Это цитата сообщения bogsve Оригинальное сообщение
Яблочный штрудель от Твонака
Яблочный штрудель
Штрудель я считаю Гениальным Изобретением австрийской кухни! и обожаю с ним возиться. Ещё совсем недавно (а в моем возрасте события, произошедшие 5-10 лет назад кажутся практически вчерашними) я и помыслить не могла, что с удовольствием и вполне успешно буду тянуть штрудельное тесто и при этом чувствовать себя счастливой, но это произошло и я спешу поделиться своими наработками, в надежде, что кто-нибудь ещё сможет испытать этот кайф. Кайф от процесса тончайшего растягивания простейшего теста, не говоря уже о кайфе в процессе поглощения этого чуда-расчудесного.
Городской пейзаж Добужинского.
[688x558]М. Добужинский "Автопортрет у книжной полки" 1910 г. бум., гуашь, акв.
ДОБУЖИНСКИЙ, МСТИСЛАВ ВАЛЕРИАНОВИЧ (1875–1957), русский художник. Родился в Новгороде 2 (14) августа 1875 в семье офицера. Отец Добужинского был родом из Литвы, что сказалось на последующей биографии Добужинского. Он учился в Петербурге, в рисовальной школе Общества поощрения художеств (1884–1885), а также (1899–1901) в Мюнхене у А.Ажбе и в Надбанье (Венгрия) у Ш.Холлоши; в 1901 изучал гравюру под руководством В.В.Матэ. Член «Мира искусства» с 1902. Много путешествовал по городам России и Западной Европы. Жил в Петербурге, в 1918–1919 в Витебске, в 1924–1926 и 1929–1938 в Каунасе, в 1926–1929 в Париже, в 1938–1939 в Лондоне, с 1939 преимущественно в Нью-Йорке.
[802x506]Портрет Сюнненберга
[561x584]Петербург. Фонтанка, Летний дворец Петра !, 1902
[690x540]Домик в Петербурге, 1905.
[763x520]Кукла, 1905.
[534x606]Лондон, монумент. 1906.
[648x557]Стеклянная улица в Вильно. 1906.
[684x933]Гримасы города. 1908.
Приверженец стиля модерн и символизма, обращался к историческим сюжетам и портрету – Человек в очках (портрет поэта и критика К.А.Сюннерберга (Эрберга), уголь, акварель, белила, 1905–1906, Третьяковская галерея). Был в первую очередь графиком, поэтом линии и ритма; работая в смешанной технике либо чистым рисунком тушью, Добужинский посвятил свое творчество прежде всего городскому пейзажу, теме города как такового, входящего со своим богатейшим историческим наследием в пору социальных катастроф. Типичные для
Это цитата сообщения Marginalisimus Оригинальное сообщение
Художник Александр Леонидович Фёдоров.
Крона (2006)
Живопись людям как-будто бы и без особой надобности: картины отвлекают от обыденной жизни, не позволяют в достаточной мере зарабатывать деньги, плодить детей, жить «хорошо». И, тем не менее, живописные полотна приносят по-настоящему радость и удовольствие. Получается, что человеку часто надо не то, что полезно в этом мире, а — нечто другое... Это говорит о том, что какая-то часть в нас принадлежит миру нездешнему.
Цукиока Ёситоси - японский художник, известный, как последний великий мастер Укиё-э, японской гравюры на дереве.
Цукиока Ёситоси (настоящее имя Ёнэдзиро Овария) родился в семье богатого купца, купившего статус самурая.
После смерти матери его отец сошелся с новой женщиной, для которой пасынок стал нежелательной обузой. В возрасте трех лет, мальчика отдали на воспитание бездетному дяде, который и усыновил его. В 1850 году он поступает в ученики к известному мастеру Утагаве Куниёси, который дал ему имя Ёситоси.
В 14-летнем возрасте он опубликовал свою первую работу — триптих, посвященный морскому сражению при Данноура, случившемуся в 1185 году.
С 1853 –го года страна переживает нелегкие времена. Вскоре умирает учитель Ёситоси, а через два года и отец. Юноше приходится тяжело: нищета, голод и отсутствие работы. Он работает не покладая рук, за год он создает серию из 44 гравюр. В 1963 г. его усыновляет Цукиока Сэссай, и художник меняет имя на Цукиока.
Его первый успех пришёл в 1865 году вместе с серией «Сто историй о привидениях из Японии и Китая»».
Ёситоси попробовал себя в нескольких наиболее характерных для укиё-э темах. Рисовал красавиц, актеров театра Кабуки, эротическую графику сюнга. Но больше внимания уделял кровавым изображениям: военным битвам, смерти в бою, самоубийству-харакири. В 1866 году совместно с художником Ёсиику Отиаион подготовил серию гравюр «Коллекция садизма и крови», а затем «Серию искусства смерти», которую создал собственноручно.
В1868 году Ёситоси описал последнее кровавое сопротивление верноподданных Токугава в Уэно при крушении режима Токугава и начале реставрации Мэйдзи, изобразив их в серии «Сто знаменитых воинов в сражениях».
Увлечение мастера к жанру ужасов и рассказам о привидениях, заставляли людей делать предположения, что Ёситоси был душевнобольным. Возможно в этом была некая для правды. Нужда и голод, которые испытывал художник, наносили непоправимый вред его душевному здоровью. Но необходимо помнить, что тема насилия имела длинную историю в укиё-э и была достаточно востребована.
К 1871 Ёситоси впал в глубокую депрессию, он не мог работать, мучился чувством бесполезности и неизбежной беды. Он жил со своей подругой Отоко в развалившейся хибаре. Они были вынуждены продавать свою одежду, имущество, разбирать половицы дома, чтобы согреться.
В год он готовил всего несколько гравюр, да и те были не востребованы. Его подруга решает продать себя в публичный дом, чтобы на вырученные деньги хоть как-то поддержать Ёситоси.
К 1873 году его здоровье улучшилось. Он имел много заказов, ему предложили сотрудничество в одной газете. В 1875 году он работает иллюстратором, его благосостоянии значительно улучшается. Работа газетным иллюстратором укрепила известность Ёситоси. В это время меняет свою фамилию на Тайсо (большое возрождение) и с головой уходит в работу.
В 1877 году он становится очевидцем восстания самураев княжества Сацума против императора. Его рисованные очерки о ходе восстания, а затем и разгроме пользовались огромным успехом.
Жизнь стала более стабильной. Он расквитался с долгами, купил дом, сошелся с Тайко Сакамаки, бывшей гейшей. В 1884 году они
Это цитата сообщения Алевтина_Князева Оригинальное сообщение
Крутится, вертится шар голубой
Юрий Бирюков
Конец XIX — начало XX века — время расцвета и широкого распространения в России жанра бытовой песни рабочих окраин, простой по словам и напеву, очень мелодичной. Такие песни охотно включали в свой репертуар, записывали на грампластинки и исполняли на концертной эстраде популярные певцы и певицы. Их подхватывал и распевал на отдыхе и в застолье рабочий и крестьянский люд. Многие из них дошли и до наших дней. Меня давно занимает история одной из таких песен — про «шар голубой». Это, пожалуй, тот самый случай, когда вопросов, связанных со временем и историей её происхождения, больше, чем ответов на них.
Это цитата сообщения A-delina Оригинальное сообщение
Аркадий Райкин. Человек с тысячью лиц...
Аркадий Исаакович Райкин (11 (24) октября 1911, Рига — 17 декабря 1987, Москва) — советский эстрадный и театральный актёр, режиссёр, сценарист, юморист, Народный артист СССР (1968), Герой Социалистического Труда, лауреат Ленинской премии (1980).
[800x]Это цитата сообщения Аля-Рукодельница Оригинальное сообщение
Триумфальные арки древние
Триумфальные арки создавали в честь победителей или в честь каких-то важных событий.
В первой части собраны арки, построенные до нашей эры и в начале нашей эры.
Во второй части - триумфальные арки России
В третьей части -триумфальные арки за границей
Арка императора Августа в Римини, Италия
Построена в 27 году до н.э.в честь императора Октавиана Августа, внучатого племянника Гая Юлия Цезаря
Это цитата сообщения галина_суханова Оригинальное сообщение
Bernini (1598-1680).
Автопортрет. 1623
[270x390]Бернини (Bernini) Джованни (Джан) Лоренцо (7.12. 1598, Неаполь, - 12.11. 1680, Рим), знаменитый итальянский скульптор, художник и архитектор. Учился у отца - скульптора Пьетро Бернини. Очень рано проявил большой скульптурный талант - его первая работа, голова ребенка (мрамор), относится к 1608 г. - и восемнадцати лет создал замечательную группу "Аполлон и Дафна", отличающуюся необыкновенною нежностью очертаний. Апогея своей известности Бернини достиг при папе Урбане VIII, который, для украшения храма св. Петра, поручил ему устройство часовни над гробом апостола. К лучшим работам Бернини относятся памятники Урбану VIII, Александру VII и графине Матильде. В области архитектуры значительнейшей его работой является колоссальная колоннада у собора св. Петра. По приглашению Людовика XIV, Бернини в 1665 г. отправился в Париж, где работал преимущественно над планами для постройки Луврского дворца; последний, однако, строился впоследствии по плану французского архитектора Клода Перро. Возвратившись в Рим, Бернини умер в 1680 г. и погребен в церкви Санта-Мария Маджюре. Бернини был творцом нового светского стиля - барокко, ставшего в последующие века главнейшим фактором современного, культурного переворота в искусстве, но долгое время подвергавшегося преследованиям со стороны всяких приверженцев "академической" рутины, которым казалось, что внесенные Бернини отступления от строгого классического стиля грозят водворением анархии в искусстве. Только в новейшее время критика воздала должное Бернини, как одному из величайших представителей искусства своего времени.
Основные работы: «Экстаз святой Терезы» (1645–1652 гг., Рим, Церковь Санта Мария делла Виттория), «Давид» (1623 г., Рим, Галерея Боргезе).
[показать]Аполлон и Дафна. 1622-1625. Мрамор Каррары. 243 см. Галерея Боргезе, Рим
Это цитата сообщения -Juliana- Оригинальное сообщение
„Прусский Версаль“..Дворец Сан-Суси. Потсдам. Германия...
[800x600] Идея гармонии между человеком и окружающей природой нашла своё отражение в расположении и декоративном оформлении дворца Сан - Суси, разместившегося на вершине виноградного холма. Виноградные террасы Сан - Суси образуют ядро парка, которое венчает небольшой замок, который Фридрих Великий называл своим «маленьким виноградарским домиком».
Это цитата сообщения PKFNF Оригинальное сообщение
Куда уехал цирк...
Куда уехал цирк он был еще вчера
И ветер не успел со стен сорвать афиши
Но больше не горят его прожектора
Под куполом оркестр его не слышен...
Frederic Arthur Bridgman (1847-1928)
Ludwig Blume-Siebert (1843–1929) The Circus is in Town
Paul Friedrich Meyerheim (1842-1915) Sideshow Tricks
Это цитата сообщения ВЕнеРИН_БАШМАЧОК Оригинальное сообщение
Русский живописец Валерий Иванович Якоби (1834 - 1902).Ледяной дом. - ч.1.
[показать]Валерий Иванович Яко́би (Яко́бий) (1834 - 1902) — русский живописец, профессор, академик Императорской академии художеств, один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок. Брат революционера, впоследствии психиатра и этнографа П.И. Якоби. Якоби Валерий Иванович — жанровый и портретный живописец, сын помещика; получив общее образование в казанской гимназии, поступил студентом в Казанский университет, но не окончил в нём курса. Когда составлялось в Казанской губернии ополчение для участия в Крымской кампании, Якоби записался в него и отправился в его рядах к месту военных действий, но на пути туда был, вместе со своим отрядом, остановлен, так как война прекратилась. Тогда он решил посвятить себя живописи, любовь к которой чувствовал ещё на школьной скамье, и, прибыв в 1856 году в Санкт-Петербург, стал посещать классы академии художеств. Состоя в ней учеником профессора А. Маркова, он прошёл её курс чрезвычайно быстро и получил одну за другой все награды, установленные для полного его окончания, а именно малую серебряную медаль в 1858 году, за картину «Разносчик фруктов» (находится в Третьяковской галерее в Москве), большую серебряную медаль в 1859 году, за картину «Татарин, продавец халатов», малую золотую медаль в 1861 году, за картину «Светлое Воскресенье нищего» и большую золотую медаль в 1862 году, за картину «Привал арестантов» (в Третьяковской галерее), произведшую большое впечатление на публику, живо принимавшую тогда к сердцу вопросы, вызвавшее благотворные реформы императора Александра II, между прочим и вопрос об облегчении участи каторжников и ссыльных. Вскоре по получении большой золотой медали, Якоби отправился за границу в качестве пенсионера академии. Посетив сперва Германию, он проехал в Швейцарию и работал некоторое время в Цюрихе, под руководством профессора Колера, а затем жил в Париже, Неаполе и Риме. В это время, кроме небольших жанровых картин, им написаны две исторические — «Террористы и умеренные первой французской революции» (в московском публичном музее, самое лучшее из всех произведений художника) и «Кардинал Гиз, получивший голову адмирала Колиньи, убитого в Варфоломеевскую ночь»; последняя, находившаяся на академической выставке 1864 году, доставила Якоби звание академика. Он возвратился в Санкт-Петербург, в 1869 году и через год после того, за картину «Арест герцога Бирона», был возведен в звание профессора, а в 1870 году сделан членом академического совета.
Привал арестантов 1861 г. Масло, холст Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия
Это цитата сообщения ВЕнеРИН_БАШМАЧОК Оригинальное сообщение
Русский живописец Валерий Иванович Якоби (1834 - 1902).Поиск или подражание? - ч.2.
[показать]Вот как писал о художнике А.Бенуа: "... ему не удалось оправдать тех надежд, которые были тогда возложены на него всей передовой партией. Отправленный на казенный счет за границу, он, подобно столь многим другим, сбился там с пути. Не Курбе, не Милле и не Мане, как следовало бы ожидать, тронули его в Париже, но мелкие салонные жанристы и иллюстраторы исторических анекдотов вроде Робер Флёри, Мюллера и Конта. Им-то Якоби, не обладавший и сотой долей их мастерства, стал слепо подражать, и, вернувшись затем в Россию, он вполне последовательно зачислился в полки эпигонов исторической живописи... ".В 1878 году провел шесть месяцев в Париже в качестве комиссара при русском художественном отделе на тамошней всемирной выставке и члена её международного жюри со стороны России. С 1880 много путешествовал по европейским и африканским странам Средиземноморья, привозя из поездок этюды и картины в духе экзотически-красочного этнографизма, близкого к символистским тенденциям. В 1883 году, оставаясь членом совета академии, был назначен профессором-преподавателем в её классах. От обеих этих должностей уволен в отставку в 1891 году вследствие происшедшего тогда коренного преобразования академии, и последние годы своей жизни провел отчасти в Санкт-Петербурге, преимущественно же в Алжире и на юге Франции. Как в жанровых, так и в исторических полотнах художник обличал социальные пороки общества. Основным в творчестве Якоби был бытовой жанр. Умер Якоби в Ницце.
[показать] Типы Танжера 1879 г. Масло, холст. 49,5 х 39 см.
Мемориальный музей-усадьба художника Н.А. Ярошенко, Кисловодск
Это цитата сообщения Matrioshka Оригинальное сообщение
Хава Махал (Дворец Ветров).
[показать] [показать] [показать]
Хава Махал (Дворец Ветров) был создан при Магарадже Саваж Пратар Сингхе в 1799 году в Джайпуре - главном городе штата Раджастан. Орнаментальный фасад этого Дворца ветров служит визитной карточкой Джайпура.
Это цитата сообщения Александр_Ш_Крылов Оригинальное сообщение
ГОЙЯ КАПРИЧОС полная Сюита офортов на причудливые сюжеты
Пережитый Гойей в конце 1790-х годов душевный кризис усугубляется потерей слуха в результате тяжелой болезни. Обличительная сила его творчества находит воплощение в знаменитой графической серии «Капричос» (1798), включившей в Гойю в число крупнейших мастеров мирового графического искусства. В формах трагического гротеска он выступает против мира зла и мракобесия, фанатизма и невежества масс, нравственных пороков общества. В многослойную струну «Капричос» вплетены отзвуки политической карикатуры Французской революции, народного испанского лубка, демонология средневековья и сатирические традиции испанской литературы «золотого века».
[337x480]
"Автопортрет"
Судьба серии «Капричос» трагична, как трагична судьба и самого Гойи.
Первые зарисовки к этой серии художник создал в 1793 году. В это время вследствие перенесенной болезни, предполагают, что менингит, Гойя начинает терять слух. Но именно потеря слуха усиливает его зрительное восприятие. Он начинает острее чувствовать окружающий его мир и вдруг понимает, что окружающие его люди вовсе не те, за кого себя выдают.
Это цитата сообщения Marginalisimus Оригинальное сообщение
Бенуа Альберт Николаевич
Вид Кронштадта с пирса Петергофа, (1889), «Пристань в Петергофе»1889 г.
Бенуа (Альберт Николаевич) - академик акварельной живописи (1884) и преподаватель ее в Академии Художеств (с 1885), сын профессора архитектуры Н.Л. Бенуа , родился в 1852 году; воспитывался в 5-й петербургской гимназии, по окончании которой в 1871 году поступил в Академию Художеств по классу архитектуры, откуда и вышел в 1877-м со званием художника 1-й степени.
С тех пор Бенуа посвятил себя всецело занятиям акварельной живописью, причем пользовался советами и указаниями профессора Л.О. Премацци.
Это цитата сообщения klassika Оригинальное сообщение
Живопись - Классика жанра - Архитектурный пейзаж XVII-XIX вв. /часть 1/
klassika
[500x93]
[показать]  |
[показать]
Это цитата сообщения klassika Оригинальное сообщение
Живопись - Классика жанра - Архитектурный пейзаж XVII-XIX вв. (часть 2)
klassika [500x93] [показать]| |
[показать]Укиё-э — искусство японской гравюры УКИЁ-Э — направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо (1600-1868).
1.
[635x700]
Слово ‘укиё’ в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как ‘бренный изменчивый мир’. В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо. Техника ксилографии, или печати с деревянных досок, появилась в Японии еще в период Хэйан (794-1185) вместе с распространением буддизма. Техника печати с деревянных досок вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых и при иллюстрировании текста сутр. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом. Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название ‘парчовые картины’ (нисики-э). Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии. В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания. Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер, наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник, обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру. Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии. Развитие японской ксилографии определялось несколькими ведущими школами — династиями: их основатели как бы формировали свой стиль, в русле которого работали ученики и последователи (династии Тории, Кайгэцудо, Кацукава, Утагава). Но были и выдающиеся мастера, творчество которых не вписывается в рамки какой-либо династии и стоит особняком, обозначая яркие вехи в истории японской гравюры (Судзуки Харунобу, Китагава Утамаро, Тосюсай Сяраку, Кацусика Хокусай, Андо (Утагава) Хиросигэ). Первым крупным художником японской ксилографии стал Xисикава Моронобу (1631-1694), создавший значительное количество ксилографических альбомов. С его именем связано становление жанра бидзинга (изображение красавиц). В конце ХVII — начале ХVIII в. на первое место в искусстве укиё-э выдвигается династия Тории, ее глава — Тории Киёнобу (1664-1729).
1.
[332x700]
Тории Киёнобу (1664-1729)
Главная тема художников династии Тории — театр Кабуки — находит воплощение в гравюрах с изображениями актеров (якуся-э), других видах ксилографических изданий, связанных с театром (афиши, программки спектаклей). Художники династии Тории активно используют нововведения в технике ксилографии (бэни-э и уруси-э). Из учеников Тории Киёнобу наиболее известны Тории Киёмасу (1697-?) и Тории Киёмицу (1735-1785).
ЯМАТО-Э ,как вид японской живописи
Ямато-э (яп. 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств.Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией. Характеризуется воспроизведением сюжетов средневековых японских повестей, романов, дневников на свитках, выразительным сочетанием четких силуэтов, ярких цветовых пятен, вкраплением золотых и серебряных блесток.Композиции Ямато-э (преимущественно исторические и легендарные сцены из аристократической жизни, иллюстрации к придворным романам) писались тушью и красками, чаще всего на свитках (часто горизонтальных), обычно составляя серии («эмакимоно»). Свитки ямато-э сочетают в себе живопись и каллиграфию, их отличают яркие, локально окрашенные силуэты изображений. Расцвет Ямато-э наступил в XII—XIV в. Позднее многие характерные черты Ямато-э (орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы и т.д.) вошли составными элементами в произведения школ Кано и Укийё-э. Наиболее известные художники этой школы: Фудзивара Нобудзанэ, Фудзивара Таканобу (оба XII—XIII в.), Фудзивара Такаеси (середина XII ).)
1.
[535x600]
Фудзивара Нобудзанэ
2.
[457x600]
Фудзивара Таканобу
3.
[700x392]
Фудзивара Такаеси
На шелке и бумаге яркими красками с добавлением золота и серебра художники рисовали пейзажи, придворные сцены, иногда иллюстрировали знаменитые романы своих современников. Картины в форме горизонтальных свитков — акимоно — рассматривали на столе, а вертикальные — каки- моно — украшали стены парадных комнат. Картины ямато-э («японской живописи») оставляют впечатление праздничной драгоценности.В эпоху древнего средневековья создаются самобытные произведения ландшафтной архитектуры — знаменитые японские сады. Наиболее известны «сад мхов» и буддийский «сад камней» в Киото (XVI в.). Своеобразное соединение буддизма с древней религией способствовало формированию традиционной японской эстетики естественных, природные форм. Цель — создание наилучших условий для созерцания и переживания связанных с природой ассоциаций. Деревья выращивались так, чтобы они контрастировали по форме и цвету листвы, не закрывая выходившую ночью луну. Пальма должна была находиться рядом с окном, чтобы во время дождя слушать «музыку капель», а камни у водопада в глубине сада укладывали так, чтобы звук воды был слышен издалека. В этих садах, окружавших дворцы и павильоны, строились хижины для бесед о поэзии и искусстве и проведения знаменитых чайных церемоний — тяною. Один из самых известных таких павильонов — Золотой павильон в Киото (XV в.).В XVII—XVIII вв. созданы замечательные произведения в сфере декоративных росписей на ширмах и стенах дворцов. Безукоризненная точность линий, выработанная в живописи на свитках, стала в росписи ширм залогом выразительности каждого силуэта, строгой ритмической упорядоченности цветовых пятен; изысканная декоративность свитков приобрела здесь черты монументальности.Завершающий этап средневековья ознаменовался расцветом ксилографии — гравюры на дереве, которая служила театральной афишей, книжной иллюстрацией, поздравительной открыткой и просто украшением быта.
История развития японского стиля суми-э (Статья взята здесь http://sumie-art.ru/?page=35)
Японский народ создал многоликий и самобытный мир художественных образов и форм. В течение полутора тысяч лет культура Японии развивалась под сильным влиянием континентальных культур, в первую очередь Китая и Кореи. Но процесс иноземных заимствований не превратился у японцев в слепое подражание образцам, а лег в основу новой своеобразной и неповторимой культурной традиции. По-настоящему Европа смогла познакомиться с произведениями японского искусства только в конце XIX века. С этого времени искусство страны Восходящего Солнца приобрело себе огромное количество поклонников и ценителей во всем мире(1).
В 13 веке в Японию приезжают китайские дзэнские монахи, сначала Мугаку Согэн, затем Ранкэй Дорю. Они принесли в Японию культуру Китая династии Сун и Юань, в том числе и живопись тушью. В японском языке существуют два равнозначных термина, обозначающих монохромную живопись: "суми-э" (картина тушью) и "суйбокуга" (картина водой и тушью), или чаще просто "бокуга" (картина тушью).
Дзэнские монахи, которые проводили долгие часы, изучая классические образцы китайской литературы, идентифицировали себя с конфуцианскими мудрецами, отвергавшими вульгарный мир ради общения с природой и овладения такими изящными искусствами, как музыка, поэзия, живопись и каллиграфия.
Среди первых дзэнских монахов, работавших в жанре суйбокуга в XIV в., следует упомянуть Као Нинга и Мокуан Рэйэн.
Надо отметить, что с приходом к власти военных, в Японии как основное религиозное направление начал утверждаться дзен-буддизм, пришедший из Китая. В XIV в. сёгун Асикага Такаудзи придал дзен-буддизму статус официальной религии.
Эпоху Муромати XIV в. можно назвать периодом расцвета японской живописи тушью. Она далеко выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского японского искусства. На протяжении XIV–XV веков преобладающим направлением был монохромный пейзаж в стиле ванн суй («горы-вода») произведениями которого украшали дворцы аристократов и военной элиты. Представителями сан суй были высокообразованные художники - Китидзан Минтё (1352-1430), Дзёсэцу (1405-1423) и Сэйссю Тойо (1420-1506) обучавшиеся в Китае. Дзёсэцу и Сэйссю были художниками монахами из монастыря Сёкокудзи в Киото, который принадлежал дому Асикага.
Дзен-монах Дзёсэцу (1394-1428), согласно приданию стал основателем стиля суми-э в пейзажном жанре. Картина "Ловля рыбы при помощи тыквы", выполненная по личному заказу военного правителя Японии, четвертого сёгуна Асикага Ёсимоти, уже вполне самостоятельна и несёт лишь следы китайского влияния.
[640x546]
Дзёсэцу. Ловля сома тыквой-горлянкой, был написан по заказу четвертого сёгуна, Асикага Ёсимоти (1386-1428)
Уникальности сюжета, мягкое прикосновение кисти и обильное использование воды – все это составляет отличительные индивидуального стиля японской живописи суми-э.
Сэссю Тоё оставил чрезвычайно важное художественное наследие. Созданный им "Ландшафт Хабоку" ("Хабоку сансуйдзу", 1495) являет собой пример стиля "разбрызгивания туши" – стиля абсолютно свободной, экспрессивной живописи тушью.
В эпоху Муромати много художников появилось и в провинциях, и большинство из них имели самурайское происхождение. Наиболее известный из них – Сэссон 雪村, происходивший из самурайской семьи Оита провинции Хитати. Сэссон ушел в монахи и стал художником, продолжал работать до 80 лет в районе Канто и Айдзу, но среди его работ множество обладают отпечатком самурайского происхождения художника.