Это цитата сообщения Майя_Пешкова Оригинальное сообщение
Лувр:шедевры мировой живописи(1)
Ченни ди Пепо
|
«Богоматерь с Младенцем на троне в окружении ангелов» Уникальные произведения раннего Возрождения представлены в Лувре с удивительной полнотой. Собрал эту бесценную коллекцию директор Музея Наполеона, так тогда назывался Лувр, барон Виван-Денон. После падения Наполеона комиссия, призванная возвратить тосканские картины в Италию, их не востребовала. Одной из жемчужин этой коллекции был алтарный образ из церкви Сан-Франческо в Пизе с изображением Богоматери на троне с Младенцем в окружении ангелов. Эта алтарная створка по времени относится к концу XIII века. Картина, поступившая в Лувр в 1814 году, очень большая - самая крупная в разделе живописи раннего Возрождения. В ней наиболее ярко отражен переход от господствовавшего в то время в живописи византийского стиля к той особой текучести линий, которая станет неотъемлемой частью тосканского искусства. Знаменитый историк искусств Джорджо Вазари считал ее произведением тосканского художника Чимабуэ (настоящее имя -Ченни ди Пеппо), хотя вторая алтарная створка, находящаяся сейчас во Флоренции, приписывается Дуччо, сиенскому двойнику Чимабуэ, и считается более поздней. Этот алтарь открывает в живописном искусстве тот новый вид произведений, который носит отпечаток их творцов. Память о такой личности, как Чимабуэ, была жива и три века спустя, когда Вазари писал хронику эпохи Возрождения под названием «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». По словам Вазари, Чимабуэ был очень упрям, за что получил прозвище «Бычья голова». В его образах всегда присутствует особая напряженность, ощутимая в открытых, устремленных прямо на нас взглядах.
|
Джотто ди Бондоне
|
«Св. Франциск, получающий стигматы, с тремя сценами из жития» Джотто, безусловно, самый крупный живописец Италии 13-14 веков. Из его произведений сохранились лишь фрески в капелле Дель Арена в Падуе и фрески в прекрасной церкви Санта-Кроче во Флоренции. Тем драгоценнее для нас те немногочисленные станковые произведения, которые донесло до нас время. В своих произведениях Джотто выступал как реформатор, он создал новый тип живописного мышления и неизменно следовал ему. Направление в живописи, начавшееся с него, подразумевало трактовку пространства действия как трехмерного и реального, что вытесняло установку на благочестивое созерцание, которой руководствовался Чимабуэ. Джотто первый сумел сообщить телам объем и передать окружающее пространство. Эти качества живопись с тех пор уже не утратит. Луврская картина написана на доске и происходит из церкви Сан Франческо в Пизе. В Лувр она попала в 1814 году вместе с картинами Чимабуэ, Фра Анджелико и другими, собранными в Тоскане бароном Виван-Деноном. Центральный образ на картине приписывается самому Джотто. Маленькие житийные сцены написаны другой рукой, скорее всего кем-то из помощников мастера. Главная же сцена демонстрирует выход к монументальности нового толка, к осознанию трехмерности изображаемого пространства. На картине изображен один из наиболее почитаемых католических святых, Святой Франциск Ассизский -основатель монашеского ордена францисканцев. Его живописный образ очень много значил для ордена, так как Святой Франциск Ассизский считался не только преемником Христа, но и его живым воплощением, принявшим на себя с раны Спасителя - стигматы. Этот сюжет часто варьировался в более поздней живописи. |
Симоне Мартини
|
«Несение креста» Основателем художественной традиции города Сиены был Симоне Мартини, замечательный живописец, работавший в готическом стиле. Наверное, он единственный, кто мог бы поспорить у Джотто лидерство в живописи Италии того времени. В отличие от Джотто, Мартини сосредотачивается на передаче переживаний своих персонажей. Влияние готики сказывается в яркости красок и обилии золота в его произведениях. В основе же образов лежит обобщенность форм, унаследованная от Джотто. Для творчества Мартини характерно обостренное лирическое чутье, связывающее его со вторым после Данте великим поэтом Италии - Петраркой, чьим любимым художником он был. Когда Климент V, избранный папой в 1305 году, перенес свою резиденцию из Рима в Авиньон, за ним последовали многие итальянские художники. Среди них был и Симоне Мартини, возможно, самый крупный из живописцев нового папского двора. Через его творчество влияние сиенской живописи распространилось из Италии на север. Характерное для него лирическое начало несомненно способствовало преодолению строгих, сугубо готических традиций и формированию живописной школы во Франции Картина «Несение креста» изображает шествие, выходящее из Иерусалима и вступающее на зловещую дорогу к Голгофе. Спускаясь по уходящей вниз дороге от городских ворот дороге, толпа с трудом выстраивается на пути к месту распятия. Резким красным цветовым пятном выделяется фигура обезумевшей от горя Марии Магдалины. Ее руки подняты над крестом и несущим его Иисусом, который задает направление всего движения в картине. У художника живое чувство людской толпы, ее силы и характера. Здесь все - будь то сторонники или злобные преследователи Христа - тесно прижаты друг к другу, и каждый, вольно или невольно, теснит остальных. Весьма примечательным в картине является и изображение древнего города - лучший архитектурный вид среди произведений сиенской школы. Картина поступила в Лувр в 1834 году и относится к последним приобретениям директора Лувра того времени, барона Виван-Денона. |
Фра Беато Анджелико
|
«Коронование Девы Марии» Творчество Фра Анджелико (Фра Джованни да Фьезоле) приходится на середину XTV века и занимает несколько обособленное место в флорентийской школе. Фра Анджелико был монахом, обладал простой душой, склонной к чувствительности. В Лувре представлен весь диапазон его творчества. «Коронование Девы Марии» было написано в Диминиканском монастыре во Фьезоле. Полотно отличается сияющей чистотой цвета, почерпнутой художником в живописи готики, в сочетании с новым видением живописного пространства, характерного для флорентийских мастеров того времени. Официально-иерархически выстроенное собрание ангелов и святых вокруг самого важного небесного обряда при этом уже не несет в себе ничего архаического или напыщенного. В нем много строгого и в тоже время бережного внимания к реальной действительности. Даже сочетание основных цветов не имеет никакого условного характера, оно передает яркую светозарность среды. Перспектива, изобретательно и очень точно просчитанная, передает глубину архитектурного пространства, не захватывая ближний план. Ее протяженное неспешное скольжение говорит о бесконечной удаленности грандиозной небесной обители. В искусстве Фра Анджелико наиболее полно проявили себя поиски той одухотворенности, которая у большинства его современников сочеталась с привязанностью к земной плоти. В его картинах неизменно разлито настроение умиления божьим мирозданием. Его искусство полно предельной чистоты и ясности духа, а сами произведения звучат светлой, ликующей радостью. «Коронование Девы Марии» принадлежит к той части луврской коллекции, которая была привезена бароном Виван-Деноном из Тосканы в 1812 году. |
Ян ван Эйк
|
«Мадонна канцлера Ролена» Самым крупным из всех голландских живописцев XV века был, безусловно, Ян ван Эйк. Он по праву считается основателем жанра светского портрета в Нидерландах. Художник много ездил по Европе, служил у Иоанна Баварского, работал в Гааге, Брюгге, путешествовал по Испании. В 1425 году он стал придворным живописцем Филиппа Доброго - герцога Бургундии. Там им и была написана одна из замечательных картин, вошедшая в историю искусства как «Мадонна канцлера Ролена». В коллекцию Лувра она поступила в 1800 году. Ван Эйк использовал в своих работах образы реальных людей, явив миру первые образцы портретного искусства. И это полотно правильнее было бы назвать портретом всесильного канцлера бургундского двора Николаса Ролена, хотя на картине присутствует и Мадонна с Младенцем Христом. Канцлер Ролен повернут к Мадонне, причем обе фигуры находятся почти на одном уровне и почти одинаковы по размеру. Жест Младенца направлен к Ролену. Они представлены как партнеры, знакомые друг другу, и потому внимание между ними распределено равномерно. В этом проявилось новое отношение художника к человеку, новое понимание его места в мире. Хотя сдержанная поза и молитвенно сложенные руки придают фигуре Ролена некоторую скованность, это не мешает художнику достичь поразительной жизненной правды и целостности образа. Позади Мадонны и канцлера, за резными колоннами из яшмы и агата, виден пейзаж. Лентой извивается река, уходящая к горизонту. Лодки и барки плывут по воде, омывающей острова и заросшие лесом берега. Голубоватые горы закрывают горизонт. На берегах реки раскинулся большой город. По его узким улочкам снуют люди в разноцветных одеждах. Неповторима каждая деталь пейзажа, все говорит о восторженном отношении художника к миру. Изображение столь правдиво, что зритель чувствует себя как бы побывавшим в этом городе. |
Рогир ван дер Вейден
|
«Триптих семьи Брак» правая створка – Мария Магдалина Рогир ван дер Вейден - второй по значению голландский художник XV века после Яна ван Эйка. Широко известный при жизни, он не был забыт, как многие его современники, и в последующие столетия. Художник знаменует своим творчеством следующий этап развития искусства Нидерландов. Ван дер Вейден лишен демократизма, в своем творчестве он утончен,аристократичен, а главное -последовательно подчиняет материальную сторону мира религиозной идее. Отец художника был резчиком по дереву, карьеру молодой мастер начинал в своем родном городе Туне как ювелир и скульптор. Потом он обучался у Робера Кампена (Мастер из Флемаля), который был одним из наиболее значительных художников того времени. В 1432 году Рогир ван дер Вейден переезжает в Брюссель, на родину своей жены. Он вообще много путешествует, в частности по Италии, где посещает Рим, Флоренцию и Феррару. Ранние работы художника свидетельствуют о том, что к живописи он пришел через скульптуру. Формы его удлиненных, угловатых фигур очерчены жесткими линиями. Он стремится к ясности построения и повышенной драматической выразительности композиции. Рельефность фигур еще больше выделяется яркими цветами одежд. При появлении в картине пейзажа все внимание он сосредотачивает на персонажах первого плана, хотя природа тоже всегда изображена весьма искусно. И итальянские мастера того времени, и Ян ван Эйк отражали в своем творчестве видимое многообразие мира. Рогир ван дер Вейден больше исходил из религиозной идеи. Реалистические детали были для него не целью, а средством придания произведению большей убедительности. «Триптих семьи Брак» был написан после путешествия художника в Италию. Сущность картины составляет душевное напряжение погруженных в молитвенную тишину святых. Правая створка триптиха, изображающая Марию Магдалину, трактуется как портрет молодой женщины в модном платье, но ее погруженность в себя, молитвенная отрешенность говорят о верности мастера религиозной идее. Прекрасный пейзаж, служащий фоном для портрета, разработан очень подробно. У горизонта поднимаются заросшие лесом горы, спокойно струятся мягкие очертания ближних холмов. Неторопливые путники пешком и верхом путешествуют по полям и лесам под голубым небом. Пейзаж завораживает своей сказочной красотой. Еще в конце XVI века триптих находился у потомков семьи Брак, позднее он несколько раз меняет владельцев. Для Лувра картина была приобретена 1913 году. |
Филиппо Липпи
|
«Мадонна с Младенцем в окружении ангелов, со святыми Фредиано и Августином» Для флорентийской живописи второй половины XV века характерно утверждение рафинированных придворных вкусов и изощренных приемов. Они достигли апогея в 60-70 годах столетия в творчестве Филиппо Липпи, одного из любимейших художников семьи Медичи. Филиппо рос сиротой и воспитывался в монастыре Кармине во Флоренции, когда его расписывал Мазаччо. Вазари прямо называет Липпи учеником Мазаччо и Мазолино. Произведения Мазаччо послужили основой для всего его последующего творчества. Яркие, сочные цвета одеяний святых, ясный колорит живописи свидетельствуют о влиянии, которое оказал на Липпи и другой художник - Фра Анджелико. Правда, в отличие от работ Фра Анджелико, Филиппо Липпи опускает небо на землю, чтобы сделать его более человеческим. В трактовке деталей интерьера и ландшафта видно влияние мастеров нидерландской школы живописи, с творчеством которых художник явно был знаком. В зрелые годы творчества Липпи пишет полиптих для алтаря капеллы Барбадори в церкви Святого Духа во Флоренции. В этой работе он сумел соединить возвышенные, почти скульптурные формы Мазаччо с подлинной жизненностью фигур и предметов. Для алтаря им была выбрана форма полиптиха, потому что она точно соответствовала задачам единого действия и единого пространства. Колонны на картине Липпи немного не совпадают с делением ее на три части, что создает иллюзию расширения пространства. Ангелы, непринужденно расположившиеся вокруг статной Мадонны и крупного, но как будто невесомого Младенца Христа, которого она лишь слегка поддерживает около своего бедра, посматривают в разные стороны. Богоматерь свободно движется, встав с трона навстречу двум коленопреклоненным и сосредоточенным святым. Демонстрация подчеркнутого благочестия, характерная для более ранних алтарей, здесь явно не главная задача изображения. Это святое собрание уже близко к тому, чтобы превратиться в святое собеседование, ставшее позже нормой искусства Ренессанса. Прохладные тона сдерживают общий колорит картины. Но на этом фоне отчетливо звучат более яркие, теплые ноты. Красные цветовые пятна вместе с золотистым светом отражаются в складках одежд, в оттенках ликов и рук. Они привносят свежесть в пространство изображения, создавая предощущение полноты и богатства живописи. Мадонна Филиппо Липпи из алтаря Барбадори попала в Лувр в 1814 году в составе коллекции картин раннего Ренессанса, вывезеннной бароном Виван-Деноном из Тосканы. |
Антонио Пизанелло
|
«Портрет Джиневры д'Эсте» Антонио ди Пуччо ди Черрето, родившийся в Пизе и прозванный Пизанелло, входит в число мастеров северного итальянского Возрождения. В начале XV века он поселился в Вероне, откуда его приглашали работать при различных дворах итальянских герцогов. Пизанелло поистине многогранен -писал фрески, был отличным рисовальщиком, едва ли не первым из художников делал с натуры рисунки животных, а также проявил себя прекрасным живописцем. В своем творчестве он сочетал понимание пластической формы итальянского Возрождения с любовной зоркостью ко всякого рода мелочам, свойственной северным мастерам готики. Художник постоянно переезжал с места на место, его творчество трудно рассматривать в контексте какого-то одного географического или культурного региона. Но, безусловно, это был один из самых знаменитых итальянских мастеров начала XV века. Выдающийся талант художника нашел яркое выражение в портрете Джиневры д'Эсте, поступившем в собрание Лувра в 1893 году. Картина Пизанелло типична для портретов раннего Ренессанса, в ней отсутствует ощущение телесности и пространства. Зато тщательно выписано модное платье, образующее вместе с головой четкий светлый силуэт. Фон, изображающий цветущий сад с порхающими бабочками, исполнен детально, но при этом не оставляет впечатления живой природы, а создает ощущение причудливого декоративного орнамента. В XV веке портрет как самостоятельный жанр живописи только начинали осознавать. И форму погрудного профильного портрета, обычного в Италии того времени, как правило, связывают с античными медалями, которые, очевидно, послужили образцами для первых таких портретов. Даже те профильные портреты, которые создавались в качестве абсолютно самостоятельных, композиционно как бы принадлежат к некоему уже несуществующему целому, мыслятся частью диптиха. Видимо, поэтому тогда были так распространены парные портреты. И хотя большинство портретных диптихов не сохранилось в своей полноте, связь изображения с уже не существующей частью двойного портрета явно ощущается. Все это угадывается и в созданном Пизанелло удивительном по своей красоте женском образе - с тайной во взоре, обращенном, возможно, к своим мыслям или к таинственному собеседнику. |
Паоло Уччелло
|
«Битва при Сан-Романо» Уччелло (настоящее имя Паоло ди Донно) родился во Флоренции в 1397 году. Художественную жизнь начал в мастерской Гиберти, где вместе с мастером работал над знаменитыми дверями Баптистерия. Видимо, круг его интересов был очень широк, так как в 1415 году его принимают в гильдию врачей и аптекарей, а в 1424 году в братство Святого Луки - цеховое объединение живописцев. Такие объединения существовали в главных культурных центрах средневековой Европы. Уччелло был современником Мазаччо и охотно перенимал все новые веяния в живописи своего времени. Сохранились рассказы, что он ночами просиживал над решением перспективных задач. Изображение на плоскости трехмерного пространства очень занимало художника. Поскольку главной плоскостью, используемой для работы художниками XV века, была стена, до нас дошло очень мало произведений станкового характера. Поэтому так драгоценно батальное произведение Уччелло «Битва при Сан-Романо», написанное на доске. Эта картина состояла из трех сцен и должна была украшать спальню Лоренцо Медичи. Одна из этих сцен и является самой значительной флорентийской работой середины XV века в собрании Лувра, куда поступила в 1863 году. Две другие сцены, центральная и левая части триптиха, хранятся одна во Флоренции, а другая в Лондоне. |
Сандро Боттичелли
|
прозванный Боттичелли («Бочонок»), то ли из-за округлой фигуры, то ли из-за невоздержанности к вину. В 15 или 16 лет Сандро поступил в обучение к знаменитому Филиппо Липпи, а после его смерти, уже усвоив технику фресковой живописи, был принят в мастерскую Верроккьо.
Там судьба свела Боттичелли с Леонардо да Винчи, который был на несколько лет младше его. Он никогда не был женат и не имел самостоятельной мастерской. Еще в ранней молодости Сандро Боттичелли приобрел немалый опыт в написании портретов. В ту эпоху в Италии портрет для художника был как бы испытанием мастерства. Великолепные портретные характеристики дают нам возможность познакомиться с семьей Медичи, их придворными философами и поэтами, с членами городской управы и другими представителями общества.
К числу таких портретов относится и «Портрет молодого человека». Композиция картины предельно ясная. На простом охристом фоне четким силуэтом выделяется темный костюм и волосы молодого человека. Цвет лица лишь слегка светлее фона. Художник очень умеренно пользуется светотенью как моделирующим средством. Он решительно отвергает глубокие тени, которые в большей степени способны передать ощущение телесности. Свет в его портрете рассеян и не создает таких резких теней. Портрет, поступивший в коллекцию Лувра в 1888 году, относится к произведениям молодого Боттичелли, когда его главной задачей было найти воплощение вечной красоты.
Имя Боттичелли обычно вызывает в памяти образ Мадонны. Будущий художник жил и воспитывался в патриархальной, глубоко религиозной семье, что наложило отпечаток на всю его последующую жизнь.
«Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем» из коллекции Лувра относится к расцвету его творчества, времени, когда он работал при дворе могущественного семейства Медичи. Картина была написана между 70-ми-85-м годами XV века. В этой работе все излучает просветленную кротость, порожденную гармонией чувства и рисунка.
Художнику удалось достичь впечатления высшей красоты благодаря единой линии, в мягком взлете волной охватывающей Мадонну, фигуры Младенца и Иоанна Крестителя. Внутри этого контура как бы играют линии меньшего масштаба, они прячутся в драпировках одежд, в тихой мелодичности рук, в кайме прозрачного покрывала. Интересно, как Боттичелли трактует руки своих персонажей. В пальцах продолжается та же игра линий, гибкость и грация, что и во всем теле, лишенном мажорной позы, готовности к действию и очерченном с ласковой кротостью мягким, минорным контуром. Пренебрежение к законам перспективы приводит к тому, что задний план пейзажа не связан с фигурами переднего плана и существует как бы отдельно, в качестве декорации. Все три фигуры наполнены нежностью и мягким золотистым свечением, особенно Младенец и лицо Мадонны на темном фоне ее плаща и пейзажа. Наиболее яркие красные детали в одеждах Мадонны, Младенца и Иоанна ритмически согласованы друг с другом и с движением их рук и дополняют полную лиризма цветовую гамму картины. В образах более поздних Мадонн, созданных под влиянием аскетических проповедей Савонаролы, печальный и разочарованный художник отходит от стремления найти воплощение вечной красоты. Лицо Мадонны на его картинах становится бескровным и бледным, глаза - полными слез. Эти лица еще можно сравнить со средневековыми образами Богоматери, но в них нет торжественного величия Царицы Небесной. Скорее это женщины нового времени, много изведавшие и пережившие. «Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем» поступила в Лувр в 1824 году. Предположительно она была куплена в Тоскане директором Лувра бароном Виван-Деноном. «Мадонна с Младенцем и со святым Иоанном Крестителем» |
Пьетро Перуджино
|
Перуджино (настоящее имя Пьетро Ваннуччи) родился незадолго до 1450 года в деревушке Читта делла Пьеве в Умбрии. Там же, в Умбрии, он начал свое художественное образование, а для его продолжения переезжает во Флоренцию, где учится в мастерской Верроккьо. В 1472 году, уже будучи независимым художником, он вступает в Братство Святого Луки во Флоренции. К 1482 году Перуджино, очевидно, становится известным живописцем, так как ему поручают возглавить умбро-флорентийскую группу художников для работы над фресками Ватикана. После своего возвращения из Рима он ведет чрезвычайно плодотворную деятельность, работая в Перуджии и Флоренции; и в том и в другом городе у него имелись мастерские. Перуджино был учителем Рафаэля и во многих своих произведениях предвосхитил достижения великого ученика. Он активно работал над совершенствованием приемов фигуративного изображения -построения человеческой фигуры, ее поз и движений, добиваясь благородства образов Высокого Возрождения. Вазари называет Перуджино изобретателем новой манеры живописи, характеризующейся особой «нежностью красок» и завораживающей настолько, что «люди сбегаются как сумасшедшие, чтобы посмотреть на эту непревзойденную красоту». Его творчество представляется идеалом безмятежного равновесия ритмов архитектурных форм и открытого пространства, в котором персонажи сосуществуют в гармонии друг с другом. Они погружены в атмосферу покоя, удовлетворенные, даже несколько пресыщенные созерцанием, и открыты чувствам религиозного зрителя. Перуджино прославился своими задумчивыми Мадоннами. Поступившая в коллекцию Лувра в 1850 году круглая картина «Мадонна с Младенцем в окружении ангелов, св. Розы и св. Екатерины» относится к раннему периоду творчества художника. Она написана на доске темперными красками; после поездки в 1494 году в Венецию Перуджино начнет писать маслом. В картине присутствует характерное для художника симметричное построение пространства. Миловидная, как бы присевшая на трон, с меланхолично-грустным выражением лица, Мадонна является композиционным центром картины. Ее окружают с двух сторон симметрично стоящие фигуры святых и ангелов. Задний план картины занят тонко прописанным пейзажем и также поддерживает симметрию образов. От изображения веет глубоким покоем, погруженностью в самосозерцание. Вся картина кажется залитой золотым свечением. Несмотря на то что цветовая гамма одежд святых и Мадонны достаточно разнообразна, художник сумел добиться удивительной гармонии в сочетании сочных красных, темных сине-зеленых и светло-фиолетовых тонов. |
Ханс Мемлинг
|
«Святой Иоанн Креститель и святая Мария Магдалина» Имя Ханса Мемлинга окружает множество легенд, связанных с романтикой старого города Брюгге, где он работал и где хранятся самые знаменитые его произведения. Всего несколько десятилетий назад исследователи обнаружили документы, проливающие свет на его подлинную биографию. Дата рождения художника установлена лишь предположительно - 1433 год. Он родился в Германии, где и начал свое обучение. Потом для пополнения образования предпринял путешествие в Нидерланды. Не исключена возможность, что в конце 1450-х годов он приезжал в Брюссель, где работал в мастерской Рогира ван дер Вейдена в качестве ученика или подмастерья. Влияние ван дер Вейдена чувствуется во многих работах художника. В 1466 году Мемлинг переезжает в Брюгге, где в 1467 году вступает в гильдию Святого Луки. Примерно с 1468 по 1486 год он был первым художником города, пользовался широкой популярностью и получал много заказов как от сограждан, так и от иностранцев, высоко его ценивших. Под руководством Ханса Мемлинга работала целая мастерская, из которой выходило много картин. Мемлинг завершил развитие голландской живописи XV века. Он унаследовал от своих предшественников живой интерес к миру и новые изобразительные средства - искусство построения пространства, светотень, а также замечательные секреты голландской живописной техники. Он шел по своему творческому пути ровно и уверенно, его искусство уравновешенно-красиво, лишено страсти и жестокости. В 1851 году собрание Лувра пополнилось двумя боковыми створками из триптиха Ханса Мемлинга с изображением Иоанна Крестителя и Марии Магдалины. Обе фигуры искусно включены в пейзаж, в их расположении господствуют симметрия и размеренный ритм, создающие ощущение возвышенного спокойствия. Идеализируя фигуры святых, Мемлинг всегда умел оставаться серьезным и торжественным. Иоанн Креститель даже в своем рубище выглядит величественно, а изысканный туалет Марии Магдалины придает ее изображению блеск и величие. Мечтательная мягкость господствует в этой работе Мемлинга. Задумчивая и нежная, с розовато-бледным лицом и золотыми волосами, Мария Магдалина излучает спокойствие и очарование. Святые вдохновенно сосредоточены, их лица миловидны, удлиненные фигуры грациозны. Точный рисунок четко определяет формы, создает затейливую игру складок ниспадающих одежд. Тщательно выписан пейзаж заднего плана. На нем можно бесконечно рассматривать мельчайшие подробности повседневной жизни, окружающей отстраненных от нее святых. |
Иероним Босх
|
Серьезное изучение творчества Босха началось на рубеже XIX и XX веков. К этому времени он был практически забыт, его имя почти не упоминалось ни в энциклопедиях, ни в учебниках. В последние же годы он стал едва ли не самым популярным и загадочным заподноевропейским художником прошлого. О нем написаны десятки книг, ряд авторов видят в Босхе предшественника современного сюрреализма. Картина «Корабль дураков» относится к зрелому периоду творчества Босха, характеризующемуся полной свободой композиционного построения. Выразительный рисунок, гибкий мазок говорят о совершенстве живописной техники художника. Центральная тема «Корабля дураков» проходит через все творчество художника. Это осмеяние и осуждение пороков человеческого общества, глупости и зла, господствующих в мире. Представление о «кораблях» широко распространилось еще во время средневековья. Существовали образы «Корабль господен» и «Корабль дьявола», олицетворявшие доброе и злое начала. Эти понятия имели обобщающий смысл: праведники и грешники находятся, соответственно, на своих кораблях. Пассажиры корабля Босха -представители различных слоев общества. Главное место занимают монах и монахиня, горланящие какую-то песню под бренчание лютни. На мачте примостился шут в дурацком колпаке, пьющий вино. Композиционным построением своей картины Босх подчеркивает неустойчивость и эфемерность корабля, бессмысленность происходящего. Фигуры плоские, грубые и уродливые, напоминают гротескные маски. Они кривляются, кричат, буйствуют, рискуя перевернуть корабль. Каждая фигура и каждый предмет имеют символическое значение и намекают на человеческие пороки: невоздержанность, разврат, пьянство, обжорство, тщеславие. Вишня и лютня символизируют распутство, то же означает и ореховый куст на мачте. Пустой сосуд на копье и вымпел с полумесяцем - знаки сатаны. Автор явно хочет задеть зрителя за живое, шокировать, чтобы невольно на ум пришел вопрос: куда же плывет такой корабль? Картина исполнена, видимо, около 1500 года: ее сохранность не очень хороша, пострадал задний план полотна. Она была подарена Лувру в 1918 году Камиллом Бенуа. Фрагмент |
Прожолжение следует
Серия сообщений "Лувр":
Часть 1 - Лувр:Архитектура.
Часть 2 - Музей Лувра(1)
...
Часть 20 - Лувр:греческая античность.Скульптура
Часть 21 - Лувр:греческая античность.Прикладное искусство
Часть 22 - Лувр:шедевры мировой живописи(1)
Часть 23 - Лувр:шедевры мировой живописи(2)