В 1790 году на берегу Фонтанки в Санкт-Петербурге был построен особняк для графини Воронцовой. В 1799 году дом купила М.А. Нарышкина, при которой он был расширен и приобрёл пристройку. При Нарышкиных, которые владели зданием до 1846 года, здесь проводились концерты и балы. На них бывали царь Александр I с братом Константином, известные литераторы Иван Крылов и Василий Жуковский.
В 1844-1846 годах основное здание и пристройки были перестроены по проекту архитектора Бернара Симона. Фасады в формах итальянского Возрождения переделаны по эскизам архитектора Ивана Ефимова. В это время особняком стал владеть Пётр Шувалов, женившийся на Софье Нарышкиной. Накопленную его семьёй коллекцию предметов искусства стали хранить в этом доме.
В 1918 году Шуваловский дворец национализировали, до 1925 года здесь располагался Музей быта. После экспонаты коллекции разошлись по разным музеям. Во время Великой Отечественной войны в здание попало несколько авиабомб фашистов, что вызвало серьёзные повреждения. В послевоенные годы здесь прошла реставрация, а в 1965 году сюда въехал Дом Дружбы и мира с народами зарубежных стран.
В 2006-2013 годах Шуваловский дворец был отреставрирован культурно-историческим фондом «Связь времён». После здесь открылся Музей Фаберже, где представлены произведения великого ювелира. Кроме того, в музее проводятся временные выставки. Два года назад мы посетили выставку Фриды Кало, а в этом году порадовала новая выставка.
25 ноября 2017 года в Музее Фаберже была открыта выставка «Модильяни, Сутин и другие легенды Монпарнаса», на которой представлена уникальная коллекция живописи ведущих художников Парижской школы первой трети XX века, собранная их современником и покровителем Йонасом Неттером. Мы увидели живопись Амедео Модильяни, Хаима Сутина, Мориса Утрилло, а также работы Моисея Кислинга, Мориса Вламинка, Андре Дерена, Сюзанны Валадон и других легендарных мастеров Монпарнаса.
Монпарнас — квартал Парижа, ставший центром его артистической, интеллектуальной и светской жизни незадолго до начала Первой мировой и сохранявший свою неповторимую атмосферу вплоть до начала Второй мировой войны. Неотъемлемой чертой Парижа тех лет был интернационализм — художники, писатели, политики и бизнесмены со всего мира съезжались туда, и многие оставались там жить. Для художников и поэтов, желавших приобщиться к последним веяниям в искусстве, Монпарнас был настоящим местом паломничества: в 1910-х годах завсегдатаями его многочисленных кафе были все лидеры и идеологи европейского модернизма. Илья Эренбург писал о знаменитом кафе «Ротонда» на бульваре Монпарнас: «С самого утра за четырьмя или пятью столами в жаркой, душной, прокуренной задней комнате сидели русские, испанцы, латиноамериканцы, скандинавы, люди со всех концов земли, предельно нищие, невесть во что вырядившиеся, оголодавшие, и говорили о живописи, декламировали стихи, обсуждали способы раздобыть пять франков, спорили и примирялись. Под конец кто-нибудь обязательно напивался, и его выставляли вон».
"Le Rotonde" (дом N 105 на бульваре Монпарнас) одно из самых старых парижских кафе, где в 1903-м юная Габриэль Шанель исполняла народные песенки под бурные аплодисменты публики и возгласы "Ко-коко", где она познакомилась с богатым бизнесменом Этьеном Бальзаном, чтобы затем поселиться с ним в аристократическом Виши и шить себе строгие костюмы с маленькими шляпками, не только отличавшие ее от богатых куртизанок, но и ставшие ее лицом в современной моде.
Монпарнас. само название возникло от находившегося поблизости возвышенности – Парнас.
В 1920 – 1940 годах этот квартал облюбовали художники, писатели и артисты, искавшие в живописи и литературе новые способы самовыражения, они любили сиживать в своих любимых кафе и ресторанах. Монпарнас приобрел специфический, богемный дух, став соперником Монмартра.
С Монпарнасом связаны имена Амадео Модильяни, Пабло Пикассо, Василия Кандинского, Марка Шагала; Эрнеста Хемингуэя и и Анна Ахматовой, чьи портреты писал Амадео Модильяни.
Слово "кафе" прижилось во всех языках в своем французском виде и произношении. Слово-то прижилось, а сами кафе так и остались уникально-парижскими, где кафе это не "заведение", а образ жизни. В истинно парижских кафе все друг друга знают, если уж не лично, то хотя бы в лицо, поэтому "чужака" заметят сразу. Вы почувствуете на себе настороженный взгляд официанта и немой вопрос в этом взгляде: откуда, надолго ли. Правда, в парижских кафе в туристической зоне об этом забудьте - они такие же парижские, как и заполонившая их пестрая толпа иностранцев.
В Париже в основу "кафейной" общности положены социальные, литературные, политические связи, превратившие кафе в достопримечательности и культовые места. В них собираются единомышленники - поговорить о своем и побыть среди своих.
Еще одно отличие французских кафе - это еда, точнее ее наличие. Французы, видимо, путают понятия "кафе" и "бар", и поэтому в кафе довольствуются не чашкой кофе с утренней газетой, а обедают и ужинают.
В кафе приходят не просто пообщаться-в них приходят жить. В 20-е годы, когда отопительная система в городе оставляла желать лучшего, в кафе грелись. И чем беднее был человек, тем дольше он сидел за столиком. Сидеть, заказав даже одну чашку кофе, можно хоть до закрытия, никто не выгонит, никто даже не удивится. В отличие от американских, организация пространства во французских кафе как бы сама удерживает посетителя. Это не "зашел-перекусил" нос к носу с барменом, а то и вовсе стоя, нет, французское кафе устроено как театр. Столики повернуты "лицом" к улице, а то и вовсе вынесены на тротуар. Посетители разглядывают прохожих, а прохожие - посетителей, которых ничуть не смущает, что полгорода в курсе содержимого их тарелок.
Кафе "Ротонда" могла бы стать музеем европейского авангарда - Пикассо, Кандинский, Модильяни сидели за соседними столиками со знаменитыми, но тогда еще никому не известными анархистами и революционерами, из которых назовем лишь Ленина и Красина.
Новая культура модернизма, окрыленная окончанием Первой мировой войны и последовавшим за ней экономическим подъемом, сделавшим искусство еще более востребованным и популярным, породила в своем центре — Париже — атмосферу невиданной, безграничной свободы. Фернан Леже пишет, что человек тех лет «наконец поднимает голову, открывает глаза, смотрит перед собой, стряхивает напряжение, вновь обретает вкус к жизни, нетерпеливо жаждет танцевать, тратить деньги, шагать в полный рост, кричать, вопить, транжирить». На Монпарнасе процветает свободная жизнь, свободная любовь и свободное искусство.
Тем не менее, богемная жизнь тех лет была безоблачной и беззаботной далеко не для всех ее участников. Молодые художники — Модильяни, Сутин, Утрилло и многие другие — жили в бедности, а их картины воспринимались публикой как скандальные и практически не покупались. Друзья Модильяни называли его «Моди» не только из-за фамилии, но и из-за ее созвучия прилагательному «проклятый» (фр. maudit) — это прозвище закрепилось за ним и художниками его круга, чья жизнь была полна лишений и неудач.
Огромную роль в судьбе этих художников сыграл первый постоянный покупатель их работ, предприниматель и любитель искусства Йонас Неттер. Он начал собирать свою коллекцию благодаря встрече с торговцем произведениями искусства Леопольдом Зборовским, с которым познакомился в Париже в 1915 году. Зборовский начал работать на Неттера — общаться с художниками, собирать, выменивать и перепродавать их произведения. Опираясь на финансовую поддержку Неттера, Зборовский заключал соглашения с художниками, платил им жалованье, давал деньги на аренду мастерских, закупку материалов для живописи и прочие расходы. В том же 1915 году Неттер и Зборовский заключили контракт с Модильяни, согласно которому они платили художнику 300 франков в месяц, за что получали все созданные им полотна. К 1917 году ежемесячная сумма, выплачиваемая художнику, выросла до 500, а в 1919 — до 1000 франков. Аналогичные соглашения у Неттера и Зборовского существовали с Сутиным и Утрилло. Увлечение Неттера их творчеством, равно как и работами Моисея Кислинга, Сюзанны Валадон, Андре Дерена и других мастеров способствовало возникновению спроса на художников Парижской школы и сформировало новый сегмент арт-рынка. Йонас Неттер скончался в 1946 году, оставив своей семье бесценную коллекцию работ художников, которые сегодня признаны важнейшими мастерами искусства XX века. Коллекция Неттера более 70 лет была недоступна для широкого зрителя и только в последние годы ее стали показывать в Европе.
Шедеврами коллекции Неттера несомненно являются пронзительные и утонченные портреты, созданные Амедео Модильяни в последние годы его недолгой жизни. Среди них два портрета его музы — Жанны Эбютерн. Художник познакомился с ней в конце 1916 года. Жанне было 18 лет, она была студенткой частной художественной школы. Несмотря на недовольство родителей и пагубные пристрастия Модильяни, Жанна вскоре стала жить с художником и родила ему дочь. Модильяни создал более 20 портретов Жанны. История их любви, запечатленная в созданных им портретах, стала одной из самых известных романтических историй в искусстве ХХ века. Жанна разделила с Моди все невзгоды и покончила с собой на следующий день после его смерти 24 января 1920 года. .
Они познакомились весной 1917 г. На тот момент Модильяни был 33-летним бедным и неизвестным художником, Жанна Эбютерн – 19-летней студенткой, начинающей художницей. «Она была похожа на птицу, которую легко спугнуть. Женственная, с застенчивой улыбкой. Говорила очень тихо. Никогда ни глотка вина. Смотрела на всех как будто удивленно». Многие удивлялись, что нашла Жанна в немолодом художнике. Он беспробудно пил, был болен туберкулезом, его единственная прижизненная персональная выставка закончилась скандальным провалом, он продавал наспех сделанные рисунки и вырученные деньги тратил снова на выпивку.
Когда друг Модильяни Леопольд Зборовски стал убеждать Жанну, что художника нужно срочно спасать, она невозмутимо ответила: «Вы просто не понимаете – Моди обязательно нужно умереть. Он гений и ангел. Когда он умрет, все сразу это поймут».
С тех пор Жанна стала центром его творческой вселенной. Он написал больше 20 ее портретов. Леон Инденбаум, приятель Модильяни, вспоминал: «Поздней ночью его можно было увидеть на скамье перед «Ротондой». Рядом сидела Жанна Эбютерн, молчаливая, хрупкая, любящая, настоящая Мадонна рядом со своим божеством…».
Иногда Модильяни бывал ужасно груб с Жанной. Поэт Андре Сальмон так описывал один из многочисленных публичных скандалов Модильяни: «Он тащил ее (Жанну) за руку. Схватив ее за волосы, с силой дергал их и вел себя как сумасшедший, как дикарь».
В 1918 г. у них родилась дочь Джованна (на фото слева). В этом же году работы Модильяни наконец начали пользоваться успехом и приносить доход, но художник продолжал пить. В начале 1920 г. он сильно простудился и слег. Его увезли в парижскую больницу для бедных, где он и скончался.
Когда Модильяни умер, Жанна долго сидела молча, прислонившись лбом к оконному стеклу. На следующий день после смерти художника, в 4 часа утра она выбросилась из окна шестого этажа. Почти через 10 лет тело Жанны перезахоронили рядом с любимым Моди. На их надгробии высечено: «Амедео Модильяни, художник. Родился в Ливорно 12 июля 1884 года. Умер в Париже 24 января 1920. Смерть настигла его на пороге славы», а немного ниже: «Жанна Эбютерн. Родилась в Париже 6 апреля 1898. Умерла в Париже 25 января 1920. Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним».
Сегодня Амедео Модильяни занимает лидирующие позиции среди самых дорогих художников в мире. А при жизни ему не удалось снискать славы, он жил и умер в нищете. Его первая и единственная выставка не только не была успешной – она стала причиной скандала, в результате которого по требованию полиции выставка была закрыта. Что могло поразить и возмутить искушенных французов в картинах ню?
Только после смерти художника «неприличную и аморальную» серию картин в жанре ню оценят по достоинству. «Прекрасная римлянка» была продана на аукционе Sotheby's в 2010 г. за 68,96 млн долларов.
Живопись Мориса Утрилло представлена целой серией пейзажей, относящихся к лучшему — «белому» — периоду его творчества. Первые уроки живописи Утрилло получил от своей матери — художницы, а в молодости любимой натурщицы Ренуара и Тулуз-Лотрека — Сюзанны Валадон, чьи работы также можно будет увидеть на выставке. Утрилло стал мастером монохромных, отличающихся изысканным чувством тона городских пейзажей, передающих ощущение одиночества и меланхолии.
Яркий контраст эфемерным работам Утрилло создают насыщенные по цвету картины Моисея Кислинга, среди которых — портрет коллекционера Йонаса Неттера.
Последнего с Кислингом связывала дружба, что неудивительно: Кислинг был истинной душой Монпарнаса, человеком излучавшим, по свидетельству современника, «энергию, в которой смешивались жизненность, любовь, сексуальность и творчество». Он был постоянным посетителем кафе «Купол», «Ротонды» и многочисленных костюмированных балов, которые устраивались в мастерских, в частных домах и салонах.
Моисей Кислинг (1891-1953). Для меня это новое имя.
Уроженец Кракова, он в 19 лет приехал в Париж и как-то незаметно стал душой общества художников на Монмартре и Монпарнасе. Говорят, что его отличала особая душевность и теплота по отношению к людям. Это не могло не сказаться и на его картинах.
В обе мировые войны художник ходил воевать добровольцем, за заслуги он был удостоен французского гражданства.
На выставке представлены великолепные его произведения, которые рассматривать можно долго.
А как вам эта загадочная и вся в себе "Женщина в красном свитере" Моисея Кислинга?
Вот такую замечательную выставку мы посетили. Как бы вкусили запахи Парижа, Монпарнаса, Монмартра.
На стыке веков возникли такие явления, как символизм, модерн, и не могли не возникнуть такие художники, как Модельяни, Малевич,
Модерн (фр. modern — новый) — художественный стиль в искусстве, который возник на излете XIX века и царил вплоть до начала Первой Мировой войны. Его характерные черты — декоративность, плавность линий и округлость форм, их гибкость и текучесть. Также в модерне вы найдете обилие орнаментов и украшений, внимание к растительным, природным мотивам,а фигуры будут плоскими, как на плакатах и витражах.
В России модерн — первый«буржуазный», купеческий стиль,с цитатами от Ренессанса до классицизма, щедро сдобренный символизмом и любованием природой,столь милой русской душе. Художники-эстеты объединения «Мир искусства» с Бенуа, Сомовым, Серебряковой,Бакстом, сказочники Васнецов и Билибин, мистик Врубель, портретист Серов, пейзажист Левитан — модерн в России многолик.
Для живописи модерна характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых» фонов и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, М. А. Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст) и тонких подчёркнутых нюансов. Всё это придавало картинам большую выразительность. Символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта. Другие представители модерна – Амедео Модильяни, Анри Руссо, Фердинанд Ходлер, Ян Тороп, Андерс Цорн, Константин Коровин, Михаил Нестеров, Франц фон Штук, Валентин Серов, Макс Курцвайль, Константин Сомов, Александр Бенуа, Мстислав Добужинский, Борис Кустодиев.
МОДЕРН - новый шик в искусстве.