Валентин Серов родился 7 (19) января 1865 г. в Петербурге, в семье композиторoв А. Н. Серова и пианистки Валентины Бергман. Валентина Бергман родилась в 1846 году, в московской еврейской семье ^[1]. Начал своё образование в классической гимназии, но пройдя в ней только три низшие класса, покинул её с намерением посвятить себя всецело искусству. С 1871 года Бергман с сыном живет в Мюнхене, а с 1874 года — в Париже.

С 1878 по 1879 г. в Москве брал уроки рисунка и живописи у И. Е. Репина, в семье которого жил в 1879 г. Серов бывал с Репиным в доме Мамонтовых на Садовой-Спасской улице и в Абрамцеве, участвовал в их домашних спектаклях.

В 1880 г. поступил в Императорскую Академию Художеств. Здесь его главным наставником был П. П. Чистяков. Получив от Академии малую серебряную медаль за этюд с натуры, оставил это заведение в 1884 г. и с того времени начал работать самостоятельно, все более и более совершенствуясь в живописи, преимущественно портретной. В 1884 в Абрамцеве создал одно из первых своих значительных произведений — портрет Л. А. Мамонтовой (Новгородский музей-заповедник). В 1888 г. написал знаменитый портрет В. С. Мамонтовой («Девочка с персиками»; Третьяковская галерея).

С 1894 г. Серов состоял членом Товарищества передвижных художественных выставок. С 1897 г. преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Его учениками были П. В. Кузнецов, Н. Н. Сапунов, М. С. Сарьян, К. С. Петров-Водкин, Н. П. Ульянов, К. Ф. Юон. Скончался Серов 22 ноября (5 декабря) 1911 г. в Москве. Похоронен на столичном Новодевичьем кладбище. Именем художника в 1922 г. названа улица в посёлке художников «Сокол» в Москве.

"Девочка с персиками
(Вера Мамонтова)" 1887

[450x520]

"Заброшенный пруд. Домотканово"
1888, Третьяковская галерея

[645x520]

Этти (William Etty) Уильям (1787-1849), английский живописец. Родился в Йорке, 10 марта 1787. Его отец был мельником и пекарем хлеба. Будущий живописец в возрасте одиннадцати с половиной лет был вынужден оставить отеческую крышу; по настоянию отца он был определен учеником в типографию. После семи лет ученических испытаний и унылой работы в типографии Этти уехал в Лондон.
Помощь старшего брата и покровительство богатого дяди Уильяма Этти, помогли его становлению, непосредственно как художника. Этти начал свое обучение, создавая наброски пейзажей, копируя различные изображения, рисунки печатных изданий и проч. - все это было его первой академией. В Смитфилде Этти сделал копию старинной картины «Купидон и Психея», которая стала известна и благодаря которой Этти был принят в 1807 студентом академической школы в Сомерсет Наус.
Среди студентов были те, кто в будущем добился известности и признания в искусстве, - Уилки, Хэйдон, Коллинз, Констебль. Его дядя великодушно заплатил необходимую сумму в сто гиней и летом 1807 Этти стал учеником сэра Томаса Лоуренса. Хотя Этти во время обучения делал большие успехи в искусстве, ему обязательно был нужен "мимолетный луч успеха". В 1811 году после многих попыток на стене талантливых учеников Академии появилась картина молодого Уильяма Этти «Телемах, спасающий Антиопу».В течение следующих пяти лет он продолжал упорно заниматься с тихой и постоянной энергией преодоления недостатков своего обучения в юности. В 1816 Этти оставил студию сэра Томаса, однако влияние его знаменитого наставника оставило заметный след в работах Уильяма Этти. В 1816 Этти решил улучшить свои познания в живописи, совершив поездку в Италию. Однако по истечении трех месяцев был вынужден вернуться в Англию. В 1820 его «Искатели кораллов», показанные в Королевской Академии, привлекли большое внимание. Еще больший успех был у картины «Прибытие Клеопатры в Киликию», показанной в следующем году.
В 1822 он снова отправляется в турне по Италии. Хотя Этти был должным образом впечатлен великими шедеврами Рафаэля и Микеланджело в Риме, он без сожаления покинул Рим и уехал в Венецию, которую всегда считал истинным городом-музеем искусства в Италии.
В начале 1824 Этти возвратился в Англию. В этом же году он стал партнером Королевской Академии, а в 1828 Этти становится действительным членом лондонской Академии художеств.
В интервале между этими датами Этти пишет «Битву» (Женщина, ходатайствующая о побежденном), это первая из трех картин о Юдифь, которые в конечном счете вошли в коллекцию шотландской Академии.В 1830 Этти посетил Францию. Он был потрясен достопримечательностями Парижа, однако в связи с революционным восстанием во Франции был вынужден вернуться. В 1840 и в 1841 Этти предпринял паломничество в Нидерланды для изучения шедевров Рубенса и других художников в церквях и общественных галереях этой страны. Два года спустя он еще раз посетил Францию в целях сбора материалов для картины «Жанна д'Арк». В 1848 после завершения этой работы он удалился в родной Йорк.
Одно желание оставалось для него неисполненным. Этти хотел устроить выставку-экспозицию своих картин. С большим трудом ему удалось собрать значительное количество своих работ в различных частях Британских островов. Они были столь многочисленны, что стены большого зала, который он нанял в Лондоне для выставки, были полностью скрыты полотнами. Это произошло летом 1849; 13 ноября того того же самого года Этти скончался. Уильям Этти занимает свое достойное место среди английских художников. Его рисунок был часто неправилен, но в чувстве и навыке колориста ему не было равных в Англии в первой половине 19 века.

"Геро и Леандр"
1828-1829, Частная коллекция

[700x597]

Купидон
1820-е

[554x698]

Джанбаттиста Тьеполо родился 5 марта 1696 г. в Венеции, в семье многодетного шкипера Доменико Тьеполо, человека простого происхождения. Вскоре отец умер, и мать, Орсетта, воспитывала шестерых детей в условиях бедности.

В юности Тьеполо учился живописи у венецианского художника Грегорио Ладзарини, но искусствоведы отмечают, что наиболее сильное влияние на него оказали Себастьяно Риччи, Паоло Веронезе и Джованни Баттиста Пьяцетта. В возрасте 19 лет Тьеполо выполнил свой первый живописный заказ — картину «Принесение Исаака в жертву».

В 1717 г. молодой художник покинул мастерскую Ладзарини и вступил в гильдию живописцев Фралья. В 1719 г. он женился на Марии Чечилии Гуарди, сестре известных художников Гуарди (Гварди) — Франческо и Джованни Антонио. От брака с Марией у Тьеполо родилось девять детей.

С 1726 по 1728 г. Тьеполо работал по заказу Дионисио Дельфино, аристократа из Удине, расписывая фресками капеллу и дворец. Это принесло ему известность и новые заказы — Тьеполо сделался модным живописцем. В последующие годы он много писал в Венеции, а также в Милане, Бергамо.

К 1750 г. к венецианскому живописцу пришла общеевропейская известность, и с 1750 по 1753 г. он работал по приглашению в немецком Вюрцбурге. Возвратившись в Италию, Тьеполо был избран Президентом Академии Падуи.

В 1761 г. испанский король Карл III пригласил Тьеполо в Мадрид, где художник оставался до конца своей жизни. Тьеполо скончался в испанской столице 27 марта 1770 г.

"Cвятая, спасающая город
от чумы" (фрагм) 1759,
Дуомо, Уесте, Италия

[699x399]

"Явление трех ангелов Аврааму" 1726-1729

[420x685]

Рени Гвидо (4 ноября 1575, Болонья — 18 августа 1642, там же), итальянский живописец, мастер барокко.
Рени был выпускником Болонской академии художеств, проводником и наследником ее живописной традиции и педагогической системы. Непосредственно он учился у Аннибале Карраччи, был, как и он, поклонником античности и Рафаэля. Работы раннего периода (до 1600) носят, скорее, ученический характер и демонстрируют большую зависимость от стиля учителя.
После переезда в Рим открывается блестящий период его деятельности. Сначала он помогает А. Карраччи в росписях Галереи Фарнезе, постигая иные пути соединения идеала и реальности, изучает живопись Караваджо в церквях «вечного города», наслаждается его великим классическим наследием. После смерти учителя (1609), Рени, завоевав уже известность, станет фактически главой классицистической живописной школы Рима, центральной фигурой в кругу работающих здесь болонских мастеров.
В своих алтарных образах и станковых полотнах, исполненных на заказ, Рени пытается примирить принципы болонцев и нововведения Караваджо. Об этом свидетельствуют, например, большой алтарный образ «Распятие Св. Петра» (1604-1605, Рим, Ватиканская пинакотека) и полотна на мифологический сюжет «Давид с головой Голиафа» (1605, Лувр) и «Самсон-Победитель» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека).В первом Рени почти повторяет композицию Караваджо из римской церкви Санта Мария дель Пополо. В этих работах он прежде всего акцентирует нравственные принципы, лежащие в основе поступков героев, эффектно подчеркивает характерные детали, использует сильный контраст света и тени. И вместе с тем, спокойная поза, например, Давида, задумчиво стоящего между колонной и пилястрой, далекая от выражения трагической смерти, как у Караваджо, голова Голиафа, переданы в манере болонской школы. Верность увлечению традицией Караваджо проявилась и в известном полотне Рени «Избиение младенцев» (1611-1612, Болонья, Национальная пинакотека). Динамичная композиция картины подчинена действию, объединяющему всех персонажей. Попытка драматизации действия в духе Караваджо, приобрела у Рени, как и у болонцев, театральную аффектацию. Особенно выразительна фигура матери с младенцем на руках, с криком убегающей от убийцы, с занесенном ножом. Фон картины напоминает красивую сценическую декорацию. В некоторых работах этого времени появляется больше повествовательности, обилие бытовых деталей («Моисей и сбор манны небесной», 1614-15, Равенна, собор), но фигуры главных персонажей по-прежнему хорошо смотрятся издали.
Глубокий пиетет Гвидо Рени к изучению наследия античности и Рафаэля проявился в росписи плафона палаццо Роспильози («Аврора», 1613-14). Грация легких, словно парящих фигур, гармония ритма композиционного строя, чистые светлые тона красок придают изысканную красоту этой фреске, пополнившей галерею шедевров, созданных в Риме болонскими мастерами. Богатая палитра цвета, динамика, присущи известному полотну Рени — «Аталанта и Гиппоменей» (1622-1625. Неаполь, Нац. Галереи Каподимонте). Скрещенные и ярко освещенные холодным светом фигуры переданы в резких движениях, эффектно выделяются на коричнево-голубом фоне земли и неба. Развевающиеся края их пеплосов тоже привносят острую динамику в композицию.
На протяжении всего творчества Рени будет сохранять верность своей стилистике, основанной на богатой палитре ярких холодных цветов и динамичной композиции. Хотя в этот период его живописная манера приобретет большую утонченность: краски станут более прозрачными, образы более печальными и нежными. Лучшие свои произведения художник отсылал в церкви Болоньи и другие города Эмилии, что способствовало распространению влияния его манеры. Кроме того, работы Рени много копировали его многочисленные ученики. Характерным примером поздней манеры Рени может служить полотно «Похищение Елены» (1631, Лувр), исполненное для Болоньи. Композиция приобретает в нем большую статику: она обрела строгую выверенность и совершенное равновесие всех элементов — цвета, света, рисунка, что свидетельствует об усилении классицистического начала. Образы наделены благородной красотой и изнеженной грацией. Кажется, что они движутся под звучащую музыку барочных театральных мелодрам.
Гвидо Рени был ярким мастером болонской школы живописи. Он стал одним из образцов для подражания в системе европейского академического обучения в 17-19 вв., как самый верный последователь классицистического принципа соединения идеализации и натурности. Его искусство оказало большое влияние на мастеров академического направления в европейском искусстве.
Е. Д. Федотова.

"Фортуна, возвращающая любовь"
1610, Картинная галерея, Ватикан

Энгр (Ingres) Жан Огюст Доминик (1780-1867), французский живописец и рисовальщик. С 1796 учился у Ж.Л.Давида в Париже. в 1806-1824 работал в Италии, где изучал искусство Возрождения и особенно творчество Рафаэля; в 1834-1841 был директором Французской академии в Риме. Энгр писал картины на литературные, мифологические, исторические сюжеты (“Юпитер и Фетида”, 1811, Музей Гране, Экс-ан-Прованс; “Обет Людовика XIII”, 1824, собор в Монтобане; “Апофеоз Гомера”, 1827, Лувр, Париж), портреты, отличающиеся точностью наблюдений и предельной правдивостью психологической характеристики (портрет Л.Ф.Бертена, 1832, Лувр, Париж), идеализированные и вместе с тем полные острого чувства реальной красоты ню (“Купальщица Вольпенсон”, 1808, “Большая одалиска”, 1814, - оба в Лувре, Париж). Произведения Энгра, особенно ранние, отмечены классической стройностью композиции, тонким чувством цвета, гармоничностью ясного, светлого колорита, но главную роль в его творчестве играл гибкий, пластически выразительный линейный рисунок. Энгр – автор блестящих карандашных портретов и натурных штудий (большинство - в Музее Энгра в Монтобане). Сам Энгр считал себя историческим живописцем, последователем Давида. Однако в своих программных мифологических и исторических композициях он отступал от требований учителя, внося больше живых наблюдений натуры, религиозного чувства, расширив тематику, обратившись, в частности, подобно романтикам, к эпохе средневековья. («Обет Людовика XIII», 1824, Собор Монтобан, «Апофеоз Гомера», 1827, Париж, Лувр). Если историческая живопись Энгра представляется традиционной, то его великолепные портреты и зарисовки с натуры составляют ценную часть французской художественной культуры 19 в. Одним из первых Энгр сумел почувствовать и передать не только своеобразный облик многих людей того времени, но и черты  их характеров - эгоистический расчет, черствость, прозаизм  личности у одних, и доброту и одухотворенность у других. Чеканная форма, безупречный рисунок, красота силуэтов определяют стиль портретов Энгра. Меткость наблюдения позволяет художнику передать манеру держаться и специфический жест каждого человека (портрет Ф. Ривьера, 1805, Париж, Лувр, портрет госпожи Ривьер 1805, Париж, Лувр или госпожи Девосе (1807, Шантильи, Музей Конде). Сам Энгр не считал портретный жанр достойным настоящего художника, хотя именно в области портрета создал самые значительные свои произведения. С тщательным наблюдением натуры и восхищением ее совершенными формами связаны удачи художника при создании ряда поэтических женских образов в картинах «Большая одалиска» (1814, Париж, Лувр), «Источник» (1820—1856, Париж, Лувр); в последней воплощен идеал «вечной красоты».С 1841 года до конца жизни живёт в Париже. Скончался 14 января 1867, похоронен на парижском кладбище Пер-Лашез.

"Венера Анадиомена"
1808-1848

[403x699]

"Жанна д'Арк на коронации
Карла VII" 1854

[522x699]

Сначала его отдали в ученье к некоему Боттичелли, отличному золотых дел мастеру; от него он и получил свою фамилию. Но скоро обнаружилось в нем неодолимое влечение к живописи, и он стал учиться ей у монаха Филиппо Липпи.

У него перенял Боттичелли ту страстность в изображении трогательных мотивов, которою отличаются исторические картины Липпи. Оригинальная же черта собственного таланта его состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами, особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине; боги ветров осыпают ее дождем роз и гонят к берегу.

Лучшим творением Боттичелли считают начатую им в 1474 г. стенную живопись в Сикстинской капелле Ватикана. Боттичелли, говорят, был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. Несмотря на то, что позднее папа римский отлучил Савонаролу от церкви, Боттичелли больше не изображал обнажённую женскую натуру. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 г. изданию дантова «Ада» (издание Магны).

Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от Виллы в Бельсгуардо. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни он не писал картин, но в 1504 году, согласно его мнению в комиссии, в которой участвовал и Леонардо да Винчи было принято решение установить статую Давида Микеланджело на цоколе перед Паллаццо делла Синьория. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти.

"Рождение Венеры" Ок.1482
Галерея Уффици, Флоренция

[698x432]

"Аллегория Добродетели"
1495

[620x700]

"Звезда"
1877, Музей д'Орсе, Париж

[500x600]

"Ванная"
1885, Музей Хилл Стид, Фармингтон

[600x600]

Ренуар (Renoir) Пьер Oгюст (1841-1919), французский живописец, график и скульптор. В юности работал живописцем по фарфору, расписывал шторы и веера. В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму - К.Моне и А.Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Г.Курбе и произведений молодого Э.Мане (“Харчевня матушки Антони”, 1866, Национальный музей, Стокгольм). На рубеже 1860-70-х годов он переходит к живописи на пленэре , органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду (“Купание на Сене”. 1869, ГМИИ, Москва). Его палитра светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами (“Ложа”, 1874, Институт Кортолда, Лондон). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни - балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия (“Мулен де ла Галет”, 1876, Музей Орсе, Париж).Особое место в его творчестве занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи (“После обеда”, 1879, Штеделевский художественный институт, “Зонтики”, 1876, Национальная галерея, Лондон; портрет актрисы Жанны Самари, 1878, Эрмитаж).В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций , построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна (“Нагая женщина, сидящая на кушетке”, 1876). Замечательный колорист, он часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов (“Девушки в черном”, 1883, ГМИИ, Москва).С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма (“Большие купальщицы”, 1884-1887, собрание Тайсон, Филадельфия). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты (“Купальщицы”, 1895) Ренуара.

"Жанна Самари"
1877, Музей им. А.С.Пушкина

[495x600]

"Зонтики" 1881-1886
Национальная галерея, Лондон

[385x600]

Сезанн (Сezanne) Поль (1839-1906), французский живописец. Учился в частной академии Сюиса в Париже (1861-1865); работал в Париже и Экс-ан-Провансе. В ранних работах Сезанна, имеющих характер экспрессивных, фантасмагорических сцен (“Оргия”, 1864-1868), заметно воздействие на него живописи старых мастеров (П.Веронезе, Тинторетто), а также Э.Делакруа и О.Домье. Рано сблизившись с К.Писсарро, Э.Мане, К.Моне, Сезанн в 1874 и 1877 участвовал в выставках импрессионистов , но уже в этот период складывается его собственная живописная система. Принципиально расходясь с этого времени с методом импрессионизма, Сезанн интересовался не динамикой световоздушной среды и изменчивостью цвета в атмосфере, а устойчивыми закономерностями цветовых сочетаний и форм, материальностью предметного и природного миров (“Дом повешенного в Овере”, 1872-1873, Музей Орсе, Париж). Упорно  постигая эти законы, Сезанн подолгу разрабатывал один и тот же мотив в поисках структурной конструктивности природных форм (многочисленные изображения горы Сент-Виктуар, в том числе в Институте Кортолда, Лондон, 1887; в Эрмитаже, Санкт-Петербург, около 1900; и в других собраниях). Оперируя преимущественно градациями трех основных цветов (зеленого, голубого и желтого), то тонкими и прозрачными, то резко контрастными, нанесенными плотными корпусными мазками, он обозначал с их помощью пространственные планы и степень освещенности. Материальная весомость красочной фактуры гармонично сочетается в произведениях Сезанна со смелым лаконичным рисунком, конструктивно четкой, пластически обобщенной лепкой формы и ясной уравновешенностью композиции (автопортрет, 1879-1885, “Пьеро и Арлекин”, 1888, “Персики и груши”, 1888-1890, - все в ГМИИ, Москва). В пейзажах с их широким, панорамным охватом наполненного светом ландшафта Сезанн достигает величественной эпичности (“Берега Марны”, 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). В натюрмортах, подчеркивая структуру предмета, как бы утяжеляя его с помощью красочной фактуры и использования чистого цвета, художник выявляет материальную вещественность и строгую пластичность предметного мира (“Горшок с геранью и фрукты”, 1890-1894, Метрополитен-музей; “Натюрморт с драпировкой”, 1898-1899, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Творчество Сезанна, одного из главных мастеров постимпрессионизма , стремившегося к созданию своего рода классического искусства, лишенного всего преходящего и мимолетного, к раскрытию неизменного величия и гармоничной уравновешенности природы, органического единства ее форм, оказало громадное влияние как на многих художников ХХ века, так и на целые направления изобразительного искусства, разрабатывавшие, как правило, отдельные стороны сезанновского наследия (кубизм, лучизм, так называемая симультанная живопись и др.).

"Натюрморт с черепами" 1900
Частное собрание, Швейцария

[700x600]

"Картежники"
1893, Частное собрание

[699x507]

Беллини (Bellini), семья итальянских живописцев, основоположников искусства Возрождения в Венеции. Глава семьи – Якопо Беллини (около 1400–1470/71) при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики (“Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан). В его рисунках, полных живых наблюдений (зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии), отразился интерес к проблемам перспективы , влияние А.Мантеньи и П.Уччелло. С именем Джентиле Беллини (около 1429–1507), сына Якопо Беллини, связано зарождение венецианской жанрово - исторической картины, (“Процессия на площади Сан-Марко”, 1496, “Чудо Святого Креста”, 1500, – обе в Галерее Академии, Венеция). Джованни Беллини (около 1430–1516), второй сын Якопо Беллини, – крупнейший мастер венецианской школы , заложивший основы искусства Высокого Возрождения в Венеции. Драматически острые, холодные по цвету ранние работы Джованни Беллини (“Оплакивание Христа”, около 1470, Галерея Брера, Милан) к концу 1470-х годов под воздействием живописи Пьеро делла Франческа и Антонелло да Мессина сменяются гармонически ясными картинами, в которых величавым человеческим образам созвучен одухотворённый пейзаж 
(так называемая “Озёрная мадонна”, 1490-е годы, Уффици; “Пиршество богов”, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Произведения Джованни Беллини, в том числе его многочисленные “Мадонны” (“Мадонна с деревцами”, 1487, Галерея Академии, Венеция; “Мадонна”, 1488, Академия Каррара, Бергамо), отличаются мягкой гармонией звучных, словно пронизанных солнцем насыщенных цветов и тонкостью светотеневых градаций, спокойной торжественностью, лирической созерцательностью и ясной поэтичностью образов. В творчестве Джованни Беллини наряду с классически упорядоченной композицией ренессансной алтарной картины (“Мадонна на троне в окружении святых”, 1505, церковь Сан-Дзаккария, Венеция) сформировался полный интереса к человеку гуманистический портрет (портрет дожа Л.Лоредана, 1502, Национальная галерея, Лондон; портрет кондотьера, 1480, Национальная галерея, Вашингтон).

"Мадонна и младенец с благословлением"
1510, Собрание Брера, Милан

[699x512]

"Распятие"
1501-1503

[433x700]

Ван Эйк (van Eyck) Ян (около 1390–1441), нидерландский живописец. Один из зачинателей искусства Раннего Возрождения в Нидерландах, ван Эйк в 1422–1424 работал над украшением графского замка в Гааге, в 1425 стал придворным художником бургундского герцога Филиппа Доброго, в 1427 посетил Испанию, в 1428–1429 – Португалию. Около 1430 ван Эйк поселился в Брюгге. Крупнейшее произведение ван Эйка – знаменитый “Гентский алтарь”, начатый, согласно позднейшей надписи на внешних створках, старшим братом ван Эйка Хубертом (работал в 1420-х годах в Генте, умер около 1426) и законченный Яном в 1432.  Ван Эйк – один из первых в Европе мастеров портрета . выделившегося в его творчестве в самостоятельный жанр. Погрудные, обычно изображающие модель в трехчетвертном повороте портреты ван Эйка (“Тимофей”, 1432, “Человек в красном головном уборе”, 1433, – оба в Национальной галерее, Лондон; портрет жены художника Маргареты, 1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге) отличаются строгой простотой и отточенностью выразительных средств. Беспристрастно правдивая и тщательная передача облика человека подчинена в них зоркому и проницательному раскрытию главных особенностей его характера. Ван Эйк создал первый в европейской живописи парный портрет – проникнутое сложной символикой и в то же время интимно-лирическим чувством изображение купца Дж.Арнольфини с женой.

"Портрет супругов Арнольфини" 1434

Национальная галерея,
Лондон

[513x699]

"Гентский Алтарь", полиптих, 1426-1432
Кафедральный собор св.Бавона, Гент

[699x516]

Проблема участия Хуберта ван Эйка в работе над алтарем остается открытой: по мнению большинства исследователей он мог лишь начать работу над центральной частью алтаря, но в целом произведение исполнено Яном ван Эйком. Несмотря на наличие в ряде сцен алтаря архаических, готических черт, “Гентский алтарь” открыл новую эпоху в развитии искусства Нидерландов.Сложная религиозная символика претворена в нем в конкретные, жизненно убедительные и осязаемые образы. С исключительным реализмом, неприкрашенной выразительностью изображены на внешних створках алтаря обнаженные фигуры Адама и Евы. Фигуры, поющих и музицирующих ангелов на боковых створках, отличаются убедительной пластической осязаемостью.

Штук (Franz von Stuck) Франц фон (1863-1928), немецкий живописец и скульптор, один из лидеров символизма в изобразительном искусстве.
Родился в Теттенвейсе (Бавария) 23 февраля 1863 в крестьянской семье. Приехав в Мюнхен, занимался в здешней художественно-ремесленной школе и Политехникуме (1881-1884). В 1885 посещал мюнхенскую Академию художеств, но как художник был в основном самоучкой. Испытал влияние Арнольда Бёклина.
В молодости много работал как художник прессы (для журналов "Югенд", "Пан" и других изданий). Один из основателей (1892) и президент Мюнхенского сецессиона", рисовал афиши для его выставок; композиция с Афиной-Палладой (1889) стала популярным символом этого объединения. Завоевал известность своими аллегорико-мифологическими картинами, где характерные для символизма темы "рокового" эротического влечения и разгула иррациональных, "демонических" стихий получили особенно броское, нередко брутальное выражение («Борющиеся фавны», 1889, Новая пинакотека, Мюнхен; «Люцифер», 1890, Национальная галерея, София; «Поцелуй сфинкса», 1895, Музей изобразительных искусств, Будапешт; «Вакханалия», 1905, Кунстхалле, Бремен). Архетипическими стали созданные им образы женщин-вамп («Грех», 1893, Новая пинакотека; «Саломея», 1906, Дом-музей Ф.фон Ленбаха) и военного насилия («Война», 1889, Новая пинакотека).
Франц фон Штук воспринял многие черты переходной художественной эпохи, какой в историческом плане был модерн.
Сознательно оказавшись в стороне от проблем, увлекавших таких известных представителей искусства конца XIX - начала XX века, как Врубель, Гоген, Мунк, - поисков смысла жизни, разгадки будущего человечества, обнажение одиночества личности на фоне мирового универса, он пытался вдуматься в пересечение духовного и телесного, красоты и зримой реальности человеческого облика. Не все убедительно сопрягалось в творческих исканиях Штука. В них можно найти примеры сосуществования чуждых друг другу эстетических установок и стилистических приемов. Он сочетал в своих картинах черты академического натурализма и стиля модерн. Под влиянием Фридриха Ницше создавал фантастико-аллегорические произведения, проникнутые нарочито брутальной символикой. Но в моменты прозрений у этого художника рождались столь оригинальные соединения поэзии и разоблачительного исследования, романтизма и натурализма, которые, свидетельствуя о новом понимании возможностей изобразительного искусства, являли собой настоящие структурные открытия. Такие произведения шокировали зрителя, вызывая нередко оторопь и скандалы среди публики, но позже получали высокую оценку своей поэтической интонацией и новизной мысли.
Франц фон Штук известен также как портретист («Автопортрет с женой», 1907, Вилла Штука; «Мэри в красной шляпке», 1902, частное собрание; все работы - в Мюнхене). Изготовлял эффектные декоративные рамы для своих картин. Его дар дизайнера-декоратора развернулся при постройке и оформлении собственного дома - Виллы Штука, для которой он исполнил ряд бронзовых скульптур («Атлет», «Амазонка», 1890-е и др.) и декоративных панно (Помпеянская стена и др.). Преподавал в мюнхенской Академии художеств.
Умер Штук в Мюнхене 30 августа 1928.

"Мэри в красной шляпке" 1902

[580x600]

"Юный Бахус" 1901

[695x680]

Кауфман (Kauffmann) Ангелика (1741-1807), швейцарский живописец и график. Ангелика Кауфман родилась в Швейцарии и уже в одиннадцать лет начала писать портреты итальянских знаменитостей. Училась у отца, австрийского живописца Йозефа Иоганна Кауфмана. Жила в Италии (1742-1757). По совету прославленного английского живописца сэра Джошуа Рейнольдса она переехала в Лондон (1766-1781). С 1762 - член флорентийской Академии художеств. Заняв видное место среди немецких художников-классицистов, работавших в Риме, Кауфман писала сцены на исторические и литературные сюжеты (“Прощание Абеляра и Элоизы”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), отличавшиеся гладкой, “сплавленной” манерой письма, тщательной отделкой деталей, а также портреты современников (“Иоганн Вольфганг Гёте”, 1787, Национальный музей Гёте, Веймар). Необычный для своего времени, портрет Давида Гаррика передает тонкую и чувствительную натуру великого английского актера. Непринужденная поза Гаррика, его взгляд - мягкий и проникновенный - разительно отличаются от общепринятой манеры изображения актера в трагическом амплуа. В 1780-е годы Ангелика Кауфман стала очень известна в Европе благодаря многочисленным портретам, а также своим историческим и мифологическим композициям. Ангелика Кауфман выполняла заказы на росписи особняков, построенных по проектам братьев Адамс; нежный колорит и классический стиль этих сооружений вполне отвечали духу ее творчества. Идиллические сцены из классической мифологии переводились в гравюры, использовались в художественной промышленности - благодаря этому искусство Ангелики Кауфман было очень популярно.

"Иоганн Вольфганг Гёте" 1787

[410x585]

"Поэзия и Живопись" 1782

[600x600]

Гойя-и-Лусьентес (Goya y Lucientes) Франсиско Хосе де (1746–1828), испанский живописец, гравер, рисовальщик. С 1760 учился в Сарагосе у Х.Лусана-и-Мартинеса. Около 1769 Гойя отправился в Италию, в 1771 вернулся в Сарагосу, где писал фрески в духе итальянского барокко (росписи бокового нефа церкви Нуэстра Сеньора дель Пилар, 1771–1772). С 1773 художник работал в Мадриде, в 1776–1791 выполнил для королевской мануфактуры свыше 60 гобеленов с насыщенными по цвету и простыми по композиции сценами повседневной жизни и народных развлечений (“Зонтик”, 1777, “Игра в пелоту”, 1779, “Игра в жмурки”, 1791, – все в Прадо, Мадрид). С начала 1780-х годов Гойя получил известность и как автор выполненных в тонкой цветовой гамме портретов, фигуры и предметы в которых как бы растворяются в тонкой дымке (“Семья герцога Осуна”, 1787, Прадо, Мадрид; портрет маркизы А.Понтехос, около 1787, Национальная галерея искусства, Вашингтон). В 1780 Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 вице-директор, с 1795 - директор ее живописного отделения), в 1799 - “первый живописец короля”. Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании “старого порядка”. Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов “Капричос” (80 листов с комментариями художника, 1797–1798); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий  и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде, 1798, Лувр, Париж), аромат тайны и скрытой чувственности (“Маха одетая” и “Маха обнаженная”, обе - Прадо, Мадрид).С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете “Семья Карла IV” (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции (“Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде”, “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года”, обе –около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов “Бедствия войны” (82 листа, 1810–1820).

"Лампа дьявола" 1798

[489x698]

"Сатурн, пожирающий своих детей" 1823

[409x698]

Сера (Seurat) Жорж Пьер (2.12.1859 - 29.3.1891), французский живописец и график. Учился в парижской Школе изящных искусств (1878-1879); работал в основном в Париже. Основатель течения неоимпрессионизма (дивизионизма, пуантилизма). Писал большие фигурные композиции и пейзажи. Изучая законы цвета и света, оптические эффекты, Сера пытался создать научную основу для решения колористических, световоздушных и пространственных задач. Изящная по рисунку, тонкая по цветовым сочетаниям, живопись Сера, с её мозаически-дробной структурой, в целом носит несколько рассудочный, отвлечённый характер. Сёра изучал научные аспекты восприятия света и цвета и разработал на их основе живописную технику дивизионизма , письма мелкими точечными мазками чистого цвета. Для его пейзажей ("Закат солнца. Гранкан", 1885, собрание Д.М.Леви, Нью-Йорк; "Рыбачьи лодки в Порт-ан-Бессен", 1888, Музей современного искусства, Нью-Йорк), многофигурных картин-панно со сценами парижской жизни ("Воскресная прогулка на острове Гранд-Жат", 1884-1886, Институт искусств, Чикаго) характерны четкое, рационалистическое построение композиции, светлая, мерцающая цветовая гамма, орнаментальная плоскостность, близкая стилю модерн.

"Воскресная прогулка на острове Гранд Жатт" 1884-1886

[699x463]

"Натурщицы" 1886 - 1888

[700x556]

Анри Матисс (Henri Matisse) (1869–1954), выдающийся французский художник. Родился 31 декабря 1869 в Ле-Като на севере Франции. В 1892 приехал в Париж, где учился в Академии Жюлиана, а позже у Гюстава Моро. Поиски непосредственной передачи ощущений при помощи интенсивного цвета, упрощенного рисунка и плоскостного изображения отразились в произведениях, представленных им на выставке «диких» (фовистов) на Осеннем Салоне 1905. В Салоне он выставляет ряд работ, и среди них «Женщину в зеленой шляпе». Произведения эти, произведшие скандальный фурор, положили начало фовизму. В это время Матисс открывает для себя скульптуру народов Африки, начинает ее коллекционировать, интересуется классической японской ксилографией и арабским декоративным искусством. К 1906 завершает работу над композицией «Радость жизни», сюжет которой навеян поэмой «Послеобеденный отдых фавна» С. Малларме: в сюжете сочетаются мотивы пасторали и вакханалии. Появляются первые литографии, гравюры на дереве, керамика. В графике Матисса арабеск сочетается с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В 1907 Матисс путешествует по Италии (Венеция, Падуя, Флоренция, Сиена). В «Заметках живописца» (1908) он формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости «эмоций за счет простых средств». В его мастерской появляются ученики из разных стран. В 1908 С. И. Щукин заказывает художнику три декоративных панно для собственного дома в Москве. В панно «Танец» (1910, Эрмитаж) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов С. Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи. В «Музыке» Матисс представляет изолированные фигуры, поющие и играющие на различных инструментах. Третье панно — «Купание, или медитация» — осталось лишь в набросках. Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов. В связи с установкой панно Матисс посетил Москву, дал несколько интервью для газет и высказал восхищение древнерусской живописью. В картине «Красные рыбки» (1911, Музей изобразительных искусств, Москва), используя приемы эллипсообразной и обратной перспектив, перекличку тонов и контраст зеленого и красного, Матисс создает эффект кружения рыбок в стеклянном сосуде. В зимние месяцы с 1911 по 1913 художник посещает Танжер (Марокко), создает марокканский триптих «Вид из окна в Танжере», «Зора на террасе» и «Вход в казба» (1912, там же), приобретенные И. А. Морозовым. Мастерски переданы эффекты голубых теней и ослепляющих лучей солнца.

"Радость жизни"
1905-1906

[699x504]

"Красные рыбки"
1911, Музей им.А.С.Пушкина

[385x600]

Учился у Симоне Петерцано в Милане. В 1592-1594 гг. переехал в Рим, где приобрел покровительство кардинала дель Монте. В мае 1606, после ссоры во время игры в мяч и убийства на дуэли участника ссоры, был вынужден бежать из Рима в Неаполь, откуда в 1607 перебрался на остров Мальта. Здесь, вступив в конфликт с могущественным вельможей, был брошен в тюрьму, бежал на Сицилию. В 1608—1609, преследуемый наёмными убийцами, подосланными тем же вельможей, скитался по городам Сицилии и южной Италии, в 1610, рассчитывая на помощь римских покровителей и прощение папы, отправился в Рим. По дороге был по ошибке арестован испанскими таможенниками, затем продолжил путь и в городке Порто д’Эрколе умер от лихорадки в возрасте 39 лет.

"Св.Иероним"
1605, Галерея Боргезе,
Рим, Италия

[699x512]

"Голова медузы"
1598

[510x515]