Мария Тальони (23 апреля 1804, Стокгольм — 22 апреля 1884, Марсель) — прославленная балерина XIX века, представительница итальянской балетной династии Тальони в третьем поколении, одна из центральных фигур балета эпохи романтизма.

Мария родилась в семье балетмейстера и хореографа Филиппо Тальони. Внучка придворного певца Кристофера Кристиана Карстена, солиста Королевской оперы в Стокгольме. Девочка не обладала ни балетной фигурой, ни привлекательной внешностью. Несмотря на это, отец решил сделать из неё балерину. Мария училась в Вене, Стокгольме, а затем в Париже у Франсуа Кулона. Позже отец занимался с Марией сам.
Девочки, вместе с которыми она училась танцевать, называли ее «маленькая горбунья». Все в ней было неправильно, все противоречило тому образу красавицы танцовщицы, который был привычен публике. Но именно она стала символом романтического балета.
Ее отцу, Филиппу Тальони, отчего-то казалось, что из нее получится настоящая балерина. Он решил, что старая французская система обучения танцам не соответствует ее индивидуальности, и стал заниматься с ней сам. Это была очень жестокая школа. Отец требовал от дочери безукоризненно простых, благородных, лишенных малейшего налета фривольности движений. Более того, его муштра преследовала фантастическую цель – преодолеть земное притяжение. Все, что разрешалось Марии, – это слегка, незаметным усилием оттолкнуться от земли, чтобы лететь. «Да, она летала», – скажут ее будущие зрители.

Ш. Гуно — автор всемирно известной оперы «Фауст» — занимает одно из самых почетных мест среди композиторов XIX в. Он вошел в историю музыки как один из основоположников нового направления в оперном жанре, получившего впоследствии название «лирическая опера». В каком бы жанре ни работал композитор, он всегда отдавал предпочтение мелодическому развитию. Он считал, что мелодия всегда будет самым чистым выражением человеческой мысли. Влияние Гуно сказалось на творчестве композиторов Ж. Бизе и Ж. Массне.

Помимо отличных танцев, есть у этого старинного балета еще два неоспоримых достоинства. Во-первых, «Коппелия» — это комедия, а их не так много числится среди шедевров классического наследия. Во-вторых, комедия с прекрасной музыкой. Главная сюжетная линия этого веселого балета, как ни странно, взята из совершенно невеселых новелл Гофмана, преимущественно — из «Песочного человека». У Гофмана любовное увлечение юноши куклой заканчивается трагически, а в балете — свадьбой этого юноши с живой и энергичной красавицей Сванильдой, сумевшей противостоять коварному создателю куклы Коппелии, чуть было не ставшей роковой разлучницей. Балет "Коппелия" в трех действиях. Композитор Л. Делиб. Либретто Ш. Ньютерра, А. Сен-Леона по мотивам сказки Э. Гофмана. Постановка А. Сен-Леона.
Первое представление: Париж, Гранд-Опера, 25 мая 1870 г.

Действующие лица: Коппелиус. Коппелия. Сванильда. Франц. Бургомистр. Подруги Сванильды. Девушки и юноши, горожане.

Шуман Роберт Александер, немецкий композитор.
Родился 8 июня 1810 г. в городе Цвиккау в семье книгоиздателя. Занятия музыкой начал с семи лет.

В своём творчестве композитор уделял большое внимание фортепианной музыке. Большая часть фортепианных произведений Шумана — это циклы из небольших пьес лирико-драматического, изобразительного и «портретного» жанров, связанных между собой внутренней сюжетно-психологической линией. Вместе с произведениями вариационного и сонатного типов у Шумана есть фортепьянные циклы, построенные по принципу сюиты или альбома пьес: «Фантастические отрывки», «Детские сцены», «Альбом для юношества».
«Альбом для юношества» ор.68 был создан Робертом Шуманом в 1848 году. История его создания тесно связана с личным, отцовским музыкальным опытом. В октябре Шуман писал своему другу Карлу Рейнеке - ’’первые пьесы я написал ко дню рождения моей старшей дочери, а потом и остальные’’. Первоначальное название сборника «Рождественский альбом». Помимо нотного материала черновая рукопись включала в себя наставления юным музыкантам, в краткой афористической форме раскрывающие художественное кредо Шумана. Он планировал расположить их между пьесами. Идея эта осуществлена не была. Впервые афоризмы, число которых увеличилось с 31 до 68, были опубликованы в «Новой музыкальной газете» в специальном приложении под заглавием « Домашние и жизненные правила для музыкантов», а затем перепечатаны в приложении ко второму изданию. Успеху первого издания «Альбома для юношества» немало способствовал его титульный лист, оформленный известным немецким художником, профессором Дрезденской Академии художеств Людвигом Рихтером. Сын художника, Генрих Рихтер был учеником Шумана по композиции в 1848-49 годах. Шуманом были указаны десять наиболее важных, по его мнению пьес, к которым по его пояснениям и были созданы художником виньетки на обложку издания. Это пьесы - Время сбора винограда, Первая утрата, Веселый крестьянин, Хороводная, Весенняя песнь, Песенка жнецов, Миньона, Кнехт Рупрехт, Смелый наездник и Зимняя пора. Существовало мнение среди педагогов, современников автора, что «Альбом» нелогично построен и пьесы слишком трудны для исполнения детьми. Действительно, пьесы расположены не в порядке возрастания трудностей и амплитуда их сложности чрезвычайно высока, но вспомним, что во времена Шумана, в середине XIX века, не существовало еще систематизации учебных материалов. Кроме того, автор вообще не стремился следовать канонам современного педагогического репертуара. В этот период времени было естественным, что различные школы публиковали материал для шести – семи лет обучения. Значение « Альбома» для фортепианной педагогики состоит в том, что Р. Шуман явился создателем совершенно нового и глубоко новаторского фортепианного стиля, вероятно поэтому пьесы оказались гораздо труднее того репертуара, который использовали в то время педагоги. Напрашивается аналогия с И.С.Бахом, который тоже шел впереди своего времени, создавая пьесы для учеников намного труднее общераспространённого уровня обучения. Чтобы оценить новизну этой музыки достаточно обратить внимание на тот учебный репертуар, которым пользовались педагоги в то время. Это были не только популярные фортепианные школы лучших педагогов того времени, но и произведения многочисленных недоучек.

Арии и сцены из оперы Петра Ильича Чайковского "Евгений Онегин"

Александр Сергеевич Пушкин работал над этим романом свыше семи лет, с 1823 по 1830 год. Роман был, по словам поэта, «плодом ума холодных наблюдений и сердца горестных замет». Работу над ним Пушкин называл подвигом — из всего своего творческого наследия только «Бориса Годунова» он характеризовал этим же словом. В произведении на широком фоне картин русской жизни показана драматическая судьба людей дворянской интеллигенции.
Пушкин начал работу над «Онегиным» в мае 1823 года в Кишинёве, во время своей ссылки. Автор отказался от романтизма как ведущего творческого метода и начал писать реалистический роман в стихах, хотя в первых главах ещё заметно влияние романтизма. Изначально предполагалось, что роман в стихах будет состоять из 9 глав, но впоследствии Пушкин переработал его структуру, оставив только 8 глав. Он исключил из основного текста произведения главу «Путешествие Онегина», включив её фрагменты в качестве приложения к основному тексту. Существовал фрагмент этой главы, где по некоторым данным описывалось, как Онегин видит военные поселения близ Одесской пристани, а далее шли замечания и суждения, в некоторых местах в излишне резком тоне. Опасаясь возможных преследований властей, Пушкин уничтожил этот фрагмент.

Слава "русского балета" - это словосочетание можно встретить нередко. Удивительно, но фундамент этой славы в XIХ веке заложили иностранцы: великий француз Мариус Петипа и совсем "не великие"" композиторы - Ц.Пуни, Л.Минкус и Р.Дриго. Их должности в Императорских театрах назывались просто - сочинители балетной музыки.
Лучшие сюжеты о балете в передаче “Абсолютный слух”

Старинные вальсы

Давайте припомним, как вальс назывался...
Относит знакомый мотив ветерком.
Старинные русские вальсы
Играют в саду городском.
И воздух давнишней тревогой наполнен,

И кружатся, кружатся в вихре времён
"Манчжурские сопки", "Дунайские волны",
"Берёзка", "Осенний сон".
Ах, сколько в весеннем саду ветеранов!..
Им с детства оркестр играл духовой.
И вальс ещё списывать рано,
Звучит его голос живой.
Россия, ты вера моя и надежда!
Сегодня ты новые песни творишь.
А сердце волнуют, как прежде
Старинные вальсы твои.

(Г.Портнов - Г.Горбовский)

22 июня

В тот страшный день земля рванула в небо.
От грохота застыла в жилах кровь.
Июнь цветастый сразу канул в небыль,
И смерть, вдруг, оттеснила жизнь, любовь.

Надели гимнастёрки и шинели
Вчерашние мальчишки – цвет страны.
Девчонки на прощанье песни пели,
Желали выжить в грозный час войны.

Война, как ком, катилась по дорогам,
Неся разруху, голод, смерть и боль.
Осталось их в живых совсем немного,
Принявших первый, самый страшный бой!

В атаку шли за правду, за Отчизну,
За мир, за мать с отцом, за добрый дом.
Чтоб защитить от ужасов фашизма
Права на жизнь, что рушилась кругом.

Сирень, гвоздики, нежные тюльпаны…
Начало лета, жизнь вокруг кипит.
Жива любовь, зарубцевались раны,
Но этот день июня не забыт!

(Т. Лаврова)

Пётр Ильи́ч Чайко́вский (25 апреля [7 мая] 1840, пос. Воткинск, Вятская губерния — 25 октября [6 ноября] 1893, Санкт-Петербург) — русский композитор, педагог, дирижёр и музыкальный критик.
Как композитор-профессионал Чайковский сформировался в 1860—1870 годы, ознаменованные большим подъёмом общественной и культурной жизни Российской империи: многогранным развитием русской музыки, литературы и живописи, расцветом отечественного естествознания, ярких завоеваний в области философии и эстетики.
Наследие Чайковского представлено разными жанрами: это — десять опер, три балета, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), 104 романса, ряд программных симфонических произведений, концерты и камерно-инструментальные ансамбли, хоровые сочинения, кантаты, фортепианные миниатюры и фортепианные циклы. Его творчество представляет собой чрезвычайно ценный вклад в мировую музыкальную культуру и, наряду с творчеством его современников — композиторов «Могучей кучки», знаменует собой новый этап в развитии русской музыки.

Чайковский является одним из величайших композиторов мира, ярким представителем музыкального романтизма и одним из выдающихся лириков и драматургов-психологов в музыке, углубившимся в психологический анализ сложных и противоречивых явлений жизни.

"Это подарок для ценителей позднебарочной оркестровой музыки. Джузеппе Антонио Брешианелло (1690-1758) — едва ли не идеальное решение: "новое" композиторское имя (кроме гитарных сонат, произведения этого автора нынче проходят по разряду малоизвестных), сочное оркестровое письмо, грациозные и чувствительные мелодии, которых в иных местах не постыдился бы и Телеман. По стилистике — смесь: старые итальянцы, французы, модные о ту пору неаполитанцы и немного немецкой школы (Брешианелло в Германии и работал), но за этой пестротой все-таки есть отчетливые и очень симпатичные признаки творческой самостоятельности композитора. 

Текст: "Классика с Сергеем Ходневым" 

Брешианелло (Brescianello) Джузеппе Антонио, родился около 1690 г. в Болонье, умер в 1757 г. в Штутгарте, итальянский композитор и скрипач. Удачливый соперник Рейнхарда Кайзера. Автор прелестных пьес для колашоне (длинногрифной лютни). Композитор, имя которого оказалось в тени музыкальной истории, чьи заслуги достойны большего внимания. 

Прославился в Германии. В 1721-1751 г. г. был капельмейстером при княжеском дворе в Штутгарте. Наряду с другими сочинениями оставил после себя рукописи 18 работ для неаполитанской лютни. Написанные для этого инструмента табулатуры были переделаны более поздними гитаристами в современное нотное письмо.

Образ Девы-Матери, прекрасной и доброй заступницы, находит отклик в людских сердцах независимо от вероисповедания. И само сочетание слов «Ave Maria» своим звучанием уже рождает музыку. Наверное, поэтому композиторы так любят создавать мелодии на этот текст, а публика – слушать.
Аве Мария – начальная фраза молитвы, которая представляет собой приветствие архангела Гавриила Пресвятой Деве, когда он сообщал ей весть о будущем рождении от нее Иисуса Христа. А́ве Мари́я (лат. Ave Maria — радуйся, Мария), одна из основных молитв Католической Церкви, обращенная к Богоматери и именуемая по первым словам своего латинского текста. Основывается на двух речениях из Евангелия от Луки обращенных к Деве Марии: приветствии архангела Гавриила, возвестившего Ей, что Она станет Матерью Спасителя (отсюда другое название этой молитвы – «Ангельское приветствие»), и приветствии Елисаветы. Соответствием Ave Maria в Православной Церкви является молитва «Богородице Дево», текст которой лишь незначительно отличается от первой части Ave Maria. Вместе с тем, к первой части, представляющей собою хвалу Богородице ввиду Ее особого места в домостроительстве спасения, добавляется вторая, являющаяся прошением о непрестанном молитвенном заступничестве.

Полный текст Ave Maria таков:
 

Радуйся, Мария, благодати полная!

Господь с тобою;
Благословенна Ты между женами,
И благословен плод чрева Твоего Иисус.
Святая Мария, Матерь Божия,
Молись о нас, грешных,
Ныне и в час смерти нашей.
Аминь!

Джованни Баттиста Виотти, известный итальянский композитор и скрипач-виртуоз, основатель современной скрипичной школы, родился в 1755 году в Фонтанетто-да-По, провинция Верчелли. Отец Джованни был простым кузнецом, не лишенным тем не менее музыкальных способностей и прекрасно игравшим на валторне. Его сын с ранних лет проявлял живой интерес к музыке и с огромным удовольствием брал уроки у скрипача Джованини, играя на маленькой скрипке, которую ему купили родные на ярмарке.

Дарование мальчика тем временем быстро развивалось, и уже совсем скоро он стал участвовать в концертах оркестров, играя без репетиций партии первых скрипок. Как-то раз на его выступлении присутствовал принц de la Cisterna и, будучи пораженным мастерством молодого музыканта, поселил его у себя во дворце и предоставил возможность заниматься музыкой у профессора Пиньяни.

Замки Шотландии:Килхурн
 

[показать]

Расположенные на небольшом полуострове, на озере Эйв, руины замка Килхурн, являют собой результат его 250-летнего забвения. Начав существование как Жилая Башня, которая до сих пор частично сохранилась в восточной оконечности замка, Килхурн в течение своей истории, неоднократно расширялся и перестраивался.Килхурн, весьма живописный, с налетом мрачности и легкой мистики, пользуется огромной популярностью у любителей романтических видов и красивых пейзажей. Замок, который в дни своего расцвета поражал величавым и внушительным видом, расположен на западном побережье Шотландии...

Василий Павлович Соловьёв-Седой (настоящая фамилия Соловьёв) — советский композитор и музыкально-общественный деятель — родился 25 апреля 1907 года в Петербурге. В детстве у Василия волосы совсем выгорали от солнца, и отец ласково называл его седеньким или седым. Дворовым мальчишкам кличка «Седой» понравилась, и с тех пор Василия только так и стали называть.

В возрасте восьми – девяти лет он научился играть на балалайке, несколько позже — на гитаре, фортепиано. "Жизнь наша всегда богата событиями, богата людскими чувствами. В ней есть, что прославить, и есть, что сопережить — глубоко и вдохновенно." В этих словах заключено кредо замечательного советского композитора В. Соловьева-Седого, которому он следовал на протяжении всего творческого пути. Автор огромного количества песен (свыше 400), 3 балетов, 10 оперетт, 7 произведений для симфонического оркестра, музыки к 24 драматическим спектаклям и 8 радиопостановкам, к 44 кинофильмам, Соловьев-Седой воспел в своих произведениях героику наших дней, запечатлел чувства и мысли советского человека.
В. Соловьев родился в семье рабочего. Музыка с детства влекла к себе одаренного мальчика. Обучаясь игре на фортепиано, он обнаружил незаурядный дар импровизации, однако композицию стал изучать лишь в 22 года. В ту пору он работал пианистом-импровизатором в студии художественной гимнастики.

 Никола́й Я́ковлевич Мяско́вский (20апреля 1881, Новогеоргиевск — 8 августа 1950, Москва) — русский композитор, педагог и музыкальный критик, Доктор искусствоведения, профессор. Один из крупнейших симфонистов первой половины XX века, создавший в 1908—1949 годах 27 симфоний.

Н. Мясковский — старейший представитель советской музыкальной культуры, находившийся у самых ее истоков. «Пожалуй, ни на ком из советских композиторов, даже самых сильных, самых ярких, не останавливается мысль с ощущением столь стройной перспективности творческого пути из живого прошлого русской музыки через бурно пульсирующее настоящее к предвидениям будущего, как на Мясковском», — писал Б. Асафьев.
В первую очередь это относится к симфонии, которая прошла в творчестве Мясковского большой и сложный путь, стала его «духовной летописью». Симфония отразила раздумья композитора о современности, в которой были бури революции, гражданская война, голод и разруха послевоенных лет, трагические события 30-х гг. Жизнь вела Мясковского через тяжелые невзгоды Великой Отечественной, а на закате дней довелось испытать безмерную горечь несправедливых обвинений в печально известном постановлении 1948 г. 27 симфоний Мясковского — это продолжавшийся всю жизнь трудный, подчас мучительный поиск духовного идеала, который виделся в непреходящей ценности и красоте души и мысли человеческой. Помимо симфоний Мясковский создал, 15 симфонических произведений других жанров; концерты для скрипки, виолончели с оркестром; 13 струнных квартетов; 2 сонаты для виолончели и фортепиано, скрипичную Сонату; более 100 фортепианных произведений; сочинения для духового оркестра. У Мясковского есть замечательные романсы на стихи русских поэтов (ок. 100), кантаты, вокально-симфоническая поэме «Аластор».

 Третья симфония была написана очень быстро, летом 1883 года в Висбадене.  В начале 80-х годов Брамс находится на вершине славы. Он — первый симфонист Австрии и Германии, у него много верных поклонников среди профессиональных музыкантов и просвещенных любителей, которые в немалой степени способствуют широкому распространению его музыки. И первый — известный дирижер и пианист Ганс фон Бюлов. Для него композитор — третье великое «Б» в истории немецкой музыки: Бах — Бетховен — Брамс. «Я... завоюю ему часть нации, которая о нем еще знать не знает, несмотря на то, что ему уже 48 лет и он уже успел подарить миру столько высокого, мастерского, бессмертного». В письме к Брамсу он уверяет: «Превращать огонь, затаенный в твоих произведениях, из скрытого в видимый — это любимое занятие... всецело преданной тебе дирижерской палочки». В посвящении Третьей симфонии запечатлены взаимоотношения композитора и дирижера: «Моему сердечно любимому Гансу фон Бюлову от верного друга. Иоганнес Брамс». Первые исполнения Третьей симфонии вызвали бурную реакцию. В январе следующего года она три раза подряд прозвучала в Берлине под руководством друга молодости Брамса, знаменитого скрипача Йожефа Иоахима; а в Мейнингене Ганс фон Бюлов повторил ее дважды в один вечер. 17 февраля 1885 года сам Брамс исполнял ее с прославленным оркестром Гевандхауза в Лейпциге. Даже из Франции, где музыка Брамса еще не получила распространения, композитор получил приглашение продирижировать Третьей симфонией. Однако далеко не везде успех был безоговорочным. Так, на первом исполнении в Вене публика резко разделилась: одни бурно аплодировали, другие шикали и свистели. В прессе появились резко критические отзывы. Это — свидетельство давно идущей борьбы между сторонниками Брамса и его величайшего современника Вагнера, — борьбы, особенно обострившейся сразу после смерти Вагнера 13 января 1883 года. Сам Брамс хранил благородное молчание. Зато его друзья, как и друзья Вагнера, изощрялись в критике. Особенно преуспели в этом влиятельнейший критик Эдуард Ганслик, создавший в Вене настоящий культ Брамса, и молодой композитор и критик Гуго Вольф. С юности влюбленный в музыку Вагнера, он отвергал все, что могло умалить славу его кумира, и не стеснялся в выражениях по адресу Брамса: его симфонии — «омерзительная, безвкусная, до тошноты лживая и дурацкая стряпня». «В одном-единственном ударе тарелок в любом произведении Листа больше души и чувства, чем во всех трех симфониях Брамса и в его серенадах впридачу» (Лист назван для примера, как друг и соратник Вагнера, отец его жены Козимы).

Сергей Васильевич Рахманинов (1 апреля 1873, Семёново, Новгородская губерния — 28 марта 1943, Беверли-Хиллз, США) — русский композитор, пианист, дирижёр. Синтезировал в своём творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ и создал свой оригинальный стиль.
Интерес С. В. Рахманинова к музыке обнаружился в раннем детстве. Первые уроки игры на фортепиано дала ему мать, затем была приглашена учительница музыки А. Д. Орнатская.
В 1888 году Рахманинов продолжил обучение на старшем отделении Московской консерватории в фортепианном классе своего двоюродного брата А. И. Зилоти, а спустя год под руководством С. И. Танеева и А. С. Аренского начал изучать композицию.
В возрасте 19 лет Рахманинов с большой золотой медалью окончил консерваторию как пианист и как композитор. Уже в консерватории он получил известность среди московской публики.
Рахманинов рано, ещё учась в Московской консерватории, приобрёл известность как композитор, пианист и дирижёр. Он был обожаем московской публикой. Однако его успешная карьера была прервана 15 марта 1897 года неудачной премьерой Первой симфонии в Петербурге. Композитор А. К. Глазунов тогда загорелся идеей познакомить столицу с музыкой молодого московского таланта, но премьера окончилась полным провалом, как из-за некачественного исполнения дирижёром так и — главным образом — из-за новаторской сущности музыки, не понятой ни самим Глазуновым, ни петербургской публикой. Особенно огорчил Рахманинова отрицательный отзыв Н. А. Римского-Корсакова, с которым он познакомился в Московской русской частной опере и чьё мнение очень ценил. Провал послужил причиной глубокой депрессии Рахманинова. В течение более чем трёх лет в 1897—1901 годах Рахманинов почти ничего не сочинял, большую часть времени проводил лёжа в своей комнате на кушетке, отлучаясь из дома только для частных уроков. Лишь с помощью известного врача-гипнотизёра доктора Н. В. Даля он смог преодолеть творческий кризис.
В 1901 году закончил свой Второй фортепианный концерт, создание которого ознаменовало выход Рахманинова из кризиса и одновременно — вступление в следующий, зрелый период творчества. Вскоре он принял приглашение занять место дирижёра в московском Большом театре, где два сезона дирижировал весь русский оперный репертуар. После этого, решив снова полностью посвятить себя композиции, Рахманинов оставил Большой театр и, совершив в 1906 году путешествие по Италии, на три года поселился в Дрездене, где плодотворно сочинял. В 1909 году Рахманинов совершил большое концертное турне по Америке и Канаде, выступая как пианист и дирижёр. В том же 1909 году был написан Третий фортепианный концерт.
До революции Рахманинов много сочинял и часто выступал в Москве.
21 февраля 1917 года в концертном зале Тенишевского училища состоялось последнее концертное выступление С. В. Рахманинова в Петрограде.

Вскоре после революции 1917 года в России Рахманинов воспользовался неожиданно пришедшим из Швеции предложением выступить на концерте в Стокгольме и в конце 1917 года вместе с женой Натальей Александровной и дочерьми Ириной и Татьяной покинул Россию, практически без средств, оставив всё своё имущество.

История создания

После того как балет «Ромео и Джульетта» был наконец поставлен в Ленинградском Кировском (Мариинском) театре, Прокофьев, на которого исполнительница роли Джульетты Галина Уланова произвела огромное впечатление, решил написать балет специально для нее. Сюжетом послужила всем известная сказка о девушке, которую злая мачеха превратила в служанку и которая с помощью доброй феи обрела заслуженную счастливую судьбу. «Золушка», волшебная сказка Ш. Перро из его сборника «Сказки матушки Гусыни, или Истории и сказки былых времен с поучениями», много раз привлекала композиторов разных времен. На ее основе написаны несколько опер, из которых самая известная — опера Россини; неоднократно ставились и балеты.

«Сказание» — это четырнадцатая опера Н.А.Римского-Корсакова. Она создавалась в 1903-1905 годах. Однако мысль написать оперу на этот сюжет пришла композитoру задолго до этого. Как всегда, необычайно интересны воспоминания самого Римского-Корсакова. «В течение зимы я часто виделся с В.И.Бельским, и мы вдвоем с ним разрабатывали как оперный сюжет пушкинскую «Сказку о царе Салтане». Занимала нас тоже и легенда о «Невидимом граде Китеже» в связи со сказанием о св. Февронии муромской». Таким образом, уже при самом зарождении замысла оперы ее сюжет в сознании композитора крепко связывал две совершенно разные легенды: одну - о Китеже, другую - о св. княгине Февронии Муромской. Последнее предание входит в состав Житий святых, написанных Димитрием Ростовским (память св. благоверных князя Петра и княгини Февронии празднуется Русской Православной церковью 25 июня). В опере линия Февронии разработана несколько иначе, чем в ее житии как святой. Согласно оперному либретто, основанному больше на известном народном предании, чем на житии Димитрия Ростовского, Феврония по происхождению своему была простой поселянкой, сестрой древолаза. Замужем Феврония, согласно ее житию, была за князем Петром, вторым сыном Mypoмcкoгo князя Юрия Владимировича (в опере этот князь назван Юрий Всеволодовичем, а княжич - Всеволодом Юрьевичем). Для либретто были использованы «Китежский летописец» в разных редакциях, повесть о Февронии Муромской, летописи и повествования о татарском нашествии.

ВСТУПЛЕНИЕ
ПОХВАЛА ПУСТЫНЕ
Оркестровая увертюра, открывающая оперу, живописует картину леса с его шелестом листвы и пением птиц (пустыней здесь называется, согласно старому словоупотреблению, необжитая местность). Мелодия, парящая над этим шелестом, — тема девы Февронии.

Никола́й Андре́евич Ри́мский-Ко́рсаков (6 [18] марта 1844, Тихвин — 8 [21] июня 1908, усадьба Любенск, Санкт-Петербургская губерния) — русский композитор, педагог, дирижёр, общественный деятель, музыкальный критик; участник «Могучей кучки».

 Предания о таинственном городе земли Русской...
У истоков каждого мифа, каждой легенды лежит обязательно какое-то реальное событие. Об этом знает каждый уважающий себя ученный, а потому и пытается отделить зерна от плевел, выяснить, как все было на самом деле. Доподлинно известно лишь немногое...
Город Китеж был построен на месте древнего языческого капища, где поклонялись богу солнца - Яриле. Отсюда, собственно, и название озера - светлый Яр. Практика возводить православные храмы там, где когда-то славили Даждьбога и компанию была довольно распространенной: считалось, что подобные места обладают особо сильной положительной энергией. Да и не пропадать же намоленному веками месту.

Согласно христианским летописям, град большой Китеж был построен в рекордно короткие сроки - за 3 года - князем Юрием Всеволодовичем. Кроме него существовал еще и малый Китеж, выросший при его деде - знаменитом Юрие Долгоруком. По преданию, большой Китеж был замыслен ни много ни мало как духовный центр Киевской Руси - он состоял практически из одних храмов. А потому жили в нем люди праведные и мудрые, хранившие святыни русской земли, древние книги и сокровенные знания.
Тропа Батыя.
По сути, Китеж воплощает в себе образ идеального мироустройства: эдакий город - сказка, совершенный и по своему строению, и по нравам и обычаям, здесь царившим. Вряд ли такая идиллия существовала в самом деле. И все же было что-то особенное в этом городе, в этом месте, раз хан Батый решил взять его приступом. С точки зрения военной стратегии этого совершенно не требовалось. Китеж не стоял на торговых путях, не играл сколько-нибудь значительной военной или политической роли в жизни Киевской Руси. Ну укрылся в нем князь Юрий Всеволодович с остатками своей побитой дружины, и что с того? Как эта жалкая кучка могла остановить татаро-монгольское нашествие? Никак.
Рационального объяснения этому походу нет. Но есть иррациональное. Во многих странах существовало поверье: чтобы погубить народ, нужно уничтожить его душу - его святыни.