ШАНЕЛЬ, ГАБРИЕЛЬ (Chanel, Gabrielle) (1883-1971), французский дизайнер и предприниматель, одна из законодательниц женской моды 20 в.

Родилась в Сомюре (западная Франция) 19 августа 1883. При помощи богатых поклонников «Коко» (как ее прозвали) в 1910 купила шляпную мастерскую в Париже, превратив ее в модный салон. В 1913 открыла ателье в курортном городке Довилль, на севере страны, а чуть позже — на юго-западе, в Биаррице. После этого ее деятельности сопутствовал шумный успех.

В 1920-х годах она противопоставила вычурной «корсетной» роскоши довоенной «прекрасной эпохи» более практичные, естественные и не стесняющие движений модели одежды, создающие новый образ «девушки из толпы», великолепно сочетающийся с тогдашним «стилем гарсон» (предполагающим короткую женскую стрижку). Она предлагала клиенткам сравнительно простые костюмы и платья (в том числе знаменитое «маленькое черное платье от Шанель»), прямые юбки с карманами или немнущиеся юбки-плиссе, ввела в широкий обиход свитера и пуловеры, а также изделия из джерси. Сперва достаточно скромные декоративные вставки (особо характерные для ее туник «три четверти», расшитых искусственным жемчугом и соломкой) значительно усложнились с 1932, когда «Мадемуазель» (как ее тоже именовали) показала коллекцию драгоценностей по рисункам П.Ириба, а вскоре — платья из ткани ламэ, сверкающие, словно «слитки золота». Отныне она постоянно использовала кружева, ленты, тюль, пышные подолы, не отрицая, но дополняя свой ранний, более деловой — как бы «дневной» — стиль вечерним «карнавалом».

В ее модных шоу усилился тематический элемент, способствовавший превращению подиума в подобие театральных подмостков. Она к тому же все активнее выступала в сфере зрелищных искусств как таковых, создавая костюмы для сцены (Царь Эдип Ж.Кокто, 1937; и др.) и для голлливудских звезд. Попутно разрабатывала и свою линию духов, самым знаменитым из которых стал созданный в 1922 «Шанель № 5».

Вновь заставила о себе говорить в 1954, продемонстрировав скромно-элегантный твидовый костюм с цветной тесьмой, ставший одной из первых базовых моделей высококлассного готового платья.

Умерла Г.Шаньель в Париже 10 января 1971.

[показать]

[210x520]КРИСТИАН ДИОР (1905-1957 гг.) - французский кутюрье, родился в г.Гранвилль в Нормандии. Учился в дипломатической академии в Париже. В 1928 г. открыл художественную галерею. Разорившись, был вынужден зарабатывать на жизнь, рисуя эскизы шляп (с 1935 г.). В 1938 г. устроился на работу в Дом высокой моды "Робер Пиге". в начале Второй мирвой войны служил в армии, затем демобилизовался и поступил закройщиком в Дом Л.Лелонга (1942-1946 гг.). В 1946 г. на средства текстильного магазина М.Буссака открыл Дом высокой моды под собственным именемПервый показ коллекции Диора 12 февраля 1947 г. произвёл сенсацию, положив начало стилю "НЬЮ ЛУК" в послевоенной моде (1947-1958 гг.). Диор создал новый образ, вернув в моду женственность и элегантность. К.Диор стал законодателем моды 1950-х гг., каждый сезон предлогая новый силуэт.Диор создал огромную империю моды, внедрив в 1949 г. систему лицензирования. В 1948 г. был открыт "малый бутик", в 1955 г. - "гранд бутик", в котором помимо парфюмерии, обуви, перчаток, шляп, белья продавались и аксессуары для Дома.После смерти Диора в 1957 г. Дом возглавил его ассистент И.СЕН-ЛОРАН. С 1961 г. арт-директором был М.Боан, в 1989 г. его сменил Дж.Ферре, с 1997 г. женские коллекции создаёт ДЖ.ГОЛЬЯНО. С 1967 г. Дм "Кристиана Диора" выпускает коллекции женской одежды прет-а-порте, с 1970 г. - коллекции мужской одежды, с 1973 г. - коллекции одежды из меха.Первая коллекция "от кутюр" из меха появилась в 1957 г.Хотелось бы заметить интересную особенность творчества Диора. Этот великий кутюрье не знал технологии обработки изделия, но при этом создавал потрясающие коллекции. В основном он работал путём муляжа, наколки, т.е. по эскизу из полотна ткани накалывал изделие на маникен или на модель.... но у него ещё были потрясающие закройщики)К концу жизни Диора Дом моды включал в себя 5 корпусов и более 200 мастерских! [441x699]

Почти никто не любит эмо, кроме их самих! И я в том числе! Более того - я их не понимаю! но каждый живёт со своими тараканами в голове... И всё-таки интересно, что они из себя представляют.В общей массе людей эмо разлечить достаточно легко, но всёё-таки, какие особенности присуще этому стилю и этим людям?СТИЛЬ ЭМОЭмо- эмоциональный.Наш сайт посвящен молодежи, которая предпочетают стиль эмо. Мы предлагаем статьи о музыке, одежде и стиле эмо. Присоединяйся к нам, общайся, знакомься, находи единомышленников в свом городе. Молодежь в стиле эмо предпочитает особый стиль, который выделяет их среди других субкультур. Они носят черный цвет в сочетании с розовым, или другим ярким цветом. Классическая одежда эмо, это одежда в черно-розовой гамме, где узоры так же двухцветные. Различные повязки на руках и запястьях, пояса с железными бляшками, перчатки без пальцев, рюкзак с различными значками Эмо. Среди эмо вы можете увидеть парня в узких джинсах, но так же можете встретить молодежь эмо которые предпочитают носить много железных заклепок на джинсах. Браслеты на руках с черепами, ногти черного или серебристого цвета.Макияж распространен как у девушек так и парней, эмо-макияж это подводка глаз черным карандашом, но не сильно обильно.Прически не делятся на женские и мужские, вы часто можете увидеть одинаковые стильные прически как у парней так и у девушек. Челка прикрывает один глаз, черный или темно-каштановый цвет волос. Укладка или отсутствие её, все это дает свободу в выборе индивидуальности, при этом дает четко понять что вы видите перед собой настоящего Эмо.История развития эмо в конце 1983 года распался Minor Threat и полная жизнь Вашингтонской хардкор-панковской сцены стала терять запал и свежие идеи. Последний диск Minor Threat “Salad Days” вышедший в 1984 году стал завершающим в жизни вашингтонского хардкора. Все группы страны начали искать что то новое в различных направлениях, экспериментировать и пробовать что то новое оригинальное. DRI и Bad Brains начали играть легкий метал, 7Seconds ушли в U2 джангл-альтернатив и т.д. Вашингтонский стиль стал изменяться ближе к мелодичному року с панковской чувствительностью.В 1984 году вышел в свет альбом “Zen Arcade” группы Husker Du из Миннеаполиса, этот альбом продемонстрировал новый сочный звук, который сочетал в себе мягкую, негативную вокальную подачу и средние гитары с замедленными роковыми темпами и мягким хаотичным написанием песен.Весной 1984 года сформировалась новая группа Rites Of Spring из бывших членов группы The Untouchables, Faith и Deadline. Эта новая группа сохранила панковскую скорость исполнения её бешенство и добавило в свое исполнение новую вокальную технику. Певец Guy Picciotto сохранил неистовый панковский стиль, время от времени добавляя личную лирику, эмоции и духовные искания. В кульминационных моментах голос вокалиста становился сиплым, похожим на девичий стон.Первая волна в Эмо Музыке пришлась на 1985 год. Лето 1985 года стал “Революционным летом”. В Вашингтоне появилось много групп с различным роковым звучанием, музыкальность, ориентированную на рок-темп, мелодичный вокал. Группы Gray Matter, Soulside, Ignition, Marginal Man, Fire Party, Rain, Shudder to Think и другие. Некоторые из групп сохранили в своем исполнении хардкоровое звучание с новыми элементами вокала, исключением можно считать Dag Nasty. Вокалист Minor Threat, Айен Маккей (Ian MacKaye), поет для группы Embrace, лирика группы эмоциональна и самоаналитична. В музыкальном плане группа пишет шумную музыку в среднем темпе, с большим числом гитарных поп-приемов. фирменный вокал Маккея отличается произношением с эмоциональной передачей. Но главная заслуга Айен Маккей это то что он стал основателем sXe движения, которое стало очень популярно в рядах эмокорщиков и хардкорщиков. Звучание этих групп стало известно как “классическое вашингтонское звучание”, часть звучания была названа “Эмо” как сокращение от “Эмоциональный”. После этого вашингтонские группы получили ярлык “Эмокор”.В 1986 году некоторые из групп стали акцентироваться на элементе “Эмо”. Первыми после Rites of Spring это сделали The Hated в Аннаполисе, потом появились Moss Icon. Именно они разбивают ЭМо-элементы до самого ядра и добавляют изощренной гитарной мелодии, с акцентом на громких и мягких переходах. Вокал так же всех покоряет, то взлетая до крика на пределе легких в кульминациях песен.В 90-х годах стиль преобретает известность в музыкальной среде и выделился в отдельную субкультуру и начали появляться новые подвиды этого стиля.-”Хардкор Сан-Диего” (появился в Сан-Диего в 1992 году) - смесь классического хардкора и Эмо.- “Скримо” - утяжеленный вариант Эмо, в нем больше криков и жесткости.- “Фрэнч Эмокор”- более мягкий и мелодичный вариант “скримо”Все перечисленные стили за исключением “Хардкора Сан-Диего” активно развиваются и по сей день. Широкому кругу слушателей Эмо Читать далее...

[511x120]...Тонкие линии переплетаются, удивительным образом переходя из одной фигуры в другую. И нет им конца, и нет им начала. Только начинаешь вглядываться в замысловатый узор, как невольно попадаешь в иной мир, где царят совершенно другие законы: фантастические птицы встречаются с драконами, сказочные деревья соседствуют с веселыми дельфинами. И этот иной мир создает тонкое ощущение таинственности, загадки, которую очень хочется разгадать и нести в себе как залог связи между прошлым и настоящим, между реальным и нереальным...Это все — о кельтских орнаментах. В них много поэтического, в них много, на первый взгляд, детского и наивного, но если приглядеться — как все тонко и изящно, рассчитано до мельчайших деталей, как точны образы, и как мудро выстраиваются эти образы в определенную систему.Историки и искусствоведы давно пытаются определить корни кельтского искусства. Существует множество гипотез о происхождении кельтов, но нельзя не заметить очевидную связь кельтских орнаментов с орнаментами восточных стран (Индии, Тибета) и с узорами славянскими. Что это — случайность или закономерность? Следы ли это одного народа, пронесшего свою культуру через огромные расстояния, или простое совпадение? Хочется верить, что не совпадение. Хочется верить, что древние люди, назовем ли мы их ариями или как-то по-другому, в разных формах пытались донести простые, универсальные знания, мудрость, истинную для всех.Древние кельты верили, что человеческий дух является частицей мирового Духа. Что через множество жизней, смертей и возрождений человек проходит путь к божественному совершенству. Каждый путь — особенный, каждый путь — неповторимое переплетение событий, судеб, испытаний и преодолений. Кельтские орнаменты — это символические карты Пути. Законы кельтов строго запрещали совершенствовать или менять ключевые детали орнаментов, считая, что их дали боги. Но, с другой стороны, это не мешало проявлять мастерам врожденный дар творчества.Каждый орнамент составлен из отдельных узлов. Каждый узел создается из отдельной нити — нити жизни. Нить жизни, нить орнамента нигде не прерывается, она переходит из одного элемента в другой, а потом, через множество переплетений, возвращается обратно. Это символ непрерывности и связи всех вещей во вселенной.И не случайно один из самых древних кельтских символов — это ЛАБИРИНТ (Рис.1) , символическое отображение человеческого пути. Кельтские лабиринты ведут к центру — духовному началу, которое присутствует во всем. Много позже английские и ирландские монахи использовали такие орнаменты в ранних христианских рукописях, указывая таким наглядным способом дорогу тем, кто идет по духовному пути.КЕЛЬТСКИЙ КРЕСТ (Рис.2) имеет во многом похожее значение. Крест — это символ универсальный, он встречается во всех культурах. Отличие кельтского креста — окружность вокруг центра. Это возможность создания гармонии, вселенского порядка только там, где есть соединение Земного и Небесного, где есть точка встречи. Это вообще отличительная особенность мировосприятия кельтов. Для них не существовало противоположностей, которые исключают друг друга. Нет только черного или белого, нет только добра или зла, но есть и то и другое одновременно. Человек, в понимании кельтов, живет не только в этом, реальном мире, но и одновременно находится в мире ином, мире нереальном. И символы иного мира могут помочь человеку в его продвижении по пути земному. «Для греков спираль — это спираль, а лицо — это лицо, и всегда ясно, где кончается одно и начинается другое, в то время как кельты „видят“ лицо в спиралях или завитках... Это похоже на сны, когда контуры предметов размываются, и одни вещи плавно перетекают в другие» (из книги М. Диллона и Н. Чедвика «Кельтские королевства»).И еще: круг с точкой в центре — это древний СОЛНЕЧНЫЙ СИМВОЛ (Рис.3). Всякое соединение, всякое пересечение является источником духовной силы, огненным центром, обладающим способностью рождения и возрождения.До сих пор в полях Ирландии, Шотландии или Уэльса (в местах, как считается, лучше всего сохранивших свои кельтские корни) можно встретить одинокие каменные кресты, полностью покрытые замысловатыми кельтскими узорами.Еще один древний символ объединения мы находим в Ирландии в виде знаменитого ирландского ТРИЛИСТНИК (Рис.4). Это тоже символическое изображение креста, только состоящего из трех лучей. Это древний символ троичности, соединения земного, человеческого и небесного. Когда-то давно святой Патрик, прибыв на ирландскую землю, объяснил язычникам с помощью листа клевера великий принцип Троицы.Что удивительно, только в Ирландии христианизация произошла совершенно мирным и тихим путем. То ли все дело было в миролюбивом характере Патрика, то ли в том, что христианские понятия о Троице полностью совпали с пониманием троичности у древних кельтов. Ведь еще задолго до трилистника существовал знаменитый символ, Читать далее...

В китайской летописи Вэйчжи говорится о том, что еще в I в. н.э. (период Яёи) японские племена имели сношения с китайским двором. Кроме выращивания проса, риса и конопли они умели ткать холсты, а также изготавливать шелковые ткани. Их изготовляли с помощью простейшего ткацкого станка. Их употребляли не только для одежды, но и как средство обмена, что стимулировало улучшение их качества и вида.
Мужчины носили одежду в виде широкого, сшитого в нескольких местах полотнища и матерчатую повязку вокруг головы. Они занимались ловлей рыбы и ракушек, татуировали тело с целью отпугивания больших рыб и птиц.
Женская одежда представляла собой покрывало без подкладки, которое надевали через отверстие посередине; волосы завязывали пучком, тело натирали красным порошком, а лица белили.
Верхняя одежда мужчин напоминала длинный запахивающийся справа налево халат «кину» с довольно узкими рукавами и поясом. Штаны, называемые хакама (Рис.3), были длинными и перехватывались шнуром ниже коленей.
Женская одежда в верхней части была похожа на мужскую и тоже называлась кину, юбка—мо имела сбоку разрез. Головные уборы походили на колпаки, кроме них носили платки. Одежда простого народа состояла из рубахи с длинными рукавами, которую подпоясывали веревкой, и штанов. Кроме этого типа одежды существовала, одежда, выполненная из одного полотнища ткани, в середине которого делалось отверстие для головы.
В период Нара в связи с утверждением буддизма наблюдается усиление влияния Китая. Официальная одежда придворных и чиновников стала полностью повторять китайский церемониальный костюм. В 647 г. был составлен табель о рангах, в котором указывалось, какая из тканей ценилась дороже всех. Самой дорогой расцветкой материалов стала красная, потом фиолетовая, зеленая. Желтый цвет стал считаться императорским.
В 701 г. был издан специальный кодекс, зафиксировавший три типа костюма: церемониальное платье, придворное платье и платье для чиновников. Покрой, материал и цвет одежды определялись строго в соответствии с рангом человека. Дорогие шелковые и парчовые ткани употреблялись для парадной одежды, в широком обиходе использовались грубые шёлковые, полушёлковые материалы и пеньковое полотно.
Расширение контактов с Китаем и Кореей способствовало дальнейшему развитию ткачества. Появились узорчатые многоцветные парчовые ткани, шелковый газ, плотные шелковые ткани, разноцветные вышитые, набивные, трафаретные материалы, батик. Наибольшей популярностью в это время пользовались парча, в рисунке которой крупные цветы, венки и розетки переплетались с сюжетными мотивами, а также шелковая ткань с изображениями фамильных гербов. На тканях изображались и пейзажные мотивы. В летописях упоминается об особом способе окраски - юхата, при котором узор получался с помощью стягивания веревками ткани в определенных местах. При погружении в краску в местах сжатия ткани оставались пробелы, что создавало своеобразный эффект.
В период Хейан с жизнь в стране была мирной и безопасной, своего рода золотой век дворянства. Это время было также и золотой эрой в одежде и орнаменте. Возможно, расцвет костюма был обусловлен тем, что китайские черты предыдущих эпох были вытеснены оригинальными и чисто японскими по форме, цвету и покрою вещами.
В VII-VIII вв. сложились основные черты японского кимоно (рис.1,2), которое в это время употреблялось как нижняя одежда. К концу VIII в. кимоно стали использовать в качестве верхней одежды.
До IX в. парадный костюм китайского образца еще сохраняет свой облик, только становятся шире штаны, а куртка свободнее, рукава удлиняются и почти достигают коленей.
В конце IX - начале Х в. в придворной одежде наблюдаются большие изменения. Костюм китайского облика преобразуется в японский национальный костюм.
Парадный дворцовый костюм (мужской - сокутай, женский - дзюни-хитоэ), сложился в период Хэйан и, практически не изменившись, сохранился но наших дней как костюм для торжественных церемоний. Уже в период раннего средневековья стал включать в себя разнообразные одежды, которые последовательно надевались одна на другую. Женский костюм эпохи Хейан по сравнению с Нара стал ослепительной по кра-соте одеждой, которая получила название «дзюни-хитоэ» (платье двенадцати слоёв). Костюм состоял из множества надеваемых друг на друга разных по цвету одежд, зачастую полупрозрачных, что создавало эффект сложного смешения цветов.
В эпоху Хэйан большое внимание обращалось на колористическое решение ансамбля. Ткани в костюме тщательно подбирались по цвету в соответствии с утвержденными рангами и чинами, а также со специально разработанной системой определенных понятий и значений. Сочетания цветов имели специальные названия: белый с фиолетовым - "слива", синий с зеленым - "колокольчик", розовый с зеленым - "персик". Например, костюм под названием "слои сосны", состоявший из пяти верхних одежд, включал в себя два платья темно-красных оттенков, два желтовато-зеленых и нижнее малинового цвета. Большое значение в художественном оформлении костюма Читать далее...

Вначале хотелось бы немного рассказать о самом костюме Византии.Главный принцип организации костюма - многослойность. Эта многослойность организовывалась плотными тяжолыми тканями. В Византии зародилось христианство, а как известно, у христиан главная ценность - это духовное спокойствие, равновесие и красота. Внешние данные человека не о чём не говорили и не ценились. И что бы не отвлекать себя от работы над духовным миром, внешняя красота маскировалась под тяжёлыми платьями и накидкими. Материалы (ткани) использовались шерсть, хлопок, металическая нить. Было распростаннено габиленовое ткачество. Ширина ткани зависила лишь от ширины изделия, задуманного мастерицей. Кроя, как-такогого, тогда не существовало.Материалы для особо торжественных случаев выполнялись с привлечением золотых и серебрянных нитей (как круглых так и плоских). Из круглых нитей, всочетании с шёлком, выробатывали ткань АЛТАБАС (рис.2 и рис.3). А из плоских выробатывали ткань с петельчатым застилом поверхности - АКСАМИТ (рис.1). Аксамит стился наиболее нарядным материалом. [409x500] [396x450] [292x450]

[374x500] Самые первые ножницы появились у человека совсем не потому, что ему надо было как-то обслуживать себя, а потому, что ему надо было как-то стричь: овец. Случилось это три с половиной тысячи лет назад, ножницы тогда представляли собой два лезвия, соединенных наподобие пинцета. Изобретение это, хоть и функционировало, не было особенно удачным (лезвия "овечьих" ножниц, появившихся впервые в Древнем Риме, не поворачивались относительно центра, а просто сжимались рукой, как большая захватка для кусочка торта), и потому наши прадеды пользовались им только перед "утеплительным шерстяным сезоном", а ноготочки на руках, думается, для удобства просто грызли.И так бы это безобразие и продолжалось, если бы в Древних Сиракузах не родился математик и механик Архимед. Великий грек сказал: "Дайте мне точку опоры, и я переверну весь мир!" - и изобрел рычаг.И только после этого, примерно 1000 лет назад, какому-то ремесленнику пришло в голову соединить два ножа с помощью гвоздика, а ручки их загнуть кольцами. Как показало время такие ножницы оказались более удобными. О них нехитрая детская загадка: "Два кольца, два конца, а посередине гвоздик". А далее, как всегда, изобретение начало жить своей собственной жизнью: временами усовершенствоваться (превращаясь в рабочие инструменты парикмахеров и лекарей), а временами становясь предметом роскоши из золота и серебра.Делали ножницы из стали и железа (стальные лезвия наваривали на железную основу), серебра, покрывали позолотой, богато украшали. Фантазия мастеров-изготовителей не имела предела - то выходила диковинная птица, клюв которой резал ткань, то колечки для пальцев обвивали виноградные лозы с кистями винограда, то вдруг получались не ножницы, а сказочный дракон, весь в таких замысловатых украшениях, что они мешали пользоваться этим функциональным устройством.А потом идеальные чопорные англичане изобрели ножницы для идеальных чопорных английских газонов, а потом французы стали разделывать ими тушки гусей (колдуя над своей знаменитой "фруа-гра") и прорезать петельки в "прет-а-порте", а потом немцы придумали гигантские стальные ножницы для помощи при авариях на дорогах (этим приспособлением можно также разбить в машине стекло, открыть заклинившую дверь, обрезать ремни безопасности).А потом человек стал мыслить еще более широко и произвел ножницы из специальной керамики, оказавшиеся в три раза прочнее стальных и более износоустойчивыми, а резавшие гораздо тоньше.А потом придумали ножницы, которые совершенно перестали быть похожи на своего аналога-прародителя и скорее стали напоминать нож от мясорубки (на обыкновенную электродрель насаживается диск с тремя зубьями - можно резать со скоростью 20 метров в минуту резину, толстую кожу, линолеум и пластики).А потом изобретатель прорвался "к звездам" и сконструировал самые современные ножницы, вмонтировав их в электронную машину, воспроизводящую на экране выкройки одежды любого фасона, придуманного модельерами. Скорость раскроя - метр в секунду! Причем при этой операции края ткани обгорают и не распускаются - как бы уже подрублены.Но вернемся к домашнему хозяйству.

40 тысяч лет назад люди придумали иглу. Она до сих пор остается главным инструментом для шитья. Позднее человек научился скручивать волокно, затем делать ткань. Большинство книг, посвященных истории костюма, начинаются с описания одежд Древнего Египта. Уже тогда люди отличали более сильных, храбрых, изготовляя им лучшие одежды. По тканям, их окраске, покрою одежды мы можем угадать черты времени, образ жизни тех кто ее носил. Костюм во все времена остается визитной карточкой человека. Ткани на одежду рабов в рабовладельческих государствах - Древнем Египте, Древней Греции, Древнем Риме шли самые грубые, а Египетские фараоны и их приближенные носили тонкие, прозрачные ткани из хлопка и льна. Цвет - одно из самых выразительных средств в костюме, он сильно влияет на чувства, состояние и настроение людей, несет смысловую нагрузку. На примере представленного визуального ряда костюмов (национальных и современных) можно проследить постепенное развитие костюма, какие технологические открытия он претерпивал (появление иглы, швейной машины или ткацкого станка), как это влияет на эстетику внешнего вида. Знание истории повышает общую культуру, расширяет кругозор. Через прошлое мы можем показать настоящее. Народный костюм разных стран мира является источником творческих идей для модельеров-дизайнеров.

Это сообщество создано для любителе и профессионалов. Людей, которым интересна история создания моды, костюма, стиля.
Буду рада всем!
[показать]