Это цитата сообщения Валерий_Звонов Оригинальное сообщение
Музыка настраивает струны наших душ, как- то по-особому и мы смотрим на мир,
тогда "другими глазами" и живем нашу жизнь легче, радостнее и спокойнее, как хорошо настроенный инструмент...
16 ноября 2011 года в Малом зале Филармонии состоялся юбилейный концерт в честь моего друга Виктора Лисняка, которому в тот год исполнилось 65.
Я тогда написал маленькое эссе о Викторе, струнном квартете им.Стравинского, где он играет уже много лет.
А сегодня, 22 октября 2014 года в рамках 1 концерта 5 абонемента "Ритмы души" в Малом зале Филармонии мы вновь побывали на сольном концерте Виктора Лисняка.
Программа концерта объединила в себе романтизм разных эпох. В 1 первом отделении звучала музыка Генделя, Баха и Моцарта (Сонаты для скрипки и клавира). Во 2 отделении Виктор Лисняк исполнил Шумана: Три романса; Венявского: Легенда, Куявяк; Глазунова: Большое адажио из балета "Раймонда"; и Чайковского: Русский танец из балета "Лебединое озеро".
Красивая романтическая музыка это творение добра, это музыка без слов способная менять людей к лучшему и направлять их в сторону духовных ценностей. Главная особенность красивой музыки – она существует только когда звучит. Музыка романтического характера отражает теплые чувства между людьми и несет положительные эмоции, она обостряет чувства, раскрепощает к различным поступкам.
Гендель, Бах и Моцарт - три величайших композитора,чье творчество взывает к силе человеческого духа, к торжеству разума, красоты.
Именнно во времена Генделя появился сам термин "соната". В переводе с итальянского языка «sonare», то есть соната – означает звучание. Это слово появилось примерно в шестнадцатом веке, одновременно со словом кантата. В это время, по-видимому, возникла необходимость разделять музыку на вокальную и инструментальную. Музыка для пения – это кантата, а музыка для – это соната. Состоит она из трех или четырёх частей. Пишется соната для одного инструмента, к примеру, соната для фортепиано, соната для скрипки или соната для камерного состава инструментов, к примеру, соната для фортепиано или соната для виолончели. Но самая известная соната во всем мире – соната № 14 до- диез минор Л. В. Бетховена. Ее стали называть «Лунной» уже после смерти композитора. Если сравнить сонату с литературным жанром, то больше всего подойдет сравнение с повестью или романом. Соната делится, как и они, делится на несколько глав, то есть частей. Так же, как повесть или роман соната имеет различных героев: музыкальные темы, которые не просто следуют одна за другой, а взаимодействуют, то есть влияют друг на друга, а иногда и вступают в конфликт.
Развитие музыки, которая построена в сонатной форме сравнима с действиями в драматической пьесе. Сперва композитор знакомит с основными действующими лицами – музыкальными темами, затем, действие развивается и достигает вершины, после чего следует развязка. Таким образом, можно сделать выводы и сказать, что сонатная форма состоит из трех разделов, а именно, завязка (экспозиция), где основные формы экспонируются или появляются в различных тональностях, собственно действия – разработки и результата – репризы.
Музыка сонаты, на первый взгляд кажется естественной, простой, лаконичной и ясной, но при этом, она наполнена чувствами и движется «от сердца к сердцу». Кстати, так говорил сам Бетховен. Предательство, любовь, страдание, надежда, все это отражается в сонатах.
Как сказал один музыковед, "Соната – это музыкальная беседа или воспроизведение разговора людей при помощи неживых инструментов".
О музыке Генделя можно много говорить. Л. ван Бетховен считал Генделя величайшим композитором всех времен. Конечно, эта оценка преувеличена; тем не менее нельзя отрицать, что его творчество принадлежат к самым впечатляющим памятникам музыки барокко
Ученик и биограф Генделя Чарльз Берни писал: «Облик его... был полон достоинства и духовного величия. Выражение лица его было обычно угрюмым, но когда он улыбался, то был похож на пробившиеся сквозь черные тучи солнечный луч». .
Если бы Гендель жил в наше время, он наверняка сочинял бы мюзиклы и саундтреки - и это были бы самые грандиозные мюзиклы и самые качественные, лучшие и популярные саундтреки. Музыка Генделя - это массовое искусство первой половины XVIII века, а сам он - величайший шоумен своей эпохи. Гений Генделя вобрал в себя весь современный ему музыкальный фон, все штампы, все приемы «изготовления» музыкального «продукта».
Интересно сравнить Генделя с Бахом (мы постоянно будем возвращаться к этой параллели). Если Бах черпал свое творчество из Евангелия, литургической жизни Лютеранской Церкви и каких-то запредельных глубин своей души, отсекая при этом те формы музыки, которые не вмещали это содержание (например, Бах не писал опер), то Гендель чрезвычайно чутко улавливал процесс сиюминутной культурно-общественной жизни, запечатлевая его в привычных эпохе звуках. Но это не просто музыкальное отражение своего времени, как в зеркале, - иначе о Генделе никто сегодня бы и не вспомнил. Своим великим творческим даром Гендель переплавил массовое, обыденное и повседневное искусство в строгую, величественную и полнокровную музыку, несущую в себе и отображение вечной небесной гармонии. Музыка Генделя глубока, радостна и здорова; она пережила свое время и свою эстетическую среду и сделалась драгоценным достоянием всех времен и всех народов.
Послушайте, как звучит моя любимая скрипичная соната Генделя. 
Музыка Баха не звучала в салонах. Она исполнялась только в церквях. Надо заметить, что только в 19 веке стали издаваться ноты произведений Баха
Мне очень нравится соната соль-минор соло Баха, но она не звучала в концерте.
Послушайте часть из сонаты №4 Баха.
А музыка Моцарта вобрала в себя и музыку Генделя, и музыку Баха.
Хотя в детстве и ранней юности Моцарт объездил почти всю Европу и познакомился со всеми существовавшими тогда музыкальными школами, стилями и направлениями, музыки И.С.Баха и Г.Ф.Генделя он практически не знал вплоть до того, как обосновался в 1781 году в Вене. В немалой степени Моцарт был обязан знакомством с творчеством Баха и Генделя барону Готфриду ван Свитену, который, находясь в свое время на дипломатической службе в Берлине и Лондоне, проникся нетипичной для человека своего времени любовью к «трудному» искусству мастеров позднего барокко. Ван Свитен не только устраивал у себя дома музыкальные вечера для узкого круга избранных (к этому кругу принадлежали, между прочим, Моцарт, Гайдн, И.Г.Альбрехтсбергер, а в 1790-е годы – молодой Бетховен), но и организовал «Общество объединенных дворян», целью которого было ежегодное устройство ораториальных концертов во дворцах венских меценатов, где звучала музыка Генделя, И.А.Хассе, К.Ф.Э.Баха, а позднее обе поздние оратории Гайдна. Ван Свитен, которого иногда упрекают в скупости, быть может, и являлся таковым, однако он заведомо не располагал такими средствами, чтобы лично финансировать столь дорогостоящие мероприятия; это было возможно только при участии других, более состоятельных, аристократов.
Концерты Общества проходили с 1787 года, и Моцарт являлся почти бессменным их дирижером.
Занимаясь заказанными ему флейтовыми квартетами и концертами, композитор 14 февраля 1778 года из Мангейма писал отцу: «Как Вы знаете, я тупею, если мне приходится все время писать для некоего инструмента (который я терпеть не могу); следовательно, время от времени я для перемены сочинял что-нибудь иное – клавирные дуэты со скрипкой». Свою первую скрипичную сонату Моцарт начал сочинять в 1762 году, в возрасте 6 лет, последняя появилась в 1788-м, в один год с симфониями №39–41. Всего же Моцарт написал более трех десятков сонат для скрипки. Способ сочинения этих «музыкальных бесед» соответствует образу Моцарта – беззаботного гения, творившего, как птицы поют: сонаты часто возникали словно сами собой, между делом.
Когда Моцарту было 20 лет, он написал отцу домой: «Только об одном я просил бы для себя в Зальцбурге: чтобы мне не быть более при скрипке, как это было прежде. Скрипачом я больше не буду; я хочу дирижировать за клавиром и аккомпанировать в ариях»; «Я композитор и рожден быть капельмейстером. Я не имею права закапывать мой талант композитора, которым меня так щедро наградил милостивый Господь. Я могу сказать это без ложной скромности, ибо чувствую это больше, чем когда-либо… Я бы скорее, так сказать, пренебрег клавиром ради композиции. Ибо клавир для меня – дело второстепенное, но, слава Богу, очень важное второстепенное».
Год вместил немало впечатлений и еще больше переживаний. В Мангейме Моцарта подстерегала любовь к Алоизии Вебер (старшей сестре его будущей жены), в штыки воспринятая его отцом, в Париже ждала жизнь на положении «вольного стрелка», работа для Духовных концертов, балета Парижской оперы и тяжелейшее потрясение – смерть матери.
Соната соль мажор (KV 379) сочинена в апреле 1781 года, накануне окончательного разрыва с архиепископом. К тому моменту Моцарт был уже морально готов остаться в Вене даже и без постоянного места службы: репутация прекрасного пианиста сулила и многообещающие концертные выступления, и платежеспособных учеников.
Послушайте эту сонату
Соль-мажорная соната была напечатана в ноябре 1781 года под ор.2 №5 в числе «шести сонат для клавира в сопровождении скрипки достаточно известного и прославленного господина Вольфганга Амадея Моцарта» с посвящением пианистке Жозефе Барбаре фон Ауэрнхаммер. Это была первая публикация музыки композитора в Вене, в знаменитом издательстве «Артариа».
Сонаты встретили прекрасный прием и уже при жизни Моцарта переиздавались в Амстердаме и Лондоне. Анонимный рецензент написал в гамбургском журнале Magazin der Musik от 4 апреля 1783 года: «Эти сонаты – единственные в своем роде. Они богаты новыми идеями и приметами великого музыкального гения их сочинителя. Весьма блестящи и соответствуют инструменту. При этом аккомпанемент скрипки так искусно связан с партией клавира, что оба инструмента постоянно привлекают к себе внимание, так что сии сонаты требуют столь же законченного исполнителя на скрипке, как и на клавире. Однако невозможно дать полного описания сего оригинального творения. Любители и знатоки должны сперва сами проиграть их, и тогда они убедятся, что мы ничего не преувеличили». Как видно, слова «аккомпанемент скрипки» в то время никого не шокировали.
Соната ми минор сегодня одна из самых популярных благодаря драматизму, лаконичности, обостренной чувствительности, доходящей до страстности, длинным певучим темам. Все эти качества, свойственные классической музыке периода «бури и натиска», высоко ценились в эпоху романтизма и ценятся по сей день. Соната вдохновила знатока моцартовского наследия Германа Аберта на истинно романтический панегирик: «Таких глубоко трагичных звуков, как в скрипичной сонате e-moll (KV 304), мы долгое время не слышали у Моцарта. Было ли это воспоминанием о мангеймской сердечной катастрофе, которое овладело им, или проявлением чувства одиночества в чужом, враждебном городе? Во всей сонате… нет ни одного такта, который не был бы пережит пылким сердцем. Послушайте эту сонату.
| |
Моцарт не стремился писать музыку будущего . Он вошел в контекст своего времени вполне естественно. Другое дело, что он преобразил этот контекст в некий микрокосм своего сознания, . создал собственный, удивительно яркий и . какой-то волшебный мир.
В начале 2 отделения концерта прозвучали три романса Шумана.
Как композитор Шуман был всей душой предан романтизму. Литературные впечатления юности и импульсивный темперамент сочетались с тяготением к поиску новых выразительных средств. Шуман испробовал свои силы почти во всех основных музыкальных формах, включая симфонию, оперу, ораторию, но главными для него стали сферы чисто фортепианная и камерно-вокальная.
Шуман – один из самых ярких представителей прогрессивного романтического искусства 19 в. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 20-х - 40-х гг. 19 в. Бросая вызов этому царству духовной нищеты, оно звало в мир высокой человечности, воспевало богатство, красоту и силу чувства. Нетерпеливая страстность и гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей – таковы наиболее характерные черты музыки Шумана.
Наверное, мы не знали бы Шумана, как композитора, если бы не любовь его к Кларе Вик, которую он увидел впервые в 1828 году и более 10 лет добивался ее руки. Клара Вик родилась в Лейпциге 13 сентября 1819 г. Её родители Фредерик и Марианна Вик развелись, когда ей было 6 лет. Клара осталась с отцом, известным музыкальным педагогом. Это событие травмировало девочку, однако мать и дочь постоянно переписывались друг с другом, и, несомненно, на развитие и воспитание Клары повлияли оба родителя.
В марте 1828 г., в возрасте восьми лет, молодая Клара Вик выступала в доме д-ра Эрста Каруса, лейпцигского психиатра, директора психиатрической больницы, на этом выступлении она познакомилась с другим одарённым молодым пианистом по имени Роберт Шуман, также приглашенным на этот музыкальный вечер, который был на 9 лет старше её. Шуман был восхищен игрой Клары настолько, что позже попросил разрешения у матери прекратить своё обучение юриспруденции, которая никогда его не интересовала, и брать уроки музыки у отца Клары, Фридриха Вика. Занимаясь обучением, он снял две комнаты в доме Вика, и прожил около года.
[показать]
В 1830 г., в возрасте одиннадцати лет, Клара в сопровождении отца уехала на гастроли по городам Европы, с конечной остановкой в Париже. Свой первый сольный концерт она дала в Лейпциге. В Веймаре она исполнила бравурную пьесу Анри Герца в честь Иоганна Гёте, который подарил ей медаль со своим портретом и дарственной надписью - "Для талантливого музыканта Клары Вик." Во время этого турне Никколо Паганини был в Париже, и он предложил ей выступать вместе, однако её парижские концерты были малопосещаемые, т.к. большинство людей покинуло город из-за вспышки холеры.
В возрасте 18 лет Клара Вик провела серию концертов в Вене в период с декабря 1837 г. по апрель 1838 г. Ведущий австрийский поэт того времени Франц Грильпарцер написал стихотворение под названием "Клара Вик и Бетховен". Её концерты в Вене проходили с большими аншлагами, публика полюбила её, критики наперебой писали хвалебные рецензии на её выступления, коллеги-музыканты так же отмечали её талант. 15 марта 1838 г. она была удостоена титула "Императорский и королевский камерный музыкант", самой высокой музыкальной чести Австрии.
Роберт Шуман был увлечён Кларой, когда её было 15 лет. К тому времени, когда ей стало семнадцать, Шуман был в нее влюблен.
В 1837 г. Шуман просил руки Клары у её отца, но получил отказ. В последующие годы её отец Фридрих сделал все от него зависящее, чтобы помешать Кларе выйти замуж за Шумана, заставив влюблённых даже обратиться в суд, признавшего за Кларой право на замужество без отцовского согласия.
В этот период Шуман, вдохновленный любовью к Кларе, написал многие из своих самых известных произведений, в том числе песенный цикл «Любовь поэта» (Dichterliebe)(1840) на стихи Генрих Гейне.
В конечном итоге они поженились 12 сентября 1840 г. После замужества она продолжала выступать и сочинять, даже когда воспитывала семерых детей (восьмой ребенок умер в младенчестве).
В совместных выступлениях с мужем, она расширила свою репутацию и Роберта за пределами Германии, в том числе благодаря её усилиям по содействию в продвижения его творчества, мы знаем именно того Шумана, каким он есть.
В концерте были исполнены Три романса Шуберта. Некоторые утверждают, что музыку написала Клара Вик, а некоторые приписывают ее Роберту Шуману.
Потом звучала музыка Венявского, о которой Виктор Лисняк во вступительном слове сказал, как о незаслуженно забытой.
[показать]Великий польский скрипач и композитор Генрик Венявский родился 10 июля 1835 г. в Люблине, умер 31 марта 1880 г. в Москве.
В 1843 г. был принят в консерваторию в Париже, где с 1844 г. был учеником Л. Массарта. В 1846 г., успешно закончив консерваторию, начал активную концертную деятельность. В 1851-1853 гг. вместе с братом Юзефом выступал в Польше, России, Германии, а затем концертировал во Франции и Англии. В 1860-1872 гг. был солистом императорского двора в Петербурге. В 1862-1868 гг. — профессор по классу скрипки Петербургской консерватории. Вместе с Антоном Рубинштейном совершил большое турне по странам Америки (1872-1874). В 1875-1877 гг. — профессор Брюссельской консерватории по классу скрипки. Затем вновь вернулся к концертной деятельности.
Венявский был блестящим виртуозом, которого по яркости таланта сравнивали с великим Н.Паганини. Представитель романтического исполнительского искусства. Как композитор обогатил скрипичный репертуар (полонезы, мазурки и др.). Его именем названы многие международные конкурсы, учрежденные в Варшаве (с 1935), в Познани (с 1952), а также конкурсы композиторов и скрипичных мастеров (с 1956). Как композитор Венявский отличался большим вкусом и оригинальностью мысли. Он писал только для скрипки (концерты, полонезы и др.). Все его произведения чрезвычайно благодарны для исполнителя. Особенной популярностью пользуются его «Легенда», «Фантазия на русские темы», «Souvenir de Moscou» («Московский сувенир»), Фантазия на темы из «Фауста» Гуно.
Венявский был исключительным виртуозом; обладая замечательным тоном, чарующей певучестью смычка, высокохудожественным пониманием исполняемого и первоклассной техникой, он пользовался неизменным успехом и был любимцем слушателей всех стран.
И опять мы говорим о роли женщины в судьбе мужчины.
Важной вехой в судьбе Генрика Венявского стала встреча в Париже в 1858 году с А.Г. Рубинштейном. Антон Рубинштейн не только оказал огромное влияние на творчество Венявского, но и повлиял на ход дальнейших событий его жизни. Первый концерт двух великих музыкантов в Париже имел особый успех, и Рубинштейн предложил совершить концертную поездку в Лондон. В Лондоне Рубинштейн познакомил Венявского с родственниками известного английского пианиста и композитора Д.А. Осборна – Хэмптонами. Их дочь Изабелла стала женой Венявского, однако этому событию предшествовали драматические минуты. Отец семейства, английский аристократ, отказался выдать свою дочь за артиста, не имеющего постоянной работы, финансовых средств и положения в высшем обществе. В эти дни было написано одно из наиболее проникновенных, поэтичных сочинений Венявского – «Легенда». Исполнение нового сочинения в концерте так растрогало семью, что отец вышел на сцену и, обняв Генрика, сказал: «Только великая любовь могла вдохновить Вас на такое великое произведение»!
Послушайте, как Д.Ойстрах играет Легенду Венявского
Однако, согласившись на брак дочери, он потребовал, чтобы Венявский нашел себе постоянное место работы перед женитьбой, а также застраховал свою жизнь на крупную сумму, которая должна была обеспечить его семью в случае какого-либо несчастья.
Бракосочетание Венявского состоялось в Париже в августе 1860 года. На свадьбе присутствовали Берлиоз и Россини. По требованию родителей невесты Венявский застраховал свою жизнь на баснословную сумму 200 000 франков.
Необходимость ежегодно выплачивать огромный взнос легла на плечи Венявского тяжким бременем до конца жизни. Концертные сборы были основным, но самым непредсказуемым источником дохода, однако только они обеспечивали жизнь концертирующего солиста.
Насыщенный ритм жизни начинал сказываться на здоровье Венявского. В 1867 году его настигает первая беда – глухота. Временами он практически терял слух, но старался скрывать болезнь, которую помогло преодолеть лишь долгое и упорное лечение.
В 1872 году Венявский уезжает в Европу, а затем, снова вместе с Антоном Рубинштейном, подписывает контракт о проведении турне по Америке. За 8 месяцев музыканты, ставшие первыми крупными европейскими виртуозами, гастролировавшими в Америке, должны были дать 215 концертов. Рубинштейн не выдержал напряженного ритма и вернулся к своим делам, а Венявский завершил турне только в 1874 году вместе с певицей Паулиной Лукка. Результатом гастролей стала тяжелая болезнь сердца. Среди дикого ритма концертов и выступлений скрипач находил время для азартной игры. Он словно сознательно прожигал жизнь, не щадя и без того слабого здоровья.
Умер он в 1879 году, когда ему было чуть больше 40 лет. На панихиде в Москве прозвучал Реквием Моцарта в исполнении оркестра, хора и солистов Большого театра и консерватории под управлением Н.Г. Рубинштейна, а во время похорон в музыкальном некрополе Powązki в предместье Варшавы звучала «Легенда» самого Венявского в исполнении молодого польского скрипача С. Барцевича.
Всего Венявским создано около 40 сочинений, часть из них осталась неопубликованными.
Сыграл Виктор Лисняк и замечательное произведение Венявского под смешным названием Куевяк. Это тоже мазурка, но только написанная в миноре.
Закончил Виктор свой концерт исполнением Адажио из "Раймонды" Глазунова и Русского танца Чайковского из "Лебединого озера".
О Глазунове мало говорят. Он умер в 1935 году в Париже, был ректором Петербургской консерватории, написал балет "Раймонда"... "Глазунов создал мир счастья, веселья, покоя, полета, упоения, задумчивости и многого, многого другого, всегда счастливого, всегда ясного и глубокого, всегда необыкновенно благородного, крылатого... ",- сказал о нем А. В. Луначарский
Путь молодого композитора к слушателю начался с триумфа. Первая симфония шестнадцатилетнего автора (премьера в 1882 г.) вызвала восторженные отклики публики и прессы, высокую оценку коллег. В 1899 г. Глазунов становится профессором, а в декабре 1905 г. — руководителем старейшей в России Петербургской консерватории. Избранию Глазунова директором предшествовала полоса испытаний. Многочисленные студенческие сходки выдвигали требование автономии консерватории от императорского Русского музыкального общества. В этой ситуации, расколовшей педагогов на два лагеря, Глазунов четко определил свою позицию, поддержав студентов. В марте 1905 г., когда Римский-Корсаков был обвинен в подстрекательстве студентов к возмущениям и уволен, Глазунов вместе с Лядовым вышли из состава профессоров.Приблизительно после 1905–1906 годов наступает заметный спад творческой активности, неуклонно нараставший до конца жизни композитора. Отчасти такое внезапное резкое снижение продуктивности может быть объяснено внешними обстоятельствами и, прежде всего, большой, отнимавшей много времени и сил учебно-организационной и административной работой, которая легла на плечи Глазунова в связи с избранием на пост директора Петербургской консерватории. Но были причины и внутреннего порядка, коренившиеся прежде всего в резком неприятии тех новейших тенденций, которые решительно и властно утверждали себя в творчестве и в музыкальной жизни начала XX века, После Октябрьской революции Глазунов оставался на посту директора Петроградской-Ленинградской консерватории, принимал деятельное участие в различных музыкально-просветительных мероприятиях, продолжал свои дирижерские выступления. Но его разлад с новаторскими течениями в области музыкального творчества углублялся и принимал все более острые формы. Новые веяния встречали симпатию и поддержку среди части консерваторской профессуры, добивавшейся реформ в учебном процессе и обновления того репертуара, на котором воспитывалась учащаяся молодежь.В связи с этим возникали споры и разногласия, в результате которых положение Глазунова, твердо охранявшего чистоту и неприкосновенность традиционных устоев школы Римского-Корсакова, становилось все более затруднительным и нередко двусмысленным.
Это послужило одной из причин того, что, уехав в 1928 году в Вену в качестве члена жюри Международного конкурса, организованное к столетию со дня смерти Шуберта, он больше не вернулся на родину.
Никто из отечественных композиторов конца XIX — начала XX в. не уделял жанру симфонии такого внимания, как Глазунов: его 8 симфоний образуют грандиозный цикл. объединить 2 ветви русского симфонизма, существовавшие параллельно: лирико-драматическую (П. Чайковский) и картинно-эпическую (композиторы «Могучей кучки»). В результате синтеза этих традиций возникает новое явление — лиро-эпический симфонизм Глазунова, привлекающий слушателя светлой задушевностью и богатырской силой. Напевные лирические излияния, драматические нагнетания и сочные жанровые картины в симфониях взаимно уравновешиваются, сохраняя общий оптимистический колорит музыки.
Самый знаменитый балет Глазунова — «Раймонда» (1897). Фантазия композитора, издавна увлеченного красочностью рыцарских легенд, породила многоцветие нарядных картин — празднество в средневековом замке, темпераментные испано-арабские и венгерские танцы... Секрет популярности этого балета — в благородной красоте мелодий, в точном соответствии музыкального ритма и оркестрового звучания пластике танца.
До Чайковского и Глазунова балетная музыка, как правило, представляла собой ярко «раскрашенную» ритмическую основу для танцев. Союз Мариуса Петипа и Чайковского положил начало симфонизации танца, значительно обогатившей его выразительные и драматургические возможности. Александр Глазунов стал достойным преемником Петра Ильича на этом пути. Премьера «Раймонды» состоялась 7 января 1898 года на сцене Мариинского театра. Это был первый балет Глазунова (за ним последуют еще два — «Испытание Дамиса» и «Времена года»). И последний триумф бывшего уже в преклонных годах Петипа. Хотя до его отставки с поста главного балетмейстера пройдет еще пять лет и он успеет поставить еще несколько балетов, в том числе два упомянутых Глазунова, такого большого успеха на его долю уже не выпадет.
«Раймонде» не повезло с сюжетом: он не очень ловко скроен и явно коротковат для такого большого балета. Впрочем, из-под пера доморощенной писательницы Лидии Пашковой выходили и менее удобоваримые опусы. Петербургская корреспондентка французской газеты «Фигаро» и русской «Южный край», Лидия Александровна не удовлетворялась возложенной на нее ролью светской хроникерши. Сочиняла еще и незатейливые дамские романы и пьесы, полагая их «картинами из современной жизни», и, коль скоро балет был в моде у света, решила оставить свой след и в балете. Очевидно, она имела влиятельных покровителей при дворе, и отделаться от ее балетных сценариев было не так-то просто. В конце ХIХ века Франция вела захватнические войны в Африке, и в петербургских гостиных немало говорили об этом. Сюжет, который Лидия Александровна якобы почерпнула из старинной рыцарской легенды, вызывал некоторые ассоциации со «злобой дня». Действие разворачивается в средневековой Франции. Король Венгрии Андрей II возвращается из крестового похода против сарацин. Вместе с ним — рыцарь Жан де Бриен, влюбленный в провансальскую графиню Раймонду де Дорис. Но чтобы состоялось свадебное торжество, венчающее балет, требовалось сначала взять в плен сарацинского рыцаря Абдерахмана, вознамерившегося похитить прекрасную невесту крестоносца.
Пашкова весьма вольно обходилась с биографиями и судьбами реально существовавших лиц. Не более исторического заботило ее и географическое правдоподобие. Но подобного рода требования к балету особенно не предъявлялись. Хуже было другое — она весьма туманно представляла себе специфику балетной драматургии: ее «сказка» обещала балет мало понятный и скучный. Но благодаря М.Петипа балет получился.
В. Стасов назвал Глазунова «русским Самсоном». Действительно, только богатырю под силу утвердить неразрывную связь русской классики и нарождающейся советской музыки, так как это сделал Глазунов. Первое, что возникает при слушании музыки Глазунова, — это ощущение обволакивающей густоты, сочности и насыщенности звучания, и только потом появляется способность следить за строго закономерным развитием сложной полифонической ткани и всеми вариантными изменениями основных тем.
Если сочинения Глазунова не потрясают слушателя, не касаются сокровенных глубин душевной жизни, то способны доставлять эстетическое наслаждение и восхищать своей стихийной мощью и внутренней цельностью в сочетании с мудрой ясностью мысли, стройностью и законченностью воплощения. Композитор «переходной» полосы, пролегающей между двумя эпохами яркого расцвета русской музыки, он не был новатором, открывателем новых путей. Но огромное, совершеннейшее мастерство при ярком природном даровании, богатстве и щедрости творческой выдумки позволило ему создать множество произведений высокой художественной ценности, до сих пор не утративших живого актуального интереса. Как педагог и общественный деятель Глазунов в очень большой степени способствовал развитию и укреплению основ отечественной музыкальной культуры. Всем этим определяется его значение одной из центральных фигур русской музыкальной культуры начала XX века.
О Чайковском, думаю, много уже сказано, но мало кому известно, что Русский танец в "Лебедином озере" был написан Чайковским уже после того, как вся партитура была закончена. После завершения партитуры Чайковский написал вставной номер "Русский танец" для бенефиса балерины П.Карпаковой, исполнительницы главной партии в балете - Одетты.
На этом, пожалуй можно и закончить описание своих впечатлений после замечательного концерта.
Я думаю, что много раз еще мы встретимся с хорошим музыкантом, замечательным человеком, которого я с гордостью называю своим другом, Виктором Лисняком. Концерт удался! И я надеюсь, что вам было со мной интересно.
