Свободный танец (также пластический, ритмопластический) — возникшее в начале ХХ века движение за освобождение от конвенциональности прежнего балетного театра и слияние танца с жизнью. Свободный танец стоял у истоков танца ХХ века; в нем были сформулированы принципы, на которых отчасти основывались танец модерн и джаз-модерн, контемпорари/contemporary, и даже буто и контактная импровизация.
Создателей свободного танца объединяло не только желание превратить его в высокое искусство, имеющее равный статус с музыкой или живописью, но и особое мировоззрение. Все они в той или иной степени восприняли идею Ницше о танце как метафоре свободы и танцоре как воплощении раскрепощенного и творческого духа. Для основателей свободного танца танец стал особой философией, от которой они ожидали трансформации жизни. Айседора Дункан (1877—1927) мечтала о новом человеке, для которого танец будет так же органичен, как и другие повседневные дела, о женщине будущего — обладательнице «самого возвышенного разума в самом свободном теле».
Одним из идейных источников свободного танца стало движение за физическое совершенствование, раскрепощение тела. Его сторонники искали источник возрождения в природе, призывали к естественности, освобождению человека от требований, налагаемых на него современной цивилизацией. На рубеже XIХ и ХХ веков появились разнообразные системы физических упражнений — гимнастики Рудольфа Боде и Фребеля; возник интерес к спорту: именно тогда де Кубертэн возобновил Олимпийские игры. Француз Франсуа Дельсарт (1811—1870) — театральный актер, певец, преподаватель музыки и создатель новой гимнастики — провозгласил, что у тела есть собственный язык; после него стало ходовым выражение «поэзия тела». Распространялось увлечение античностью, в которой совершенствованию тела придавалось огромное значение. Идеалом Дункан были «прекрасно естественные» движения античной пляски, простые движения ходьбы и бега. Она первой из танцовшиц отказалась от корсета и трико и выступала в одежде, не мешающей движениям, — тунике.
Другим источником свободного танца стала ритмика Эмиля Жака-Далькроза (1865—1950). Преподаватель музыки и пения из Женевы, он вначале использовал обучение ритму как подготовку к игре на музыкальном инструменте. Позже Далькроз стал пропагандировать ритмику и как способ воспитания воли, укрепления физического и душевного здоровья, гармонического развития человека.
Еще одним реформатором из тех, кто использовал для своих целей танец, был Рудольф Штайнер (1861—1925). Хотя созданная им антропософия стояла гораздо ближе к христианству, чем к античности, для него также идеалом была гармония человека с природой, космосом. Он изобрел свою систему движений — эвритмию — наполненный символическим значением танец не только под музыку, но и «под слово», или стихи.
Как и Дункан, Далькроз и Штайнер, Рудольф Лабан (1879—1958), которого считают одним из отцов-основателей танца модерн, осознавал себя не просто танцором, а строителем новой культуры. Этот сын генерала Австро-Венгерской империи мечтал о новых формах коллективной жизни — коммунах, в которых на праздниках все жители будут собираться в огромные танцующие хоры. Он и сам основал такую коммуну в местечке Монте Верита в итальянской Швейцарии.

Niddy Impekoven
Gret Palucca
Vera Skoronel
Anita Berber

[показать] [показать] [показать] [показать]

Читать далее

Статья сугубо специфическая, но я ее оставляю из-за полезной терминологии.Полностью ее можно посмотреть по ссылке ниже. Картины моды XVIII века для удобства просмотра.Художник Michel Garnier и British mezzotint satires


Кринолин, корсаж, неглиже, камзол, шмиз, шлафрок, фонтаж, ангажант - такова лишь малая часть тех слов, которые были заимствованы русским языком в XVIII-XIX веках для обозначения различных деталей немецких, французских и английских костюмов, попеременно становившихся модными в России.
Мир костюма — это мир слов. Они звучат загадочно и необыкновенно для непосвященного человека. «Кринолин», «панье», «карако», «боа», «пет-ан-лер» — слова иногда завораживают и привлекают раньше, чем сами вещи. Посредством слова происходит знакомство и понимание культуры, истории и бытовых традиций. Каждая культура создает свой язык костюма. В каждом языке есть поэзия и мудрость, и в любом названии заложен свой смысл и своя история. Но как донести поэзию и смысл языка чужой культуры без потерь и ошибок? С этой сложной задачей приходится справляться переводчику.
В русском языке слова, обозначающие детали одежды, ее формы, названия тканей и другие термины, которые можно объединить общей темой «костюм», в основном иностранные или производные от них, измененные на русский манер. Большая их часть пришла из французского языка вслед за французской модой в XVIII–XIX веках (корсаж, неглиже, камзол, шмиз), много английских слов (блузка, гетры и др.)
XVIII век — время формирования русской модной лексики. Европейское платье, «введенное в моду» указами Петра, было немецким или голландским вариантом французского, поэтому среди названий разных предметов этого нового стиля были в том числе немецкие слова (например, шлафрок). Продолжали пользоваться и лексиконом старого русского костюма, обозначая новую одежду по принципу внешней аналогии.
К середине 1720-х годов влияние французской моды, распространившись по Европе, захватило и русское высшее общество. Хотя попрежнему наиболее тесные связи, политические и родственные, у русского двора были с дворами немецких князей, французский язык и французский стиль становились все популярнее. И модницы петровского времени в письмах за границу просят привезти им «фонтанжи» и «ангажанты», а не «чепцы» и «оборки для рукавов». В 1730-е годы уже появляется сатирическая литература о щеголях, изъясняющихся на коверканом французском, который становится в это время языком модного света и моды.
Французский костюм всегда отличался чрезмерностью в отделке, сложным и тонким узором тканей. Английская мода, напротив, более сдержанная, строгая, приспособленная к прохладному климату. У российского европеизированного платья тоже были свои особенности. Иностранцы в течение всего столетия отмечали смешение стилей в русской моде: одного забавляло «безвкусное подражательство» французским обычаям, другого завораживало обилие золотых и серебряных кружев и галунов в одежде придворных, а третьего удивляло соседство на столичных улицах невиданных прежде меховых одеяний и клетчатых плащей, напоминавших о родной Шотландии.

[показать] [показать] [показать]

Элементы английского стиля, возможно более близкого российским условиям, начали проникать в Россию в конце XVIII — начале XIX века, тогда же в русский язык пришло много английских слов, относящихся к костюму.
Русский язык всегда легко принимал новую лексику, подчинял ее своим грамматическим правилам, и только некоторое время спустя происходило настоящее осознание необходимости того или иного слова. Насильственное исключение иностранных слов не имело успеха: всем известно о попытке славянофилов в начале XIX века заменять их кальками, например калоши называть мокроступами. Но живой язык нельзя изменить искусственно, слова рождаются и умирают с естественным ходом истории, и на смену им приходят другие.
Читать далее

Нашла сайт со множеством кукол,изображающих исторических личностей.
Парочка примеров.
Анна Болейн и Елизавета Тюдор
[400x576]

Читать далее

По ссылке больше
http://finavondolls.com/collection/

[699x462]

Читать далее

Фильм Jefferson In Paris (1995)
[699x397]

еще одна

[530x699]

Читать далее

Это цитата сообщения Парашутов Оригинальное сообщение

А ТЕПЕРЬ РАССМОТРИМ МИХАИЛА НЕСТЕРОВА И МИХАИЛА ВРУБЕЛЯ.

Михаил Нестеров
Видение отроку Варфоломею
Первая картина является первым вариантом (правда, еще пишут, что это эскиз!), написана она в 1889 году, вторая писалась 2 года - в 1889-90 годах. Обе картины находятся в Третьяковской галерее.

[показать] [показать]

Михаил Нестеров
Георгий Победоносец
Первая картина написана в 1908 году (Третьяковка), год создания второй неизвестен, известно, что находится она в Русском музее и писалась для росписи церкви святого А.Невского в Абастумане в Грузии.
Читать далее

Это цитата сообщения Парашутов Оригинальное сообщение

ОТ ЗАМЫСЛА К ВОПЛОЩЕНИЮ (ЧАСТЬ 2)

РУССКИЕ ХУДОЖНИКИ МОДЕРНА.

Немного искусствоведения:

Эпоха русского модерна, недолговечная по времени, оставила нам великолепные образцы национального зодчества, монументально-декоративного и прикладного искусства, живописи, скульптуры, графики, сценографии, печатных изданий, костюма, посуды, изумительных по красоте ювелирных изделий.

Новый стиль—модерн стал складываться в 90-х гг. XIX в. в Европе.
Его идеолог А. Ван де Вельде писал в 1894 г.: “...художники, слывшие до сих пор “декадентами”, превратились в борцов, которые кинулись в поток новой, многообещающей религии”.

Стиль модерн рождался в атмосфере глубокой неудовлетворенности существующим искусством. Романтизм, некогда обещавший так много, остался лишь прекрасной эстетической утопией.
По сложившейся традиции модерн часто рассматривают или слишком формально как систему орнаментации, или слишком “философично” как проекцию на искусство идей А. Бергсона, 3. Фрейда, Ф. Ницше, Т. Липпса.
И то и другое неверно. Модерн не сводится к декоративизму, его своеобразие заключалось в том, что он сам был “художественной философией”, выраженной несколько запутанным языком символизма.

Модерн предложил грандиозную “перестройку”- искусства. Однако многое оказалось нереализованным, и самое существенное то, что стиль этот просуществовал недолго, всего около 10— 15 лет. Поэтому модерн остался в истории искусства серией уникальных образцов, имеющих, как правило, парадоксальный характер.

Модерн начинался в различных видах искусства и начинался несистематически; его первые шаги можно видеть в керамике П. Гогена, и в картинах Ж. Сёра, и в
“Данаиде” О. Родена, и в архитектуре А. Гауди, и в стенных росписях Дж.
Уистлера, и в эскизах М. Врубеля — произведения 80-х гг. XIX в.
Уже в 90-е гг. модерн сознательно ориентируется на равноправие всех видов искусства. Модерн принципиально ориентировался на универсальную одаренность художника; его работа в разных видах искусства только приветствовалась.
Поэтому архитектор выступал как живописец и как мастер декоративных ремесел; живописец занимался скульптурой (вспомним универсальную деятельность ван де Велде, Ч. Р. Макинтоша, художников группы “Наби”, М.Врубеля, С. Выспяньского, А. Майоля, Г. Гимара). Эти мастера мыслили творчество синтетично, и в этом был залог их успеха.

В России модерн представляло художественное объединение «Мир искусства», сформировавшееся в конце 1890-х.

[699x405]

Б. М. Кустодиев. Групповой портрет членов объединения Мир искусства. 1916—1920. Русский музей, СПб
Читать далее

Emile Galle

[375x475]

Читать далее

Пожалуй, никогда прежде в истории, ни один архитектурный или дизайнерский стиль не оказывался столь тотально востребованным, одобренным и сверхпопулярным. Понадобилось всего три года, чтобы лучшие дома Парижа и Лондона были декорированы, обустроены, а то и перестроены в модной стилистике. Ведущие архитекторы, стилисты, декораторы и художники заполнили свои книги заказов на десятилетия вперед, а число жаждущих «модернизации» все не уменьшалось. Что же случилось с миром? Почему он в одночасье­ заболел модным стилем, или наоборот, прозрел и исцелился, как считали адепты модерна?
Рождение нового стиля ознаменовало наступление века великих перемен, когда в жизнь людей уже прочно вошли машины и полным ходом шла промышленная революция. Мир стремительно развивался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее. Дома и интерьеры даже самых богатых и титулованных людей были перенасыщены признаками надоевшего историзма. Викторианские гостиные помпезно «раздували щеки» в готических домах, а об интерьерном единстве стиля художники и дизайнеры могли только мечтать...
Появление влиятельного среднего класса привело к росту спроса на изящные вещи. машинный век был способен насытить этот спрос товарами массового производства; однако тиражирование красоты привело к неразборчивости и безвкусице. В поисках новых решений нещадно эксплуатировались все без исключения исторические периоды, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика ХV.

[показать] [показать] [показать] [показать]

Сегодня трудно точно сказать, кому же первому пришла в голову мысль попытаться увязать воедино архитектуру дома, его убранство, мебель, интерьерные мелочи, вплоть до столовой ложки, униформы лакея и обеденного платья хозяйки, но, скорее всего, именно этот безвестный герой и стал прародителем модерна. Вероятно, его попытки были не столь удачны, как эксперименты его талантливых последователей, но сам принцип «стилевого объединения» мгновенно вошел в моду.
Просвещенный мир пришел в полный восторг. Европейские улицы сплошь и рядом стали украшать особняки, созданные, что называется, «на одном дыхании». От чертежа, эскиза здания и до последней черепичины на крыше, до носика рукомойника это были завершенные, полноценные художественные проекты.
Развитию западно-европейского стиля архитектуры XIX – начала XX века значительно способствовали и достижения металлургической промышленности и возникновение новых строительных материалов.
На творчество архитекторов существенно повлияли возможности металла. Впервые металл стал использоваться в строительстве зданий и мостов как каркасная основа. Дело в том, что такая конструкция позволяла применять большое количество стекла, что придавало постройкам легкость и воздушность. Кроме этого, появилась возможность возводить многоэтажные дома и павильоны. Успешное применение новых, а впоследствии ставших важнейшими, строительных материалов – бетона и железобетона – перевернуло все последующее развитие архитектуры.
Читать далее

Это цитата сообщения La_belle_epoque Оригинальное сообщение

Модерн в архитектуре Латвии

[500x220]

Остальные фотографии

Первую строчку в рейтинге лондонских магазинов занимает универмаг Harrods, причем в путеводителях он описан в разделе “Достопримечательности”. Это такой же символ Лондона, как Биг Бен, и рассказ о нем часто начинается со слов “Посетить обязательно”. Путеводители не обманывают. Это один из самых роскошных и огромных магазинов мира. Harrods основан в 1861 г. как простая лавочка “Ч. Хэррод, бакалея”.В 1861г. Чарльз Дигби Хэррод вступил во владение маленьким магазином своего отца, и на витрине появился знак "Ч.Д. Хэррод, бакалея". Бизнес процветал, и в 1880 году персонал достиг 100 человек. Бизнес оказался успешным. В наши дни шестиэтажный Harrods занимает целый квартал на Brompton Road, и им владеет арабский миллиардер Аль-Файед.
Трудно сказать, чем является Harrods — музеем или магазином. Туда можно пойти и за покупками, и на экскурсию, причем одного дня на осмотр не хватит. В торговых залах викторианский декор, золоченые сфинксы и мраморные прилавки. Ассортимент впечатляет не меньше обстановки. В роскошных интерьерах продается все — от скрипки до сыров с плесенью разнообразных оттенков. Невиданное разнообразие снеди со всего мира потрясает. Кондитерские секции вообще невозможно описать обычными словами! Устав от осмотра деликатесов, в Harrods можно перекусить. Кафе попадаются на каждом этаже.
Harrods работает под девизом “Всем, каждому и абсолютно все”. Как-то в СМИ была информация, что в Harrods появилась партия духов стоимостью $200 тыс. за флакончик. Вся партия самого дорогого в истории аромата состояла из 10 хрустальных флакончиков, а стоимость включала доставку покупки на “Роллс-Ройсе”. Если духи дороговаты, можно посетить Harrods во время распродаж. Поскольку скидка достигает 80%, очередь в магазин занимают задолго до его открытия. Да и после распродаж нечего бояться здешних цен. На крупную вещь денег, может, и не хватит, но многие товары вполне доступны. 200-граммовая упаковка чая стоит 1,95 фунта (около 100 руб.), складной зонтик потянет на 16 фунтов. А самое главное — дарить сувениры, купленные в этом универмаге, и небрежно говорить: “А это я купила в Harrods...”
Долгое время именно здесь предпочитали делать покупки члены королевской семьи. Теперь их расположение отдано «Harvery Nichols», что находится буквально через дорогу от «Harrods».
Не пытайтесь войти в «Harrods» в грязных джинсах или небрежно одетым, у этого универмага есть свои правила, которые гласят: «не разрешается вход в магазин лицам, одетым в рваные джинсы, короткие бермуды, купальные костюмы, очень открытые майки, велосипедные шорты, а также явившимся босиком или во вьетнамках, в грязной или вызывающе выглядящей одежде». Даже для Микка Джагера служба безопасности не стала делать исключения и выставила его вон из магазина за то, что его одежда не соответствовала их требованиям.
Harrods -- это застывший во времени кусочек старой доброй Англии посреди современного Лондона. Отделанные деревом в стиле эдвардианской эпохи бутики, знаменитые чайные комнаты Harrods, где всегда пять пополудни, как в кэрролловской сказке,-- все это заставляет забыть, что за стенами магазина XXI век. Harrods живет по своим законам и в своем времени.
Даже дети в поражающем воображение отделе игрушек Harrods не ноют и не канючат, а просто молча глазеют по сторонам. Если кто и позволяет себе вести себя несдержанно, так это лишь попугаи и обезьяны в отделе домашних животных.
Harrods славится рекламными акциями. Разумеется, лучшей рекламы, чем трагическая история любви и гибели сына владельца магазина и принцессы Дианы, не придумать. Но это уж так вышло. А вообще-то, поводом для рекламы может стать любое заметное событие. Например, случилась у русских перестройка -- и винный отдел Harrods пополняется крымским портвейном урожая 40-50-х годов. Или вышла телепередача "Большой брат" (в русской версии -- "За стеклом") -- и в витрину магазина, обставленную самой передовой бытовой техникой (вроде холодильника с выходом в интернет), на неделю приглашают пожить "среднюю английскую семью". А то и совсем пустяковый повод: в отдел мужской обуви поступила пара туфель от Стюарта Вайцмана за 700 тыс. фунтов стерлингов ($1 млн).
Harrods впечатляет не только ассортиментом товаров, но и перечнем услуг. Здесь делают торты на заказ, настраивают рояли, дают советы по подбору продуктов в соответствии с индивидуальной диетой, перетягивают струны на теннисных ракетках, чинят зажигалки и украшают вещи личной монограммой.
[597x699]

Читать далее

Заботы о внешнем виде древне римских женщин становятся настоящим наслаждением. Под это занятие в доме даже отводилась специальная комната, своего рода лаборатория со столами, заставленными разнообразными горшочками, флаконами, ручными зеркалами (по возможности золотыми и серебряными) и часто оснащенная большим зеркалом, в котором можно рассмотреть себя с головы до пят.
Чтобы скрыть предательские отметины возраста, римская дама крепила во рту с помощью золотых нитей зубы из золота или слоновой кости. Затем следовало отбелить лицо с помощью различных притираний. Наилучший эффект давала мазь на основе экскрементов крокодила, а также свинцовый порошок, смешанный с пастой, привозимой с Родоса. Но последнее притирание, к сожалению, плавилось под лучами солнца. Мел, разведенный в кислоте, не боялся солнца, но смывался дождем.
Немного румян, приготовленных из красной селитры и киновари, окончательно позволяли добиться эффекта юношеской свежести. Паста из жирной сажи давала возможность подкрасить ресницы и подчеркнуть их стрелками. Кусочек угля использовался для черне¬ния бровей. Некоторые дамы предпочитали красить веки шафраном.
С помощью вяжущей пудры боролись с потоотделением. Овидий говорил об этом: «Пусть из подмышек твоих стадный не дышит козел». Крем-депилятор позволял избавиться от «грубых волос» в области подмышек и на ногах, а паста из бобов разглаживала кожу и морщины. Чтобы освежить дыхание, следовало пососать несколько пастилок из мирта и мастикового дерева, замешенных на старом вине, или ягоды плюща и мирры.
Но этих приготовлений было недостаточно, чтобы сохранить свежесть кожи. Вечером полагалось наложить на лицо маску из цветочной муки или хлебный мякиш. Можно было также смешать яйца и ячменную муку, высушив и растерев смесь на мельничном жернове; туда добавляли тертый сброшенный весной олений рог, винный камень, толченые луковицы нарциссов, пшеничную муку, мед — и припарка была готова. Другие дамы предпочитали мазь на основе жира, собранного с шерсти овцы, но этот жир, перетопленный 2 раза и выбеленный на солнце, был неудобен тем, что сохранял слишком сильный запах. При Августе были открыты чудодейственные свойства ослиного молока.

[показать] [показать] [показать] [показать]

сплошные прерафаэлиты

Просто не смогла пройти мимо такого.Уж больно стильно и вызывающе смотрится :) Сплошной гламур и эпатаж. Дальше будет основная ссылка-сходите-там и мебель,и еще много чего.


[699x522]

[451x600]

Читать далее

Острижен по последней моде.
Как денди лондонский одет.
И наконец увидел свет.
Он по-французски совершенно
Мог изъясняться и писал;
Легко мазурку танцевал
И кланялся непринужденно.
Чего ж вам больше? Свет решил,
Что он умен и очень мил.

А.С.Пушкин



В начале 19-ого столетия зарождается новый культурный феномен, как некая форма сопротивления аристократии наступающим вкусам буржуазии. Стремлению буржуа считаться с общепринятыми моральными нормами и художественными вкусами, денди противопоставляют культ своеобразной личности, враждебной «тривиальности», и манерной пошлости. Вульгарной моде и грубоватому укладу была противопоставлена изысканность внешности, манер и обстановки; его респектабельности и строго фарисейской нравственности — аморальность и демонизм.
Явление зародилось не спонтанно, а в силу перечисленных выше необходимостей, и у истоков этого движения стояли не франты, а вполне серьезные личности, которых действительно волновал нарождающийся кризис буржуазного общества и опасность распада культуры общества вследствие снижения самой формы культуры. После Французской революции дворянство перестало быть слоем, формирующим культуру общества. За счет развития современной философии, задающая тон буржуазия утрачивает свой религиозный и нравственный фундамент. Само время требовало призывов к гуманной нравственности и нравственной гуманности, придавая себе форму эстетической светскости, утонченного облагороженного вкуса. Время предполагало создание идеала достойной человека формы. У древних греков это называлось Paideia, у римлян - Humanitas. Такие формы появились на Западе в процессе распространения христианства и впервые должным образом осуществились в рыцарском обществе около 1200 года. Поэтому дендизм не возник как исключительно модное явление. Он таковым стал, скорее как аномалия модной среды.
И главным проводником этих идей стал Джон Бреммель, собственной позицией и личным примером доказав превосходство собственных позиций и инфицировав дендизмом английское общество.
Естественно не стоит излишне демонизировать фигуру Бреммеля. Его естественные для ситуации позиции и здравые идеи разделяли многие прерафаэлиты и по мере возможностей прилагали усилия для окультуривания масс. Джон Рескин, писатель и критик пуританского происхождения (1819-1899), в одном из своих главных детищ, журнале «Fors Clavigera» (1871-1884), апеллировал в основном к английским рабочим и давал рекомендации по эстетической огранке естественной жизни и ее облагораживанию. Художники и поэты, такие, как Данте Габриел Россетти (1828-1882) и Уильям Моррис (1834-1896), не только создавали идеалистическое искусство, но и формировали и блюли художественный вкус своего времени. Так, например, Моррис писал об «Искусстве народа» и о «Красоте жизни». Все усилия были направлены на преодоление бытийного пессимизма.
Но Джордж Броммель был исключительной фигурой идеально подходившей для воцерковления как спасителя именно высшего сословия. Именно он, будучи теоретиком и пркатиком дендизма, ввел в моду «приватное мытье» и обязал модников носить белоснежную рубашку, которую следовало менять несколько раз в день. Сам Джордж Бреммель, по слухам, принимал ванну ежедневно, что многих шокировало. И именно он, будучи буржуазного происхождения, построил всю свою жизнь как борьбу с чуханизмом и вульгарщиной. И сформулировал свой собственный кодекс поведения, который в будущем трансформировался в моду дендистов.

[472x699]

ВОРНИНГ !!!! ВСЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ СОВРЕМЕННЫЕ

Это цитата сообщения my_sea Оригинальное сообщение

Слегка фривольно...:)

Скандальные клубы

[194x240]
Portrait of the Marquise de Lamure


Во многих отношениях это был век сплетен и скандалов. Журналисты, которые вели в парижских газетах отделы светской хроники, объединились в клуб, получивший название La Paroisse. Члены клуба собирались каждый вечер, рассказывали пикантные анекдоты, услышанные за день; после обсуждения лучшие из этих историй записывались в одну из двух лежавших посреди салона открытых книг. Одна из них предназначалась для случаев, о которых было точно известно, что они имели место на самом деле, другая — для тех, достоверность которых вызывала сомнения. В конце недели выдержки из обеих книг печатались на отдельных листках, распространением которых занимался Жиль, слуга редактора La Paroisse мадам д'Аржанталь. Не было ни одного будуара, ни одного алькова в столице, куда бы не просачивались эти листки, давая пищу для фривольных бесед, которые кавалеры вели со своими возлюбленными, пока те занимались утренним туалетом. Комментарии — возмущенные или одобрителные — отправлялись членам клуба, которые за ужином весело смаковали их.
В 1752 году эти ходившие по рукам листки превратились в нечто до того неприличное, что полиция запретила их выпуск. La Paroisse чихать хотела на этот запрет. На следующий год министр внутренних дел обратил на «это скандальное издание» внимание начальника полиции, Беррье, и слуга-распространитель Жиль несколько недель провел в заключении.

[266x240]

Francois Boucher

Не было недостатка в компаниях любителей поразвратничать и повеселиться. Одной из них, называвшейся « Веселое общество» , принадлежала идея календаря в форме Пособия для любовников, на картинках которого, в отличие от обычных календарей, были изображены жительницы столицы, прославившиеся своими галантными похождениями. Авторы этого издания придерживались мнения, что вид «молодой привлекательной блондинки» действует на воображение сильнее, нежели, скажем, изображение бородатого св. Николая. Так что «Playboy» отдыхает, демонстрируя полное отсутствие новой идеи и креативности:) . «А посему святых, вместе с одиннадцатью тысячами дев, мы отошлем в рай, а их место в календаре предоставим менее суровым красавицам. Первое место будет отдано дворянкам, третьему сословию достанутся все пятницы, а субботы и воскресенья мы посвятим куртизанкам. Почетное место будет отведено для герцогинь и маркиз, которые всегда задавали тон в том, что касается плотских услад, а постные дни прибережем для мещанок, привыкших жить в атмосфере воздержания. Вдобавок к этим новшествам, все церковные праздники, посвященные печальным и мрачным событиям священной истории, будут заменены на веселые, более подходящие для их новых, жизнерадостных патронов. И да воздаст им должное всякий француз! Праздник Обрезания Господня будет зваться отныне Праздником Крайней плоти. Праздник Очищения второго февраля станет Праздником биде (многие молодые дамы именовали биде своим духовником). Двадцать пятое декабря будет отмечаться как Праздник рогоносцев". Создатели «Hastler»*а нервно курят в углу, не им тягаться с весельчаками 18-го века! [показать]
[320x219]
Francois Boucher Leda

Далее распутные авторы нового календаря позволяют себе высказывать вещи даже еще более святотатственные, но я думаю, чтобы получить представление о времяпровождении Общества весельчаков, более чем достаточно и приведенного выше. Я как-то даже смущаюсь . [показать]


[186x240]
Francois Boucher The Toilet of Venus


Итак, все вышесказанное позволяет по-новому взглянуть на картину нравов предреволюционной Франции.
На смену рыцарским орденам прошлых веков пришли модные подделки. В начале века маркиз де Фютиле основал Орден фривольности, в который входили шестьсот петиметров второго класса и триста — первого. Слава о них выходила за пределы французских границ; в Испании также появились свои манерные петиметры со множеством собственных вычурных словечек и изукрашенных сверх меры одежд. Наставления членам ордена гласили:
1. Распространять и совершенствовать вкус к нарядам по всему Парижу, посылать делегатов в провинции, дабы обучать людей новой манере одеваться и говорить, вести себя как подобает и завивать волосы, как принято.
2. Искать новые, необычные способы самовыражения.
3. Придавать Читать далее...

Это цитата сообщения gzhelka Оригинальное сообщение

ЛАРЦЫ, ШКАТУЛКИ

Ларцы-шкатулки

 

[697x700]

Ларец-шкатулка с рельефами на античные темы. Фарфор, лепка, роспись надглазурная, золочение; металл, литье, гравировка, золочение, монтировка. Высота - 34 см. Марка: синяя подглазурная "N" под короной. Италия, завод Джинори, 1850-70е гг. В XIX веке подобные марки фарфоровой мануфактуры Неаполя ставили на изделиях завода Джинори в Доччиа, где фарфоровое производство было основано в 1730-х годах. В начале XIX века это предприятие приобрело модели и формы мануфактур Капо ди Монте и Неаполя. Фарфор Джинори выполнялся в XIX веке под сильным влиянием этих мануфактур, одной из главных особенностей которых было использование рельефного декора. Данный предмет отличает композиционная сложность и использование богатой цветовой политры. Произведение имеет большую художественную, историческую и музейную ценность.

Остальные смотрите в комментариях

Мантилья (исп. mantilla) — длинная накидка на голову и плечи у народов Пиренейского полуострова и Латинской Америки.
Предположительно, ведет свою историю со времен арабского завоевания Испании и является потомком чадры.
Издревле мантилья считалась простонародным убором и была распространена среди низших классов. Только в XVIII веке она вошла в моду и проникла в обиход аристократии, чтобы со временем превратиться в символ традиционализма и атрибут Испании «зевающей», то есть реакционной. В качестве элемента женского гардероба мантилья громко заявила о себе в XIX веке: просторный фасон позволял дамам носить ее поверх кринолина. Популярностью пользовались два варианта: из дорогостоящего меха, в дополнении к вечернему наряду, или пелеринка – доходящая до талии круглая накидка, надевавшаяся на пальто.Украшенные мантильями герцогиня Альба или королева Мария-Луиса на портретах Гойи – это приблизительно как наши великие княжны, наряженные в русские народные костюмы. При королеве Изабелле ношение мантильи стало обычным и повсеместным, но ближе к концу XIX века она постепенно стала устаревать и замещаться завезенными из Европы шляпками. Но ей еще предстояло стать главной героиней исторического события, которое вошло в анналы как «заговор мантилий». В «Национальных эпизодах» Бенито Переса Гальдоса подробно описывается демарш националистически настроенных дам высшего света, которые в начале 1870-х вышли на что-то вроде демонстрации, демонстративно напялив мантильи в пику королевской чете иноземцев, итальянцам Амадею I и его жене Марии-Виктории.

Mary Cassatt. Spanish Dancer Wearing a Lace Mantilla.Рядом картина-автор мне неизвестен.Дальше- Two Elegant Ladies Holding Fans-Pedro Antonio
[показать] [показать] [показать]

Выполненная из тюля или кружев типа блонд или шантильи, мантилья часто закрепляется на высоком гребне, желательно черепаховом. Считается, что ношение гребня «набекрень» вульгарно и кафешантанно. Согласно правилам этикета, приличные женщины втыкают гребень в прическу вертикально, а не сбоку. Затем следует принять правильную позу: головка наклонена влево, мантилья покрывает правое плечо, или наоборот, головка слегка вправо, мантилья влево. Внимание: мантилья ни в коем случае не должна быть длиннее юбки, гребень должен быть полностью закрыт тканью.
Ношение мантильи подчиняется определенным правилам. Утверждают, что в старину белые мантильи носили незамужние девушки, а черные замужние женщины. В наше время белой мантильей можно щегольнуть на корриде или на праздненствах в честь святого покровителя города (бывшей ярмарке), а черную приберечь для торжественных церемоний: приемов, свадеб, похорон (в этом последнем случае – без гребня).

Читать далее

DEMETRE CHIPARUS-Дмитрий Чипарус (1888—1950) — скульптор эпохи Ар-деко

Вначале коротко биография мастера, а потом,поскольку он часто изображал в своих работах танцовщиц, немного о популярных танцах 20-х годов.

Родился в Румынии, в 1909 году отправился в Италию. Учился у скульптура Раффаелло Романелли. В 1912 году Чипарус эмигрировал в Париж, где посещал занятия Парижской Академии Изящных искусств, брал уроки у Антонина Мерсье и Жана Буше. Чипарус начинал с небольших скульптур реалистического характера, первый показ которых состоялся в 1914 г. в на Парижском Салоне. Первые серии скульптур мастера, запущенные в производство, представляют собой изображения детей.
С 1920-х гг. сложился зрелый стиль Чипаруса, отличавшийся высокой декоративностью и эффектностью. Отныне творчество мастера было посвящено преимущественно изображению танцовщиц и прекрасных женщин своего времени. Большая часть прав на реализацию скульптур Чипаруса была приобретена бронзолитейным заводом Edmond Etling et Cie, директором которого был Жюльен Дрейфус. Мастерские Les Neveux de J. Lehmann были вторым бронзолитейным заводом, постоянно сотрудничавшим с Чипарусом.
Чипарус редко выставлял свои работы на ежегодных парижских салонах. В 1928 году он продемонстрировал скульптуру «Метальщицу копья», в 1928 году – танцовщицу «Та-Кео».
В период нацистских гонений и второй мировой войны работы Чипаруса почти перестали приобретаться литейными мастерскими. Экономическая ситуация не благоприятствовала развитию декоративного искусства, материальное положение многих скульпторов ухудшилось. С начала 1940-х гг. Чипарус не продал почти ни одной своей модели, но продолжал работать для себя, выполняя анималистические скульптуры в манере Art Deco. В 1942 году на Парижском Салоне были выставлены его скульптуры «Полярный медведь» и «Американский бизон» из гипса, а в 1943 году в им были показаны скульптуры полярного медведя из мрамора и пеликана из гипса. Мастер умер в 1947 году.

[600x547]

Скульптуры Чипаруса являются классическим проявлением стиля Art Deco в декоративной скульптуре из бронзы и слоновой кости. Традиционно выделяется три фактора воздействия на творчество мастера: «Русский балет Дягилева», искусство Египта и в меньшей степени авангардное искусство. Некоторые скульптуры Чипаруса были напрямую вдохновлены танцовщиками русской труппы – так, например, лица фигур скульптурной группы «Персидский танец» имеют портретные черты Вацлава Нижинского и Иды Рубинштейн, а костюм скульптуры «Морская звезда» в точности повторяет эскиз костюма Золотой Рыбки Л. Анненского для балета «Подводное царство» на музыку Римского-Корсакова. Скульптор мог испытывать влияние русского театра и опосредованно, через адаптированные для широкой французской публики представления французских мюзик-холлов. Нередко Чипарус создавал свои скульптуры по фотографиям парижских танцовщиц – так, фигура «Танцовщица с обручем» является почти точным повторением известной в то время фотографии из альбома «Парижский мюзик-холл».
Искусство Древнего Египта и Востока вошло в парижскую моду после открытия могилы Тутанхамона в 1922 году и также отразилось в творчестве Чипаруса. Существует ряд скульптур с изображением египетской царицы Клеопатры, а также «Египетские танцовщицы» в творчестве Дмитрия Чипаруса и Клер Колине.
Работы Чипаруса являются абсолютным отражением своего времени, воплощением духа 1920-1930-х гг. Опираясь на старейшую парижскую традицию высококачественного декоративного искусства, они совместили в себе элегантность и роскошь, воплотили сущность своего времени.

Читать далее

Это цитата сообщения La_belle_epoque Оригинальное сообщение

Уникальные флаконы для духов ручной работы в стиле Ар Нуво и Ар Деко - Часть I

Сегодня последний день каникул, завтра снова на работу, но как не хочется об этом думать. Куда лучше насладиться прекрасной коллекцией фотографий в продолжении поста. Там вы найдете множество удивительно красивых, изысканных, неожиданных флаконов духов первой половины прошлого века в стиле Ар Нуво и Ар Деко!

[401x500]

Духи создают вокруг тебя неповторимую ауру, а изящный флакон радует глаз и подчеркивает стиль.

Начало ароматной истории

Парфюмерное искусство зародилось еще в 2800 году до нашей эры, судя по первым историческим справкам о духах. Древние народы Египта, Греции, Рима и Китая использовали ароматы как в эстетических, так и в медицинских целях. Целебные силы эфирных масел применялись в личной гигиене для устранения неприятных запахов и придания аромата телу и жилью. Распад Римской Империи губительно сказался на парфюмерном деле, которое возродилось лишь в 16 веке. Тогда стали популярными ароматические шарики. Большинство же современных парфюмерных фабрик, таких как Yardley, были основаны уже в 18 веке.

Когда мы ищем «свой запах», не последнюю роль играет и «наряд» духов. Флаконы создают не только для хранения, но и для эффектной демонстрации аромата. Их дизайн стал настоящей манией множества коллекционеров.

Сегодня некоторые такие шедевры уходят «с молотка» за сотни тысяч долларов. Например, недавно эксклюзивный флакон духов «Сокровища моря», дизайн которого разработал легендарный Рене Лалик, был продан на аукционе за 216 тысяч долларов коллекционеру, пожелавшему остаться анонимным.

В преддверии 20-го века. Стекло, серебро и керамика

К 18 веку завоевали признание флаконы для нюхательной соли и туалетного уксуса, похожие на миниатюрные сундучки, умещающиеся на ладони или в дамской перчатке. Сейчас бы в таком аксессуаре правоохранительные органы заподозрили что-то неладное.

Тогда же пользоваться популярностью стали эфирные масла и цветочная вода в привлекательных стеклянных емкостях. Их могли себе позволить не только знатные особы, но и обычные люди. Только представь: Наполеон Бонапарт заказывал в месяц по 60 флаконов цветочной воды.

Середина 19 века привнесла богатство и насыщенность викторианского стиля в парфюмерную промышленность. Флаконы, чеканенные из серебра, были украшены замысловатыми рисунками, керамические – инкрустированы цветами, а стеклянные – огранены так, что сверкали на свету. От такого великолепия дамы приходили в восторг.

Также на протяжении 18 и 19 веков признаком хорошего вкуса считалось иметь фарфоровые флаконы.

1900 – 1920. Рождение первой легенды дизайна

В 1905 году Рене Жюль Лалик открыл свой первый магазин стеклянных флаконов. Договорившись с фирмой Coty, он начал массовое производство. Лалик использовал оригинальнейшие дизайнерские разработки. Ему было, что предложить любителям ароматов. Ведь он создавал драгоценности для звезды Сары Бернар, у него заказывала украшения русская императрица Александра Федоровна. Этот ювелир и мастер работы по стеклу считается одним из главных художников стиля ар нуво. За многие годы Рене выпустил тысячи флаконов для более чем 60 фабрик. Ар Нуво и Ар Деко оказывали тогда огромное влияние на парфюмерную промышленность. Отголоски этого влияния можно находить и по сей день.

1920 - 1930-е. Господство Ар Деко

Использование духов приобретало все большее распространение, парфюмерная индустрия продолжала расти, и все быстрее. В дизайне становится заметно влияние кубизма, сюрреализма и модернизма.

Известнейшая стеклодельная фабрика Baccarat, основанная еще в 1764 году во Франции, выпустила множество экспериментальных флаконов для известных парфюмеров (в том числе Elizabeth Arden), выполненных в этих новых стилях.

С начала 1920-х годов и до начала Второй Мировой рельефные, угловатые формы, присущие стилю Ар Деко, широко использовались в дизайне парфюмерных упаковок.

В 1922 году в мире духов произошла очередная революция. Тогда рынок представлял представлены, в основном, натуральные цветочные ароматы. Коко Шанель выпустила совершенно новый, непривычный запах, сочетающий в себе наряду с натуральными – синтетические субстанции. Кстати, его создал выходец из России, парфюмер Эрнест Бо, эмигрант, происходящий из семьи знаменитых парфюмеров. Chanel №5 стал великим ароматом 20 века, а его флакон – эталоном элегантной простоты. А в 1930 году, во времена Великой депрессии в Америке, Жан Пато представил духи под названием "Радость", Joy, ставшие известными как самый дорогой аромат в мире. В наиболее мрачные для страны времена Пато решил сыграть на отчаянном желании жить красиво не смотря ни на что. Для создания 30 мл Joy используют больше 10000 цветков жасмина и 360 роз. Флакон был выдержан в том же модном стиле, на его дизайнеров явно повлиял успех Chanel Читать далее...