Французский аукционный дом Tajan объявил в понедельник, что набросок из коллекции врача-пенсионера сделан рукой Леонардо да Винчи. Это подтверждено куратором из Метрополитен-музея в Нью-Йорке, так что набросок размером 19×13 см — самая крупная находка такого рода за последние 15 лет. Его стоимость взлетела до 16 млн долларов.

[700x540]

Набросок тушью фигуры святого Себастьяна, привязанного к дереву, был подписан Michelange (Микеланджело)

[466x700]

Рисунок с изображением мук святого Себастьяна, приписанный Леонардо да Винчи и оценённый примерно в 16 млн долларов. Фото: Tajan
Читать далее...

Французский аукционный дом Tajan объявил в понедельник, что набросок из коллекции врача-пенсионера сделан рукой Леонардо да Винчи. Это подтверждено куратором из Метрополитен-музея в Нью-Йорке, так что набросок размером 19×13 см — самая крупная находка такого рода за последние 15 лет. Его стоимость взлетела до 16 млн долларов.

[700x540]

Набросок тушью фигуры святого Себастьяна, привязанного к дереву, был подписан Michelange (Микеланджело)

[466x700]

Рисунок с изображением мук святого Себастьяна, приписанный Леонардо да Винчи и оценённый примерно в 16 млн долларов. Фото: Tajan
Читать далее...

С 11 ноября 2016 года по 11 марта 2017 в Главном штабе (4 этаж) представлена выставка
«Джованни Больдини. Художник Belle Èpoque»,
организованная Государственным Эрмитажем совместно с Министерством культурного наследия и туризма Италии.

[536x700]

"Автопортрет" 1892 Галереи Уффици, Флоренция


Это первый большой показ в России работ прославленного итальянского портретиста Джованни Больдини (1842–1931),
создавшего галерею блестящих образов звезд парижской светской и интеллектуальной жизни Прекрасной эпохи.

После смерти в 1931 году Дж. Больдини оказался почти забыт, как и многие персонажи его блистательного, но сделавшегося к тому времени уже легендарным, времени. В новом столетии вновь возник интерес к искусству художников конца XIX – начала XX века, которые стояли в стороне от радикальных поисков авангардистов. Выставка произведений Джованни Больдини и его круга в Эрмитаже знаменует один из этапов «возвращения» к зрителю творчества мастера, которое обретает ценность как уникальное художественное свидетельство Belle Èpoque, им воспетой.

Экспозиция объединила произведения из семи музеев Италии, включая флорентийские Галереи Уффици, Галерею современного искусства Рима, музеи Пармы, Барлетты, Павии и Тревизо. В основу ретроспективы легла коллекция Музея Джованни Больдини в Ферраре, крупнейшего публичного собрания живописца, уникального по составу: прежде всего, это произведения из мастерской художника, которые он не предполагал предъявлять публике, своего рода «тайная лаборатория», где он свободно экспериментировал в разных жанрах и техниках. Включение в состав выставки ранних работ, а также показ знаменитых, виртуозно исполненных, светских портретов, позволило раскрыть Больдини как тонкого живописца, восприимчивого к искусству старых и новых мастеров, не останавливавшегося в своих поисках даже в преклонном возрасте.

Прижизненная слава художника была столь велика, что в 1892 году, по просьбе директора Галереи Уффици, он написал свой портрет для знаменитого Коридора Вазари, где помещены автопортреты известных живописцев начиная с эпохи Возрождения. Эта работа, а также бронзовый портрет художника исполненный Винченцо Джемито открывают выставку.
Читать далее...

Фотограф Kevin McNeal, Вашингтон округ Колумбия. Кевин фотографирует красочные пейзажи, поражающие своей насыщенностью цвета и колорита в самых наиболее уникальных местах на земле. Его пейзажи завораживают своей цветопередачей на снимке: моменты заката, рассвета, волшебного солнечного света, удивительного параде цветочного великолепия на фоне безбрежных равнин или гор.
Не один раз Kevin McNeal был отмечен многими фото критиками, как лучший фотограф в своем амплуа, на его счету множество наград. Его работы можно встретить как в галереях, так и в музеях США.


[показать]
Glory Of Light - Portland Head Lighthouse, Maine

далее...

Читать далее...

Посмотрел вчера в Эрмитаже "гостя" из музея Штедель, Франкфурт-на-Майне - "Географа" (1669) Йоханнеса Вермеера (1632–1675).
Но кроме Вермеера навестил и любимые произведения Мурильо, Ван Дейка, Рубенса, Да Винчи, Кановы и Бартолини.
Не сразу решил брать фотоаппарат (снимать в музее всегда сложно), вечером в залах уже темно и фотографировать без штатива трудно, но, кажется, получилось.
Спешу поделится красотой - живопись, скульптуры, музыка Сати.

В Эрмитаже восстановлены висячие сады...

[700x525]





Lucas Debargue plays Satie - Gnossienne No.1 посвящен Алексис Роланд-Мануэль ( 1890 )

[700x525]
Читать далее...

[700x700]

– Вы знаете, что «Сентиментальный вальс» Чайковского, которым вы нас поразили и растрогали, у нас давно не играют, потому что полвека назад он был скомпрометирован в гениальной комедии «Добро пожаловать, или Посторонним вход воспрещен»? Там его очень смешно пиликают пионеры на скрипках.

– Да, один друг сказал мне об этом, но было уже поздно. К тому же я не слышу ничего, кроме музыки как таковой. В этой трогательной миниатюре много полутонов, фраз, которые должны звучать безукоризненно связно. Но это даже теоретически нелегко на фортепиано, не обладающем возможностями, скажем, виолончели.

А блефовать в таком сочинении нельзя. Вот я и стараюсь ухватить самую суть: застенчивую, завуалированную мольбу на фоне легкого вальса, которому не суждено развернуться в обычный общий танец. В этой пьесе, как всегда у Чайковского, ты в какой-то миг ощущаешь пронзительное одиночество.

– Как вы впервые услышали Метнера?

– Это был Первый концерт в исполнении Николая Демиденко. Однако еще до того я откопал Сонату Метнера в парижском нотном магазине и услышал ее внутренним слухом. Метнер – один из тех, кто меня сейчас больше всего волнует.

– А откуда в вашем репертуаре Рославец? Его в России знают еще меньше!

– Я открыл его для себя, изучая все сонаты для виолончели, прежде чем написать свою. По-моему, это гений. Например, у него есть потрясающее Второе трио: он начинает его с простой маленькой загадочной фразы, нагнетает невероятное напряжение и подводит к самому захватывающему из всех мне известных эмоциональных состояний.

– Вы только что играли на концерте Четвертую сонату Скрябина. В мире его музыка звучит до обидного мало. Что может быть близко в ней французу?

– Скрябин – творец, увлекающий тебя с головой. Это открытая книга. Для музыканта огромное счастье следить по его сочинениям, от первого до последнего, как одно за другим рождались открытия. Можно часами говорить о тайне его музыки. О том, сколько всего она побуждает извлечь из рояля, инструмента тяжелого и неблагодарного.
Читать далее...

[458x600]
Юбилей удивительного и непостижимого Михаила Врубеля — 160 лет со дня рождения, отмечали 17 марта 2016 года.

Какие крылья унесли его дух 14 апреля 1910-го? Белые или черные? Сказочно-мистический мир Врубеля, его чувственная эстетика завораживали, притягивали и… отталкивали современников. Его творчество, его дух остаются загадкой — болезненное или гениальное сознание вело этого художника?

Даже когда он обращался к темам русского эпоса или библейским образам, даже в пейзажах и натюрмортах сквозила излишня страстность, буйность — вольность, опровергающая устоявшиеся каноны. Что уж говорить о демонах и духах!


В душе этого невысокого человека с внешностью венецианца «с картины Тинторетто или Тициана» жила постоянная неутоленность миром здешним и тоска по миру иному. Вот, наверное, почему тема Демона стала главной в его творчестве, даже тогда, когда он этого еще не осознавал.













Демон первый. «Оттуда не возвращаются»

Может ли ребенок, потерявший мать, встретиться с ней? Да, Сереже Каренину повезло: однажды, когда он спал, мать прорвалась в детскую и подхватила сына на руки, впиваясь в него взглядом — прощаясь навсегда.
Часто ли представлял себе встречу с матерью Миша Врубель? Мать умерла, когда ему было три года, а через несколько лет покинули этот мир сестра и брат. Осталась только Анна — старшая сестра, самый близкий человек на всю жизнь.


[526x700]

Анна Каренина — первая демоническая женщина в творчестве Врубеля. Брошенные в порыве зонтик и перчатки. Страстность и трагичность.
Читать далее...

Давно слушаю записи Шио (Shio Okui) и слежу за её выступлениями на конкурсах пианистов - вот её новые выступления в Москве:

I тур

Л. Бетховен. Десять вариаций для фортепиано на тему «La stessa, la stessissima» из оперы А. Сальери «Фальстаф», WoO 73





Ф. Шопен - Скерцо № 1 си минор, соч. 20




Читать далее...

Скульптор Мария Ухитилова (Мари Ючитилова) 17. 1. 1924 – 16. 11. 1989


"Я возвращаю от имени мира 82 ребенка
Нации на их родную землю
Как поучительный символ миллионов убитых детей
В бессмысленных войнах человечества.
Кроме статуй отправляю сообщение нациям:
Над братской могилой детей
Примиряется с домом дом..."

[700x298]



2 июля 1942 года, большинство детей посёлка Лидице, Чехословакия, а точнее 82 ребенка, были переданы в гестапо при городе Лодзи. Позже их перевезли в лагерь смерти в Хелмно. Там они были отравлены газом.

Эта скульптура Мари Ухитиловой создана в знак памяти о них.
Но что они (и их семьи) сделали?

События, которые привели к казни детей, были стремительны и поворотным моментом стало убийство исполняющего обязанности нацистского рейхспротектора Богемии и Моравии Райнхарда Гейдриха.
Чехословакия была оккупирована нацистской Германией в 1939-ом году, и Райнхард был поставлен нацистами "смотрителем".
2 июня 1942 года он был атакован командой чешских и словацких солдат-партизан. Через 2 дня он умер от сепсиса полученного при нападении. Все догадывались, что в ответ будут репрессии...
Сразу же после нападения было введено чрезвычайное положение на территории всей Чехословакии.
Поиск преступников был безрезультатным. Убийцы исчезли.
Однако, к моменту смерти Гейдриха, уже было убито 157 невинных людей, которые хоть как-то, по мнению нацистов, могли быть замешаны в убийстве.
После похорон Гейдриха в Берлине, никто иной, как сам фюрер Адольф Гитлер скомандовал, что ответ должен быть не менее жесткий.
Деревни заподозренные в помощи партизанам требовалось разделить.
1. Все взрослые мужчины должны были быть казнены на месте.
2. Женщины доставлены в концлагерь.
3. Дети должны были быть отсортированы.
Те, кто подходит для германизацию (в которых можно было найти черты арийской нации) должны были быть размещены в семьях СС и воспитаны как истинные нацисты.
Остальные должны были воспитаны "другими способами".
4. Сами деревни должны быть сравнены с землей.
Его приказ был выполнен немедленно. Деревня Лидице была окружена, несмотря на отсутствие каких-либо доказательств того, что они приютили солдатов ответственных за убийство. Утром мужчин деревни доставили в ферме на окраине села и расстреляли. 173 тела осталось лежать около фермы.
203 женщины и 105 детей были доставлены в сельскую школу. Позже они были перевезены в другую школу в соседнем городе Кладно. Четыре женщины были беременны. Они были доставлены в ту же больницу, где умер Гейдрих, и их беременность была насильственно прервана. Большинство женщин было доставлено в лагерь Равенсбрюк, где часть из них погибла от болезней и голода.
23 ребенка прошли сортировку. В конце июня, Адольф Эйхман, известный нам по массовой депортаций евреев в гетто и лагерям смерти в оккупированной немцами Восточной Европе, распорядился оставшихся 82-ух отправить в лагерь смерти.
2 июля 82 ребенка было переданы гестапо. Оттуда они были доставлены в лагеря смерти Хелмно, где они были отравлены газом. Из 105 детей Лидице, только 17 детей выжило, но больше никогда не вернулись на родину. 153 женщины вернулись, но стали вдовами и больше никогда не видели своих детей.


Преступление, содеянное против детей Лидице, глубоко потрясло скульптора профессора Марию Ухитилову. В 1969 году она решила создать бронзовую скульптуру лидицких детей, которую также следует рассматривать как памятник детям-жертвам войны.
Читать далее...

[342x480]
Giuseppe Cavasanti 1895-1980 Джузеппе Кавасанти итальянский художник ...

Valmadonna (AL) 1895 - Laigueglia (SV) 1980

Джузеппе Кавасанти принадлежал к семье благородного происхождения, проходил обучение в Академии Альбертина в Турине, класс художников под руководством Джакомо Гроссо.
В первые десятилетия ХХ века он отправляется с семьей на отдых в Алассио и Легурию, где в 1926 году он знакомится со своей будущей женой.
С 1927 путешествовал и поочерёдно проживал в Генуе, Aлбеньи и Алассио. Художник работал над картинами различной тематики: пейзажи, морские пейзажи, натюрморты и портреты женщин, которые выполнял с одинаковым мастерством. Особенно последняя тема картин представляет художника в полном объеме, где он, вспоминая уроки Джакомо Гроссо, достигает наибольшей глубины своего творчества (особенно женское ню).
Полюбив произведения и испытав влияние флорентийского живописца Spadini, Джузеппе с успехом посвятил себя также фрескам, в которые включил эпизоды об основании города Алассио, написанные для замка Celesia Vegliasco.
В 1961 году он принял участие в выставке изобразительного искусства в Палаццо Chiablese, Турин, Италия в рамках празднования di Italia '61.
Участвовал в многочисленных выставках в Италии и за рубежом. Его работы были представленны на многочисленных персональных выставках в галереях Генуи, в Милане, в галерее Мартина в Турине, в галерее Вителли.
Его работы выставлены в галерее современного искусства в Милане, Мантуе Дворец Moschini и во многих государственных и частных коллекциях в Италии, Швейцарии, Германии.
Джузеппе Кавасанти накопил и передал нам значительный опыт в создании монотипии, различной техники масляной живописи, выполненные на кристаллической пластине, которые в последствии переносятся на подготовленный лист бумаги. И наконец, изображение печатается на глянцевой бумаге, яркостью напоминающее акварель или гуашь.
Кроме того, в технике предложенной Cavasanti, многие современники достигли отличных результатов, представленные в выставочном зале ди Пьяцца Кастелло в Турине (около сорока работ).
Стиль написания картин Кавасанти ценили такие искусствоведы, как Джакомо Мигоне, Дино Бонарди, Джованни Рива, Марчиано Бернарди.

Appartenente ad una famiglia di nobili origini, frequenta con profitto l’Accademia Albertina di Torino, classe pittori sotto la guida di Giacomo Grosso. Nei primi decenni del Novecento si reca con la famiglia in villeggiatura a Alassio e Laigueglia dove, nel 1926, incontra la futuramoglie.A partire dal 1927 soggiorna alternativamente tra Genova, Albenga e Laigueglia. Pittore dalla varia soggettistica ha eseguito, con eguale maestria, paesaggi, marine, nature morte e ritratti femminili. Specie questi ultimi rappresentano l’artista nel modo più completo; memore della lezione di Giacomo Grosso vi esprime la sua massima creatività (specie nel nudo femminile). Riconoscibile anche una certa vicinanza al pittore fiorentino Spadini.Il nostro è un pittore completo, dedicandosi anche, con successo alla pittura murale; ricordiamo a tal proposito gli episodi sulla fondazione di Alassio, dipinti per il Castello Celesia di Vegliasco.Nel 1961 prende parte alla mostra di Arti Figurative presso Palazzo Chiablese, Torino, nell’ambito delle celebrazioni di Italia ’61.
Partecipa a numerose mostre sia in Italia che all’estero. Ricordiamo quelle allestite dal gruppo artisti Ca’ d’Oro Sant’Andrea, dal 1955 in poi.Numerose mostre personali presso la Galleria Rotta di Genova,
la Galleria Ranzini di Milano,la Galleria Martina di Torino,la Galleria Vitelli,la Galleria l’Incontro, la Galleria De Ferrari, a Genova.
Sue opere presso la Galleria d’Arte Moderna di Milano, il Palazzo Moschini di Mantova e in numerose raccolte pubbliche e private in Italia, Svizzera, Germania.
Giuseppe Cavasanti svilupp; una notevole esperienza, anche nella realizzazione di Monotipi, tecnica di pittura ad olio, eseguita su una lastra di cristallo, sulla quale si applica un foglio di carta appositamente preparato. Allafine l’immagine risulta riportata sulla carta con esito di notevole brillantezza affine all’acquarello o alla tempera.
Anche in questa tecnica Cavasanti raggiunse risultati di eccellenza, esponendo anche a Torino nella sala d’arte di Piazza Castello (circa quaranta opere).
Di lui hanno scritto importanti critici d’arte: Giacomo Migone, Dino Bonardi, Giovanni Riva, Marziano Bernardi.



John McLaughlin - Guardian Angel

Читать далее...

Полхов-Майданская роспись
Производство знаменитых игрушек-тарарушек яркой затейливой росписью берет свое начало в селе Полховский Майдан Вознесенского района. В конце XVIII века многие крестьяне переняли токарный промысел от монахов Саровского монастыря, производивших в собственных мастерских деревянную посуду
[700x696]
В начале ХХ века в Полховском Майдане начинают применять «выжигание» токарных изделий. Впервые в село привез выжигательный аппарат крестьянин-кустарь Павел Никитич Полин
>>>>>>>

[296x309]

Глава из воспоминаний Надежды Яковлевны Мандельштам - "Вторая книга"

Ольга Глебова-Судейкина

В первой квартире Ахматовой, где я была, стояло множество фарфоровых статуэток. Моя фаянсовая душа их не выносит. Они кажутся мне принадлежностью педерастивного уюта. По-том фигурок не стало - Ольга Глебова-Судейкина распродала их, чтобы раздобыть деньги на отъезд. У Ахматовой осталось лишь несколько увечных фаянсовых штук, и они прожили с ней всю жизнь в застекленной горке. На Неве вся стена была увешана иконами из собрания Судейкина. Они потом лежали в сундучке, и ими завладела Ира Пунина.

В первый раз мы шли к Ахматовой пешком. Мандельштам топорщился. Как я лелею обиду за путаницу с "первым посвящением", так он продолжал злиться на Ахматову за старое предло-жение пореже бывать у нее: "ахматовские штучки". Игра в уклончивость и с женщинами, и особенно с мужчинами, будто все потенциальные влюбленные, которых надо держать на расстоянии, действительно была нелепой и внезапно сменяла приветливость и прелестную дружбу, в которой Ахматова была непревзойденным мастером. Вторая причина, почему Мандельштам побаивался встречи, - два выступления в печати ("Русское искусство"), где мельком говори-лось об Ахматовой. Слова о столпничестве на паркетине - просто грубый выпад, в котором Мандельштам потом очень раскаивался. Третья причина тревоги - он боялся, как встретит меня Ахматова. Незадолго до этого он водил меня к Цветаевой и обиделся на то, что она огрела меня, как могла: "С этими дикими женщинами никогда не знаешь, чего ждать..."

Опасения оказались напрасными - Ахматова выбежала в переднюю, искренно обрадованная гостям. Я запомнила слова: "Покажите мне свою Надю. Я давно про нее слышала..." Мы пили чай, и Мандельштам окончательно оттаял. Они говорили о Гумилеве, и она рассказывала, будто нашли место, где его похоронили (вернее бы сказать - закопали). И еще про Оцупа, Горького и записку Гумилева, полученную женой. Оба называли Гумилева Колей и говорили про его гибель как об общем личном несчастье. По имени они называли друг друга только за глаза. Встретились они очень молодыми, но величали друг друга по отчеству. Еще в моем поколении люди рано обретали отчество, и это хорошо звучало. Сейчас отчество как будто отсыхает. Потом Ахматова спросила Мандельштама про стихи и сказала: "Читайте вы первый - я люблю ваши стихи больше, чем вы мои". Вот они - "ахматовские уколы": чуть-чуть кольнуть, чтобы все стало на место. Это был единственный намек на статьи Мандельштама. Он долго читал стихи, и я почувствовала ее отношение к ним. Одним я могу похвастаться - я всегда умела спокойно молчать и не самоутверждаться, как многие жены, непрерывно влезая в разговор. Честно говоря, я считаю это большим достоинством. Почему мне не дали за это премии?

Во второй раз, на Неве, Мандельштам опять читал стихи, "отчитывался за истекший период", как они говорили. Тогда он прочел "1 января" и рассказал про "низко кланяюсь"... Это задело его больше, чем он показал Шилейке. "За истекший период" больше ничего не было, потому что "современника" он вытащил из небытия гораздо позже. Дважды они друг другу стихов не читали, так как запоминали их с первого чтения.
Читать далее...

«Моя жена купила фотоаппарат, когда изучала архитектуру в Париже. Я до этого никогда не фотографировал, но, взяв камеру в руки и посмотрев в видоискатель, получил огромное удовольствие». Именно так написал о рождении известного бразильского фотографа Себастио Сальгадо (Sebastiao Salgado) … он сам. Да-да… Ведь, как говорил известный фотограф из Венгрии Брассай, практически у каждого творческого человека два дня рождения, две даты. Первая – когда он младенцем появился на свет, и вторая – когда к человеку приходит понимание того, в чем заключается его истинное призвание. Примерно так же говорил о себе и Роберт Капа, тоже прославленный фотограф.

[700x525]

Второе, главное рождение Себастио Сальгадо как фотографа произошло намного позже рождения упомянутых мастеров фотоискусства, в конце шестидесятых - начале семидесятых прошлого века, вскоре после того как Себастио с женой переехали в Париж из Бразилии. Он тогда был занят подготовкой к защите докторской диссертации и планировал стать серьезным экономистом. В первой половине семидесятых семейство Сальгадо совершило несколько замечательных путешествий по Африке. Предприняли они это в рамках экономических программ Международного Банка. Устав пользоваться фотоаппаратом жены, Себастио обзаводится собственным. Покупает «Лейку» и не расстается с ней во время всех своих путешествий. Со временем фотография затягивает его всё сильнее и сильнее. И однажды, вернувшись из поездки, Себастио Сальгадо решает начать новую жизнь – жизнь фотографа. Удовольствие, получаемое им от занятий фотографией, было, как он сам потом говорил, просто огромным. И вообще слово «огромное» («enormous») он очень любил и часто его употреблял в сочетании со словом «фотография».


[700x510]

Хоть и жила семья Сальгадо в Париже, но дома Себастио было практически не застать. Он всегда был в центре важнейших мировых событий того времени. Снимал покушение на президента США Рональда Рейгана, делал репортажи с войн в Западной Сахаре и Анголе, освещал как фотокорреспондент известную «операцию Энтеббе» - освобождение израильских заложников, и множество других громких мировых конфликтов и происшествий. Снимки Сальгадо стали появляться в прессе. Вскоре они принесли ему мировую известность. И уже в 1979 году (До первой книги Себастио было еще далеко!) фотограф был приглашен на работу в «Magnum Photos», самое известное в мире на то время фотоагенство, знаменитое объединение фотографов-документалистов.
Читать далее...

[192x700]
[192x700]Кристина Савулеску румынский модельер - самоучка.
С раннего возраста, она очень любила рисовать, и, учась рисовать человеческую фигуру, она выработала глубокое понимание структуры и пропорции женского тела.
Кристина запустила свой бренд в марте 2013 года, в возрасте 23-х лет. Женщины мгновенно влюбились в ее философию моды и она начала разрабатывать одежду для самых известных людей в Румынии. Очень скоро ее платья были представлены в ведущих журналах мод.
В 2015 году Кристина Савулеску была названа "Elle Magazine" лучшим молодым дизайнером. В том же году она начала свою международную экспансию; ее платья теперь присутствуют в бутиках и концептуальных магазинов в США, на Ближнем Востоке и в Европе.

Новая коллекция вечерних и коктейльных платьев "REGILLIA" на осенне-зимний сезон 2015-2016 от Cristina Savulescu. Снова в лукбуке представлены экстравагантные и соблазнительные образы, которые придутся по душе очень самоуверенным и раскованным женщинам. Изумительные фасоны, искусительные декольте и акценты на вырезы, а также самая сексуальная цветовая палитра из оттенков ярко-красного, классического черного и белого. Женщина, жаждущая внимания, раскроет все тайные грани своей красоты.

"Кристина создала коллекцию "REGILLIA" для "Dolce & Gabbana" под большим впечатлением от лета в Сицилии и Средиземноморье.
Она придумала дизайн красивых платьев в широком диапазоне идей, используя впечатления южного лета. Платья коллекции экстравагантны, женственны и сексуальны. Цветовая палитра черного, белого и красного цвета, и большое количество кружевных платьев. Я не смогла выбрать одно, я их всех люблю.

Ей нравится играть с прозрачной пленки на женском теле, снесенных корсеты и бюстье, кусочки белья, используемых в качестве вдохновения. Кроме того, как перекрестном шнуровкой и шнуровке конструкций создают мерцающий эффект.
В коллекции кринолины, корсеты и пояса - всё ручной работы. Чтобы обеспечить свободу движений в сложную конструкцию наряда включены резиновые детали, которые позволяют отлично двигаться в шелковом или в кружевном платье.

Бренд использует тончайшие кружева с уникальной прозрачностью, как кружева Шантийи, украшенного шнурка, "dantelle - де - Кале", шелками как крепдешина, шелк органза, шелк шифон, страусовых перьев или других инновационных тканей".

[466x700]




Cat Power - "My love, My pain"
Читать далее...

Ботаническому саду, который основан ещё Петром I в 1713 году, исполнилось 303 года.
Вчера гулял в Ботаническом саду, благо живу рядом.
Новые фотографии. Надеюсь Вам понравятся !!


[700x629]




Cesaria Evora - "Luiza"

[700x525]


Читать далее...

[225x204]
Уэмура Сёэн родилась в Киото 23 апреля 1875 года (умерла Сёэн 27 августа 1949 года).
Ее настоящее имя было Цунэ Уэмура.
Уэмура Сёэн являлась крупным представителем художественной жизни Японии периодов Мэйдзи, Тайсё и ранней эпохи Сёва. Работы художницы выдержаны в манере бидзинга, изображавшей японский тип прекрасной женщины согласно канонам направления укиё-э стиля нихонга, возрождавшего в конце XIX — начале ХХ веков традиционную японскую живопись и отвергавшего воздействие европейского искусства. В основном Сёэн работала над историческими сюжетами, образами известных личностей японской истории, а также пейзажами, театральными сценками.

[700x561]

"Красавица, читающая книгу" 1941





Тору Такемицу / Тогu Takemitsu - "Блики солнца на воде" арфа





Уэмура Сёэн была второй, младшей дочерью торговца чаем, умершего за 2 месяца до рождения Сёэн. Под руководством матери Сёэн досконально изучила японскую традиционную чайную церемонию, впитала любовь к прекрасному. Рисовать Сёэн начала ещё в детстве, восхищалась работами в стиле укиё-э художника Кацусики Хокусая. Изучала живопись в школе искусств префектуры Киото под руководством пейзажиста направления гохуа Судзуки Сёнэна. Изучала живопись школ Кано и Сэссю.
Читать далее...

Томас Дональдсон (Thomas Donaldson) - британский художник, который последние несколько лет живет и работает в Азии. Его интуитивные работы используют человеческую фигуру в качестве посредника для выражения своих абстрактных представлений. Эффект "рельефной размытости" достигается за счет применения густой, пастообразной краски, "размазываемой" по поверхности холста, плюс нечаянные вмешательства в виде "счастливого случая".

Все эти элементы вносят вклад в процесс создания или построения картины. Абстрактные качества работ Дональдсона усиливаются за счет намеренного обрезания предметов. Полотна Томаса также признают справедливость некоторых предположений о том, что невозможно полностью знать или испытать реальность другого человека, и что эта особенность лежит в основе нашего ежедневного сознания, отсюда и кадрирование предметов и фрагментированная поверхность.


[494x700]





Nelly & Fergie - "Party people"
Читать далее...

[700x684]

"Четыре евангелиста"
ок.1625, Музей Ринглинга Сарасота

[539x700]

"Святой Фома"




BACH - Прелюдия и фуга No.8 ми-бемоль минор, BWV 853 исполняет Андре Волконский

По преданию, родом Фома был из галилейского города Пансады и занимался рыбной ловлей, пока не услышал однажды проповедь Иисуса, которая побудила его бросить дом и устремиться вслед за Христом. Вскоре Фома был избран Христом одним из двенадцати апостолов. Его называли Дидим, что означает «близнец», так как по преданию он был внешне похож на Иисуса.
Читать далее...

[345x518]
Рольф Армстронг родился в Bay-City, штат Мичиган , 21 апреля 1889 года у Ричарда и Харриет Армстронг.
Его отец владел "Boy-Line Fire Boat Company", которая включала линию пассажирских судов. Некоторые из них были использованы в Чикаго на Всемирной ярмарке в 1893. Бизнес семьи отца разрушился, и семья потеряла усадьбу. В 1899 году семья переехала в Детройт, штат Мичиган.
Отец Рольфа Ричард Армстронг умер в 1903 году, а год спустя Рольф и его мать переехала в Сиэтле, штат Вашингтон, следуя по стопам своего старшего брата Уильяма, который переехал туда годом ранее. К этому времени художественные интересы Рольфа занимали всё время, свободное от работы.
Он переехал в Чикаго в 1908 году, где он впоследствии учился в художественном институте.
Затем он отправился в Нью - Йорк , где он учился с Робертом Генри.
После поездки в Париж в 1919 году , где Рольф учился в Академии Жюльена , он вернулся в Нью - Йорк и основал студию.
В 1921 году он отправился в Миннеаполис , чтобы изучить основу производства на "Brown & Bigelow".
В 1920-е и 1930-е годы, его работы появилась на многих партитурах, а также на обложках многих журналов, наиболее известные из них киножурналы , такие как "Photoplay" и "Screenland".
Его плакаты и портреты изображают в основном женщин: Мэри Пикфорд , Bebe Daniels и Грету Гарбо - это лишь некоторые из звёзд кино, которых он написал.
Благодаря работе Армстронга в "Фотохронике" журнал достиг тиража более двух миллионов экземпляров к 1926 году.
Год спустя, он был самым продаваемым художником "Brown & Bigelow".
В 1920-х-1930-х годах работы в стиле pin-up Армстронга становятся популярными.
Рольф Армстронг ценил все, что его окружает: красоту людей, автомобилей, мебели и тканей и, конечно, искусство. Он коллекционировал мечи и старинные копья. Ему принадлежала одна из самых больших в Америке частная коллекция древнего оружия.
В 1930 году RCA нанял его , чтобы нарисовать пин-ап, рекламирующий продукцию, а в 1933 году Календарь компании Томас Д. Мерфи пригласил его , чтобы Армстронг создал серию картин для своей линии.
Рольф Армстронг умер в 1960 году на острове Оаху , Гавайи.

Рольф Армстронг был одним из лучших "пин-ап" художников первой половины ХХ века.


[482x700]

"Вызывающая восхищение" ок. 1926




Astor Piazzolla - "Chau Paris"
Читать далее...