Френсис МакДональд (1873 - 1921) родилась в небольшом городке Вулвергемптоне, в 1890 году вся её семья переехала в Глазго. Там Френсис и её старшая сестра Маргарет поступили в живописный класс Школы искусств Глазго, где они познакомились со студентами архитектурного отделения Чарльзом Макинтошем и Гербертом МакНейром. Это была встреча, определившая как личную, так и творческую жизнь всех четверых. Близкие по эстетическим воззрениям, вместе они основали творческий союз «Группа четырех». Их стиль был основан на прямых протяженных линиях и сильно отличался от причудливой изощренности французского ар-нуво.
В середине 1890-ых сестры МакДональд открытии собственную независимую студию. Они занимались графикой (в том числе и для «The Yellow Book» Бердсли), книжными иллюстрациями, дизайном изделий из металла, текстилем. Рисунок, разработанный ими, основывался на национальных традициях кельтской орнаментики. Сестры даже возрождали искусство иллюминированных рукописей, украшенных миниатюрами и орнаментами, которые в Средние века создавали кельтские монахи.
В 1895 году прошла её первая персональная выставка в Лондоне.
В 1899 году Френсис вышла замуж за МакНейра, и они уехали в Ливерпуль, где художник преподавал в Школе Архитектуры и Прикладного Искусства. Со временем Френсис тоже стала там работать. Вместе они занимались дизайном интерьеров. Особенно известен их собственный дом на Оксфорд-стрит 54, который они полностью декорировали сами. Ещё один знаменательный проект – «A Lady’s Writing Room» для Всемирной выставки современного искусства в Турине 1902 года. Это разработанный дизайн интерьера, полностью отвечающий стилистике «модерна Глазго».
В начале 1900-х пара показывала свои работы в Ливерпуле, Лондоне, Вене и Дрездене. Однако в 1905 году Школу закрыли, и из-за финансового краха МакНейры в 1909 году были вынуждены вернуться в Глазго. Герберт так и не смог восстановить карьеру, но именно в это время были созданы лучшие работы Френсис – серия символических акварелей, посвященных женственности, выраженной через мотив незаполненной окружности. В этих поздних ярче всего проявляется творческая индивидуальность художницы.
Френсис МакДональд умерла в 1921 году. Герберт МакНейр после смерти жены уничтожил часть её работ, но и сам он перестал творить, хотя прожил долгую жизнь.

[показать]

Читать далее

Костюмы к Египетскому балету Александра Луиджини

Луиджини Александр
[09.03.1850-29.07.1906]
- французский композитор и дирижер. Сын дирижера Джузеппе Луиджини. Учился в Парижской консерватории, у Ж.Л.Массара (скрипка) и Ж.Массне (композиция). С 1869г. играл на скрипке в лионском оркестре, с 1877г. театральный дирижер в Лионе и с 1897г. - в Париже. Некоторую известность получила сюита из "Египетского балета" Луиджини (постановка 1875г.). В своих произведениях Луиджини использовал и русские темы (балет "Ночи Ивановны", сюита "Русский балет").
Египетский Балет Луиджини особую популярность преобрел в начале 20 века, данные костюмы- версия 1914 года. А в 1886 году балет был включен во второй акт Аиды Верди


[показать]

Читать далее

[показать]

Читать далее

[показать]

Читать далее

Появление компактного «женского» оружия было обусловлено тем что оно часто было доступно только избранным особам женского пола, и эти избранные не обладали мужской силой и сноровкой, слово «дамское» в отношении любого оружия изначально подразумевало легкость и простоту в обращении, компактность и если речь шла об огнестрельном оружии – малый калибр ибо импульс отдачи при выстреле тоже должен был быть незначительным. Так появилась целая серия простых, маломощных карабинов и компактных пистолетов без труда умещающихся в дамскую сумочку и достаточно мощных, что бы остановить любого нападающего выстрелом с близкого расстояния.

[показать]

Грань между «женским» и «мужским» оружием в последствии была стерта на полях современных войн и революций, где женщинам была уготована не только роль медицинской сестры и врача, но и роль воительницы. Уже в царской России в начале 20 века были созданы целые женские подразделения пехоты, которые в прочем не отличались особой боеготовностью. А уже во время Великой Отечественной войны в Красной Армии были созданы подразделения хорошо подготовленных снайперов, где служили только женщины! Слава самого высокопоставленного снайпера, времен обороны Сталинграда Героя Советского Союза Зайцева не менее громкая, чем слава его коллеги женщины-снайпера Героя Советского Союза Павлюченко. Это только в старых фильмах дамы стреляют из короткого малокалиберного дамского «недоразумения» фирмы «Браунинг», сегодня дамы выбирают, как говорится «пушки побольше». В США даже существует несколько женских оружейных журналов, где обсуждаются совсем не традиционные женские темы! Как носить пистолет, как его смазывать, как точно стрелять…. И ни слова о помаде и туфельках! Ужас!

Читать далее

За окнами календарная зима, наверно самое время поговорить о солнце, море и курортном отдыхе. Следуя тематике моего дневника, речь пойдет о начале 20 века. Как только человечество получило возможность передвигаться на дальние расстояния,благодаря развитию железных дорог, нет ничего удивительного ,что широкое развитие получают приморские города, и вообще времяпровождение на берегу моря.
С того времени мало что наверное изменилось- все так же детишки лепят "куличики",взрослые лежат в шезлонгах, и широко применяются наивные по содержанию семейные фотографии на песочке :)

Часть первая-Российская империя

Июль… Курортный сезон в разгаре. Одно из самых притягательных мест на курорте - пляж. Кто-то любит просто понежиться на песке, кто-то предпочитает активный отдых на воде: морские купания, погружение с аквалангом, спуск с горок водных аттракционов.
В начале ХХ века аквапарков в Геленджике, конечно же, не было. Но были необычные для наших современников деревянные сооружения на воде для морских купаний – купальни. Возникновению спроса на такие сооружения способствовало отсутствие моды на купальные костюмы.
Что представляли собой купальни? Об этом мы можем узнать из путеводителей и фотографий начала ХХ века, сохранившихся в фондах Геленджикского историко-краеведческого музея. Судя по старым фотографиям, в Геленджике в тот период купален было несколько. На берегу Южного бульвара (современная ул.Революционная) располагались купальни И.Е.Данесиса и Ф.А.Щербины; на берегу Северного (Лермонтовского) – Николайшвили и доктора Сульжинского; на Тонком мысу – доктора Платонова. Купальни были платными, часть из них - общественными, которые мог посетить каждый желающий за небольшую плату. Были и частные купальни при пансионах: гостинице Бойко, пансионе Шиллер, отеле «Солнцедар». Так, из путеводителя Г.Москвича узнаем: «Среди заслуживающих внимание курортных учреждений выделяется отель «Солнцедар» на 25 номеров с электрическим освещением, лечебным кабинетом и купальней…».

[показать]

Цены на купальни были вполне доступными. Разовый билет на посещение купальни стоил 5 копеек (с простыней – 6 копеек), за отдельный номер -10 копеек. ( Для сравнения: бутылка молока стоила 8 копеек, десяток яиц –35 копеек, виноград - от 5 до 10 копеек). Намного дешевле была плата по абонементу: 3 рубля за 100 посещений. Посетитель, желающий воспользоваться теплой морской ванной, оплачивал 50 копеек. В три раза дороже (1 рубль 50 копеек) стоила лечебная грязевая ванна. За хранение белья в течение всего сезона плата составляла 1 рубль.
Строили купальни по образцу заграничных. Каждая представляла собой деревянное сооружение на сваях со множеством кабинок. Посетителю предоставлялась определенная кабинка, где он переодевался и спускался по деревянной лестнице в море. Но удобство спуска и купание в море было далеко не единственной причиной посещения купальни.

Читать далее

Часть вторая- Европа

Морские курорты Старого Света: маленькие прибрежные городишки и крупные туристические центры, большие протяженные фешенебельные пляжи и крохотные островки с миниатюрной береговой полосой, места, способные удовлетворить практически все мыслимые запросы человека и места, завораживающие своей первозданной природой и минимумом цивилизации…
Некоторые из них (Брайтон, Хайлигендамм, Биарриц, Ницца) возникли столетия назад, удовлетворив модные устремления европейской аристократии и ее тягу к великосветским раутам на берегу моря. Некоторые стали бурно развиваться лишь в начале-середине 20-го века (Амальфи, Капри, Марбелья, Бенидорм, Ибица) в полном соответствии с появлением хорошо обеспеченного среднего класса, жаждущего соответствовать собственному представлению о комфорте и отдыхе. Некоторые представляют собой органичное перерождение старинных полных очарования рыбацких деревушек (Портофино) в уютные семейные курорты. Некоторые стали последствием модного, опасного и завораживающего увлечения человечества виндсерфингом (Пениче, Эрисейро, Портимайо). Какие-то места скорее являются яхтенной стоянкой, чем курортом, и служат лишь великолепным плацдармом для парусного спорта. Некоторые (но их остается все меньше) до сих пор не открыты в широком понимании этого слова и ждут будущего признания среди туристической братии.

[показать]

Немецкая Прибалтика считается одним из красивейших регионов Германии. Мягкий климат. Состояние воды регулярно контролируется в течение всего купального сезона.
Курорты на побережье Балтийского моря привлекали европейскую элиту еще в 18-19 веках. На берегах, окаймленных песчаными пляжами, были построены аристократические виллы, многие из которых сегодня превращены в роскошные отели. Созданы все условия для занятий водными видами спорта, для лечения и восстановления. Помимо талассотерапии и лечебных грязей, предлагаются уникальные процедуры с использованием средств на основе минералов – меловых отложений острова Рюген.

Читать далее

[показать]

Читать далее

Анкетен Луи (1861-1932)
Французский живописец и рисовальщик, представитель постимпрессионизма.
Учился в мастерской Ф. Кормона в Париже, где познакомился с А. де Тулуз-Лотреком, Э. Бернаром и В. Ван Гогом. В ранний период своего творчества был подвержен влиянию Э. Делакруа и Э. Дега. В 1883 г. работал в Живерни в обществе К. Моне, стремясь понять суть его творческого метода. Разочарованный в кумире, Анкетен возвратился в Париж. Увидев холсты Ж. Сёра на выставке импрессионистов, был очарован пуантилизмом и увлечён новой теорией цвета, в которой, как ему казалось, обрёл твёрдую теоретическую основу.
Анкетен, как и его друзья, увлекался японской гравюрой. На основе стиля японской гравюры Анкетен в 1887 г. совместно с Э. Бернаром сформулировал основные принципы клуазонизма - нового направления в искусстве, основанного на сочетании жесткой контурной линии и декоративного контрастного цвета внутри неё, развитого впоследствии художниками совместно с П. Гогеном (понт-авенская группа). Анкетен один из первых представил свои работы, выполненные в этой технике, сначала в 1888 г. на выставке “Группы двадцати” в Брюсселе, а затем в парижском Салоне Независимых.
В позднем творчестве художник отказался от прежних исканий и писал картины в манере Рубенса. Всю жизнь находящийся в поиске своего стиля, Анкетен утверждал, что не нужно “никаких теорий, никаких школ”, в художнике “важен только темперамент”.

Женщина в шляпе
Девушка с газетой
Woman in a Barouche

[показать] [показать]
[показать]

Когда Луи Анкетен выставил свои работы в начале 1888 г . с „Группой двадцати" в Брюсселе, а затем вместе с „Независимыми" в Париже, его бывший школьный товарищ Эдуард Дюжарден приветствовал в „ La Revue independante" появление новой формы искусства, которую он назвал „клуазонизмом" и за которую воздал должное только одному Анкетену. „На первый взгляд, — писал он, — эти работы производят впечатление декоративной живописи; подчеркнутый внешний контур, интенсивный и убедительный цвет неизбежно наводят на мысль о народном искусстве и японских гравюрах. Затем под общим иератическим характером рисунка и цвета обнаруживаешь поразительную правдивость, которая освобождается от романтизма страсти; и, наконец, перед нами понемногу раскрывается продуманное, волевое, рациональное и систематическое построение, требующее нашего анализа". Дюжарден писал, что согласно этой новой концепции „художник вычерчивает свой рисунок замкнутыми линиями, накладывает между ними различные цвета, сопоставление которых создает ощущение единого заранее задуманного колорита, так что рисунок подчеркивает цвет, а цвет подчеркивает рисунок. Таким образом, работа художника становится похожа на перегородчатые эмали и техника его сводится к своего рода „клуазонизму".

Читать далее

Итак, женщины в белом начала 20 века.
Эти прекасные дамы от ХОАКИНА СОРОЛЛА - У - БАСТИДА

27 февраля 1863 Валенсия - 10 августа 1923 года

Испанский художник, преуспел в написании портретов, ландшафтов и монументальных произведений на социальные и исторические темы.
Хоакин Соролла был старшим ребенком, родившимся у коммерсанта Хоакина Сроллы и его жены Консепсьон Бастида. Его сестра Кончитта родилась годом позже.
В августе 1865 дети остались сиротами, их родители умерли, возможно, от холеры. Они воспитывались родственниками со стороны их матери.
Он получил первоначальное художественное образование, в возрасте четырнадцати лет, в своем родном городе у учителя Салустино Асеньо Кайтано Капуц.
В возрасте восемнадцати лет он перебрался в Мадрид, активно изучал коллекцию картин в музее дель Прадо.
Завершив военную службу, в двадцать два Соролла получил грант, что позволило четыре года провести в Риме для изучения живописи. В Италии он находился под покровительством Федерико Прадилья, директора испанской Академии в Риме, который обнаружил у Сороллы талант.
В 1885 году он побывал в Париже, где состоялось его первое знакомство с современной живописью. Он находился под огромным впечатлением от выставок Жюля Бастьен - Лепажа и Адольфа фон Менцеля. Вернувшись в Рим, он продолжил обучение вместе с Бенллиуре Хосе Эмилио Сала и Хосе Вильегасом.
В 1888 году Соролла вернулся в Валенсию и женился на Клотильде Гарсиа дель Кастильо, с которой впервые познакомился в 1879 году, когда она работала в студии отца.
В 1895 они уже имели трех детей: Марию, родившуюся в 1890 году, Хоакина, родившегося в 1892 году, и Елену, родившуюся в 1895 году.
В 1890 г. они переезжают в Мадрид, и следующее десятилетие Соролла сосредотачивается на работе. Он рисует множество полотен на мифологические, исторические и социальные темы, для участия в парижских Салонах и международных выставках в Мадриде, Париже, Венеции, Мюнхене, Берлине и Чикаго.
Его первый поразительный успех была достигнут с картиной «Маргарита» (1892), получившей Золотую медаль на выставке в Мадриде, а затем первое место на Чикагской международной выставке, где она была приобретена, а затем передана в дар музея Университета Вашингтона в Сент-Луисе, Миссури.

[показать]

Он сразу был признан главой современной испанской школы живописи. Его картина "Возвращение с рыбалки» (1894) была восхищенно принята на Парижском Салоне 1894 года и приобретена для Люксембургского музея. Она показала кисть уже зрелого мастера.
Поворотным моментом в карьере Сороллы была отмечена картина «Сад наследования» (1899), чрезвычайно большое полотно, которое он вынес на суд общественности. На картине изображено купание парализованных детей на море в Валенсии под присмотром монаха.
Картина получила официальное признание, а также Гран-при и медаль Всемирной выставки в Париже в 1900 году и медаль национальной выставки в Мадриде в 1901 году.
После этой картины художник никогда не возвращался к социальной теме.
Два рисунка-эскиза к этой картине он подарил своим американским друзьям-художникам Джону Сингеру Сардженту и Мэри Уильям Чейз.
После Всемирной выставки в Париже 1900 года он получил звание кавалера Почетного легиона, и в течение ближайших нескольких лет Соролла стал почетным членом Академий изящных искусства в Париже, Лиссабоне и Валенсии.
Специальная экспозиция его работ была выставлена в Галерее Жоржа Пети в Париже в 1906 и затмила все его предыдущие успехи. Были показаны почти 500 произведений -залитые солнцем пляже, пейзажи и портреты.
Хотя последующие крупномасштабные выставки в Германии и в Лондоне были встречены более сдержанно, но в Англии в 1908 году Соролла встретился с критиком Арчером Милтоном Хантингтоном, который предложил ему сделать выставку в Америке. Выставка прошла в Нью-Йорке в 1909 году и включала 356 картин, 195 из которых проданы. Соролла провел пять месяцев в Америке, где нарисовал более двадцати портретов.
В начале 1911 года Соролла посетил Соединенные Штаты во второй раз, были выставлены 161 картин в Институте Искусств в Чикаго. В том же году художник встретился с М. Арчером Хантингтоном в Париже и подписал контракт на серию картин о жизни в Испании.
Хантингтон предполагал работы, изображающие историю Испании, но художник
предложил картины о регионах Пиренейского полуострова и называл серию «Провинции Испании». Рисовал художник полотна на пленэре, отправляясь на поиски натуры в
Наварру, Арагон, Каталонию, Валенсию, Эльче, Севилью, Андалусию, Эстремадуру, Галицию, Гуипускоа, Кастилию и Леон. На каждой картине люди были одеты в местные науциональные костюмы. В 1917, по его собственному признанию, сюжеты и темы картин были исчерпаны. Он окончил работу к середине 1919 года.
В 1920 году, рисуя очередной портрет в своем саду в Мадриде, его разбивает инсульт.
Находясь

1830-е годы были очень ярким временем, причем в самом прямом смысле: платья, модные аксессуары, интерьеры - все было расцвечено великим разнообразием оттенков. Сейчас нам сложно даже представить, насколько богата была тогда цветовая гамма: в наше время даже специалисты порой не могут дать определение тому или иному оттенку или найти его точный аналог. Тогда же все многоцветие находило словесное выражение и малейший цветовой нюанс, упомянутый в журнальной статье, был понятен любой моднице. И конечно, ни один оттенок не мог быть заменен на другой, «близкий по цвету»: все они были единственными в своем роде.
В этой статье мы попробуем проследить за «модными» цветами 1830-х годов, богато представленными на страницах одного московского журнала - «Молвы». Как гласило полное название, это был «журнал мод и новостей, издаваемый при Телескопе». Он начал выходить в 1831 году и прекратил существование в 1836-м. Тем интереснее проследить за «жизненным циклом» цветов на таком кратком и ограниченном временном отрезке.
Рассказы о модных новинках, публикуемые в конце выпусков «Молвы», тогда честно именовались «Парижскими модами», поскольку по большей части основывались на известиях модных журналов, выписываемых из Франции. Таким образом, из Франции приходили и очень многие слова «модного» лексикона, а вместе с ними - и цветообозначения.

[показать] [показать] [показать]
Барышня-крестьянка
[показать] [показать]

Забавно, что если по каким-то причинам из Парижа не было известий, смотрители модных новостей сокрушенно восклицали: «Черная неделя моды!» (Молва 1832: 100). Конечно, это метафора, но она имеет свой «цветовой» смысл. Чистый черный цвет тогда воспринимался не иначе как траурный.
Большое внимание к цветовой гамме объясняется тем, что цвет в моде первой половины XIX века значил ровно столько же, сколько и фасон. «Вкус женщины выражается в том, как приколото ее перо, какого цвета ее платье или как оно сшито», - объясняет «Молва» (Молва 1834: 14). В сущности, цвет должен был аккомпанировать фасону. К тому же определенные цвета были «принадлежностью» тех или иных деталей туалета. Скажем, рединготы или мантильи в определенный сезон носились только двух-трех цветов, и не иначе. То же касалось ботинок, перчаток, шляпок. Встречались такие, например, строгие указания: «Ботинки должны быть палевого цвета» (Молва 1831: 126); «Cache-nez1 бывают пунцовые, оранжевые и зеленые» (Молва 1833: 59). И конечно же, из всех этих деталей в результате составлялась композиция - наряд, выстроенный по принципу сочетания цветов.
В начале 1830-х годов журнал «Молва» формулирует на своих страницах основной принцип современной моды: от жестких предписаний прошлых лет ее отличает бóльшая свобода. «Никогда еще мода не была так либеральна, как нынче; очевидно, что она шла за успехами века, освобождаясь и сама от тех смешных уставов, которые некогда предписывала нашим бабушкам. Тогда был только один вид, цвет, покрой - шаг за черту и не было спасения» (Молва 1832: 291). Теперь же, уверяют обозреватели мод, выбор велик и каждая дама может подобрать и цвет, и фасон, наилучшим образом подчеркивающие ее достоинства.
Как пишет Раиса Кирсанова, в интересующий нас период, то есть «с середины XVIII в. до 1840-х гг. все светлые тона, особенно для нарядных платьев, были очень популярны, и с каждым из них - голубым, розовым или желтым - были связаны разнообразные оттенки» (Кирсанова 1995: 192). Страницы «Молвы» подтверждают: это было очень многоцветное время. Расцветки по-настоящему праздничны - «нарядные цвета», как писали тогда (Молва 1833: 4). Даже из декоративных интерьерных вещей «преимущественно в моде те, кои делаются из разноцветных, смешанных каменьев» (Молва 1831. № 11: 15).
Основные тона, остававшиеся востребованными на протяжении всех шести лет существования «Молвы», - это белый, голубой, розовый, зеленый, желтый, лиловый, коричневый. Но, пожалуй, самое увлекательное - следить за изменяющимися оттенками основных цветов.

Читать далее

[показать]

Читать далее

[показать]

Читать далее

Вера в гражданские свободы и идеалы в конце 18 века, надежда на их осуществление в огне революции и крушение этих надежд, становление империи Наполеона – все это вызвало к жизни художественное направление, получившее название романтизма.
Романтизм был важной ступенью в развитии искусства всей Европы. Само название говорило о разрыве искусства с классическим наследием античности и повороте к народным традициям западноевропейского средневековья.
В сильных натурах сознание враждебности мира, в котором они живут, вызвало возмущение против существующего порядка. Оно выливалось в страстные публицистические стихи (Байрон, Гейне, Шелли), наполняло поэмы и романы темой тоски, одиночества и усталости, принимало резкую политическую окраску, выступая в защиту демократии, прав свободы личности. Его глашатаями были Гюго, Жорж Санд, русские поэты Рылеев, Бестужев-Марлинский, Одоевский, Кюхельбекер, Лермонтов. Гений Пушкина осветил все грани этого течения. Романтизм уходил в глубь истории, поэтизируя старину, окружая ее ореолом возвышенных чувств.

[показать] [показать] [показать]

Литературные журналы, газеты, театры, выставки искусств – все это было самым верным источником, питающим моду и модную промышленность. Стоило только свершиться какому-нибудь событию, имевшему общественный резонанс, как мода уже отвечала на него. «Корсар» Байрона произвел в общественном мнении, в театре и в модах значительное впечатление.
Восточные имена героинь его баллад перенеслись на холодные берега Невы и в далекую Москву. Головы женщин покрылись турецкими чалмами, греческими покрывалами, восточными полосатыми тканями. Появились накидки «корсар», духи «Корсар». В будуарах и гостиных поставили широкие диваны и тахты, застелили полы восточными коврами, набросали на них удлиненные подушки.
Мода очень тонка в своих нюансах, и если присмотреться, то все, что привнес романтизм в литературу, живопись и театр, получило отзвук в костюме. Внимательно вглядитесь в мужские портреты этого времени: Кукольника (Брюллова), Байрона, Пушкина (Тропинина и Кипренского), автопортрет Брюллова. Вам бросятся в глаза темные одежды, широко распахнутые мягкие воротники рубашек, волосы, свободно подставленные под ветер, небрежно накинутый плащ или клетчатый плед.
Каждый месяц журналы всех стран, и России в том числе, не только специально модные, но и литературные, публикуют модные картинки, советы, описания туалетов, рисунков на ткани, обычаи и все, что подвержено изменению ветреной моды.

Читать далее

Жорж Гурс (Сем) 1863 - 1934 известный плакатист художник, карикатурист, обозреватель светской хроники, иллюстратор и писатель.

[показать] [показать] [показать]

[показать] [показать] [показать]

Читать далее

Судьба выдающегося русского фотохудожника Андрея Осиповича Карелина (1837-1906) уникальна и в тоже время удивительно характерна для второй половины XIX века. Подобно Василию Перову он был внебрачным сыном крестьянки, как и Илья Репин, проявив склонность к рисованию, попал в обучение к иконописцам, вместе с Василием Суриковым ему повезло — нашелся добрый помещик, который отправил талантливого юношу учиться в Петербургскую Академию художеств. И, наконец, как и многие художники того и более позднего времени (скажем, Франтишек Дртикол или Арнольд Ньюман), он понял, что живопись не даст ему средств к существованию и начал заниматься фотографией: сначала для заработка, а потом и для души, пока это не стало основным делом его жизни.
После окончания учебы Андрей Осипович уезжает из Петербурга и, пожив некоторое время в Костроме, в 1866 году переехал в Нижний Новгород. Через три года он открыл фотоателье «Фотография и живопись».
Оглушительный успех ждал фотографа во время его европейского дебюта в 1876 году на Международной фотовыставке в Эдинбурге. В конкурсе участвовало около 6 тысяч снимков, присланных фотографами Европы и Америки, которые выставлялись без указания авторов. Члены жюри разошлись во мнениях: достойными золотой медали были признаны две работы. Каково же было удивление судей когда, вскрыв конверты с именами авторов, они узнали, что обе фотографии принадлежали мало кому известному фотографу из России Андрею Карелину! В этом же году он получает медали на Специальной выставке французского фотографического общества в Париже и на Всемирной международной выставке в Филадельфии. «Своими высокохудожественными снимками», — писали русские газеты, — «Карелин привлёк внимание не только русских знатоков художества, но был оценён по достоинству и на всемирных выставках. Он доказал всему свету своими композициями, что художества и фотография стоят в самой непосредственной связи».

[показать]

Одной из причин успеха портретов и бытовых сцен Карелина была разработанная им методика обеспечения глубины резко изображаемого пространства. В то время не существовало объективов для съемки жанровых сцен, герои которых находятся на разном удалении от фотоаппарата. Эталонными считались работы английского фотохудожника Генри Робинсона, использующего комбинированную печать с нескольких негативов. Карелин пошел по другому пути. Изучив оптику и законы освящения, экспериментируя со светом, а также с различными объективами и добавочными линзами, изменяющими фокусное расстояние, он добился отличной проработки всех деталей в свете и в тенях. Впервые на одном негативе получилась законченная многоплановая жанровая картина и это стало настоящей сенсацией. На Парижской всемирной выставке 1878 года русскому эксперту-фотографу Сергею Львовичу Левицкому пришлось доказывать, что снимки Карелина отпечатаны с одного, а не с нескольких негативов. «Способ его, высоко ценившийся и имеющий целью достичь равномерно распределенной резкости при не особенно сильном освещении, был предметом догадок для многих, но сущность его осталась неизвестной», — писал немецкий фотожурнал.
До самой смерти Андрей Осипович Карелин много работал: фотографировал, участвовал в выставках, учил начинающих художников и фотографов (одним из его учеников был знаменитый русский фотограф Максим Петрович Дмитриев). Он был членом большого числа различных обществ: Нижегородского общества любителей художеств, Императорского общества любителей естествознания, антропологии и этнографии, 5-го (фотографического) отдела императорского Русского технического общества, Русского фотографического общества в Москве, Французской национальной академии искусств. Андрей Осипович много сделал для развития российского и мирового фотоискусства.

Читать далее

[показать]

Предлагаю,кому интересно ,пройти ниже пр двум ссылочкам- там две игры по истории моды.
1- даны детали одежды- нужно составить правильно костюм по определенным временным промежуткам 19 века
http://www.mccord-museum.qc.ca/en/keys/games/jeu2/

2.Даны уже готовые картинки- нужно их составить выше в квадратики по годам 19 века.
http://www.mccord-museum.qc.ca/en/keys/games/jeu2_2/

Удачи !

Н.В.Гоголь в своем "Невском проспекте" смог передать модные тенденции 30-х годов 19 века.Петербург заиграл перед нами всеми красками-бедность и богатство, порочные кокотки и заносчивость аристократов-все переплелось и завязалось в тугой узел столичной жизни. Хочу вас кротко ознакомит словами самого же Николая Васильевича , а иллюстрации-дамские модные журналы того времени.

Нет ничего лучше Невского проспекта, по крайней мере в Петербурге; для него он составляет все. Чем не блестит эта улица - красавица нашей столицы! Я знаю, что ни один из бледных и чиновных ее жителей не променяет на все блага Невского проспекта. Не только кто имеет двадцать пять лет от роду, прекрасные усы и удивительно сшитый сюртук, но даже тот, у кого на подбородке выскакивают белые волоса и голова гладка, как серебряное блюдо, и тот в восторге от Невского проспекта. А дамы! О, дамам еще больше приятен Невский проспект. Да и кому же он не приятен? Едва только взойдешь на Невский проспект, как уже пахнет одним гуляньем. Хотя бы имел какое-нибудь нужное, необходимое дело, но, взошедши на него, верно, позабудешь о всяком деле. Здесь единственное место, где показываются люди не по необходимости, куда не загнала их надобность и меркантильный интерес, объемлющий весь Петербург. Кажется, человек, встреченный на Невском проспекте, менее эгоист, нежели в Морской, Гороховой, Литейной, Мещанской и других улицах, где жадность и корысть, и надобность выражаются на идущих и летящих в каретах и на дрожках. Невский проспект есть всеобщая коммуникация Петербурга. Здесь житель Петербургской или Выборгской части, несколько лет не бывавший у своего приятеля на Песках или у Московской заставы, может быть уверен, что встретится с ним непременно. Никакой адрес-календарь и справочное место не доставят такого верного известия, как Невский проспект. Всемогущий Невский проспект! Единственное развлечение бедного на гулянье Петербурга! Как чисто подметены его тротуары, и, боже, сколько ног оставило на нем следы свои! И неуклюжий грязный сапог отставного солдата, под тяжестью которого, кажется, трескается самый гранит, и миниатюрный, легкий, как дым, башмачок молоденькой дамы, оборачивающей свою головку к блестящим окнам магазина, как подсолнечник к солнцу, и гремящая сабля исполненного надежд прапорщика, проводящая по нем резкую царапину, - все вымещает на нем могущество силы или могущество слабости.

[показать] [показать]

Какая быстрая совершается на нем фантасмагория в течение одного только дня! Сколько вытерпит он перемен в течение одних суток! Начнем с самого раннего утра, когда весь Петербург пахнет горячими, только что выпеченными хлебами и наполнен старухами в изодранных платьях и салопах, совершающими свои наезды на церкви и на сострадательных прохожих. Тогда Невский проспект пуст: плотные содержатели магазинов и их комми еще спят в своих голландских рубашках или мылят свою благородную щеку и пьют кофей; нищие собираются у дверей кондитерских, где сонный ганимед, летавший вчера, как муха, с шоколадом, вылезает, с метлой в руке, без галстука, и швыряет им черствые пироги и объедки. По улицам плетется нужный народ: иногда переходят ее русские мужики, спешащие на работу, в сапогах, запачканных известью, которых и Екатерининский канал, известный своею чистотою, не в состоянии бы был обмыть. В это время обыкновенно неприлично ходить дамам, потому что русский народ любит изъясняться такими резкими выражениями, каких они, верно, не услышат даже в театре. Иногда сонный чиновник проплетется с портфелем под мышкою, если через Невский проспект лежит ему дорога в департамент. Можно сказать решительно, что в это время, то есть до двенадцати часов, Невский проспект не составляет ни для кого цели, он служит только средством: он постепенно наполняется лицами, имеющими свои занятия, свои заботы, свои досады, но вовсе не думающими о нем. Русский мужик говорит о гривне или о семи грошах меди, старики и старухи размахивают руками или говорят сами с собою, иногда с довольно разительными жестами, но никто их не слушает и не смеется над ними, выключая только разве мальчишек в пестрядевых халатах, с пустыми штофами или готовыми сапогами в руках, бегущих молниями по Невскому проспекту. В это время, что бы вы на себя ни надели, хотя бы даже вместо шляпы картуз был у вас на голове, хотя бы воротнички слишком далеко высунулись из вашего галстука, - никто этого не заметит.

Читать далее

Французское слово «redingote» происходит от английского названия верхней одежды для езды «riding-coat». Костюм отличается характеными признаками: высокий воротник и пелерина, предохраняющая от дождя, прямые неширокие рукава на манжетах, вертикально расположенные карманы и двойная застежка. Английский мужской костюм для езды обычно шился из темного сукна. Но в музеях хранятся и образцы из светлых тканей, украшенные богатой вышивкой.
Как и зачем появился редингот? В XVIII веке французской придворной моде подражала аристократия всей Европы. Из Парижа в Лондон регулярно присылали две восковые куклы, которые демонстрировали последнюю моду для женщин и мужчин. Англичане вносили в нее изменения в соответствии со своим строгим и сдержанным стилем. Изысканные и дорогие французские ткани, кружево и вышивка заменялись на сукно или другие шерстяные ткани, чаще всего темных тонов. Носили одежду почти без украшений. Но случалось и обратное: французы заимствовали образцы одежды северного соседа, переосмысливали их, придавая им изысканность и блеск.

[показать] [показать]

В 1783 году, после подписания Версальского мирного договора, восстанавливались прежние экономические связи между двумя странами, и после семилетного перерыва французское общество вновь начало проявлять интерес к британской культуре. В женскую моду вошли и надолго задержались там английские ткани из хлопка, так как модным стал белый цвет. Простота и строгость, характерные для английского костюма, нашли во Франции благоприятную почву. Здесь все заметнее чувствовалась склонность к большей сдержанности. В это время лаконичный редингот получил небывалое распространение. Но костюм для езды получил другой характерный вид. Он превратился в длинное мужское платье для прогулок, которое сохранило прежний крой и элементы: высокий воротник, пелерина, неширокие рукава с манжетами, карманы, расположенные вертикально в боковых швах, и двойная застежка. Изменились и ткани. Французские аристократы предпочитали яркие цвета. Практичная и удобная одежда нравилась и буржуазии. Рединготы шили преиумщественно из сукна или других шерстяных тканей синего, зеленого, но в основном кофейного цвета.

[показать] [показать]

Мода на редингот быстро распространилась по всей Европе. Приблизительно в то же время и женщины Франции восприняли редингот как верхнюю одежду. Женщины носили редингот поверх платьев с широкой юбкой. Редингот застегивался до талии, а ниже расходился, оставляя открытой большую часть юбки. Для пошива редингота использовались яркие ткани, преимущественно в полоску.
В период Французской революции 1789 года женский редингот уже выглядел по-иному: стал темным, однотонным, плотно облегал фигуру, из-под прямого воротника выглядывал шарф-жабо. Именно тогда во Франции для представительниц аристократии и буржуазии стало удобнее и безопаснее передвигаться по улицам Парижа в нейтральных, не бросающихся в глаза рединготах. Кроме того, мужской покрой отвечал идее эмансипации женщин, общей идее, охватившей французов в первые годы революции.

Далее -небольшой коктейль из литературы разных времен с упоминанием редингота
Использованы кадры из фильма Гордость и предубеждение, Остаться в Остин, сканы модных журналов 19 века,картины художников 19 века-J.-L. David,Sir Thomas Lawrence,Michel Martin Drolling,John Rubens Smith и др., портреты M. Philibert Rivière, Pierre Guérin (художник),Claude-Marie Morin и др.

Читать далее

Автор первых 5-и фотографий-Pasqual Sébah-один из самых именитых фотографов Оттоманской империи 19 века. Последующие авторы,увы,мне неизвестны.

[показать]

Читать далее