Владислав Пази (по материалам ПТЖ, выпуск 44)
Шэльма
10-06-2008 18:08
*и заканчивает мой личный хитпарад*
Владислав Пази явился в родной город издалека, словно ниоткуда, — и так же стремительно ушел. Название его недавней книги, так изумительно сохранившей его живую, ироничную, мудрую интонацию, — «Театральный транзит» — трагично, что стало пронзительно ясно только теперь.
На месте ДК им. Первой пятилетки, где когда-то директорствовал его дядя И. Е. Скляров, сейчас отчаянно пустое место. Там на гастролях Таганки и Малой Бронной, Берлинер Ансамбля и Пикколо ди Милано проходили театральные университеты Владислава Пази, наравне с уроками М. В. Сулимова, Р. Р. Сусловича, Г. А. Товстоногова. Вот он ушел — и возникло то же скорбное зияние. Он столько оставил по себе благодарной памяти и боли утраты — от Бишкека и Софии до еще не родившихся театральных душ его предполагавшегося актерского набора.
Вновь осиротел театр Ленсовета, и весь театральный мир Петербурга, оказалось, осиротел: с его мудрой сдержанностью, человеческим достоинством и благородством было как-то защищеннее жить и работать.
До того он руководил Русской драмой во Фрунзе — Бишкеке. Это был счастливый театральный роман. Его давние гастроли запомнились: «Плаха», «Ночевала тучка золотая» — острые театральные решения, живой драматизм, жгучая актуальность! В самый разгар киргизской «революции», уже в нынешнем сезоне, он поставил там «Бориса Годунова», этот яркий и резкий спектакль был показан весной на фестивале в «Балтийском доме».
В Петербурге Пази, после ударных дебютов в Комиссаржевке и на Литейном («Самоубийство влюбленных на острове Небесных Сетей», «Тойбеле и ее демон»), вновь впрягся в руководство театром. У него был счастливый дар увидеть и расслышать партнера. Театр Ленсовета не только не распался, но уверенно продолжил свой путь. Союз с ленсоветовцами оказался прочным. В лучших спектаклях театра получалось настоящее созвучие художественной воли режиссера и культурного опыта ленсоветовской, бывшей владимировской, труппы. Студенты курса Пази вливались в спектакли театра на диво органично.
Менялось время, Пази оставался верен себе, театру, публике. Бульварная критика еще с владимировских времен носилась с жупелом «бульварного театра». Пази, как и его предшественник, слышал голос современной улицы и знал ему цену. Агрессивность, растерянность, драматическая энергия «улицы» ухвачена им и в «Кабаре», и во «Владимирской площади», где эту стихию прорезают индивидуальные, иногда гротескные, иногда остро лиричные, темы в исполнении артистов великолепной ленсоветовской труппы. Театр был открыт режиссуре разных поколений и творческих устремлений, тут было характерное для него явление высокой профессиональной этики. Но он и сам был творчески широк и щедр. Театральное зазеркалье с такой любовью, так задорно и мощно представлено во «Фредерике, или Бульваре преступлений». И с такою нежностью и мужеством звучит тема прощания с жизнью в «Оскаре и Розовой даме»…
Последняя его постановка в Петербурге — «Пышка» по Мопассану в Театре на Литейном, — изящна и остра, с прелестным женским образом в центре. Опера-буфф, сплав мудрой печали с театральным праздником, характерный для Владислава Пази.
Смысл его жизни был в театре, в работе. Он ставил драму и оперу, в России и за рубежом. Трагическое известие пришло из софийского театра «Слеза и смех». В субботу 13 мая в гостиничном номере режиссер прилег отдохнуть перед репетицией, открыл книгу (он ставил «Игрока»). Сердце остановилось.
На Литераторских мостках было море цветов, множество людей, пораженных внезапной и необратимой утратой. В непосредственной близости оказалась могила Бориса Михайловича Сушкевича. Словно было подтверждено: Театр на Владимирском проспекте не случайно стал вехой «театрального транзита» Владислава Борисовича Пази. И сам он вошел в историю театра и в историю нашей жизни, стал ее дорогой и памятной страницей.
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
*и заканчивает мой личный хитпарад*
Владислав Пази явился в родной город издалека, словно ниоткуда, — и так же стремительно ушел. Название его недавней книги, так изумительно сохранившей его живую, ироничную, мудрую интонацию, — «Театральный транзит» — трагично, что стало пронзительно ясно только теперь.
На месте ДК им. Первой пятилетки, где когда-то директорствовал его дядя И. Е. Скляров, сейчас отчаянно пустое место. Там на гастролях Таганки и Малой Бронной, Берлинер Ансамбля и Пикколо ди Милано проходили театральные университеты Владислава Пази, наравне с уроками М. В. Сулимова, Р. Р. Сусловича, Г. А. Товстоногова. Вот он ушел — и возникло то же скорбное зияние. Он столько оставил по себе благодарной памяти и боли утраты — от Бишкека и Софии до еще не родившихся театральных душ его предполагавшегося актерского набора.
Вновь осиротел театр Ленсовета, и весь театральный мир Петербурга, оказалось, осиротел: с его мудрой сдержанностью, человеческим достоинством и благородством было как-то защищеннее жить и работать.
До того он руководил Русской драмой во Фрунзе — Бишкеке. Это был счастливый театральный роман. Его давние гастроли запомнились: «Плаха», «Ночевала тучка золотая» — острые театральные решения, живой драматизм, жгучая актуальность! В самый разгар киргизской «революции», уже в нынешнем сезоне, он поставил там «Бориса Годунова», этот яркий и резкий спектакль был показан весной на фестивале в «Балтийском доме».
В Петербурге Пази, после ударных дебютов в Комиссаржевке и на Литейном («Самоубийство влюбленных на острове Небесных Сетей», «Тойбеле и ее демон»), вновь впрягся в руководство театром. У него был счастливый дар увидеть и расслышать партнера. Театр Ленсовета не только не распался, но уверенно продолжил свой путь. Союз с ленсоветовцами оказался прочным. В лучших спектаклях театра получалось настоящее созвучие художественной воли режиссера и культурного опыта ленсоветовской, бывшей владимировской, труппы. Студенты курса Пази вливались в спектакли театра на диво органично.
Менялось время, Пази оставался верен себе, театру, публике. Бульварная критика еще с владимировских времен носилась с жупелом «бульварного театра». Пази, как и его предшественник, слышал голос современной улицы и знал ему цену. Агрессивность, растерянность, драматическая энергия «улицы» ухвачена им и в «Кабаре», и во «Владимирской площади», где эту стихию прорезают индивидуальные, иногда гротескные, иногда остро лиричные, темы в исполнении артистов великолепной ленсоветовской труппы. Театр был открыт режиссуре разных поколений и творческих устремлений, тут было характерное для него явление высокой профессиональной этики. Но он и сам был творчески широк и щедр. Театральное зазеркалье с такой любовью, так задорно и мощно представлено во «Фредерике, или Бульваре преступлений». И с такою нежностью и мужеством звучит тема прощания с жизнью в «Оскаре и Розовой даме»…
Последняя его постановка в Петербурге — «Пышка» по Мопассану в Театре на Литейном, — изящна и остра, с прелестным женским образом в центре. Опера-буфф, сплав мудрой печали с театральным праздником, характерный для Владислава Пази.
Смысл его жизни был в театре, в работе. Он ставил драму и оперу, в России и за рубежом. Трагическое известие пришло из софийского театра «Слеза и смех». В субботу 13 мая в гостиничном номере режиссер прилег отдохнуть перед репетицией, открыл книгу (он ставил «Игрока»). Сердце остановилось.
На Литераторских мостках было море цветов, множество людей, пораженных внезапной и необратимой утратой. В непосредственной близости оказалась могила Бориса Михайловича Сушкевича. Словно было подтверждено: Театр на Владимирском проспекте не случайно стал вехой «театрального транзита» Владислава Борисовича Пази. И сам он вошел в историю театра и в историю нашей жизни, стал ее дорогой и памятной страницей.
Семён Яковлевич Спивак
Шэльма
08-06-2008 14:07
В продолжении темы о любимых режиссерах, коих у меня имеется ровно 3, не больше ни меньше. Имя одного из них, господина Додина, уже звучало, обратимся к имени "номер 2".
СПИВАК, СЕМЕН ЯКОВЛЕВИЧ (р. 1950), русский режиссер. Родился 14 июня 1950 в г. Черновцы. Окончил режиссерский факультет Ленинградского института театра, музыки и кинематографии (ЛГИТМиК) в 1979. С 1980 по 1984 – режиссер-постановщик Ленинградского театра имени Ленинского комсомола. С 1984 по 1988 режиссер-постановщик Театра имени Ленсовета. С 1986 по 1988 – художественный руководитель театра-студии «Молодой театр». С 1989 – художественный руководитель Санкт-Петербургского молодежного театра на Фонтанке.
Начинал свою режиссерскую деятельность на малой сцене Театра имени Ленинского комсомола, где поставил свой дипломный спектакль Три пишем – два в уме. В начале 1980-х годов в этом же театре поставил остро современную пьесу А.Родионовой Дорогая Елена Сергеевна. Этот спектакль сразу привлек к режиссеру внимание молодежного зрителя, но в то же время вызвал резкое недовольство ленинградских властей и был вскоре запрещен. На сцене Театра имени Ленинского комсомола Спивак поставил в 1983 шекспировскую комедию Сон в летнюю ночь, после чего решил создать собственный театральный коллектив, где имел бы возможность реализовывать свою режиссерскую программу, во многом ориентировавшуюся на современную пьесу и молодых актеров, способных привнести в театр новую интонацию.
Спивак создал студию «Молодой театр», которая на рубеже 1980–1990-х годов влилась в Ленинградский молодежный театр. Одним из первых российских режиссеров поставил Танго С.Мрожека. В последующие годы круг его драматургических интересов расширился, он охотно ставил современные западные пьесы, произведения мировой классики. Среди его постановок в Театре на Фонтанке – Мещанин во дворянстве Ж.-Б.Мольера, Гроза А.Н.Островского, Маркиз де Сад Ю.Мисимы. В 1996 режиссер получил приглашение от руководства Московского драматического театра имени К.С.Станиславского и поставил здесь французскую комедию Мужской род, единственное число Ж.-Ж.Брикера. Этот спектакль, неизменно идущий с огромным успехом у публики, заявил столичному зрителю о Спиваке как о мастере комедийного жанра – редкого на сегодняшней отечественной сцене. Через несколько лет (1999) режиссер поставил на сцене того же московского театра еще одну комедию, на этот раз мольеровскую. Спектакль Мещанин-дворянин (Мещанин во дворянстве) проходит с не меньшим успехом и закрепляет за режиссером репутацию комедиографа-постановщика.
[310x420]
В продолжении темы о любимых режиссерах, коих у меня имеется ровно 3, не больше ни меньше. Имя одного из них, господина Додина, уже звучало, обратимся к имени "номер 2".
СПИВАК, СЕМЕН ЯКОВЛЕВИЧ (р. 1950), русский режиссер. Родился 14 июня 1950 в г. Черновцы. Окончил режиссерский факультет Ленинградского института театра, музыки и кинематографии (ЛГИТМиК) в 1979. С 1980 по 1984 – режиссер-постановщик Ленинградского театра имени Ленинского комсомола. С 1984 по 1988 режиссер-постановщик Театра имени Ленсовета. С 1986 по 1988 – художественный руководитель театра-студии «Молодой театр». С 1989 – художественный руководитель Санкт-Петербургского молодежного театра на Фонтанке.
Начинал свою режиссерскую деятельность на малой сцене Театра имени Ленинского комсомола, где поставил свой дипломный спектакль Три пишем – два в уме. В начале 1980-х годов в этом же театре поставил остро современную пьесу А.Родионовой Дорогая Елена Сергеевна. Этот спектакль сразу привлек к режиссеру внимание молодежного зрителя, но в то же время вызвал резкое недовольство ленинградских властей и был вскоре запрещен. На сцене Театра имени Ленинского комсомола Спивак поставил в 1983 шекспировскую комедию Сон в летнюю ночь, после чего решил создать собственный театральный коллектив, где имел бы возможность реализовывать свою режиссерскую программу, во многом ориентировавшуюся на современную пьесу и молодых актеров, способных привнести в театр новую интонацию.
Спивак создал студию «Молодой театр», которая на рубеже 1980–1990-х годов влилась в Ленинградский молодежный театр. Одним из первых российских режиссеров поставил Танго С.Мрожека. В последующие годы круг его драматургических интересов расширился, он охотно ставил современные западные пьесы, произведения мировой классики. Среди его постановок в Театре на Фонтанке – Мещанин во дворянстве Ж.-Б.Мольера, Гроза А.Н.Островского, Маркиз де Сад Ю.Мисимы. В 1996 режиссер получил приглашение от руководства Московского драматического театра имени К.С.Станиславского и поставил здесь французскую комедию Мужской род, единственное число Ж.-Ж.Брикера. Этот спектакль, неизменно идущий с огромным успехом у публики, заявил столичному зрителю о Спиваке как о мастере комедийного жанра – редкого на сегодняшней отечественной сцене. Через несколько лет (1999) режиссер поставил на сцене того же московского театра еще одну комедию, на этот раз мольеровскую. Спектакль Мещанин-дворянин (Мещанин во дворянстве) проходит с не меньшим успехом и закрепляет за режиссером репутацию комедиографа-постановщика.
[310x420]
Темур Чхеидзе, театральный режиссер, руководитель БДТ
Tredicina
07-06-2008 21:20
[230x328]
ЧХЕИДЗЕ Темур Нодарович родился в 1943 году.
Окончил Тбилисский театральный институт имени Ш. Руставели (мастера — Д. Алексидзе и М. Туманишвили) в 1965 году.
Работал в драматическом театре города Зугдиди. С 1967 по 1970 годы — режиссер Тбилисского ТЮЗа. С 1970 по 1980 — в Театре имени Руставели, где поставил спектакли «Мачеха Саманишвили», «Вчерашние», «Дом Бернарды Альбы», «Царь Эдип», «Власть тьмы».
С 1980 по 1991 год — главный режиссер Театра имени Марджанишвили. Читал лекции в Театральном институте Грузии, в течение восьми лет был художественным руководителем Телецентра Грузии.
С 1992 года работает в Санкт-Петербургском Большом драматическом театре, где поставил спектакли «Коварство и любовь», «Сэйлемские колдуньи», «Любовь под вязами», «Борис Годунов», «Макбет», «Антигона». В Мариинском театре поставил оперы «Дон Карлос», «Игрок» (премия «Золотая маска»), «Летучий голландец», «Маленькие трагедии». Ставил спектакли в Ла Скала и Метрополитен-опера.
Народный артист Грузии, Народный артист России, лауреат Ленинской премии.
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
[230x328]ЧХЕИДЗЕ Темур Нодарович родился в 1943 году.
Окончил Тбилисский театральный институт имени Ш. Руставели (мастера — Д. Алексидзе и М. Туманишвили) в 1965 году.
Работал в драматическом театре города Зугдиди. С 1967 по 1970 годы — режиссер Тбилисского ТЮЗа. С 1970 по 1980 — в Театре имени Руставели, где поставил спектакли «Мачеха Саманишвили», «Вчерашние», «Дом Бернарды Альбы», «Царь Эдип», «Власть тьмы».
С 1980 по 1991 год — главный режиссер Театра имени Марджанишвили. Читал лекции в Театральном институте Грузии, в течение восьми лет был художественным руководителем Телецентра Грузии.
С 1992 года работает в Санкт-Петербургском Большом драматическом театре, где поставил спектакли «Коварство и любовь», «Сэйлемские колдуньи», «Любовь под вязами», «Борис Годунов», «Макбет», «Антигона». В Мариинском театре поставил оперы «Дон Карлос», «Игрок» (премия «Золотая маска»), «Летучий голландец», «Маленькие трагедии». Ставил спектакли в Ла Скала и Метрополитен-опера.
Народный артист Грузии, Народный артист России, лауреат Ленинской премии.
Лев Додин, театральный режиссер
Tredicina
07-06-2008 21:12
[240x379]
ДОДИН Лев Абрамович родился 14 мая 1944 в Новокузнецке в семье геолога.
Начал заниматься театром еще в школьные годы в Ленинграде в театральном кружке под руководством М.Дубровина. В 1966 окончил Ленинградский государственный институт театра, музыки и кинематографии (ЛГИТМиК, курс под руководством Б.Зона). Профессиональную деятельность начал в Ленинградском театре юного зрителя спектаклем После казни прошу... (совместно с З.Корогодским). После постановки комедии Островского Свои люди – сочтемся! осложнились его отношения с руководителем театра З.Корогодским, и Додин вынужден был уйти из ТЮЗа. В 1975–1977 Додин – режиссер Театра драмы и комедии на Литейном (Роза Берндт Г.Гауптмана и др.). С 1975 – в Малом драматическом театре.
В 1981 поставил Кроткую по Достоевскому в Большом драматическом театре (вторая редакция – во МХАТ, 1985). Исследование пограничных состояний человеческого сознания надолго станет одной из ведущих тем додинского творчества. В 1984 Додин ставит Господа Головлевы по Салтыкову-Щедрину во МХАТе.
После ухода из ТЮЗа известный театральный педагог А.Кацман пригласил Додина к совместной работе на актерском курсе ЛГИТМиКа. В 1979 со студентами был поставлен спектакль Братья и сестры по роману Федора Абрамова.
Со следующим курсом была осуществлена инсценировка Живи и помни Распутина (история скрывающегося близ родного села дезертира Великой Отечественной войны). В совместной работе были сформулированы идеи и принципы, сформирован основной состав труппы Малого драматического театра, который Додин возглавил в 1983. Додин построил свою модель театра-дома, наследуя основателям Художественного театра. Единство творческого метода и острота сценического взаимодействия – отличительные черты воспитавшейся здесь актерской группы: Н.Акимова, Н.Лавров, Т.Шестакова, С.Бехтерев, И.Иванов, В.Осипчук, П.Семак, И.Скляр, С.Курышев и др.
Читать далее
комментарии: 1
понравилось!
вверх^
к полной версии
[240x379]ДОДИН Лев Абрамович родился 14 мая 1944 в Новокузнецке в семье геолога.
Начал заниматься театром еще в школьные годы в Ленинграде в театральном кружке под руководством М.Дубровина. В 1966 окончил Ленинградский государственный институт театра, музыки и кинематографии (ЛГИТМиК, курс под руководством Б.Зона). Профессиональную деятельность начал в Ленинградском театре юного зрителя спектаклем После казни прошу... (совместно с З.Корогодским). После постановки комедии Островского Свои люди – сочтемся! осложнились его отношения с руководителем театра З.Корогодским, и Додин вынужден был уйти из ТЮЗа. В 1975–1977 Додин – режиссер Театра драмы и комедии на Литейном (Роза Берндт Г.Гауптмана и др.). С 1975 – в Малом драматическом театре.
В 1981 поставил Кроткую по Достоевскому в Большом драматическом театре (вторая редакция – во МХАТ, 1985). Исследование пограничных состояний человеческого сознания надолго станет одной из ведущих тем додинского творчества. В 1984 Додин ставит Господа Головлевы по Салтыкову-Щедрину во МХАТе.
После ухода из ТЮЗа известный театральный педагог А.Кацман пригласил Додина к совместной работе на актерском курсе ЛГИТМиКа. В 1979 со студентами был поставлен спектакль Братья и сестры по роману Федора Абрамова.
Со следующим курсом была осуществлена инсценировка Живи и помни Распутина (история скрывающегося близ родного села дезертира Великой Отечественной войны). В совместной работе были сформулированы идеи и принципы, сформирован основной состав труппы Малого драматического театра, который Додин возглавил в 1983. Додин построил свою модель театра-дома, наследуя основателям Художественного театра. Единство творческого метода и острота сценического взаимодействия – отличительные черты воспитавшейся здесь актерской группы: Н.Акимова, Н.Лавров, Т.Шестакова, С.Бехтерев, И.Иванов, В.Осипчук, П.Семак, И.Скляр, С.Курышев и др.
Читать далее
Ирина Фещенко-Скворцова - Актриса (1996)
Tredicina
07-06-2008 18:47
И всё-таки, я – актриса.
Без зрителей не могу.
Родится для них реприза
В моём искушённом мозгу.
И всё-таки, я тщеславна.
А это – такая грязь,
Когда поступаюсь главным,
Эффектом внешним прельстясь.
А всё началось невинно:
Наложен был первый грим,
Чтоб стало другим не видно,
Что стыдно открыть другим.
Застенчивость и стесненье,
Ранимость, и страх, и боль…
И прятала я сомненья,
Усердно играя роль.
Иду, не нуждаясь в ласке,
Не плача и не скорбя.
Какая же я без маски?
Я выдумала себя.
Как ночью в лесу блуждая,
Теряюсь в своей судьбе.
И, может быть, никогда я
Себя не найду в себе…
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
И всё-таки, я – актриса.
Без зрителей не могу.
Родится для них реприза
В моём искушённом мозгу.
И всё-таки, я тщеславна.
А это – такая грязь,
Когда поступаюсь главным,
Эффектом внешним прельстясь.
А всё началось невинно:
Наложен был первый грим,
Чтоб стало другим не видно,
Что стыдно открыть другим.
Застенчивость и стесненье,
Ранимость, и страх, и боль…
И прятала я сомненья,
Усердно играя роль.
Иду, не нуждаясь в ласке,
Не плача и не скорбя.
Какая же я без маски?
Я выдумала себя.
Как ночью в лесу блуждая,
Теряюсь в своей судьбе.
И, может быть, никогда я
Себя не найду в себе…
Актеры - новая серия фотографий в фотоальбоме
Tredicina
07-06-2008 15:25
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Театр "Современник"
Tredicina
04-06-2008 19:33
[400x300]
Московский театр "Современник" основан группой молодых актеров в 1956 году. В послевоенной истории страны, в годы разоблачения культа личности он стал первым театром, рожденным свободным творческим объединением группы единомышленников и сумевшим отстоять себя как целостный художественный коллектив.
Основатели театра — Олег Ефремов, Галина Волчек, Игорь Кваша, Лилия Толмачева, Евгений Евстигнеев, Олег Табаков и другие, присоединившиеся к ним, были недавними выпускниками Школы-студии Московского Художественного театра. "Современник" родился в годы, когда театр отделяла от жизни невидимая, но глухая стена, в годы, косность театральной системы практически мумифицировала наследие основателей МХАТ. Именно в протесте против этой "мертвечины", для того, чтобы в новых условиях осваивая и развивая метод К.С. Станиславского, доказать жизнеспособность психологического театра, молодые актеры создали свой театр.
Во главу своих художественных устремлений создатели "Современника" ставили актерский ансамбль, подлинное проникновение во внутренний мир героев, в психологию человека, они стремились вернуть на сцену живого человека. В их героях зрители узнавали в этих героях самих себя. Впервые за долгие годы на сцену пришли подлинные люди со своими ежедневными проблемами, горестями и надеждами. Программное устремление молодого театра — говорить с современниками языком современности — было понято и поддержано публикой. Очень скоро "Современник" стал любимым театром молодежи и интеллигенции.
Основой репертуара "Современника" всегда были произведения, созданные современными авторами. Но не все пьесы, написанные специально для театра, смогли появиться на его сцене, но в первые десять лет жизни "Современник" старался быть театром, который говорит со своим зрителем с помощью пьес драматургов, отражающих в своем творчестве реалии и проблемы современного мира. Театр хотел выговориться в отпущенное ему время, как бы предчувствуя, что это время может пройти.
Кризис наступил в 1970-ом. Уже с конца шестидесятых годов "оттепель" стала сменяться холодным дыханием нового времени.
Работать театру стало трудно. Впрочем, ему и раньше не было легко, не все замыслы были осуществлены и в годы "оттепели", но тогда коллектив был един, и это помогало держать круговую оборону против произвола цензуры. В семидесятом же произошел раскол. Приняв приглашение возглавить МХАТ, ушел из театра его основатель и руководитель Олег Ефремов. За ним труппу покинула значительная часть ведущих актеров. Театр оказался обескровлен, лишен репертуара, к тому же перед ним стояла проблема смены поколений.
Уход Ефремова многие восприняли как конец "Современника". Особенно мысль о конце пришлась по душе прессе, которая, под аккомпанемент рассуждений об исторической исчерпанности миссии "Современника", многое сделала, чтобы внушить эту мысль зрителю.
Таким, в самых общих чертах было положение театра, когда в 1972 году труппа проголосовала за то, чтобы художественное руководство театров приняла на себя Галина Волчек.
Вопреки прогнозом театр не умер. Но восстановить разрушенное было нелегко.
В труппу пришли новые актеры и среди них Марина Неёлова, Валентин Гафт, Лия Ахеджакова, Авангард Леонтьев.
Как и любой театр, "Современник" знал взлеты и падения, пережил полосу кризиса и мгновения триумфа. Но в какой бы трудной ситуации ни оказывался театр, он всегда чувствовал поддержку своего зрителя, его заинтересованное, дружеское внимание. Пожалуй, именно эта поддержка, эта вера зрителей в свой театр и помогла "Современнику" выстоять!
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
[400x300]Московский театр "Современник" основан группой молодых актеров в 1956 году. В послевоенной истории страны, в годы разоблачения культа личности он стал первым театром, рожденным свободным творческим объединением группы единомышленников и сумевшим отстоять себя как целостный художественный коллектив.
Основатели театра — Олег Ефремов, Галина Волчек, Игорь Кваша, Лилия Толмачева, Евгений Евстигнеев, Олег Табаков и другие, присоединившиеся к ним, были недавними выпускниками Школы-студии Московского Художественного театра. "Современник" родился в годы, когда театр отделяла от жизни невидимая, но глухая стена, в годы, косность театральной системы практически мумифицировала наследие основателей МХАТ. Именно в протесте против этой "мертвечины", для того, чтобы в новых условиях осваивая и развивая метод К.С. Станиславского, доказать жизнеспособность психологического театра, молодые актеры создали свой театр.
Во главу своих художественных устремлений создатели "Современника" ставили актерский ансамбль, подлинное проникновение во внутренний мир героев, в психологию человека, они стремились вернуть на сцену живого человека. В их героях зрители узнавали в этих героях самих себя. Впервые за долгие годы на сцену пришли подлинные люди со своими ежедневными проблемами, горестями и надеждами. Программное устремление молодого театра — говорить с современниками языком современности — было понято и поддержано публикой. Очень скоро "Современник" стал любимым театром молодежи и интеллигенции.
Основой репертуара "Современника" всегда были произведения, созданные современными авторами. Но не все пьесы, написанные специально для театра, смогли появиться на его сцене, но в первые десять лет жизни "Современник" старался быть театром, который говорит со своим зрителем с помощью пьес драматургов, отражающих в своем творчестве реалии и проблемы современного мира. Театр хотел выговориться в отпущенное ему время, как бы предчувствуя, что это время может пройти.
Кризис наступил в 1970-ом. Уже с конца шестидесятых годов "оттепель" стала сменяться холодным дыханием нового времени.
Работать театру стало трудно. Впрочем, ему и раньше не было легко, не все замыслы были осуществлены и в годы "оттепели", но тогда коллектив был един, и это помогало держать круговую оборону против произвола цензуры. В семидесятом же произошел раскол. Приняв приглашение возглавить МХАТ, ушел из театра его основатель и руководитель Олег Ефремов. За ним труппу покинула значительная часть ведущих актеров. Театр оказался обескровлен, лишен репертуара, к тому же перед ним стояла проблема смены поколений.
Уход Ефремова многие восприняли как конец "Современника". Особенно мысль о конце пришлась по душе прессе, которая, под аккомпанемент рассуждений об исторической исчерпанности миссии "Современника", многое сделала, чтобы внушить эту мысль зрителю.
Таким, в самых общих чертах было положение театра, когда в 1972 году труппа проголосовала за то, чтобы художественное руководство театров приняла на себя Галина Волчек.
Вопреки прогнозом театр не умер. Но восстановить разрушенное было нелегко.
В труппу пришли новые актеры и среди них Марина Неёлова, Валентин Гафт, Лия Ахеджакова, Авангард Леонтьев.
Как и любой театр, "Современник" знал взлеты и падения, пережил полосу кризиса и мгновения триумфа. Но в какой бы трудной ситуации ни оказывался театр, он всегда чувствовал поддержку своего зрителя, его заинтересованное, дружеское внимание. Пожалуй, именно эта поддержка, эта вера зрителей в свой театр и помогла "Современнику" выстоять!
Сайты театральной критики
Tredicina
04-06-2008 18:58
"Театральное дело Григория Заславского"
"Театральный смотритель"
"Отсебятина" - сайт молодых театральных критиков
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
"Театральное дело Григория Заславского"
"Театральный смотритель"
"Отсебятина" - сайт молодых театральных критиков
Большой Драматический Театр им. Г.А. Товстоногова (БДТ)
Tredicina
04-06-2008 12:51
[485x364]
Адрес: наб. реки Фонтанки , 65
Телефон: (812) 310-9242
Станция метро: Садовая, Сенная площадь, Гостиный двор
Величественное здание на набережной реки Фонтанки, в котором размещается Большой Драматический Театр, стало неотъемлемой частью архитектурного облика Петербурга, наравне с Медным Всадником, Адмиралтейством, Эрмитажем и другими всемирно известными достопримечательностями. Большой Драматический Театр, или, сокращенно, БДТ, является центром культурной жизни Северной столицы и по праву считается одним из лучших театров Санкт-Петербурга.
БДТ занимает здание, построенное по проекту архитектора Фонтана в 1876-1878 годах, и считается одним из самых красивых театров не только в Петербурге, но и во всем мире. Его интерьеры до сих пор восхищают посетителей богатством и изяществом отделки: потолки украшены живописными плафонами, элементы декора сияют позолотой, ажурная мраморная лестница освещается старинными фонарями. Раньше в этом величественном здании на набережной реки Фонтанки размещался Малый Императорский театр.
В 1918 году в Петрограде был подписан указ о создании Большого Драматического театра, который поначалу назывался Особой драматической труппой. В его основу легли два театральных коллектива: организованный в 1918 году Театр Трагедии под руководством Ю. Юрьева и Театр Художественной Драмы, возглавляемый А. Лаврентьевым. В 1919 году здание на набережной Фонтанки было передано БДТ, и уже 15 февраля 1919 года в новом театре начались сезоны. Первым спектаклем, который был поставлен на сцене БДТ, стала трагедия Шиллера "Дон Карлос".
Активное участие в жизни театра принимали Александр Блок и Максим Горький. БДТ задумывался основателями как театр "классической трагедии, романтической драмы и высокой комедии", а Максим Горький, чьим именем театр был назван 1932 году, провозгласил лозунг БДТ: "Героическому народу - героический театр!" В первые сезоны основу репертуара составляли пьесы классиков Шиллера, Шекспира, Мольера, Гольдони, чуть позднее, к середине 20-х годов, их сменили произведения современных драматургов - Горького, Погодина, Файко, Олеши, Лавренева. С БДТ связаны работы таких известных художников, как Кустодиев, Бенуа, Петров-Водкин и других: их творчество широко представлено в музее театра, состоящем из двух экспозиционных залов. В этом музее также выставлены фотографии, афиши, эскизы к спектаклям прошлых лет и автографы выдающихся деятелей российской культуры.
В годы войны театр был эвакуирован, но после прорыва блокады с первым же поездом вернулся в Ленинград. Первое послевоенное десятилетие стало самым трудным периодом в жизни театра из-за частой смены главных режиссеров.
Новая эпоха в истории БДТ началась в 1956 году, когда его возглавил Георгий Александрович Товстоногов. За 33 года, в течение которых великий режиссер руководил театром, он создал великолепную труппу актеров, поставил 176 спектаклей и стал первым советским режиссером, который получил право выезжать заграницу и гастролировать со своими постановками. При Товстоногове на сцену БДТ выходили такие блистательные актеры, как И. Смоктуновский, Е. Лебедев, Т. Доронина, С. Юрский и многие другие. Благодаря выдающемуся режиссерскому таланту Товстоногова, БДТ получил международное признание. Его спектакли "Идиот" Ф. Достоевского, "Варвары" М. Горького, "Пять вечеров" А. Володина, "Три сестры" А. Чехова и многие другие обеспечили БДТ особое положение: его лидерство не подвергалось сомнению, и ни один петербургский театр не пытался его оспорить. В 1964 году театру было присвоено звание академического.
Сегодня БДТ - один из лучших драматических театров России, в репертуаре которого представлены произведения русской и мировой классики, а также работы современных драматургов. Среди спектаклей, идущих на сцене театра, - "Федра" Расина, "Двенадцатая ночь" Шекспира, "Пиквикский клуб" Диккенса, "Art" Реза, "Калифорнийская сюита" Саймона, "Борис Годунов" Пушкина, "Коварство и любовь" Шиллера. На сцену БДТ выходят многие замечательные актеры, среди которых Алиса Фрейндлих, Олег Басилашвили, Елена Попова, Геннадий Богачев, Андрей Толубеев. Разнообразие репертуара, блестящая игра актеров, режиссерские находки и особая атмосфера привлекают в театр многочисленных поклонников самых разных возрастов, как петербуржцев, так и гостей города.
Историческая справка:
1876-1878 гг. - по проекту Л. Фонтана на набережной Фонтанки построено здание театра.
1918 г. - в Петрограде был подписан указ о создании Большого Драматического театра.
15 февраля 1919 г. - на сцене БДТ прошел первый спектакль ("Дон Карлос" Шиллера).
1932 г. - театр был назван в честь М. Горького.
1956 г. - театр возглавил Г. А. Товстоногов.
1964 г. - БДТ присвоено звание академического.
1970 г. - в театре открыта малая сцена.
1992 г. - театру присвоено имя Г. А. Товстоногова.
Легенда:Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
[485x364]Адрес: наб. реки Фонтанки , 65
Телефон: (812) 310-9242
Станция метро: Садовая, Сенная площадь, Гостиный двор
Величественное здание на набережной реки Фонтанки, в котором размещается Большой Драматический Театр, стало неотъемлемой частью архитектурного облика Петербурга, наравне с Медным Всадником, Адмиралтейством, Эрмитажем и другими всемирно известными достопримечательностями. Большой Драматический Театр, или, сокращенно, БДТ, является центром культурной жизни Северной столицы и по праву считается одним из лучших театров Санкт-Петербурга.
БДТ занимает здание, построенное по проекту архитектора Фонтана в 1876-1878 годах, и считается одним из самых красивых театров не только в Петербурге, но и во всем мире. Его интерьеры до сих пор восхищают посетителей богатством и изяществом отделки: потолки украшены живописными плафонами, элементы декора сияют позолотой, ажурная мраморная лестница освещается старинными фонарями. Раньше в этом величественном здании на набережной реки Фонтанки размещался Малый Императорский театр.
В 1918 году в Петрограде был подписан указ о создании Большого Драматического театра, который поначалу назывался Особой драматической труппой. В его основу легли два театральных коллектива: организованный в 1918 году Театр Трагедии под руководством Ю. Юрьева и Театр Художественной Драмы, возглавляемый А. Лаврентьевым. В 1919 году здание на набережной Фонтанки было передано БДТ, и уже 15 февраля 1919 года в новом театре начались сезоны. Первым спектаклем, который был поставлен на сцене БДТ, стала трагедия Шиллера "Дон Карлос".
Активное участие в жизни театра принимали Александр Блок и Максим Горький. БДТ задумывался основателями как театр "классической трагедии, романтической драмы и высокой комедии", а Максим Горький, чьим именем театр был назван 1932 году, провозгласил лозунг БДТ: "Героическому народу - героический театр!" В первые сезоны основу репертуара составляли пьесы классиков Шиллера, Шекспира, Мольера, Гольдони, чуть позднее, к середине 20-х годов, их сменили произведения современных драматургов - Горького, Погодина, Файко, Олеши, Лавренева. С БДТ связаны работы таких известных художников, как Кустодиев, Бенуа, Петров-Водкин и других: их творчество широко представлено в музее театра, состоящем из двух экспозиционных залов. В этом музее также выставлены фотографии, афиши, эскизы к спектаклям прошлых лет и автографы выдающихся деятелей российской культуры.
В годы войны театр был эвакуирован, но после прорыва блокады с первым же поездом вернулся в Ленинград. Первое послевоенное десятилетие стало самым трудным периодом в жизни театра из-за частой смены главных режиссеров.
Новая эпоха в истории БДТ началась в 1956 году, когда его возглавил Георгий Александрович Товстоногов. За 33 года, в течение которых великий режиссер руководил театром, он создал великолепную труппу актеров, поставил 176 спектаклей и стал первым советским режиссером, который получил право выезжать заграницу и гастролировать со своими постановками. При Товстоногове на сцену БДТ выходили такие блистательные актеры, как И. Смоктуновский, Е. Лебедев, Т. Доронина, С. Юрский и многие другие. Благодаря выдающемуся режиссерскому таланту Товстоногова, БДТ получил международное признание. Его спектакли "Идиот" Ф. Достоевского, "Варвары" М. Горького, "Пять вечеров" А. Володина, "Три сестры" А. Чехова и многие другие обеспечили БДТ особое положение: его лидерство не подвергалось сомнению, и ни один петербургский театр не пытался его оспорить. В 1964 году театру было присвоено звание академического.
Сегодня БДТ - один из лучших драматических театров России, в репертуаре которого представлены произведения русской и мировой классики, а также работы современных драматургов. Среди спектаклей, идущих на сцене театра, - "Федра" Расина, "Двенадцатая ночь" Шекспира, "Пиквикский клуб" Диккенса, "Art" Реза, "Калифорнийская сюита" Саймона, "Борис Годунов" Пушкина, "Коварство и любовь" Шиллера. На сцену БДТ выходят многие замечательные актеры, среди которых Алиса Фрейндлих, Олег Басилашвили, Елена Попова, Геннадий Богачев, Андрей Толубеев. Разнообразие репертуара, блестящая игра актеров, режиссерские находки и особая атмосфера привлекают в театр многочисленных поклонников самых разных возрастов, как петербуржцев, так и гостей города.
Историческая справка:
1876-1878 гг. - по проекту Л. Фонтана на набережной Фонтанки построено здание театра.
1918 г. - в Петрограде был подписан указ о создании Большого Драматического театра.
15 февраля 1919 г. - на сцене БДТ прошел первый спектакль ("Дон Карлос" Шиллера).
1932 г. - театр был назван в честь М. Горького.
1956 г. - театр возглавил Г. А. Товстоногов.
1964 г. - БДТ присвоено звание академического.
1970 г. - в театре открыта малая сцена.
1992 г. - театру присвоено имя Г. А. Товстоногова.
Легенда:
Композиционное построение действия во времени и пространстве
Режиссёрская_комната
03-06-2008 22:29
По другим мастерам, таким, как режиссер кино Александр Митта.
Развитие действия в драматургии очень важно. Развитие сюжета в сценарии невозможно без разработки конфликта, то есть основного для развития событий столкновения интересов, взглядов, стремлений.
Важно помнить, что идея сценария утверждается на сцене в борьбе главного, «сквозного» действия с контрдействием. Без борьбы нет драматического конфликта, действие которого развивается неотрывно от среды, в которой возникает сюжет, а всё это, в свою очередь, выражено в сценарии массового празднества или театрализованного зрелища.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
По другим мастерам, таким, как режиссер кино Александр Митта.
Развитие действия в драматургии очень важно. Развитие сюжета в сценарии невозможно без разработки конфликта, то есть основного для развития событий столкновения интересов, взглядов, стремлений.
Важно помнить, что идея сценария утверждается на сцене в борьбе главного, «сквозного» действия с контрдействием. Без борьбы нет драматического конфликта, действие которого развивается неотрывно от среды, в которой возникает сюжет, а всё это, в свою очередь, выражено в сценарии массового празднества или театрализованного зрелища.
Домашний кукольный театр
Appassionata
03-06-2008 22:28
комментарии: 1
понравилось!
вверх^
к полной версии
В Музее Театра им. Сергея Образцова, в прошлом году, обнаружен домашний кукольный театр, принадлежавший детям императора Николая II, с куклами, сделанными по заказу в Париже.
Музейщики не сомневаются в подлинности находки - театр «Гиньоле» действительно стоял в игровой комнате цесаревича Алексея - об этом свидетельствует надпись на ширме. К тому же, внутри некоторых персонажей нашли схемы царского лазарета, бумагу, очевидно, использовали тогда, чтобы закрепить кукол на руке.
Реставратор Театра имени Образцова Александр Лигусов был первым, кто сделал открытие, изучив записи на деревянной раме. И тут же стал перечитывать дневники членов царской семьи и искать фотографии.
Театр был сделан в Париже, действующие лица - Капрал, Невеста, Полишинель - герои классического французского уличного театра. Музейщики уверяют, что дети императора разыгрывали с куклами сценки из жизни семьи. Но обязательно - по всем законам французского кукольного искусства.
Дату, когда точно был сделан театр, историки пока не знают. Возможно, деревянную сцену и кукол заказали для дочерей Николая Второго, а потом, как это принято во многих семьях, игрушка перешла самому младшему цесаревичу Алексею.
Больше шестидесяти лет ширма вместе с куклами стояла в музее рядом с другими сказочными персонажами Англии и Италии. Теперь - после сенсационного открытия - для императорского кукольного театра выделят новое место, и, возможно, придумают специальную экскурсию.
(С)
Художественный образ сценического произведения
Режиссёрская_комната
03-06-2008 22:25
В основном по Немировичу-Данченко.
Кратко:
Образ
Музыка в театре
Сценическая атмосфера
Свет на сцене
Костюм
Внутренняя техника актера
Внешняя техника актера
Речь актера
Тело актера
Голос Актера
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В основном по Немировичу-Данченко.
Кратко:
Образ
Музыка в театре
Сценическая атмосфера
Свет на сцене
Костюм
Внутренняя техника актера
Внешняя техника актера
Речь актера
Тело актера
Голос Актера
О пяти великих режиссерах
Режиссёрская_комната
03-06-2008 22:17
Материал выписан из трехчасового выступления Михаила Чехова.
Частично выписки из книги Мейерхольда.
Станиславский был, конечно, очень сложный человек, и у него было много интересных свойств, но вот одно, пожалуй, самое главное: он был буквально одержим чувством правды.
Он мог принять многое, даже противоречившее его принципам, лишь бы это было правдой – важнейшим неизменным предметом его исканий. Неправды он не мог принять. Но это чувство правды было совсем особенным. По существу имело как бы две ипостаси. Первая – то, что мы называем теперь правдой жизни: всё должно быть так, как в жизни; вторая – внутренняя жизнь персонажа: от актера требовалась абсолютная психологическая достоверность.
Итак, чувство правды было ведущим принципом, даже не принципом, а частью его творческой природы.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Материал выписан из трехчасового выступления Михаила Чехова.
Частично выписки из книги Мейерхольда.
Станиславский был, конечно, очень сложный человек, и у него было много интересных свойств, но вот одно, пожалуй, самое главное: он был буквально одержим чувством правды.
Он мог принять многое, даже противоречившее его принципам, лишь бы это было правдой – важнейшим неизменным предметом его исканий. Неправды он не мог принять. Но это чувство правды было совсем особенным. По существу имело как бы две ипостаси. Первая – то, что мы называем теперь правдой жизни: всё должно быть так, как в жизни; вторая – внутренняя жизнь персонажа: от актера требовалась абсолютная психологическая достоверность.
Итак, чувство правды было ведущим принципом, даже не принципом, а частью его творческой природы.
КОМПОЗИЦИОННОЕ ПОСТРОЕНИЕ ПЬЕСЫ И СПЕКТАКЛЯ.
Режиссёрская_комната
03-06-2008 22:07
По Михаилу Чехову. В кратце о том, о чем будет говориться:
ТЕМА
КУЛЬМИНАЦИЯ
АКЦЕНТЫ
РЕТМИЧЕСКИЙ ПОВТОР
РИТМИЧЕСКИЕ ВОЛНЫ
ОЩУЩЕНИЕ ЦЕЛОГО ИЛИ ЧУВСТВО ЦЕЛОГО
Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
По Михаилу Чехову. В кратце о том, о чем будет говориться:
ТЕМА
КУЛЬМИНАЦИЯ
АКЦЕНТЫ
РЕТМИЧЕСКИЙ ПОВТОР
РИТМИЧЕСКИЕ ВОЛНЫ
ОЩУЩЕНИЕ ЦЕЛОГО ИЛИ ЧУВСТВО ЦЕЛОГО
Режиссерский замысел
Режиссёрская_комната
03-06-2008 21:56
В частности материал полезен для тех, кто собирается поставить спектакль. С чего начинать и как? Это очень важно. В основе лежит материал моего любимого режиссера тех лет В.И. Немировича-Данченко.
Режиссёрское видение, анализ
Первая беседа с актёрами часто определяет направление дальнейшей работы. Её цель – вооружить их общей идеей, распахать почву и посеять первые зёрна будущего спектакля в актёрских умах и душах. «зерно», применительно к искусству театра – слово, введённое в обиход Немировичем-Данченко один из немногих устойчивых терминов его режиссуры.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В частности материал полезен для тех, кто собирается поставить спектакль. С чего начинать и как? Это очень важно. В основе лежит материал моего любимого режиссера тех лет В.И. Немировича-Данченко.
Режиссёрское видение, анализ
Первая беседа с актёрами часто определяет направление дальнейшей работы. Её цель – вооружить их общей идеей, распахать почву и посеять первые зёрна будущего спектакля в актёрских умах и душах. «зерно», применительно к искусству театра – слово, введённое в обиход Немировичем-Данченко один из немногих устойчивых терминов его режиссуры.
Метод действенного анализа пьесы и роли
Режиссёрская_комната
03-06-2008 21:48
В данном сообществе уже есть книга, посвященная этой теме. Здесь же материал других источников и С ДРУГОЙ ТОЧКИ ЗРЕНИЯ. Это интересно.... ;)
Анализ – познавание, но на нашем языке, познать, означает почувствовать. Артистический анализ, прежде всего анализ чувства, производимый самим чувством. Наше творчество и большая часть познавательного анализа интуитивны. Свежие впечатления после первого чтения более других непосредственны, интуитивны. Само собой, что ими следует воспользоваться в первую очередь для целей анализа.Читать далее...
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
В данном сообществе уже есть книга, посвященная этой теме. Здесь же материал других источников и С ДРУГОЙ ТОЧКИ ЗРЕНИЯ. Это интересно.... ;)
Анализ – познавание, но на нашем языке, познать, означает почувствовать. Артистический анализ, прежде всего анализ чувства, производимый самим чувством. Наше творчество и большая часть познавательного анализа интуитивны. Свежие впечатления после первого чтения более других непосредственны, интуитивны. Само собой, что ими следует воспользоваться в первую очередь для целей анализа.
КОНФЛИКТ! КОНФЛИКТ! КОНФЛИКТ!
Режиссёрская_комната
03-06-2008 21:36
Материал взятый из абсолютно разных источников и проработанный.
Конфликт – это ключевое слово драмы. Драма занимается только действиями людей по отношению друг к другу, по этому конфликт всегда оказывается в центре нашего внимания. Любую эмоциональную или интеллектуальную ценность в драме мы получаем через конфликт героев. Поступки людей в драме обычно по своей сути конфликтны. А если окажется, что конфликт скрыт или слаб – нужно его найти и развить.
Для того, чтобы представление было увлекательно, в структуре драмы каркасы конфликтов выстраиваются вопреки обывательской логике обыденной жизни. В обыденной жизни вы почти никогда не догадаетесь о намерениях человека по его лицу и внешнему виду. И в реальной жизни нет никакой гениальной проницательности, которая могла бы проникнуть в мозг убийцы и определить, что в этот миг он в своём воображении режет ваше горло. А в драме – можем. В драме мы балансируем между явным и загадочным, обыденным и спектакулярным. Мы хотим раскрыть тайны людей, но так, чтобы это происходило естественно, как будто само собой.Читать далее...
комментарии: 2
понравилось!
вверх^
к полной версии
Материал взятый из абсолютно разных источников и проработанный.
Конфликт – это ключевое слово драмы. Драма занимается только действиями людей по отношению друг к другу, по этому конфликт всегда оказывается в центре нашего внимания. Любую эмоциональную или интеллектуальную ценность в драме мы получаем через конфликт героев. Поступки людей в драме обычно по своей сути конфликтны. А если окажется, что конфликт скрыт или слаб – нужно его найти и развить.
Для того, чтобы представление было увлекательно, в структуре драмы каркасы конфликтов выстраиваются вопреки обывательской логике обыденной жизни. В обыденной жизни вы почти никогда не догадаетесь о намерениях человека по его лицу и внешнему виду. И в реальной жизни нет никакой гениальной проницательности, которая могла бы проникнуть в мозг убийцы и определить, что в этот миг он в своём воображении режет ваше горло. А в драме – можем. В драме мы балансируем между явным и загадочным, обыденным и спектакулярным. Мы хотим раскрыть тайны людей, но так, чтобы это происходило естественно, как будто само собой.
Мат в театре
Tredicina
03-06-2008 19:09
У меня просто наболело, я решила поднять здесь эту тему. До кучи мне сегодня попался в Интернете "Евгений Онегин" с Театра на Таганке, прочитав одни только рецензии на который, меня чуть не стошнило. Может у меня немного устаревшие понятия, но как можно со сцены нести такое? Людям! Если мне не изменяет память, то вроде бы Гоголь говорил, что Театр - это такая кафедра, с которой можно много сказать миру добра. Глубоко его назначение: целой толпе раз за разом читать живой и полезный урок.
В подростковом (!) спектакле мат на мате! Правду жизни они показывают...у меня сразу перед глазами возник сидящий в зале Станиславский, который вместо "Не верю!" кричит "Да что за х**ня?!".
Мат в театре. "Нельзя плевать на алтарь и тут же молиться" К.С. Станиславский.
комментарии: 14
понравилось!
вверх^
к полной версии
У меня просто наболело, я решила поднять здесь эту тему. До кучи мне сегодня попался в Интернете "Евгений Онегин" с Театра на Таганке, прочитав одни только рецензии на который, меня чуть не стошнило. Может у меня немного устаревшие понятия, но как можно со сцены нести такое? Людям! Если мне не изменяет память, то вроде бы Гоголь говорил, что Театр - это такая кафедра, с которой можно много сказать миру добра. Глубоко его назначение: целой толпе раз за разом читать живой и полезный урок.
В подростковом (!) спектакле мат на мате! Правду жизни они показывают...у меня сразу перед глазами возник сидящий в зале Станиславский, который вместо "Не верю!" кричит "Да что за х**ня?!".
Мат в театре. "Нельзя плевать на алтарь и тут же молиться" К.С. Станиславский.
Андрей Житинкин, режиссер, руководитель "Авторского театра Андрея Житинкина"
Tredicina
03-06-2008 18:44
[263x421]
ЖИТИНКИН Андрей Альбертович родился во Владимире 18 ноября 1960. В выборе профессии главную роль сыграло творчество А.Тарковского и С.Параджанова. Окончил актерский и режиссерский факультет (руководитель курса – Е.Симонов) Театрального училища имени Б.В.Щукина. На дипломной практике работал в Театре на Малой Бронной. Дипломным спектаклем Житинкина был спектакль Цена А.Миллера. После окончания училища работал в московском театре «Современник». У Г.Волчек Житинкин научился понятию режиссерской воли – умению подчинять себе всех, от актеров до работников постановочных цехов. В 1988–1990 работал в Театре имени М.Ермоловой. Спектакль Игра в жмурики М.Волохова (1993) – один из самых скандальных спектаклей режиссера, так как играется с использованием ненормативной лексики. С 1992 Житинкин работает в Театре имени Моссовета.
Режиссерская манера Житинкина основана на мощном, волевом втягивании зрителя в сценический процесс. Для такой процедуры нужны особые пьесы, драматизм которых был бы обращен к области сознания. За рамки действия выносится все, что не является главным для режиссера, – динамика сюжета, интрига, событийные перемены (Партитура для деревянного инструмента С.Гроховяка). Житинкин избегает помпезности в своем творчестве, поэтому использует минимум постановочных средств, но всегда обосновывает этот ход драматургическим материалом. Долгое время сотрудничает с художником А.Шаровым. Ставит спектакли в театре «Табакерка»: Псих А.Минчина (1996), Признание авантюриста Феликса Круля Т.Манна (1998) и др.
Спектакли: "Портрет Дориана Грея", "Анна Каренина", "Апостол Павел", "Ванна из лепестков роз", "Дама и её мужчины", "Свободная любовь", "Признания авантюриста Феликса Круля", "Роковые яйца", "Калигула", "Игра в жмурики", "Собачий вальс", "Внезапно прошлым летом", "Он пришёл", "Милый друг", "Мой бедный Марат", "Венецианский купец" и т.д.
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
[263x421]ЖИТИНКИН Андрей Альбертович родился во Владимире 18 ноября 1960. В выборе профессии главную роль сыграло творчество А.Тарковского и С.Параджанова. Окончил актерский и режиссерский факультет (руководитель курса – Е.Симонов) Театрального училища имени Б.В.Щукина. На дипломной практике работал в Театре на Малой Бронной. Дипломным спектаклем Житинкина был спектакль Цена А.Миллера. После окончания училища работал в московском театре «Современник». У Г.Волчек Житинкин научился понятию режиссерской воли – умению подчинять себе всех, от актеров до работников постановочных цехов. В 1988–1990 работал в Театре имени М.Ермоловой. Спектакль Игра в жмурики М.Волохова (1993) – один из самых скандальных спектаклей режиссера, так как играется с использованием ненормативной лексики. С 1992 Житинкин работает в Театре имени Моссовета.
Режиссерская манера Житинкина основана на мощном, волевом втягивании зрителя в сценический процесс. Для такой процедуры нужны особые пьесы, драматизм которых был бы обращен к области сознания. За рамки действия выносится все, что не является главным для режиссера, – динамика сюжета, интрига, событийные перемены (Партитура для деревянного инструмента С.Гроховяка). Житинкин избегает помпезности в своем творчестве, поэтому использует минимум постановочных средств, но всегда обосновывает этот ход драматургическим материалом. Долгое время сотрудничает с художником А.Шаровым. Ставит спектакли в театре «Табакерка»: Псих А.Минчина (1996), Признание авантюриста Феликса Круля Т.Манна (1998) и др.
Спектакли: "Портрет Дориана Грея", "Анна Каренина", "Апостол Павел", "Ванна из лепестков роз", "Дама и её мужчины", "Свободная любовь", "Признания авантюриста Феликса Круля", "Роковые яйца", "Калигула", "Игра в жмурики", "Собачий вальс", "Внезапно прошлым летом", "Он пришёл", "Милый друг", "Мой бедный Марат", "Венецианский купец" и т.д.
Нина Чусова, театральный режиссер
Tredicina
03-06-2008 17:10
[256x366]
ЧУСОВА Нина Владимировна родилась 18 апреля 1972 года в Воронеже.
В 1993 году окончила воронежскую академию искусств (курс Владимира Бугрова). После института Чусова уехала работать в Самарский драматический театр, играла там и Нину Заречную в чеховской «Чайке», и Настену в спектакле «Живи и помни» Распутина. В 2002 году с красным дипломом закончила Российскую академию театрального искусства (курс Л. Хейфеца). Спектакли Нины Чусовой участвовали в Международных фестивалях в Мюнхене, в Афинах, в Международном шекспировском фестивале в Крайове (Румыния), в фестивале «Русские сезоны» в Японии.
Спектакли: «Затоваренная бочкотара», «Гедда Габлер»; «Шинель», «Герой»; «Имаго»; «Двенадцатая ночь», «Медведь»; «Мамапапасынсобака», «Гроза»; «Вий», «Энни», "Тартюф", "Женитьба", "Переполох в Голубятне" и т.д.
Награды и звания:
Премия «Московские дебюты» (2001)
Премия «Чайка»
Премия «Гвоздь сезона»
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
[256x366]ЧУСОВА Нина Владимировна родилась 18 апреля 1972 года в Воронеже.
В 1993 году окончила воронежскую академию искусств (курс Владимира Бугрова). После института Чусова уехала работать в Самарский драматический театр, играла там и Нину Заречную в чеховской «Чайке», и Настену в спектакле «Живи и помни» Распутина. В 2002 году с красным дипломом закончила Российскую академию театрального искусства (курс Л. Хейфеца). Спектакли Нины Чусовой участвовали в Международных фестивалях в Мюнхене, в Афинах, в Международном шекспировском фестивале в Крайове (Румыния), в фестивале «Русские сезоны» в Японии.
Спектакли: «Затоваренная бочкотара», «Гедда Габлер»; «Шинель», «Герой»; «Имаго»; «Двенадцатая ночь», «Медведь»; «Мамапапасынсобака», «Гроза»; «Вий», «Энни», "Тартюф", "Женитьба", "Переполох в Голубятне" и т.д.
Награды и звания:
Премия «Московские дебюты» (2001)
Премия «Чайка»
Премия «Гвоздь сезона»