«ПРИТЯЖЕНИЕ»(режиссер Федор Бондарчук)
Имевший неосторожность оказаться в российском воздушном пространстве неопознанный летающий объект, оказывается на прицеле у отечественных ВКС и попадает под раздачу. Теряющая управление тарелка с грохотом валится на Землю, разрушая добрую половину московского Чертаново. Место падения оцепляют, а в районе вводится комендантский час до выяснения причин инопланетного визита и выдворения незваных гостей обратно в глубины космоса.
Однако чертановская молодежь, которая в этот день собиралась смотреть на метеоритный дождь (а увидела нечто более впечатляющее), не намерена дожидаться официальных разбирательств и сама хочет спросить с гуманоидов за нанесенный ущерб (в результате падения НЛО погибли сотни жителей столичного района).
В режиссерской карьере Федора Бондарчука нет столь же однозначно успешных работ, как в актерской («Свои», «Даун Хаус», «В движении», «Два дня»). Все четыре его предыдущие картины в качестве постановщика вызывали у зрителей и критиков либо противоречивые эмоции (как в случае с «9 ротой» и «Сталинградом»), либо откровенное недоумение (обе части «Обитаемого острова»).
В связи с этим общее настроение широкой публики относительно выхода «Притяжения» происходило от противного: мол, ну что он там опять нахимичил, куда наши налоги ухохотал (часть средств на создание ленты шло из Фонда кино). Дабы градус накала не был сильным, режиссер умудрился снять научно-фантастическую картину чуть больше, чем за 5 миллионов долларов, что по нынешним временам даже для комедии в павильонных декорациях – немного.
И если начинать разговор о «Притяжении» с бюджета, то надо заметить, то исполнен он грамотно и очень. Не сказать, что лента смотрится, как 100-милионный блокбастер, но и то, что снят он за «пятерку» без подсказки – не догадаешься. Разве, что пришельцы порой все же выглядят, как китайская копия голливудских трансформеров, но не настолько, чтобы вызвать недовольство. Спишем это на вкусовщину.
В свою очередь сцена крушения космического корабля инопланетян – эмоциональна и эффектна. Задевающая крыши домов и поднимающая клубы пыли тарелка пусть и падает недолго, но падение это является одним из самых мощных, пугающих своей реальностью, фрагментов картины. Ну и сам корабль, чего говорить, недурен собой.
Собственно, о чем разговор: с технической стороной визионер Бондарчук опять справился хорошо (все-таки отлично, по шкале его работ, это «Сталинград»), а вот сценарная начинка пирога…
Куски сюжета словно бы склеены наспех и оборваны в кульминационных моментах, вынуждая зрителя гадать: как вышло то, да почему получилось это. Не «Обитаемый остров», конечно, но где-то рядышком. Парочка мелодраматических эпизодов да парочка построенных на мимике шуток – вот весь положительный бэкграунд на фоне несуразности поступков большинства героев. Вынесенный на рекламные постеры слоган «Это наша Земля», оказавшийся в фильме лозунгом протеста на стихийном флэш-мобе раздосадованных жителей Чертаново, по сути, должен был стать апогеем действа, а стал одним из самых неловких его моментов. Против кого вышли митинговать и буянить «революционеры»? Против инопланетян, военных, милиции или государства? Этого, кажется, не поняли ни экранные бунтари, ни создатели. Поймут ли зрители?
Очевидно, что «Притяжение» задумывалось Бондарчуком, как гуманистический, в чем-то даже антимилитаристский манифест, но благие намерения затерялись за состряпанным как монстр Франкенштейна сценарием, на 90 процентов неестественными, а главное необязательными диалогами и жутким музыкальным рядом (спасать планету под Макса Коржа – это уже сам по себе Армагеддон).
«ГОЛОС МОНСТРА» (режиссер Хуан Антонио Байона)
12-летнему Конору очень бы хотелось, чтобы его жизнь была подобна сказке, но каждый день он вынужден сталкиваться с суровой реальностью. Мама мальчика стремительно угасает от рака, сверстники в школе «вознаграждают» презрением и тумаками, отношения с бабушкой не клеятся. Найти отдушины в снах тоже не удается: еженощные кошмары ничем не лучше бытовых ужасов дня. Одно из таких видений вдруг становится явью. Растущее возле дома старое тисовое дерево превращается в 12-метрового монстра и берет опеку над мальчиком. Чудовище обещает рассказывать ему сказки, по окончании каждой из которых Конор должен ответить на заковыристую загадку. Новый «друг» вызывает у подростка страх, но других приятелей у него просто нет. Добро пожаловать в сказку…
Вышедшая в 2007 году мистическая драма «Приют» позиционировалась многими прокатчиками, как очередное творение Гильермо дель Торо. Действительно, созданная в духе магического реализма лента вполне вписывалась в стилистический ряд двух прежних работ мексиканца: «Хребет дьявола» и «Лабиринт Фавна». Однако участие дель Торо в «Приюте» ограничилось лишь функциями одного из четырех продюсеров. Постановщиком же и идейным вдохновителем проекта выступил 31-летний дебютант Хуан Антонио Байона, доселе снимавший рекламу и видеоклипы, да пробовавший свои силы в короткометражках. Дружеские отношения с доном Гильерме помогли Байоне продвинуть картину на широкий экран да так, что ее премьера состоялась не где-нибудь, а в Каннах.
Следующая лента режиссера увидела свет только через пять лет. Успех фильма-катастрофы «Невозможное» был еще более весомым: сборы в пять раз превосходящие бюджет и номинации на «Оскар», «Золотой Глобус» и премию Европейской киноакадемии.
С тех пор Байона был под пристальным прицелом голливудских продюсеров, но первый проект на Фабрике Грез ему довелось поставить лишь еще через пятилетку.
Нынешний «Голос монстра» - возвращение к стилистике «Приюта» и огромный привет «Лабиринту Фавна». История 12-летнего Конора, хоть формально и адресована зрителям его возраста, - кино больше для взрослых. Это лента не про то, как понять подростка, а про то, как научить его понимать свое место в этом мире и адекватно реагировать на окружающие события.
Подготовка к прощанию с детством, умение отстаивать свою позицию, первое осознанное соприкосновение с неизбежностью смерти – непростые для юного зрителя темы поданы Байоной практически без скидки на возраст. Вот почему идеальным вариантом станет совместный поход мам-пап с их чадами с обязательным обсуждением увиденного после просмотра.
Монстр в «Голосе», как и Фавн в «Лабиринте», со своим «подопечным» не церемонится, лицом к лицу сталкивая ребенка с атрибутами взрослой жизни, олицетворением которой, по сути, эти сказочные чудовища и являются.
Следуя заветам магического реализма, режиссер создает причудливый микс мрачной психологической драмы и психоделического анимированного фэнтези. Это помогает избежать нарочитой назидательности и добавляет энную долю развлекательности фильму, который первее воспитывает, чем развлекает. Ну и в финале Байона приберег для зрителей хороший сюрприз, что способен повлиять на общее восприятие увиденного.
Стилистические и сюжетные пересечения с «Лабиринтом Фавна», не помешают воскресить в памяти и другие «сказочки», от которых и взрослым может быть жутковато: тут и «Впусти меня», и недавний «Дом странных детей мисс Перегрин» и даже «Мио, мой Мио». Чем-то из этого сценарист Патрик Нэсс наверняка вдохновлялся, работая не только над сюжетом ленты,
«МОЛЧАНИЕ» (режиссер Мартин Скорсезе)
17 век. Два молодых португальских священника Себастьен Родригес и Франциско Гарупе получают благословение на тайную миссию в Японию, где затерялись следы их наставника Криштована Ферейры, отправившегося в страну Восходящего солнца проповедовать христианство. Путешествие это представляется крайне опасным. Японские власти преследуют и жестоко пытают западных иноверцев, приехавших на восточные земли со своими религиозными воззрениями. У Родригеса с Гарупе есть подозрения, что Ферейра стал жертвой яростных гонений, хотя многочисленные слухи винят наставника в отказе от веры. Подопечные намерены защитить доброе имя отца Криштована и, по возможности, разыскать его, даже если этот миротворческий вояж станет для них дорогой в вечность…
Если задуматься то в фильмографии Мартина Скорсезе большинство картин так или иначе, хоть и опосредованно, но касаются религиозной тематики. Да, описание криминальных разборок, - далеко не бытие святых, но главные герои одержимы верой (чаще всего в силу власти и денег), искушаемы бесами и, в конце концов, ищут варианты искупления своих грехов. Однако если в большинстве работ мэтра религиозные аллюзии следует разглядывать, то парочка картин посвящены теме напрямую. «Кундун» (про Далай-Ламу) и «Последнее искушение Христа» (собственно про сына Божьего) очень дороги режиссеру, несмотря на крайне неоднозначную реакцию со стороны публики (что теологов, что нет).
Вышедшее в прокат «Молчание» наверняка добавит новых сторонников в каждый из лагерей. Ведь новая картина не только о религиозных исканиях, но и сложном историческом противостоянии идеологии жизни Востока и Запада. За интерпретации попытки вбить клин (на самом деле ничего такого режиссер не делал и не хотел), дедушке Мартина еще наверняка «прилетит» от ретивых апологетов с обеих сторон баррикад.
Идею экранизации написанного ровно полвека назад одноименного романа Сюсаку Эндо, Скорсезе вынашивал без малого 30 лет (ознакомившись с произведением как раз после выхода в прокат «Последнего искушения»). В силу многочисленных обстоятельств, удалось это сделать только сейчас и, как кажется, весьма своевременно. Сильно контрастируя с разудалым и хулиганским «Волком с Уолл-Стрит», степенное и мудрое «Молчание» выразительно демонстрирует многообразие сверкающих граней режиссерского таланта Скорсезе (а ведь до этого он снял детско-приключенческого «Хранителя времени»), которому всегда есть, что рассказать на заданную тему.
В основу «Silence» положены реальные события: христианство в Японии в 17 веке действительно подвергалось гонениям, Ферейра и Родригес имели настоящих прототипов, гонениям этим тайно и явно сопротивлявшихся. Однако для режиссера, в этот раз впервые за 20 лет (ранее было «Казино») приложившего руку к написанию сценария, куда важнее является не историческая достоверность, а беспристрастный взгляд на камень преткновения религиозных культур. Как вышло так, что невоинственные в первосути мировоззрения столкнулись лбами, принося в жертву простых смертных для доказательства своей правоты? Что важнее: спасти верой миллионы гипотетических душ или спасти конкретную человеческую жизнь отказом от веры здесь и сейчас? А в ответ – тишина…
Молчание в «Молчании» – не только метафора на многозначительный ответ Господа, это еще и важная художественная составляющая действа. Зритель часто вынужден вслушиваться в пустоту, тишину и безмятежные звуки окружающей природы, пытаясь найти свои ответы на риторические, по сути, вопросы, задаваемые постановщиком.
Словом, технической стороной картина богата столь же внушительно, как и мудрым философским наполнением. Кстати, в нашем прокате лента идет с оригинальным звуком, сопровождаемом субтитрами, что только усиливает мощнейший эффект присутствия. Экспериментальный саундтрек Кэтрин и Кима Аллена Клюге, трудившихся ранее в документалистике, - одна из наиболее изобретательных работ года, которая будет ненавязчиво, но всецело сопровождать вас: от открывающих до финальных титров, поражая простотой и безапелляционностью одновременно.
«Парящая» камера мексиканца Родриго Прието
С изрядной временной задержкой ознакомился с «Пассажирами» и «Кредо убийцы». Стало быть, расширенную дискуссию заводить уже поздновато, но некоторыми соображениями поделиться возможно. Таки релизы ожидаемые, и в определённой степени громкие. Короче, лэц гОу.
«ПАССАЖИРЫ» (режиссер Мортен Тильдум)
Три года назад норвежец Тильдум дебютировал в Голливуде приключенческим байопиком «Игра в имитацию» о математике Алане Тьюринге, сумевшем разгадать «код Энигмы» во время Второй мировой. Картина хоть и приглянулась американским киноакадемикам (8 номинаций и 1 статуэтка), цельного впечатления не произвела. «Оскар» словно бы отдал дань памяти одному из отцов-основателей информатики, жизнь которого была загублена нетолерантным обществом (Тьюринга судили за гомосексуализм и он наложил на себя руки). Картина Тильдума словно бы состояла из двух частей – поначалу увлекательного шпионского триллера, а затем подчеркнуто слезоточивой драмы. После сумасбродных, резких и ярких «Охотников за головами» (из-за международного успеха которых норвежца и позвали на Фабрику грез), «Игра» выглядела той самой имитацией, что заключена в названии.
Увы, приходится констатировать, что вторая голливудская работа Мортена слеплена по схожим лекалам. Попытка скрестить фантастический блокбастер с камерной мелодрамой дала не самый удачный гибрид. Он и она, далекий космос, укрощение строптивой, армагеддон… Наметившаяся было битва полов «срезается» битвой за выживание, а склеивают все это небольшие юмористические вставки с участием бармена-андроида.
В свое время сценарий Джона Спэйтса (ответственного за «Прометей» и «Доктора Стрэнджа», например) входил в «Черный список» лучших неэкранизированных работ. Вот ведь как. А реализация подкачала.
Из Криса Пратта и Дженифер Лоуренс правдоподобной экранной пары не получилось. Если ему мелодраматический образ (после неунывающих повес в «Стражах Галактики», «Мире Юрского периода» и «Великолепной семерке») – неожиданно к лицу, то ей томность – кажется, приелась. Да и громко разрекламированная любовная сцена может быть занесена в актив разве что пиар-службе о ней раструбившей.
Тильдуму определенно следует взяться за менее амбициозный проект, чтобы вернуть себе форму. В противном случае он может стать одним из многих европейцев, перемолотых голливудским конвейером и сосланным в обратном направлении.
«КРЕДО УБИЙЦЫ» (режиссер Джастин Курзель)
В разнообразных списках лучших кинотворений 2015 года нередко можно было встретить работу австралийца Джастина Курзеля «Макбет». Заполучив на главные роли гремучий дуэт из Майкла Фассбендера и Марион Котийяр, режиссер сделал одну из лучших в истории шекспировских экранизаций. Курзель бережно отнёсся к оригиналу, сохранив текст и аутентичные декорации, но в то же время, снабдив действо современным визуальным рядом. Результатом этой комбинации стал невероятный мрачный комикс на классической подложке.
Когда стало известно, что Курзель взялся за экранизацию столь же несветлой компьютерной игрушки «Assassin’s Creed», ожидания были самые оптимистичные. Еще бы: история о воскрешенном убийце, отправленном в жестокую средневековую Испанию на поиски артефакта. Исходный материал, как и в случае с
«ЛА-ЛА ЛЕНД» (режиссер Дэмьен Шаззел)
В канун Рождества молодой пианист Себастьян, в который раз лишается работы (он был тапером в небольшом лос-анджелесском ресторане) и вновь вынуждены искать средства к существованию. Перманентные провалы не убеждают музыканта забросить инструмент, напротив, он мечтает в будущем открыть свой джазовый клуб, и не намерен отказываться от этой затеи в угоду возможности стабильного дохода сейчас.
Работающая в кофейне Миа также грезит о творческой карьере. И потому ежедневно бегает на всевозможные кастинги, мечтая о роли хоть в самом захудалом фильмеце или сериальчике. Но разливать кофе по стаканам у нее получается чуть лучше.
Волею судеб два одиночества находят (не с первого, а с третьего раза) друг друга и находят друг в друге источники для вдохновения. Любовь дарит паре крылья. Только вперед, только вместе! Но нереализованные мечты того и гляди могут перекрыть влюбленным кислород…
Два года назад киношный мир был приятно удивлен увлекательной «Одержимостью» - музыкальной драмой, накал страстей и степень нагнетания саспенса в которой был почище большинства современных триллеров. Широкоформатный дебют Дэмьена Шаззела получила три «Оскара», а сам 29-летний постановщик был обласкан критикой и публикой за новаторство и свежий взгляд.
Третья полнометражная работа режиссера подтвердила, что комплименты не были напрасны и в Голливуде появился молодой перспективный оригинал, умеющий снимать авторское зрительское кино, продолжая удивлять даже видавших виды.
Как и в «Одержимости» творческий процесс играет сюжетообразующую роль в картине. Однако если два года назад музыка в кадре звучала лишь на репетициях и концертах главного героя, то сейчас она везде и всюду. «Ла-Ла Ленд» - мюзикл. Причем мюзикл, не перенесенный с бродвейских подмостков (как «Чикаго» и «Отверженные»), не адаптирующий литературную классику и рок-хиты прошлого (как «Ромео + Джульетта» и «Мулен Руж»), а сочиненный Шаззелом и его соратником – композитором Джастином Гурвицем с нуля. Рискованная, казалось бы, ставка – сыграла.
Поющие и танцующие в кадре Райан Гослинг и Эмма Стоун (играют вместе уже в третий раз после «Этой дурацкой любви» и «Охотников на гангстеров») создают запоминающийся экранный дуэт меломана и киноманки, заражающих друг друга своим потенциальным талантом и умением радоваться маленьким прелестям жизни: как-то сеанс «Бунтаря без причины», уютный джазовый концертик в тесном клубе или полуночный степ на лос-анджелесском пустыре.
Сюжет «ЛЛЛ», в котором при желании можно найти отголоски даже великого «Гражданина Кейна» особо замысловатым не назовешь, но в этой элегантной простоте кроется истинная магия кино. Простые, но искренние танцевальные номера, простые, но цепляющие песни, погружают в атмосферу классического Голливуда. Шаззел отдает дань стилю «Поющих под дождем», «Кабаре», «Звуков музыки» etc, но при этом делает универсальный хит. Если убрать из кадра немногочисленные современные гаджеты, то историю Себастьяна и Мии можно органично внедрить в любой отрезок последнего столетия, и он там получит заслуженную прописку.
Помимо прочего, «Ла-Ла Ленд» еще и очень качественная мелодрама, которая идеально подойдет в качестве похмельного средства и для тех, кто переживает бурные волнения зарождающейся любви, и для тех, кто этому ушедшему чувству готовится устроить достойные проводы. Что важнее: творческая самореализация или гармония в личной жизни? Шаззел оставляет вопрос открытым, лишь намекая, что единожды встав перед подобным выбором, человек вряд ли сможет стать полностью счастливым. Однако и глубоко несчастным эта дилемма его не сделает. Виртуозно выстроенный и сказочно красивый финал придется по вкусу и отпетым романтикам, и трезвым рационалистам.
В любви, как и в карьере, может не очень повезти. Но это не повод: не любить и не работать. Джаз, пожалуйста.
«ИЗГОЙ-ОДИН: ЗВЕЗДНЫЕ ВОЙНЫ. ИСТОРИИ» (режиссер Гарет Эдвардс)
В недрах Галактической империи заканчивается разработка «Звезды смерти» - мощнейшего оружия, с помощью которого можно будет подчинять себе целые планеты, а несогласных – растирать в пыль в буквальном смысле. Делает убийственную машину, под надзором деспотичного адмирала Кренника, гениальный конструктор Гален Эрсо. 15 лет назад он взялся за эту работу, чтобы спасти свою дочь Джин. Выросшая без отца и матери (ее убили имперцы) девочка освоила азы боевых искусств и научилась лихо обращаться с оружием под присмотром друга семьи, ветерана клонических войн Со Гереро.
Альянс повстанцев находит Джин, чтобы через нее получить доступ к Галену. Мятежникам становится известно, что он специально внес в идеальное, казалось бы, оружие дефект, воспользовавшись которым «Звезду смерти» можно обезвредить. Но чтобы обнаружить этот изъян нужно достать чертежи, хранящиеся на имперской базе, на планете Скариф. Альянс считает, что сообщение Эрсо-старшего может быть уловкой, ведущей в ловушку, и принимает решение отказаться от масштабного штурма. Джин при поддержке капитана Кассиана Андора и перебежчика Бодхи Рука втайне собирает свой маленький отряд, чтобы лететь на Скариф…
В прошлом году компания «Дисней» открыла ящик Пандоры, доселе тщательно оберегавшийся Джорджем Лукасом, и выпустила на волю «далекие-далекие галактики», пообещав дарить хиты о джедаях ежегодно. Чтобы первый блин не вышел комом, заведовать перезагрузкой саги позвали поднаторевшего в подобных делах Джей Джей Абрамса (завёл «Звёздный путь», ускорил «Невыполнимую миссию»), который, в общем и целом не подкачал.
Но если «Пробуждение силы» было хронологическим и сюжетным продолжением шестичастной саги, то «Изгой-один» - первый в списке спин-оффов, количество которых зависит лишь от творческого запала "Диснея" да кассы, которые подобные «ответвления» принесут.
И что же мы имеем? А имеем, для начала, безусловную реабилитацию автора очаровательных «Монстров» за прибыльную, но беззубую «Годзиллу» (образца 2014 года). Несмотря на все страхи и опасения, «Изгой-один» - получился. Точка.
В отличие от Абрамса, прошлогодняя лента которого была одним большущим приветом секстету Лукаса, фильм Эдвардса – эффектный шаг в сторону, но с соблюдением должного пиетета перед работами маэстро Джорджа. Снимай бы сегодня Лукас «Новую надежду», вполне вероятно она могла выглядеть как «Изгой».
Делая боевик о повстанческом движении, Гарет четко следует ленинскому правилу: революция требует немалых жертв, и не отходит от него в угоду возможности хэппи-энда и закидывания удочек на сиквел. Теперь-то понятно, почему Эдвардса, по слухам, ошеломленные увиденным «диснеевцы», серьезно ограничили на финальном монтаже ленты. Есть подозрения, что «черновая» версия могла бы затянуть и больше нынешних «16+».
Эдвардс со сценаристами Тони Гилроем (он, кстати, помогал Гарету с тем самым финальным монтажом) и Крисом Вайтцем создали мрачный мир, наводненный яркими персонажами, каждому из которых отведен свой геройский оазис в гиблом, в общем-то, но праведном деле. Когда обреченность эту понимаешь (и принимаешь) за персонажами следишь еще пристальнее и трепетнее.
Эта магия сопричастности, которая сработала 40 лет назад в «Новой надежде» замечательно трансформирована в «Изгое». Несмотря на то, что название фильма – это позывной
«ПОД ПОКРОВОМ НОЧИ» (режиссер Том Форд)
Жизнь владелицы картинной галереи в Лос-Анджелесе Сюзан Морроу со стороны может показаться беспечной и счастливой: роскошный дом, богемное окружение и любящий преуспевающий муж. На самом деле все не так однозначно: молодой супруг почти не заглядывает на брачное ложе, пропадая в командировках, да и бизнес в последнее время не сильно успешен. Вынужденная коротать ночи в одиночку, Сюзан несказанно рада внезапной весточке от Эдварда Шеффилда. 20 лет назад они были мужем и женой, строили большие планы, но начинающая художница в какой-то момент посчитала начинающего писателя бесперспективным и дала от ворот поворот. Свой новый роман «Ночные животные» Шеффилд посвятил бывшей музе и ей же выслал рукопись с почетной миссией – стать первой, кто прочтет произведение и даст свою беспристрастную оценку. Расчувствовавшаяся Сюзан принимается за книгу, а узнав, что Эдвард в Лос-Анджелесе, пишет экс-возлюбленному приветственное послание с пожеланием повидаться. И пока тот раздумывает над ответом, миссис Морроу погружается в роман, канва которого кажется ей чем-то неуловимо знакомым и жутко пугающим…
Видимо создание модных коллекций и постановка дефилирования моделей по подиуму что-то общее да имеет со съемками фильмов. Либо стоит придерживаться такой позиции, либо следует просто признать, что Том Форд – уникум. Второе вернее. Ведь можно только представить, какими бы хулиганскими комедиями могли отметиться Джон Гальяно или Александр Маккуин и что за панковскую историю рассказала бы нам Вивьен Вествуд. Но они своих фильмов так и не сняли, а Форд снимает. И делает это так, будто именно кинематограф если и не является его основной стезей, то находится в паритете с дизайнерством.
Если его дебютную картину семилетней давности – «Одинокий мужчина» - можно было назвать неожиданно удачной пробой пера в деликатном исследовании на хорошо знакомую ему тему (Форд – открытый гомосексуалист), то «Под покровом ночи» - это уже филигранный уровень режиссуры в многослойном повествовании, адресованным всем и вся, кто хоть раз имел неосторожность проявить свои чувства.
«Ночные животные» (а именно так лента зовется в оригинале) – это история в истории. Каждая из них самодостаточна и увлекательна по отдельности, но в тоже время идеально вплетается в тело другой, проецируя персонажей романа в реальную жизнь, и наоборот. А может все совсем не так? Может обе эти истории плод воображения заблудившейся в себе и смертельно одинокой (при показательно холодном муже) дамы, переживающей кризис среднего возраста и пытающейся найти его причины? Форд настолько искусно рисует свое полотно, что дать однозначный ответ не получится. Да и надо ли? Чувства (оправданные и иллюзорные) очень часто перемещают нас в выдуманные миры, и найти различия между реальной жизнью и воображаемой, порой становится совсем непросто.
Еще со стартовых титров, претендующих на звание самого эпатажного вступления киносезона-2016, режиссер сознательно выводит зрителя из зоны комфорта, чтобы тот смог ощутить всю неловкость, в какую погружены главные герои, ставшие заложниками собственной слабости. Эми Адамс (Сюзан) и Джейк Джилленхол (Эдвард и герой романа Тони) поочередно (совместных сцен у них гораздо меньше, чем раздельных) убедительно жалки и несчастны в своем стремлении искупить чувство вину, которое сами же в себе и культивировали. А в качестве их союзников и противников на этом шоссе в никуда: инфернальный шериф, готовящийся к пенсии (как всегда невероятный Майкл Шэннон), упивающийся безнаказанностью гопник (неожиданный Аарон Тэйлор-Джонсон), бессовестный муж (Арми Хаммер), власть мать Сюзан (Лора Линни), да еще Майкл Шин, Андреа Райсборо, Айла Фишер по щепотке добавляющие остроты и горечи в идеально упакованную посылку с тоской и дискомфортом.
То, что с картинкой у Форда (а он, к слову, и сценарий к ленте написал, адаптировав бестселлер Остина Райта) будет полный порядок сомневаться не приходилось, но Шеймас Макгарви, известный клипами U2, Робби Уильямса, Coldplayи RollingStonesпостарался,
«СОЮЗНИКИ» (режиссер Роберт Земекис)
1942 год. Марокко. Канадскому разведчику Максу Ватану поручено ликвидировать в Касабланке немецкого посла. Помочь ему в выполнении опасного задания должна француженка Марианн Босежур. А чтобы операция не вызывала подозрений, союзники, согласно написанной легенде, должны изображать из себя страстную семейную пару. С выполнением обеих заданий Макс и Марианн преуспевают: и устраняют цель, и влюбляются по-настоящему. Агенты женятся и заводят ребенка, мечтая о счастливом семейном будущем без войны. Последовавшее спустя год известие от начальства буквально выбивает почву из-под ног Макса: его жену обвиняют в самозванстве, а еще хуже – в шпионаже в пользу фашистской Германии. Ватан должен найти доказательства невиновности любимой или же собственноручно отправить ее на тот свет…
При всей изначальной любопытности данного проекта (мощный актерский дуэт, маститый режиссер, интригующий сюжет), непосредственно накануне премьеры весь этот стартовый плацдарм померк на фоне истории с громким разводом самой звездной на сию пору голливудской пары. И «Союзникам» в этом скандале хорошо досталось (СМИ быстренько разглядели в Марион Котийяр один из катализаторов расставания Питта и Джоли).
Все это с одной стороны подогрело интерес публики к фильму, а с другой – сыграло злую шутку (для многих зрителей просмотр сведется к поиску ответа на вопрос, кто рядом с Питтом смотрится лучше - Джоли или Котийяр?). Ну да ладно, скандальное закулисье оставим в покое, взглянем на экран.
Как и практически во всех своих лентах 21 века (за исключением «Экипажа»), начиная с «Изгоя», продолжая CGI-анимацией «Полярный экспресс», «Беовульф» и заканчивая «Прогулкой», Роберт Земекис в «Союзниках» делает упор в первую очередь на картинку. Для создателя «Назад в будущее» и «Форест Гамп» использование новых технологий и оригинальных визуальных решений всегда были одним из главных принципов работы, нынче же, кажется, он и вовсе взял их за основу. Вот почему новые фильмы Земекиса цепляют глазами и ушами, но редко когда задерживаются в голове.
«Союзников» хочется хвалить за добротную завязку (о ней ниже) и кропотливую работу художника-постановщика, костюмеров и декораторов. Шикарный антураж (стильные Лондон и Касабланка) напоминает о «классическом Голливуде», модернизированном современными спецэффектами.
Но это все диспозиция, а что с развитием? Вот тут Земекис со сценаристом Стивеном Найтом откровенно схалтурили. Следом за авантюрным приключением двух героев, закончившимся свадьбой, должен был включаться шпионский детектив, а развернулась медлительная мелодрама. Немножко выводит зрителя из анабиоза лишь нетривиальная развязка. Но вкупе с ранее увиденным, она может вызвать, как восхищение, так и недоумение.
Самое же интересное, что есть в фильме – история знакомства будущих супругов, вынужденных изображать неземную любовь, при том, что видят они друг друга впервые. Неловкие заигрывания, осторожное соблазнение, робкое зарождение отношений и попытка балансировать на грани между флиртом и влюбленностью Брэду и Марион удаются блестяще. А когда героиня ласково шепотом кличет своего избранника «Мой квебекец» в далекоидущие намерения французской красотки веришь безоговорочно. За этим «прощупыванием» (ведь речь идет не только о борьбе полов, но и об изучении напарника, в котором при выполнении опасной миссии нужно быть уверенным на все сто) наблюдаешь с застывшей улыбкой.
Но стоит только парочке поклясться в вечных чувствах, магия пропадает, а улыбку сметает песчаной бурей из марокканской пустыни. И тут же начинаешь понимать, что сложно поверить, как двум шпионам, да еще из разных стран, их руководство дает безболезненно вступить в брак. В романах Ле Карре, Грина (обложка его книжки, к слову появляется в кадре) и даже Флеминга все ведь совсем по-другому. И, кажется, создатели не совсем
С существенным опозданием добрался до «Девушки в поезде» и «Войны против всех». Поэтому полноценного разговора об этих знаковых ноябрьских премьерах заводить не будем, но совсем уж обходить вниманием не следовало бы. Стало быть, вот несколько соображений по существу.
«Девушка в поезде» (режиссер Тейт Тэйлор)
Несмотря на все розданные авансы, экранизация романа Полы Хокинс не поразила. Хоть и очень обещала. Тейт Тэйлор начинает мощно, пессимистично и даже зловеще, но уже совсем скоро не выдерживает заданный темп. Психологическая, а местами даже мистическая, история бездетной, разведенной алкоголички, страдающей от созерцания благополучия окружающего мира, с развитием сюжета превращается в типичную слезливую мелодраму для угнетенных дам, да еще и с неубедительным криминальным налетом. Кажется, что режиссер хотел угодить и нашим, и вашим, а по факту не угодил никому (ну, ладно, вру: многим барышням кино нравится).
А вот почему «Девушку в поезде» смотреть стоит всем, так это из-за очередной первоклассной работы Эмили Блант. Второй год подряд ей достается психологически сложная роль, на пределе и вновь она выжимает из себя по максимуму. И в «Убийце», и в «Девушке в поезде» героиня Блант одна против всего света, терзаемая мыслями и вредными привычками, стремящаяся к добру и окруженная злом (явным и придуманным). Эмили – хороша. И как женщина, и как актриса. И если «Оскар» вновь обойдет ее первой в жизни номинацией (а то ведь можно и саму статуэтку дать), академиков можно отправлять к окулистам.
«Война против всех» (режиссер Джон Майкл МакДона)
Ирландец Джон Майкл Макдона, хоть и пришел в кино чуть раньше своего младшего брата Мартина, дебютировав в 2003-м «Бандой Келли» с молодыми Орландо Блумом и Хитом Леджером. Однако первый значительный успех пришел к нему только 8 лет спустя после выхода неполиткорректной, едкой и колоритной трагикомедии «Однажды в Ирландии». Ну а Мартин к этому времени уже взял «Оскар» за короткометражный «Шестизарядник» и получил номинацию на премию за сценарий к собственному гипнотическому анти-боевику «Залечь да дно в Брюгге».Потом Макдона-младший знатно подурачился звёздными «Семью психопатами», а вот Джон Майкл расщедрился на мощную «Голгофу» - один из лучших фильмов 2014-го с монументальной работой Брендана Глисона.
Теперь же пока Мартин копит силы, Макдона-старший решил пошалить и результатом этого стала «Война против всех» - хулиганская, незатейливая, но при этом проникновенная комедия о двух копах-напарниках, не могущих разобраться, что они любят больше: защищать закон или набивать карманы. Меланхолия, балансирующий на грани чёрный юмор и акцентированное пренебрежение экшеном в угоду острым словесным баталиям – то, что характерно для творчества обоих братьев в «Войне» наличествует в полной мере. Актерский дуэт Александра Скарсгарда и Майкла Пеньи – достойный ответ столь же колоритной полицейской парочке (Брэндан Глисон и Дон Чидл) в «Однажды в Ирландии». То, как их персонажи вершат правосудия, то и дело заступая за грань, нужно видеть и над этим смеяться. Благо не у нас дело происходит.
Если составлять пятерку лучших комедий этого года (а время для подобных разборок самое подходящее), «Война против всех» точно будет в топе.
«ПОЕЗД В ПУСАН» (режиссёр Ен Сан Хо)
Сок-Ву, руководящий крупной финансовой организацией в Сеуле, большую часть времени проводит на работе, отчего в личной жизни давно нет гармонии. Жена ушла, дочку Су-Ан воспитывает бабушка, а отец семейства вечно занят переговорами и сделками. Но сегодня есть отличный шанс попробовать все изменить к лучшему. Су-Ан отмечает день рождения и очень хочет побывать у мамы в Пусане. Сок-Ву перепоручает все важные процессы заместителю и выделяет время для визита к бывшей супруге. Скоростной поезд должен оперативно доставить отца с дочкой в Пусан. И вот тогда, чем чёрт не шутит, семейное счастье вновь может быть восстановлено… Однако в дороге творятся странные дела. По пути следования экспресса страну волной накрывает зомби-эпидемия. Быстроходный поезд становится островком стабильности, где можно пережить грянувший апокалипсис. Однако и на его борту вирус находит свое пристанище. Заветный Пусан для Сок-Ву и Су-Ан – как берег надежды в этом вояже с билетом в один конец…
Корейский кинематограф для среднестатического российского зрителя ассоциируется прежде всего с картинами Пак Чан Ука и Пон Джун Хо, работы которых («Олдбой», «Жажда», «Служанка», «Вторжение динозавра», «Сквозь снег») чаще всего добираются до больших экранов мира. Также нет ничего удивительного, что в качестве своих негласных учителей Ён Сан Хо назвал именно этих режиссеров. Ориентиры постановщик выбрал достойные, и влияние стиля старших товарищей чувствуется в дебютной игровой полнометражке. До этого он снимал исключительно мультфильмы, и сюжет «Поезда», к слову, опирается на сюжет последнего из них - «Станция Сеул» - о происхождении той самой зомби-эпидемии.
Лента Ён Сан Хо подкупает простотой, присущей работам дебютантов, многие из которых, правда, стали считать это моветоном, отказавшись от подаренного новичкам преимущества. Формально режиссер не говорит и не показывает ничего нового в жанре, но делает свое дело так искренне, что хочется переживать за успех начинания. С одной стороны «Поезд» - массовое зрелище, а с другой – абсолютно авторский продукт с нетривиальными сюжетными ходами внутри вполне понятной конструкции. Основное зло у Ён Сан Хо исходит не от глупых, но в чем-то очаровательных мертвецов, а от тех, кто так и не удосужился стать человеком, все еще сохраняя внешне людской облик. Главный герой, которому даже маленькая дочь ставит на вид первостепенный эгоизм, должен будет в экстремальных условиях экспресс-методом искоренить этот недуг, если желает продлить свое пребывание на этом свете и спасти близких.
В пассажирах поезда, что свойственно жанровому кино, сплошь колоритные, местами карикатурные типажи. Помимо брокера-нарцисса и его героической дочки, на борту: брутальный громила, трепетно заботящийся о своей кроткой супруге на сносях, тинейджеры-бейсболисты с подружками, две сестры-пенсионерки, смышлёный бомж, жестокий бизнесмен, каждый из которых воспринимает апокалипсис по-своему, от философского созерцания до героических поступков и подлых выходок.
Пак Чан Ук и Пон Джун Хо были упомянуты режиссером не случайно. «Поезд в Пусан» непременно вызовет в памяти «Сквозь снег» со спасительным экспрессом на вечном двигателе, колесящем по трансконтинентальной дороге, опоясавшей погруженную в хаос планету, и напомнит о «молотковом коридоре» из «Олдбоя», когда герои начнут «зачищать» вагон от ходячих мертвецов. Кто-то же, возможно, увидит в новинке помесь зубодробительного «Рейда» (осада небоскреба полчищем бандитов) с «Рассветом мертвецов» (причем не ромеровским, а имени Зака Снайдера, установившего стандарт быстроногости зомби) и окажется прав.
«ПО СООБРАЖЕНИЯМ СОВЕСТИ» (режиссер Мел Гибсон)
Будучи в детстве крайне буйным малым (ежедневные драки с братом, одна из которых чуть не закончилась трагедия), поглядывавшим на пьяные выходки контуженного папаши, еще до совершеннолетия Десмонд Досс нашел смирение в вере. Став Адвентистом Седьмого Дня, молодой человек отринул любые формы насилия и преобразился: завел роман с медсестричкой, стал помогать заблудшим душам, простил отца. Но грянула Вторая Мировая, и о спокойной жизни не могло быть и речи. Не став отсиживаться за спинами сверстников и последовав примеру брата, Десмонд примерил солдатскую форму, сделал предложение возлюбленной и отправился на фронт. Однако в отличие от сослуживцев Досс решил защищать интересы страны безоружным, напрочь отрицая требования устава. Причуды воина-пацифиста чужды не только однополчанам, но и командирам, видящим в миролюбии бойца саботаж и потенциальное дезертирство. Но Десмонд Досс не отступает от своих принципов, пытаясь доказать всем вокруг, что даже во время войны, можно побеждать не убивая…
Если бы Мел Гибсон вдруг решил уйти из профессии лет шесть-семь назад, то смело мог писать книгу «Как влюбить в себя Америку, стать суперзвездой и примерным семьянином, а потом разрушить идеальный брак и загубить прекрасную карьеру». Кумир миллионов, гордость Австралии, отец восьмерых детей, истовый католик, звезда «Безумного Макса» и «Смертельного оружия», создатель «Храброго сердца» и «Страстей Христовых», двукратный «оскароносец» в конце нулевых словно бы с цепи сорвался. Мел бросил жену, с которой прожил 30 лет, стал чаще прикладываться к бутылке, сопровождая это хулиганством, начал поколачивать новую пассию, а заодно зачастил резкими антисемитскими высказываниями. Голливуд не стал долго терпеть безрассудные выходки, порочащие индустрию и негласно записал звезду в персоны нон-грата, огородив крупные проекты от его участия. Однако за написание книги Гибсон не уселся. Всерьез пошатанное реноме актёр принялся восстанавливать хулиганскими ролями в бесшабашных проектах («Весёлые каникулы», «Неудержимые-3», «Мачете убивает»), перенося несуразные дебоши из личной жизни в жизнь экранную. Сублимация дала свои плоды. Спустя 10 лет Гибсон вновь оказался в режиссерском кресле крупного студийного проекта.
Сразу следует оговориться: «По соображениям совести» - далеко не лучшая работа австралийца. Неровная и вызывающая закономерные вопросы к его режиссерской форме.
По части натужного пафоса рассказ о похождениях смелого пацифиста смахивает на актерский проект Гибсона – «Мы были солдатами» (его создатель Рэндалл Уоллес ранее сочинил то самое «Храброе сердце»), где тоже лились реки крови, а бравые американские гвардейцы отважно сражались за Родину… в азиатских широтах. Вот вроде бы и «Тонкая красная линия» со «Взводом» об этом, но опорой Малику и Стоуну послужили почти безупречные сценарии, коего Мелу не досталось (Роберту Шенкану и Эндрю Найту заносить эту работу в зачет не рекомендуется). Отчего «По соображениям совести» смотрится словно два (а то и три) впопыхах склеенных фильма, с хорошими моментами в обоих и стойким ощущением нецелостности по факту.
Одна часть истории весьма сильно смахивает на похождения Фореста Гампа с той лишь разницей, что с головой у Досса (не лучшая, но весомая роль Эндрю Гарфилда) все в порядке, но взгляды на жизнь его довольно нетривиальны. Отличные эпизоды, вроде неловкостей знакомства и свидания с будущей возлюбленной, детские драки и загулы отца катят ленту в сторону мелодрамы. Но где-то на середине пути картина сворачивает на новую дорогу. Многое из того, что было показано и рассказано ранее отбрасывается за ненадобностью (например, брата пошедшего на фронт первее Десмонда мы более не увидим и не услышим) и начинается новый рассказ.
И вот средь нешумного бала просыпается настоящий, бескомпромиссный Гибсон, когда слово сменяется делом и ураган пуль скашивает все под чистую, а струи пламени окутывают солдатскую плоть. Во многом вторичные и
«ФАНТАСТИЧЕСКИЕ ТВАРИ И ГДЕ ОНИ ОБИТАЮТ» (режиссер Дэвид Йейтс)
Нью-Йорк, 20-е годы прошлого столетия. В мегаполис с ответственной миссией прибывает молодой английский зоолог Ньют Саламандер в невзрачном с виду чемоданчике которого скрыт внушительный мир сказочных животных. В Америке он намерен взять под свое покровительство еще одного волшебного питомца. Магическое сообщество божьих тварей не шибко жалует и лишь благодаря Саламандеру многие зверушки еще не сжиты со свету. Нью-йоркская часть гуманистической миссии оказывается под угрозой, когда Ньют путает свой саквояж с ручной кладью добродушного жестянщика Якоба Ковальски. Учитывая тот факт, что обитатели чудо-чемодана – живность, склонная к побегу и шалостям, вернуть свое добро Саламандеру следует, как можно скорее. Попутно зоологу надо отбиться от преследования со стороны магического конгресса Америки и одной из самых настырных его участниц – очаровательной и принципиальной волшебницы Тины Голдштейн. Фэнтези-марафон по улочкам «Большого яблока» объявляется открытым…
Киносериал о похождениях Гарри Поттер был крайне удачной франшизой как минимум с коммерческой точки зрения (почти 8 миллиардов $ за 8 лент), хотя и в художественном плане задал стандарт для подростковых фэнтези-эпопей. Немудрено, что создатели эпопеи при любом удобном случае, хотели бы ее продолжить, но: книжки про юного мага кончились, дети-герои основательно подросли.
Подспорье пришло оттуда, откуда его собственно и следовало ждать. Еще в процессе создания книг о чародействах в Хогвартсе, Джоан Роулинг написала магический учебник «Фантастические твари и где они обитают», который изучали Гарри сотоварищи. Именно эту книгу и взяли за основу новой франшизы. Причем сама Роулинг взвалила на себя обязанности сценариста. И ставка эта может сработать. По крайней мере, по первым шагам затея совершенно точно не кажется безнадежной.
«Твари» передают многочисленные явные и скрытые приветы тусовке из Хогвартса (хотя события фильма происходят за три четверти века до событий Гарри Поттера), но являются при этом совершенно самостоятельным произведением с внушительными спецэффектами и любопытной галерей персонажей, начиная с протагониста и его внушительной животной своры. Если «ГП» был нацелен на подростковую аудиторию и «взрослел» вместе с ней, то похождения мистера Саламандера обращены едва ли не сразу к зрителю 16+. Пожалуй, только фэнтезийный зоопарк в своей милоте рассчитан на подрастающее поколение, но основные поднимаемые темы: охота на ведьм, борьба с инакомыслием, легализация скрытых сообществ, насилие и диктат в качестве главных аргументов – отнюдь не для ребятни. Постановщик 4-х последних частей «Поттера», а заодно недавнего «Тарзана» Дэвид Йейтс сделал очевидный шаг вперед, выдав самую интересную работу в карьере, опираясь на убедительный сценарий фактически дебютантки Роулинг. Да, пару раз сюжет близок к провисанию, но следующий далее эффектный экшен компенсирует намечавшиеся огрехи. При всем этом «Фантастические твари» - больше не приключенческое фэнтези, а… остросюжетная мелодрама в тревожных тонах, но с сатирическими нотками. Будет где улыбнуться, но сопереживательно ерзать придется чаще.
Энную долю обаяния ленте придал на удивление точный кастинг. Уроженец Лондона, «оскароносец» Эдди Редмейн наделил своего Ньюта британским шармом, хорошим чувством юмора, загадочным взглядом и детской наивностью, позволяющей волшебнику легко ладить с зверьем, но трудно вписывающейся в строгую магическую иерархию.
Комик Дэн Фоглер, играющий Ковальски, – словно верный Санчо Панса, не перетягивает одеяло на себя, уместно аккомпанируя Редмейну и зажигательно выходя на авансцену, когда представляется такая возможность. Чаще всего, чтобы построить глазки изумительной Элисон Судол в образе телепатки Квинни Голдштейн, насколько дурашливой, настолько и искренней. Для певицы (проект Элисон зовется «A Fine Frenzy») это
«ПРИБЫТИЕ» (режиссер Дени Вильнев)
Над Землей, в разных ее уголках, зависает 12 космических кораблей инопланетного происхождения, похожих на кофейные зернышки. Откуда эти незваные гости и чего они хотят – понять решительно невозможно: пришельцы не производят никаких действий, а шатлы безмятежно парят в воздухе. Меж тем мировые правительства встревожены не на шутку, видя в этом визите угрозу войны вселенского масштаба. С инопланетянами, во что бы то ни стало, надо установить контакт. Судьбоносное для планеты задание поручено талантливому лингвисту Луизе Бэнкс. На пару с астрофизиком Йеном Доннели, она должна в ближайшие часы найти средства коммуникации с представителями незнакомой цивилизации. Тяжело переживающая трагическую гибель дочери Луиза бросает все физические и умственные возможности на поиск отгадки лингвистического ребуса, попутно пытаясь найти для себя смысл дальнейшей жизни…
Научная кинофантастика – жанр, добиться успеха в котором не так-то просто. В лентах такого формата нежелательно выезжать за счет экшена и скатываться в боевик, нельзя без оглядки попирать азы науки и техники, показывая будущее и новые миры (попробуй тут угоди разом простому зрителю и ученой братии). И, конечно, при всем этом, неплохо бы донести до нынешней и будущей публики несколько здравых мыслей и задать пару-тройку философских вопросов. А что ты скажешь (покажешь) умного и нового про космос и инопланетные цивилизации, например, если за тебя это давно сказали Ланг, Тарковский, Кубрик и Спилберг?
Вот почему свои эксперименты в жанре многие режиссеры делают в малобюджетных проектах, не часто добирающихся до больших экранов. Иногда так рождаются микро-шедевры, сродни «Луна 2112», «Из машины» или «Предопределение». Другое дело, что больших денег на этом не заработаешь, а потому серьезные суммы выделяют крайне неохотно.
К счастью, в последнее время широкоэкранная научная фантастика пусть и не переживает Ренессанс, но стала пользоваться повышающимся спросом. Успехи «Гравитации», «Интерстеллара», «Марсианина» показали, что нынешнее поколение режиссеров готово штурмовать вершины сай-фая, а зритель оказался готов за этими штурмами наблюдать.
Дени Вильнев никогда не был постановщиком сентиментальным, и героев всех его работ экранная жизнь неизменно и нещадно перекручивала через мясорубку. Персонажи в лентах канадца населяют с виду обычные, но на деле жутко мрачные, неуютные и при этом совершенно реальные миры (в близлежащем городке, соседнем доме). Новая работа Вильнева является в этом плане исключением из правил. В «Прибытии» происходит столкновение нашей сегодняшней реальности с инопланетным «приветом» из далекого будущего. И, продолжая бросать героев в жернова, режиссер-таки находит место для трепетных сантиментов, будоражащих и являющихся важным ключом к пониманию, происходящего на экране.
Обходясь минимумом действа, Вильнев гипнотизирует публику, заставляя искать ответы даже там, где еще не заданы вопросы. Глядя на галлюциногенные видения изможденной доктор Бэнкс, копаясь в обрывках ее памяти и одновременно разбирая причудливые орнаменты-послания инопланетян, зритель может найти свое видение решения задачи о
«ДОКТОР СТРЭНДЖ» (режиссер Скотт Дерриксон)
Уникальность таланта нейрохирурга Стивена Стрэнджа признают все вокруг: и начальство, и подчиненные, и злопыхатели, и почитатели. Его голова и руки способны творить истинные медицинские чудеса. Однако в повседневной жизни Стрэндж далек от идеала: эгоцентричный, самовлюбленный, не в меру амбициозный зануда с мизантропическими нотками. Все бы эти огрехи не имели никакого смысла, не попади Стивен в жуткую автокатастрофу, по итогам которой его собирали буквально по частям. Он остается жив, но о практике можно забыть: ходит самостоятельно – и то, слава Богу. Впрочем, лишение работы для Стрэнджа – все равно смерти подобно. Перепробовав все способы вернуть телу гиперчувствительность, без которой немыслима нейрохирургия, доктор хватается за последний шанс – отправиться в секретное таинственное местечко Камар-Тадж, где-то в Непале. Стивену чужда мистика, но если это вернет ему былые силы – готов рискнуть. Немудрено, что целительный храм оказывается прибежищем чародеев, читающих магические артефакты и постигающих азы волшебства под началом бритоголовой Старейшины. Выбор Стрэнджа невелик: либо остаться калекой, либо стать колдуном…
Не забывая штамповать новые серии уже начатых киносериалов про отдельных участников банды Мстителей, а заодно, про похождение всего отряда в целом, Marvel продолжает расширять границы Вселенной, заселяя ее новыми обитателями. Вот и очередной эксцентричный дядечка пожаловал.
Еще по трейлеру «Доктор Стрэндж» виделся фильмом, как минимум визуально выделяющимся в череде комиксов Marvel. Таковым он собственно и стал, ограничившись, правда, тем самым визуальным минимумом, хоть и в максимальным масштабах.
Стартовый отрезок новинки, несмотря на характерный марвеловский юмор, все же все-таки пронизан меланхоличным флёром, который так свойственен конкурирующей комикс-империи DCComics. Собственно, ничего удивительного: от создателя «Шести демонов Эмили Роуз», «Синистера» и «Избави нас от лукавого» мрака логичнее ждать, чем света. Однако Скотт Дерриксон недолго выдерживает более-менее серьёзный тон. С момента попадания Стрэнджа в Камар-Тадж, режиссер дает понять, что не прочь замахнуться на лавры современных блокбастер-визионеров формата Нолана или Снайдера и отправляет персонажей в кажущийся бесконечным галлюциногенный трип. Выходят в «реальность» герои лишь для того, чтобы побиться да пошутить. И то, и другое – в так себе качестве. Однако на фоне перманентно движущихся и изменяющихся декораций, что помещают зрителя одновременно внутрь калейдоскопа и огромной комнаты кривых зеркал, и бои, и юмористические микро-репризы заходят получше.
Вообще столь сумасбродно и буйно перекроить экранную реальность в отчетном киногоду, пожалуй, не получалось доселе ни у кого, хотя в «Варкрафте», «Алисе в Зазеркалье» и, особенно, «Доме странных детей Мисс Перегрин» были зачетные попытки.
Долей успеха в этом вопросе Дерриксон обязан поделиться с англичанином Беном Дэвисом, чья камера эффектно показывала нам «Пипца», «Звёздную пыль», «Эру Альтрона» и, конечно, «Стражей Галактики», к которым среди всей Вселенной Марвел именно «Доктор» ближе всего по духу.
А вот должной сценарной поддержки Скотту (как одному из авторов скрипта) не оказали, ни Роберт Каргил, с которым он придумывали «Синистера», ни, Джон Спейтс, написавший «Прометея» для Ридли Скотта. Разумеется, ждать от очередного комикса драматической структуры уровня «Хранителей» или «Тёмного рыцаря» было бы самонадеянно, но…
«РАСПЛАТА» (режиссёр Гэвин О’Коннор)
Страдающий аутизмом Кристиан Вольф сумел извлечь из своего недуга преимущества: он стал первоклассным бухгалтером-аудитором, умеющим предельно концентрироваться при проверке счетов и быстро решать задачу. Его умения считаются едва ли не паранормальными, а потому крупнейшие мафиози мира нанимают Вольфа для экстренного латания дыр в своих чёрных кассах. Кристиан не брезгует предложениями и за достойный куш приводит бухгалтерии криминала в порядок. А еще он отлично стреляет. И пользуется этим навыком, если надо решить вопрос, который нельзя решить с помощью счетоводства.
Очередным клиентом Вольфа становится владелец фирмы, занимающейся высокими технологиями, подчиненная которого нашла несостыковки в отчетностях, приведшие к многомиллионным утечкам. Но стоило аудитору начать раскручивать этот маховик, как на его след выходит Минфин США, а те, с кем Кристиан худо-бедно общаются в мирной жизни попадают под бандитский прицел…
Картин, в которых главный герой страдает каким-то неизлечимым недугом (физическим или психическим), но обладает при этом экстраординарными способностями – не так уж и мало, если разобраться. Например, блокбастеры о супергероях частенько пользуются подобной формулой: в чём-то убыло, в чём-то прибыло. Не грешат идти по этой дорожке и драмы, давая на выходе великолепные результаты: «Человек дождя», «Игры разума», «Форест Гамп».
Определенно создатели «Расплаты» опирались, как раз на перечисленные хиты. Но взяв за основу драматическое ядро, постарались сделать ему оболочку серьезного, в чем-то неонуарного триллера. И поначалу эта ставка работает исключительно. Стартовая диспозиция прекрасна: нелюдимый гений помогает и хорошим и плохим людям, слушает дома тяжелый рок на всю катушку, бьет себя палкой по коленям, чтобы утихомирить прошлое и научиться терпеть боль. Наблюдать за таким героем любопытно, ведь он балансирует на грани добра и зла, являясь высококлассным экспертом в профессии и замкнутым ребенком в жизни. В эти минуты режиссеру Гэвину О’Коннору и сценаристу Биллу Дюбуку хочется аплодировать за выбранный тон и заданный темп, настраивающий на бескомпромиссный разговор и нетривиальное развитие событий. Да к тому же Бен Аффлек в роли аутиста настолько достоверен, что эту работу можно смело записать в число лучших в его актерской карьере (в этой стезе значимых успехов у него заметно меньше, чем в режиссерской, согласитесь).
Однако развивая сюжет и наводняя его все новыми небезынтересными персонажами: парочка сыщиков из Минфина (один из них – как всегда потрясающий Джей К.Симмонс), очаровательная в своей нескладности бухгалтерша (Анна Кендрик), мудрый зек (Джеффри Тэмбор), эксцентричный киллер (Джон Бернтал) режиссер начинает чехарду жанров и смыслов, сбивая «Расплату» с первоначального курса. В драматический триллер подмешивается боевик с элементами романтической комедии. На удивление, герои смотрятся в этом органично, но серьезный тон определенно утрачивается.
О’Коннор, знакомый зрителю брутальными остросюжетными драмами («Воин», «Гордость и слава»), захлебывается в количестве идей и эффектных моментов, которые он хочет показать зрителю, поглядывая на уходящий хронометраж. Будь бы сценарий более концептуальным, такой неразберихи можно было бы избежать, но и как в дебютном скрипте Билла Дюбука («Судья»), в «Расплате» качественные ингредиенты смешаны неравномерно. Отчего у ленты есть приятное послевкусие (в общем и целом, это неплохой фильм, но мы то настраивались на хороший) за счет игры актеров (особенно аутентичного Аффлека), эффектного начала и нешаблонного финала, однако к шеф-поварам сохраняются претензии. Если бы у создателей «Бухгалтера» (так незатейливо и броско фильм зовётся в оригинале) был свой персональный Кристиан Вольф, им следовало бы воспользоваться услугами этого аудитора со снайперской винтовкой для подчищения хвостов.
«КУБО: ЛЕГЕНДА О САМУРАЕ» (режиссер Трэвис Найт)
Средневековая Япония. Одноглазый мальчишка Кубо живет в пещере вместе со своей чахнущей мамой. Каждый день юный самурай спускается в деревню, где разыгрывает магическое театральное представление, оживляя фигурки оригами посредством игры на двухструнном сямисэне. Таким образом, мальчик зарабатывает на жизнь для себя и мамы, которая когда-то и обучила сына волшебному искусству. Она очень надеется уберечь Кубо от чар своего отца. Коварный Лунный король когда-то убил отца мальчика и наслал порчу на дочь. Теперь дед надеется добраться и до внука, дабы переманить его на сторону зла. Чувствуя свой скорый уход мама отправляет Кубо в дальние края на поиски волшебных доспехов его отца-самурая, облачившись в которые мальчик сможет дать бой Лунному королю. Спутниками юного иллюзиониста-музыканта становятся белая обезьяна и гигантский жук, довольно сносно говорящие по-человечески и готовые идти с ним до конца…
После ухода великого Хаяо Миядзаки из профессии (хочется надеяться, что мэтр передумает), японской анимации, возможно, будет непросто регулярно пробиваться в российский прокат. В связи с этим поддержка единомышленников лишней не станет. Новый проект независимой американской студии Laika можно одновременно и как дань уважения японским анимационным традициям, и как своеобразный оммаж творчеству нашего гениального современника Хаяо.
«Лайка Энтертэймент», основанная 11 лет назад Филом и Трэвисом Найтами, сходу обозначила свои претензии на уникальность, производя высокобюджетные (каждая лента стоит ровно 60 млн. долларов), кукольные мультики с мрачноватым антуражем и сюжетом, ориентированным на взрослых едва ли не больше, чем на их детей. «Коралина в стране кошмаров», «Паранорман», «Семейка монстров», «Труп невесты» эту позицию наглядно демонстрируют.
Ранее выступавший лишь, как продюсер и художник, Трэвис Найт на сей раз еще уселся и в кресло постановщика и создал вдохновенное полотно с восточным колоритом и философией, с кадрами, доведенными до совершенства современными западными технологиями. «Кубо» - мультик нестандартный, непредсказуемый, завораживающий, пугающий, способный развеселить детей и заставить задуматься взрослых. Эдакий театр в театре. В то время пока юный самурай высекает из своего сямисэна магические звуки, заставляя фигурки оригами устраивать причудливые пляски, режиссёр оживляет мир вокруг Кубо, превращая в сцену весь взрослый мир, который мальчику приходится постигать своими силами, слушая советы… животного и насекомого.
Если проводить аналогию с гениальным Миядзаки, то мультфильм Найта является парафразом "Унесённых призраками" с той лишь разницей, что вместо маленькой капризной Тихиро, в сказочном и опасном мире путешествует маленький бесстрашный Кубо. Обоими персонажами движет желание воссоединения семьи и оба, в определённом смысле, с задачей этой справляются.
Заводя разговор о смерти и о предательстве близких (за Кубо гоняется не только его всемогущий дед, но и злющие родные тётки), Найт аккуратно подводит зрителя (маленького, в первую очередь) к мысли о смирении и прощении, как большому дару, обладать которым способен только настоящий воин и настоящий человек.
Ударяя по философии, «Кубо» не забывает и развлекать, пришедшего в зал, выдавая эффектные сюрреалистические поединки и неожиданные превращения, веселые щалости и оригинальные сюжетные ходы. Задумываясь на секунду о том, что все действо предъявлено при помощи кукол, мысленно аплодируешь трудоспособности и изобретательности Найта и его команды, доказывающих, что креативный подход, может дать не меньше, чем современные технологии. Ну а если все это совместить, по силам
«ДОМ СТРАННЫХ ДЕТЕЙ МИСС ПЕРЕГРИН» (режиссёр Тим Бёртон)
Для Джейка Портмана, застенчивого старшеклассника, подрабатывающего в супермаркете, нет человека более авторитетного, чем любимый дедушка. Строго говоря, Эйб Портман сыграл в воспитании внука едва ли не большую роль, чем папа с мамой мальчика. С раннего детства Джейк, как завороженный слушал удивительные сказки деда, в которых чудеса невероятным образом переплетались с реальностью.
Таинственная гибель старика становится огромным потрясением для мальчика. Перед смертью предок успевает передать внуку зашифрованное послание, понять смысл которого можно, лишь побывав в интернате в Уэльсе, где 70 лет назад воспитывался Эйб, и пообщавшись с воспитательницей мисс Перегрин. Вместе с отцом Джейк едет на крошечный остров, дабы попасть в Доме странных детей, всегда фигурировавшем в причудливых рассказах дедушки…
В последние годы поток критических стрел в сторону Тима Бёртона был сравним разве, что с пушечными залпами в адрес Николаса Кейджа. Отношения такого режиссёр по большому счету не заслуживал (как и упомянутый актёр, в принципе). Да, последние его творения по силе воздействия отличались от ранних образцов, но почерк угадывался легко, и настроение передавалось четко. Из всего сделанного за карьеру Бертоном, лишь « Большие глаза » стоят особняком: не глядя в титры определить фамилию создателя будет сложно. Однако если вспомнить какие картины рисовала героиня Эми Адамс и сопоставить их с сюжетной линией «Дома странных детей» - мозаика сложится! «Большие глаза» (лента оптимистичная, жизнеутверждающая и совсем не эксцентричная) стали отвлекающим маневром, разбегом Бёртона перед большим прыжком и, возможно, режиссёр зашёл на рекорд!
Чем собственно Тим отличается от Эйба и его внука? Да, в общем-то, ничем. Он также азартно любит мистификации, волшебство etc и как созерцатель, и как непосредственный участник. Если сказать, что Бёртон снимал кино про себя, то будешь недалёк от истины.
Сюжетную начинку, правда, режиссер позаимствовал у молодого писателя Ренсома Риггза, успевшего на момент выхода фильма выпустить уже три книге об удивительных обитателях Дома. Но, помимо выбора едва ли не идеальной литературной первоосновы (миры Риггза как будто часть одной большой Вселенной Бёртона, вписываются в систему координат режиссера, как влитые), Тим сделал безупречную ставку на сценариста. В активе англичанки Джейн Голдман убойный арсенал из «Пипца», «Люди Икс: Первый класс», «Люди Икс: Дни минувшего будущего», «Kingsman», в которых подрастающему поколению отведены ключевые роли. Для «Дома», где каст-лист кишит молодежью лучшего проводника на большой экран, не придумаешь.
Опираясь на прочную сюжетную конструкцию Голдман и качественную фэнтези-базу, заложенную Риггзом, Бёртон, как одержимый начинает населять странный мир удивительными обитателями, с любовью относясь и к героям и к злодеям. Пронырливая камера француза Бруно Делбонелля без устали фиксирует все вкусные фишки, которые щедро бросает в кадр режиссёр, создавая магической красоты картинку, что и без 3D обволакивает и удивляет.
Угадать источники вдохновения Бёртона не сложно. Прежде всего, жители Дома странных – это отчаянно не желающие (да и не имеющие возможность) взрослеть обитатели Нетландии во главе с Питером Пэном, а их дражайшая мисс Перегрин – вылитая Мэри Поппинс. Ну а фантасмагорический антураж напоминает разом «Лабиринт Фавна», «Назад в будущее» и «Армию тьмы». Ну и, конечно, вдохновлялся
«НОВАЯ ЭРА Z» (режиссер Колм МакКарти)
Великобритания. Недалёкое будущее. Человечество на грани вымирания. По свету разгуливают полчища быстроногих зомби, которые стремительно прирастают в количестве и уничтожают живых обитателей планеты. При кажущейся безысходности у людей все еще есть шанс на спасение. На одной из военных баз, что на юге Англии, содержится группа инфицированных детей (заразившихся в утробе матерей), которые хоть и имеют инстинкты зомби, но не обращаются в таковых без внешней провокации (запах людского тела и крови). Да и удовлетворив жажду плоти, юнцы быстро принимают человеческий облик и становятся милыми, приятными малышами с высоким уровнем интеллекта. Именно в этой поросли ученые видят панацею и, не теряя времени, всячески исследуют детишек (зачастую антигуманными методами). Все работы приходится экстренно свернуть, когда многочисленный отряд голодных (такое говорящие название дали зомбакам военные) прорывает оцепление и врывается на базу. Главврачу Колдвелл, педагогу Хелен, сержанту Парксу и двум его бойцам удаётся выбраться из зоны поражения. С собой они берут самую смышленную из «подопытных» - улыбчивую обаяшку Мелани. Темнокожая девочка по мере сил подавляет свои «саблезубые» порывы и должна помочь путникам не только добраться до штаба в Лондоне, но и разработать спасительную вакцину…
В жанре зомби-драм сколь либо серьезных широкопрокатных открытий не случалось со времен «28 дней спустя» (и его сиквела). А прошло-то, без малого, почти 10 лет. Два микрошедевра – «Носители» и «Земля вампиров» - придется оставить за скобками, ибо до большого экрана они так и не добрались. Ну а представлявшаяся крайне перспективной «Война миров Z» Марка Форстера в 2013-м хорошо сработала в прокате, но по всем статьям проиграла одноимённой книге, став больше подростковым блокбастером, чем серьезным кино, и запомнившись лишь эффектной сценой – пирамидой из живых трупов. А собственно в жанре всё: иные зомби-ленты были либо хоррор-бегунками либо комедийными ужастиками.
Создатель «Новой эры» - шотландец Колм МакКарти особо не скрывает, что черпал вдохновение в «28 днях». По манере подачи: пульсирующая тревожная безысходность с экшен-вспышками, окутанная плотным депрессивным звукорядом, новинка действительно схожа с лентой Дэнни Бойла. При этом картина опирается на литературный первоисточник – постапокалиптическую драму «Дары Пандоры» Майка Кэри. Но если Макс Брукс, чья книга легла в основу «Войны миров Z» до работы над сценарием не добрался, то Майк потрудился. Да еще и в одиночку. Это предопределило успешность адаптации, которая не разлагается по ходу действия, как фильм Форстера, а цельным продуктом доходит до финала. Он, кстати, отчасти обескураживающий, что недопустимо для высокобюджетных студийных проектов, но позволительно для 4-миллионного проекта, прорвавшегося в широкий прокат.
В фильмографии Колма МакКарти преимущественно телепроекты (это лишь второй художественный фильм за 20 лет карьеры), зато какие – «Шерлок», «Доктор Кто», «Острые козырьки». Однако ритм полного метра режиссер держит вполне уверенно, после гнетущего старта и мощного финала, немного провисая лишь во второй трети фильма. Правда, это компенсируется видами вымершего Лондона, роль которого сыграла чернобыльская Припять, где съёмки велись с помощью летающего микродрона.
По способу делания на хороших и плохих «Новая эра Z» - по сути, такой себе перевёртыш в духе «Я - легенда» (книги Ричарда Мэтисона, а не фильма Фрэнсиса Лоуренса, кардинально отличавшегося идейно от первоисточника), где добро и зло – достаточно условны. Люди считают себя таковыми, но при этом безжалостно препарируют визуально себе подобных малышей, чтобы раскрыть секрет противоядия, ну а юные зомби совершенно не прочь социализироваться и стать нормальными, но инстинктивно вгрызаются в плоть, едва оголодают.
Идею последних не по-детски мудро передает
«ВЕДЬМА ИЗ БЛЭР: НОВАЯ ГЛАВА» (режиссёр Адам Вингард)
Больше 20 лет минуло с той поры, как в лесах Бёркитсвилля бесследно исчезли три студента-документалиста, отправившихся туда на съемки курсовой работы о местной ведьме и связанных с нею легендами. Младший брат пропавшей Хезер Донахью – Джеймс, уверен, что сестра жива. В Интернете он увидел ролик, снятый в тех краях, и разглядел в размытых кадрах очертания родственницы. Недолго думая парень снаряжает мини-экспедицию в зловещую местность, взяв с собой несколько пару единомышленников и авторов той самой записи. Гибельная затея, скажете? Так и есть. Но молодёжь это не останавливает…
16 лет назад микробюджетная (ваша квартира стоит дороже) «Ведьма из Блэр» Эдуардо Санчеза и Дэниэла Мирика совершила вполне себе революцию и в хоррор-жанре и в псевдодокументалистике, порадовав нестандартным подходом и эффектной промо-кампанией, породив волну подражаний и, главное, хорошенько напугав и искушенных в ужасах, и неофитов.
Случившееся годом спустя продолжение публику и критиков больше озадачило, нежели обрадовало. Идеологи и создатели первой «Ведьмы» в проекте не участвовали, снята лента была в традиционной манере и оказалась не такой уж страшной, как хотелось бы.
Санчез и Мирик больше вместе не работали, а по отдельности не заблистали (хотя у Эдуардо случилась пара приличных ужастиков: параноидальный «Крошка Молли» и опять-таки псевдодокументальный «Существует»).
Известие о продолжении культового хоррора стало для фанатов нечаянной радостью (съемки велись в обстановке строгой секретности и о ленте было объявлено лишь после завершения процесса). Таким нестандартным подходом отметился режиссер Адам Вингард, которому оригинальности не занимать. В его активе участие в хоррор-альманахах «З/Л/О», «З/Л/О-2» и «Азбука смерти», отменный слэшер «Тебе конец» и один из лучших фильмов прошлого года (не только в жанре, но и вообще) – «Гость». Во всех работах «подельником» Вингарда выступал сценарист Саймон Баррет. Объединили они усилия и в этот раз, что настраивало на оптимистичный лад.
Удалось ли авторам воплотить задуманное? Ну, это как сказать. Если Вингард с Барретом хотели продемонстрировать новый уровень обращения с ручной камерой, то возможно им следует поставить «зачёт». Однако за качественной технической стороной, совсем потерялась внутренняя смысловая оболочка. Из «Ведьмы» 2016-го вы не узнаете ничего нового (а ведь так хотелось), а лишь увидите вариации на тему оригинальной картины. Герои умело обращаются с современными гаджетами (которые, разумеется, в нужный момент их сильно подставят) да очень быстро впадают в панику. В итоге вызывают едва ли не раздражение у зрителя, а не сопереживание. То, что прощалось Хезер, Джошуа и Майклу 16 лет назад, как первопроходцам, их последователям прощать не особо хочется.
Если лента Мирика и Санчеза пугала своей странностью, недосказанностью и реалистичностью, порождала массу загадок и домыслов, то фильм Вингарда и Баррета топчется на старой поляне, не подкидывая хвороста в затухающий костёр (это не аллегория, а реальное описание деталей сюжета – один из путников уж больно увлёкся сбором дровишек).
Как и «Ведьма» 2000-го её младшая сестрёнка проигрывает оригиналу, за 85 минут экранного времени так и не дав ответа: зачем создателям стоило затевать всю эту канитель, если не удивить, не пощекотать нервы зрителя они толком не удосужились.
Лучшее, что есть в фильме Вингарда – это последний кадр, напоминающий, что товарищ он изобретательный и креативный. Но ведь не ради этой смачной финальной картинки всё задумывалось?
«ДУЭЛЯНТ» (режиссёр Алексей Мизгирёв)
1860 год. Санкт-Петербург. В столице, не испытывающей недостатка в дуэлях, за чрезвычайно короткий срок происходит сразу несколько поединков со смертельным исходом, жертвами которых становятся не последние лица в высшем свете. Объединены все эти схватки персоной одного из участников. Это отставной капитан Яковлев, любой пистолетный бой заканчивает собственной победой и гибелью противника. Схватки приносят ему солидный доход, ведь за каждую таинственный спонсор отстегивает немалую сумму. Но деньги для Яковлева – не самоцель, равно как и жаждой крови дуэлянт не страдает. Им движет месть. А добраться до объекта сатисфакции можно, лишь таким непривлекательным способом…
Давайте попробуем вспомнить: сколько отечественных блокбастеров за последние лет десять успешно интегрировались в международный прокат? Есть риск заблудиться в раздумьях. «Легенда №17», «Вий», «Метро», «Сталинград», «9 рота», «Турецкий гамбит», «Ирония судьбы. Продолжение», «Высоцкий. Спасибо, что живой», оба «Дозора» поднимали дома неплохую кассу и имели выход на мировую арену, но вызывали немало вопросов: либо по качеству продукта, либо по универсальности тематики для восприятия его зарубежным зрителем. Вышедший на экраны «Дуэлянт» имеет все шансы исправить положение. Нежданно-негаданно картина Алексея Мизгирёва выделилась не только эффектной «обёрткой», но и вкусной начинкой отменного качества, которую способны распробовать далеко за пределами России.
Режиссер, доселе снимавший лишь мрачные драмы в духе соцреализма («Кремень», «Бубен, барабан», «Конвой») не отрёкся от своего артхаусного прошлого, а культивировал авторские приёмы на территории блокбастера. Следует отдать должное продюссерской команде во главе с Александром Роднянским, не загнавшими создателя в форматные рамки. Результатом этого творческого компромисса стал высокобюджетный артхаус, который задаёт высокую планку для крупных отечественных проектов. Можно ли делать громко и масштабно, но при этом умно и не пошло? Мизгирёв отвечает «Дуэлянтом»: «Да!»
Дерзкая попытка передачи классического русского стиля при помощи новейших технических наработок полностью себя оправдывает. Что оператору (Максиму Осадчему), что группе декораторов и художников-постановщиков можно смело выписывать премию. Такой одновременно узнаваемой и неизвестной, Северная столица в нашем кино не была никогда. Это Питер Достоевского: парадный с одного бока, и убогий – с другого. Но показанный так, будто Фёдор Михайлович описывал любимый город сейчас, но с оглядкой на век 19-й. «Дуэлянт» - это причудливый микс из «Брата» и «Графа Монте-Кристо» в декорациях «Преступления и наказания».
Пистолетный поединок, как способ свести счеты с обидчиком и проверить себя на прочность, выступавший в позапрошлом веке мерилом дворянской чести и офицерской удали, становится основой сюжетной конструкции ленты, где каждый ее эпизод – хороший выстрел. Если и не точно в яблочко, то без осечки. В некотором смысле романтизируя дуэль, как способ театрально честной «разборки», Мизгирёв в то же время показывает ее физическую сторону без прикрас: пули разрывают плоть, бездыханное тело падает наземь. Без прощальных вздохов и исповедей в предсмертных объятьях.
Главный герой ленты, как те Данила Багров с Эдмоном Дантесом не знает жалости к соперникам и лишён сантиментов, строго следуя собственно установленным правилам во имя главной цели, отринув колебания. Его никак не назовёшь положительным персонажем, но в сложившихся условиях победить можно только так: либо ты держишь удар, либо погибаешь.
Петр Фёдоров в образе протагониста показывает свою самую