенных для выражения внутренних и личных переживаний. Он открыл эти области, предоставившие для фантазии более изысканной, чем величественной, для вдохновения скорее нежного, чем лирического, столь же новое, как благородное поприще».

Плейлист. Ноктюрны.