Альбрехт Дюрер
Дюрер родился 21 мая 1471 в Нюрнберге, главном центре немецкого гуманизма. Его художественное дарование, деловые качества и мировоззрение формировались под влиянием трех людей, сыгравших наиболее важную роль в его жизни: отца, венгерского ювелира; крестного Кобергера, оставившего ювелирное искусство и занявшегося издательским делом; и ближайшего друга Дюрера, Вилибальда Пиркхаймера – выдающегося гуманиста, познакомившего молодого художника с новыми ренессансными идеями и произведениями итальянских мастеров.
Дюрер освоил основы живописи и ксилографии в мастерской художника Михаэля Вольгемута. После нескольких лет учебы он в 1490 поехал в Кольмар, чтобы познакомиться с великим гравером Мартином Шонгауэром, но не застал его в живых. 1492–1494 он провел в Базеле, крупнейшем центре производства иллюстрированных книг. Здесь молодой художник увлекся ксилографией и гравюрой на меди; однако из многочисленных гравюр, приписываемых этому периоду творчества Дюрера, его произведением может считаться только фронтиспис к изданию посланий св. Иеронима 1492.
Гравюра на дереве или ксилография возникла в Европе на рубеже ХIV и ХVII веков. При такой технике гравирования рисунок на доске остается выпуклым, а фон вырезается. После обработки изображение представляет своеобразный рельеф, на который наносится краска и делается оттиск на бумаге. В этой технике в 1507 году Дюрер начал создавать серию «Малые страсти».
Серия «Страсти» состояла из 15 гравюр и титульного листа, которые автор неоднократно переиздавал. Каждый лист этого цикла отличался ясным композиционным построением и тончайшей обработкой всех деталей. Гравюры Дюрер посвящал своим друзьям.
Немного раньше, в 1498 году, художник закончил свою первую большую серию гравюр «Апокалипсис», в которой отразились настроения, царившие в Германии в конце ХVI столетия. Постоянные междоусобные войны, голод и эпидемии стали сюжетом для картин, отпечатанных на 15 больших листах с текстом на обороте. Кульминационным моментом действия «Апокалипсиса» стала сцена, изображающая «Четырех всадников» — Мор, Голод, Войну и Смерть, вихрем пронесшихся над землей. Под копытами их лошадей гибнут император и епископ, горожанки и крестьяне. Дюрер, таким образом, утверждает, что все равны перед карой небесной. Графический язык этой серии динамичный и смелый. Перекрещивание диагональных осей, на которых построена композиция, подчеркивает ее экспрессивность. Главный лейтмотив «Четырех всадников» — это стремительность движения, которую автор мастерски показал, точно изображая бегущих в панике людей. Одни падают, другие борются, угрожая оружием. Страшные лица, сильные жесты, быстрый темп — вот характерные черты этой работы.
И совсем иначе решена композиция «Битва архангела Михаила». Гравюра делится по горизонтали на две неравные части с тьмой наверху и светом внизу. Яростной битве Михаила с драконом на небе противостоит идиллия на земле. Запутанный готический узор наверху и спокойный, ясный рисунок внизу олицетворяют два противоположных начала — добро и зло. По широте охвата событий и эмоциональной силе «Апокалипсис» является крупнейшим произведением в искусстве Возрождения.
работы из серии «Мастерских гравюр». Сюжет этих картин связывают с трактатом Эразма Роттердамского «Руководство христианского воина». В нем речь идет о бесстрашном и преданном долгу человеке, перед волей и твердостью духа которого отступают силы ада. Рыцаря сопровождают собака — символ истины, дьявол — символ искушения и смерть с песочными часами, напоминающая о бренности жизни. У искусствоведов было «искушение» соединить все работы в одну серию, но специалисты не
Настроение сейчас - =\
ОТДАМ СООБЩЕСТВО В ХОРОШИЕ РУКИ!!!
Времени на ведение его совсем нет.
Может, есть желающие, а? :(
Приглашаем вас в новое сообщество, посвящённое величайшему дворцу-музею Лувру, где вы можете познакомиться со знаменитыми произведениями искусства мастеров разных эпох и культур, узнать историю величайшего архитектурного памятника, одного из самых известных музеев мира, в котором собрана богатейшая коллекция разнообразных экспонатов. Будем рады всем, кто интересуется искусством и является его поклонником!
[386x600]Ученые не смогли разгадать технологию нанесения краски Леонардо да Винчи во время его работы над «Джокондой». Но вместо этого исследователи раскрыли еще одну тайну образа Моны Лизы. И благодаря этому открытию экспертам удалось установить не только факты биографии Лизы Джерардини (считается, что изображена именно она), но и точную дату создания шедевра.
Очередное исследование картины с использованием канадской технологии сканирования трехмерного изображения проводили эксперты из Канады и Франции. Результаты их работы были обнародованы в Оттаве.
Ученые утверждают, что Мона Лиза, чей образ обессмертил своей кистью Леонардо да Винчи, изображена после рождения второго ребенка.
Как передает ИТАР-ТАСС, канадско-французская исследовательская группа обнаружила, что супруга флорентийского купца Франческо дель Джокондо Лиза Джерардини облачена в едва заметное прозрачное покрывало. В Италии ХVI века такие покрывала могли носить беременные или же те, кто только что родил ребенка.
Эту деталь картины ранее не удавалось различить, поскольку фон казался слишком темным. По мнению ученых, портрет был приурочен к рождению второго сына Моны Лизы и, таким образом, можно более точно установить дату создания шедевра – около 1503 года.
При этом исследователи честно признались, что начинали свою работу, надеясь разгадать совершенно другие загадки шедевра. В частности, с помощью современных методов анализа они надеялись выяснить особенности «сфумато» – особой техники нанесения краски, с помощью которой да Винчи удалось создать неповторимую атмосферу загадочности, окутывающей изображение Лизы Джерардини. Однако, как признал один из экспертов Джон Тейлор, им так и не удалось в достаточной степени различить детали мазков кисти мастера.
«Джоконда», выставленная на обозрение публики в парижском Лувре, – самый известный портрет всех времен и народов. Ранее считалось, что она была написана между 1503 и 1506 годами. Загадка улыбки Моны Лизы веками интриговала не только любителей живописи, но и экспертов-физиономистов. Практически ежегодно различные группы ученых открывают все новые и новые загадки этого шедевра.
Последнее открытие – воссоздание голоса «реальной» Моны Лизы, который удалось смоделировать японскому ученому Матсуми Сузуки. Это стало возможным после того, как ученые замерили лицо и руки женщины. Так был установлен ее рост – 168 см, а затем компьютер создал модель черепа.
«Когда мы получили все эти данные, то смогли воссоздать голос, очень похожий на тот, которым она реально могла говорить», – заявил Сузуки в интервью агентству Reuters.
Тон фраз Моны Лизы, сообщает ВВС, был смоделирован по той интонации, с которой говорят современные итальянские женщины. «Мы долго думали над тем, что она должна говорить. Сначала мы хотели, чтобы она заговорила по-японски, – признается ученый. – Но потом поняли, что это не соответствует ее образу». В результате из уст Джоконды можно услышать следующую фразу: «Я Мона Лиза. Моя реальная сущность сокрыта тайной».
Долгое время ученые также боролись над загадкой улыбки Моны Лизы. Теперь же можно сказать официально: Мона Лиза на картине Леонардо да Винчи была на 83% счастливой, на 9% – испытывающей чувство отвращения, на 6% – полной страха и на 2% – злой. Это стало известно благодаря специальной компьютерной программе, которая анализирует главные черты лица, в частности изгиб губ и морщинки вокруг глаз, потом оценивает лицо по шести главным группам эмоций.
Самое главное
Картина Леонардо да Винчи, которая сейчас хранится в Лувре за пуленепробиваемым стеклом, пережила в своей истории и похищения (в 1911 году, через некоторое время была обнаружена во Флоренции), и попытки вандалов уничтожить ее (в 1956 году боливиец Уго Унгаза Виллегас запустил в портрет камнем и повредил левый локоть красавицы), и мировые турне с многочасовыми очередями желающих взглянуть на шедевр (в начале 60-х ее переправили на выставку в США, в 70-х – в Японию). Некоторые люди приравнивают «Джоконду» к иконе.
БОТТИЧЕЛЛИ, САНДРО (Botticelli, Sandro)
(1445–1510)
БОТТИЧЕЛЛИ, САНДРО (Botticelli, Sandro) (1445–1510), один из наиболее выдающихся художников эпохи Возрождения. Родился во Флоренции в 1444 в семье дубильщика кожи Мариано ди Ванни Филипепи (прозвище Боттичелли, означающее «бочоночек», на самом деле принадлежало его старшему брату). После первоначального обучения у ювелира ок. 1462 Боттичелли поступил в мастерскую одного из ведущих живописцев Флоренции, Фра Филиппо Липпи. Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц, орнаментальных деталях и колорите. В его произведениях конца 1460-х годов хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Филиппо Липпи, сменяются более мощной трактовкой фигур и новым осмыслением пластики объемов. Приблизительно в это же время Боттичелли начинает применять энергичные охристые тени для передачи телесного цвета – прием, который стал характерной чертой его стиля. Эти изменения проявляются во всей полноте в самой ранней документированной картине Боттичелли Аллегория силы (ок. 1470, Флоренция, галерея Уффици) и в менее выраженной форме в двух ранних Мадоннах (Неаполь, галерея Каподимонте; Бостон, музей Изабеллы Стюарт Гарднер). Две знаменитые парные композиции История Юдифи (Флоренция, Уффици), также относящиеся к числу ранних произведений мастера (ок. 1470), иллюстрируют другой важный аспект живописи Боттичелли: живую и емкую повествовательность, в которой соединены экспрессия и действие, с полной ясностью раскрывающие драматическую сущность сюжета. В них также обнаруживается уже начавшееся изменение колорита, который становится более ярким и насыщенным, в отличие от бледной палитры Филиппо Липпи, преобладающей в самой ранней картине Боттичелли – Поклонение волхвов (Лондон, Национальная галерея).
Среди произведений Боттичелли лишь несколько имеют достоверные датировки; многие из его картин были датированы на основе стилистического анализа. Некоторые из самых известных произведений относят к 1470-м годам: картина Св. Себастьян (1473), самое раннее изображение обнаженного тела в творчестве мастера; Поклонение волхвов (ок. 1475, Уффици). Два портрета – молодого человека (Флоренция, галерея Питти) и флорентийской дамы (Лондон, музей Виктории и Альберта) – датируются началом 1470-х годов. Несколько позже, возможно в 1476, был выполнен портрет Джулиано Медичи, брата Лоренцо (Вашингтон, Национальная галерея). Произведения этого десятилетия демонстрируют постепенный рост художественного мастерства Боттичелли. Он использовал приемы и принципы, изложенные в первом выдающемся теоретическом трактате о ренессансной живописи, принадлежащем перу Леона Баттисты Альберти (О живописи, 1435–1436), и экспериментировал с перспективой. К концу 1470-х годов в произведениях Боттичелли исчезли стилистические колебания и прямые заимствования у других художников, присущие его ранним произведениям. К этому времени он уже уверенно владел совершенно индивидуальным стилем: фигуры персонажей приобретают крепкое строение, а их контуры удивительным образом сочетают ясность и элегантность с энергичностью; драматическая выразительность достигается соединением активного действия и глубокого внутреннего переживания. Все эти качества присутствуют во фреске Св. Августин (Флоренция, церковь Оньисанти), написанной в 1480 в качестве парной композиции к фреске Гирландайо Св. Иероним.
Тициан (Тициано
(Titian (Tiziano Vecellio))
около 1480-1576 гг.
Тициан (Тициано Вечеллио) (Titian (Tiziano Vecellio)) (около 1480-1576 гг.), итальянский живописец эпохи Высокого и Позднего Возрождения (Ренессанс). Глава венецианской школы. Учился в мастерской Джованни Беллини, но более глубокое влияние на него оказал Джорджоне (Тициан работал вместе с ним и завершил некоторые картины, оставшиеся незаконченными после преждевременной смерти Джорджоне). Когда Беллини умер (1516г.), стал официальным художником Венецианской республики, где и оставался общепризнанным первым живописцем до самой смерти. В Венеции создал великолепные монументальные алтарные образы ("Вознесении Марии", около 1516-1518 гг., церковь Санта-Мария Глориоза деи Фрари).
В1533 г. император "Священной Римской империи" Карл V назначил его своим официальным художником. В 1548 и 1550 гг. Тициан посетил императорский двор в Аугсбурге, и во время второго визита познакомился с сыном Карла, будущим королём Испании Филиппом II, который стал его покровителем. Тициан продолжал активно работать до конца жизни, и pieta, которую он написал для собственной гробницы и которая осталась незаконченной, представляет собой одно из замечательнейших завещаний, когда-либо оставленных художником миру.
Тициан в равной степени известен своими портретами и картинами на религиозные сюжеты, например "Оплакивание Христа" (около 1573-1577 гг.). Он поднял до новых высот традиционное для венецианских живописцев искусство колорита. Тициан в совершенстве владел масляной живописью и был первым мастером, наиболее полно использовавшим её художественные возможности; последние работы Тициана отличает поразительно свободная манера письма. О его личной жизни известно мало, говорят, что он был скуп и специально увеличивал свой возраст, чтобы добиться у покровителей сочувствия (а следовательно, и денег).
[550x190]
"Мадонны"
Приблизительно с 1476 по 1480 год он создаёт серию этюдов на эту тему. Некоторые из них превратились в картины, другие остались в набросках. Что касается картин, то «Мадонна с цветком»,»Мадонна Литта» и «Мадонна Бенуа» пребывают в столь плачевном состоянии, что только детали могут быть в достоверности определены как Леонардовы.
«Мадонна в скалах».
«Мадонна в скалах», полная намёков и символов, лежащих за пределами человеческого разумения, являет нам Леонардо с самой загадочной стороны.
Каково значение выразительного жеста ангела, указывающего не на Христа, а на Иоанна? В самом ли деле эта маленькая фигурка, которую Мадонна как бы защищает, прикрыв рукой и полой одежды, Иоанн, или же она олицетворяет собой всё человечество, нуждающееся в божественной защите? Преднамеренно ли пещера нарисована в виде закрытого пространства, подобного утробе, символизирующего начало жизни? И возможно ли, что Леонардо, изучавший геологию и биологию, всё же с помощью какой-то сверхъестественной интуиции изобразил на своей картине изначальные природные элементы – воду, камни и солнце?
В центре изображённой сцены происходит, возможно, самая удивительная игра рук, которую только знало искусство: защита, поклонение, благословение, указание. Композиция представляет собой некую пирамиду, в вершине которой голова Мадонны. Взгляд ангела, в котором узнаётся уже определившийся идеал красоты Леонардо, не сокрыт, а обращён внутрь Пещеры слабо освещена, во влажном воздухе стоит лёгкая дымка сфумато.
В годы с 1506 –го по 1508 – й он нарисовал второй (лондонский) вариант «Мадонны в скалах».
Сравнения луврской «Мадонны в скалах» и позднего варианта, ныне хранящегося в Британской Национальной галерее, выявляет глубокие различия между стилем Леонардо времени Кватроченто и Высокого Возрождения. Хотя обе картины приблизительно одинаковы по размеру, фигуры во втором варианте кажутся больше: они как бы придвинуты к зрителю, и оттого представляются более значительными и в то же время идеальными. Цвета приглушены, отчего лица и тела на первый взгляд кажутся словно покрытыми мёртвой бледностью.
"Мадонна в скалах", Лувр, Париж.
[361x600] "Мадонна в скалах". Британская Национальная Галерея, Лондон.
[361x566]
[460x483]Портрет Джиневры де Бенчи , возможно, был написан 1473-1474 годах.
Картина повреждена, часть полотна снизу обрезана: здесь были руки дамы в положении, очевидно, напоминающим то, которое тридцать лет спустя появилось на портрете Моны Лизы.
Картина пронизана меланхоличным настроением, написана в тёмных, сумеречных тонах.
Некоторые полагают, что в то время по традиции перед замужеством, с молодой женщины нужно было написать портрет.
Если связать эту традицию с картиной, то, судя по печальному выражению лица Джиневры, брак был не желанным для нее.
После портрета Джиневры Леонардо вступает в период жизни, наполненный темой Мадонны с младенцем.
Одно из первых живописных полотен раннего периода – это «Благовещение».
Некоторые искусствоведы не считают картину великим произведением искусства,
и уж тем более не улучшили его позднейшие исправления: неизвестный соавтор зачем-то значительно увеличил крылья прилетевшего с Благой вестью архангела, они стали казаться гротескными.
Тем не менее, в картине явственно выявились главные пристрастия Леонардо: остановленный момент напряжения человеческого общения; множество предметов обстановки, переданных не как образцы и символы, но как существенная жизненная энергетическая масса; пространство – чистое и реалистичное, хотя и несколько удивляющиеся.
[700x314]
Витрувианский человек — знаменитый рисунок, сопровождаемый пояснительными надписями, сделанный Леонардо да Винчи примерно в 1490 году в одном из его журналов. На нём изображена фигура обнажённого мужчины в двух наложенных одна на другую позициях: с разведёнными в стороны руками, описывающими круг и квадрат. Рисунок и текст иногда называют каноническими пропорциями.
Рисунок написан пером, чернилами и акварелью с помощью металлического карандаша, его размер 34,3 на 24,5 сантиметра. В настоящее время находится в коллекции Gallerie dell'Accademia в Венеции.
В соответствии с сопроводительными записями Леонардо, он был создан для изучения пропорций (мужского) человеческого тела, как оно описано в трактатах античного римского архитектора Марка Витрувия (Vitruvius), который написал следующее про человеческое тело:
• ширина ладони составляет четыре пальца
• ширина ступни составляет четыре ладони
• ширина локтя составляет шесть ладоней
• высота человека составляет четыре локтя (и соответственно 24 ладони)
• шаг равняется четырём локтям
• размах человеческих рук равен его высоте
• расстояние от линии волос до подбородка составляет 1/10 его высоты
• расстояние от макушки до подбородка составляет 1/8 его высоты
• расстояние от макушки до сосков составляет 1/4 его высоты
• максимум ширины плеч составляет 1/4 его высоты
• расстояние от локтя до кончика руки составляет 1/4 его высоты
• расстояние от локтя до подмышки составляет 1/8 его высоты
• длина руки составляет 1/10 его высоты
• расстояние от подбородка до носа составляет 1/3 длины его лица
• расстояние от линии волос до бровей 1/3 длины его лица
• длина ушей 1/3 длины лица
Повторное открытие математических пропорций человеческого тела в XV веке, сделанное Да Винчи и другими, стало одним из великих достижений, предшествующих итальянскому ренессансу.
Рисунок сам по себе часто используется как неявный символ внутренней симметрии человеческого тела, и далее, Вселенной в целом.
Как можно заметить при исследовании рисунка, комбинация рук и ног в действительности составляет четыре различных позы. Позы с разведёнными в стороны руками и ногами вместе, кажется, описывающией квадрат. С другой стороны, поза с раскинутыми в стороны руками и ногами, кажется, описывающей круг. Это показывает пример того, что, хотя, при смене поз, кажется, что центр фигуры движется, на самом деле, пуп фигуры, который является настоящим её центром, остаётся неподвижным.
Впоследствии по этой же методике Корбюзье составил свою шкалу пропорционирования, повлиявшую на эстетику архитектуры XX века.
[426x600]
[449x699]Renaissance - это сообщество. Сообщество, созданное для любителей великого во всех отношениях периода Возрождения.
Здесь можно говорить о титанах эпохи и о её живописи в целом, о литературе, открытиях, философии, взглядах и о др. проявлениях культуры и искусства 13-16 веков.
_______________________________________________
"Глаз обнимает красоту всего мира"
_______________________________________________Леонардо да Винчи