Модерн в Западной Европе
Модерн (от фр. moderne, — новый, современный) — наименование стиля, который получил широкое распространение в искусстве конца XIX начала XX веков, главным содержанием которого было стремление художников противопоставить свое творчество историзму и эклектизму искусства второй половины XIX столетия — отсюда и название. В течение короткого срока, пережив периоды становления, расцвета и угасания, этот стиль, тем не менее, охватил искусство многих стран и оставил заметный след в различных национальных культурах. В каждой стране складывается свое название стиля. В Бельгии, Франции — "Ар-Нуво", в Англии — "Новый стиль", в Австрии — "Сецессион", в Италии — "стиль Либерти". Немецкий "Югендстиль" - производное от названия журнала "Юность" известного в Мюнхене. В Испании модерн называли "модернисмо", в России же — "стиль модерн".
Наследие стиля модерн многолико, сложно, содержит не только неоспоримые ценности, художественные открытия, но и свидетельства неразрешенных эстетических противоречий. Это наследие нельзя оценить лишь только позитивно или негативно. Оно требует более гибкого и многогранного подхода.
Противоречивая природа стиля модерн послужила причиной того, что до сих пор отношение к нему не устоялось, не приобрело полной определенности. Некоторые культурологи и историки искусства воспринимают его лишь как проявление упадка буржуазной культуры, не делая при этом различия между модерном и модернизмом. Другие исследователи считают, что модерн не решил последовательно те задачи, которые стремились поставить художественные направления более раннего времени.
Работы модернистов заметно отличаются от произведений искусства ранее
Созданных человечеством:содержание и смысл мировоззрений художников
модернистов,как правило,непонятны зрителям,модернистское искусство
малокаммукативно.
Главной особенностью модерна является то,что,новое в нем формировалось
прежде всего в области архитектуры,декоративного и прикладного искусства,не
столько самими архитекторами сколько живописцами и графиками.
Первый шаг в этом направлении был сделан английйскими архитекторами
(Макмардо артур,Крейн Уолтер,Имейдт Селвин) затем
бельгийцами,парижскими,венскими и мюнхенскими художникими.
Их объединяло общее неприятие отживших академических норм и попыток
реанимировать их за Счет возрождения старых стилей.Они обратились не к
прошлому искусству и не к будущему,которого еще не видели.а к природе.
Отсюда первое натуралистическое «флореальное»течение
искусства Модерна.В них копировались природные формы,прежде всего
растительные,с подчеркиванием их динамики,движения,роста линии вьющихся
волнистых растений.
Художники модерна постоянно искали вдохновения в органических формах
природы,видели в них источник красоты,и целесообразности.С другой стороны
они не упускали случая что бы в своихпластических образах демонстративно
нарушать эту суверенную «правду»действительности,противопоставляя ей свой
собственный предметный и духовный мир.Архитектура как и в эпоху романтизми
вновь стала воплощением поэтических,лирических представлений,хотя ее
восприятиестало еще более сложным.
Стилистические особенности модерна, связанные с использованием природных форм, отразились и на интерьере. Лестницы с бионическими конструкциями, оконные проемы со сложным рисунком переплетов и витражей, оригинальные дверные проемы и сами полотна дверей – каждый из этих элементов приобретал неповторимый образ.
Огромным завоеванием модерна стало единое стилистическое решение интерьера, которому подчинялись все составляющие ансамбля вплоть до различных мелочей: будь то ручки на дверях и окнах или перила лестниц.
Стены в помещениях оформлялись панелями из модного тогда серого клена. Гипсовый орнамент с пластичными изгибами растительных элементов покрывал стены и потолки комнат и лестничных маршей. Наряду с лепным орнаментом применялись фризовые росписи, наносимые при помощи трафарета. В орнаменте господствовали растительные мотивы: ирисы, маки, лилии, водные растения с длинными тянущимися стеблями, различные виды трав. Использовался и геометрический орнамент.
Модерну свойственны пастельные, нежные цвета: серовато-серебристые, дымчатые, зеленовато-пепельно-болотные, голубоватые и нежно-розовые. Этими колерами покрывались стены комнат и других помещений.
Декоративное убранство интерьеров, мебель и предметы быта были также с сильно выраженными стилевыми особенностями. Спинки стульев и диванов стали приобретать волнистые очертания. В оформлении корпусной мебели, как и во всем остальном, широко применялись мотивы природных форм, а в отделке – металлические, изощренно вытянутые декоры
Художники Модерна
Франция
Ван де вельде
Родился в 1863 г. в Антверпене
Умер в 1957 г. в Цюрихе
В 1881 - 1884 гг. -изучал живопись в Академии Изящных искусств в Антверпене; в 1884 - 1885 гг. - учился живописи у Каролюса Дюрана в Париже; 1889 г. - собрал группу художников "ХХ"; первый вступил в диалог с идеями движения "Art&Crafts";
Был назначен на должность профессора архитектуры в Гентский университет
Анри ван де Вельде Генри ван де Вельде был одним из наиболее значительных представителей арт нуво, его эксперименты двадцатых годов оказали большое влияние на искусство, ремесла и дизайн в Европе.
Его работы:
Отель «Otlet»-Холл Бельэтажа.
Архив Ницше-Входная дверь.
«Блюменверф»(свой дом в Уккле)
Эмиль Галле
Родился в Нанси 8 мая 1846, сын Ш.Галле-Рейнемера, видного предпринимателя, производившего арт-стекло и керамику. Занимался рисованием и стеклоделием, а также ботаникой, минералогией и философией в училищах Веймара (1862-1866), работал на предприятии отца в Сен-Клемане близ Нанси (с 1865 и после 1867) и стекольной фабрике в Мейзентале (Эльзас; 1866-1867). После ухода отца на покой (1874) возглавил семейное дело и завел собственную мастерскую. Испытал влияние мусульманского, китайского и японского декоративного искусства.
С конца 1880-х годов занимался производством мебели, примечательной не своими формами (повторяющими традиционный рокайльный дизайн), а причудливыми резьбой и вставками из экзотических пород дерева, жемчуга, отделочных и полудрагоценных камней. Любил вводить поэтические цитаты, получая в итоге «говорящую мебель» (meubles parlantes).
Италия
СЕГАНТИНИ, ДЖОВАННИ (Segantini, Giovanni) (1858–1899),.
Родился в Арко (в то время Тироль, Австрия) 15 января 1858. С 1863 жил в Милане. В 1877 занимался в Академии художеств, но вскоре оставил ее. Был в основном самоучкой. Испытал влияние Ж.-Ф.Милле.
В своих ранних работах примыкал к веризму (Благословление овец, Стрижка овец, обе картины – 1882–1886; «Аве Мария» на переправе, 1886, Художественный музей, Базель); уже с этих лет постоянно придавал «почвенным» сельским мотивам религиозно-символическую значительность. Жил и работал в альпийских горных селах (Брианца, 1882–1886; Савоньин, 1887–1894; Малоя, 1895–1899), черпая свои впечатления из жизни крестьян и пастухов. Разработал (возможно, под воздействием «ломбардской скапильятуры» с ее динамичным раздельным мазком) собственный метод живописного дивизионизма – с насыщенными, «лучеобразными» мазками, ложащимися на холст словно спектральные блики на грани реальности и видения.
Судьба плохих матерей, 1894,
Художественно-исторический музей, Вена; Ангел жизни, 1894,
Любовь у источника жизни, 1896,
Музыкальная аллегория, 1896).
Альпийский триптих, 1896–1899
Автопортрет, 1883–1884;
Австрия
КЛИМТ, ГУСТАВ (Klimt, Gustav) (1862–1918), австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи.
Родился в венском предместье Баумгартен 14 июля 1862 в семье художника-гравера и ювелира Э.Климта. Учился у отца, а в 1875–1883 – в школе ремесел при венском Австрийском художественно-промышленном музее. Первоначально испытывал большое влияние искусства Г.Макарта с его помпезным необарочным историзмом. По окончании учебы работал с братом Эрнстом и художником Ф.Матчем, украшая декоративной живописью театры австро-венгерской провинции (в Райхенберге, Фиуме и Карлсбаде – Карловых Варах). С 1885 они оформляли и венские здания (среди этих работ выделяется живописный декор «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея – яркие образцы пышного «стиля Рингштрассе», как принято именовать венский историзм рубежа веков). Со смертью брата Эрнста (1892) коллектив распался.
Все более вовлекаясь в стихию модерна и, соответственно, в оппозицию к академической традиции, Климт стал в 1897 одним из основателей независимого от Академии художеств Венского сецессиона (нем. Sezession – «отпадение», «отделение») и первым его президентом. Созданные по его инициативе «Венские мастерские» (1903) сыграли важную роль в стилистическом обновлении австрийского дизайна.
Для выставочного здания Сецессиона (архитекторы Й.Хоффман и Й.Ольбрих, 1897) Климт создал Бетховенский фриз (1901–1902), воплощающий темы Девятой симфонии
Другая этапная декоративная работа, цикл аллегорических панно, т.н. «факультетских картин» для Венского университета (1900–1903; сохранились, в разных собраниях, лишь фрагменты цикла), вызвал скандал и был отвергнут заказчиками: климтовские дамы, символизирующие Философию и другие дисциплины, показались слишком жеманными и несовместимыми с духом строгой науки.
Климт вошел в историю, в первую очередь своими остроэкспрессивными женскими портретами (Э.Флёге, 1902, Исторический музей, Вена; А.Блох-Бауэр, 1907, Галерея 19 и 20 вв., Вена) и символическими картинами, насыщенными драматическим, «роковым» эротизмом (Юдифь 1, 1901, Австрийская галерея в Бельведере, Вена; Поцелуй, 1907–1908, там же; Саломея, 1909, Международный музей современного искусства, Венеция; Даная, 1910, Галерея Вельц, Зальцбург).
Символизм
Особое место занимал в искусстве Модерна Символизм.В качестве самостоятельного художественного течения символизм получил развитие приемущественно в литературе.В россии этот период получил название «серебрянный век»,во Франции символизм быстро переродился в сюрреализм.Изобразительное искусство по своей природе меньше подходит для выражениясимволистических образов,туманных и неясных,поэтому живописцы и графики,считавшие себя символистами как например Ф.Фон Штук часто впадали в салонныйи слащавый натурализм с примесью пошловатых аллегорий,с двусмысленной,примитивной эротикой.Однако в архитектуре символизм далнеожиданные плоды.Наиболее фантастические формы символизм приобрел в Испании,В творчестве гениального символиста А.Гауди.
Символизм сосредоточен преимущественно на выражении посредством символа интуитивно постигаемых сущностей и идей, смутных, часто изощрённых чувств и видений. Философско-эстетические принципы символизма восходят к сочинениям А. Шопенгауэра, Э. Гартмана, Ф. Ницше, творчеству Р. Вагнера. Стремясь проникнуть в тайны бытия и сознания, узреть сквозь видимую реальность сверхвременну́ю идеальную сущность мира («от реального к реальнейшему») и его «нетленную», или трансцендентную, Красоту, символисты выразили неприятие буржуазности и позитивизма, тоску по духовной свободе, трагическое предчувствие мировых социально-исторических потрясений и вместе с тем — доверие к вековым духовно-культурным ценностям как единящему людей и народы началу. В России символизм нередко мыслился как «жизнетворчество» — сакральное действо, выходящее за пределы искусства.
Художники символисты.
Норвегия
МУНК, ЭДВАРД (Munch, Edward) (1863–1944), норвежский живописец, график, театральный художник, один из основоположников экспрессионизма. Родился в Лётене в южной Норвегии 12 декабря 1863, вырос в Осло (Кристиания). Его отец, военный врач, был глубоко верующим человеком. Когда будущий художник был еще ребенком, его мать и старшая сестра умерли от чахотки. Болезнь, страдание, смерть – темы, к которым Мунк постоянно возвращался на протяжении своего творческого пути, – были знакомы ему с раннего детства.
В возрасте 17 лет Мунк поступил в Королевскую школу рисования; за два года учебы он втянулся в художественные и литературные круги Кристиании, которые шокировали общество откровенными изображениями жизни богемы. Сюжеты, почерпнутые художником в этой среде, позже появились в его серии Фриз жизни. По замыслу автора, каждая картина этого цикла должна была изображать беспомощность человека перед равнодушными силами жизни, любви и смерти.
В 1889 Мунк уехал в Париж, где познакомился с новыми направлениями в живописи – постимпрессионизмом и зарождающимся модерном. В 1892 художник участвовал в большой выставке в Берлине, но его картины были встречены враждебно. В Германии Мунк овладел техникой офорта, в Париже экспериментировал с литографией и гравюрой на дереве, в которой широко использовал характерный для Гогена прием подчеркивания фактуры дерева. В гравюре и литографии Мунк воплощал те же сюжеты, что и в живописи, но с гораздо большей энергией, силой и оригинальностью. Его гравюры – пожалуй, высшее достижение мастера.
Тема, ставшая центральной в творчестве Мунка, – взаимоотношения мужчины и женщины. Женщина в его работах предстает в различных ипостасях: как идеализированный образ девушки, как персонификация эротического женского начала или как ясновидящая, властная мать-смерть.
Его работы:
«Крик»
«Автопортрет»
Г. Моро
Французский художник. Жизнь Гюстава Моро, как и его творчество, кажется полностью оторванной от реалий французской жизни XIX века. Ограничив круг общения членами семьи и близкими друзьями, художник целиком посвятил себя живописи
Имея хороший заработок от своих полотен, он не интересовался изменениями моды на художественном рынке. Знаменитый французский писатель-символист Гюисманс очень точно назвал Моро "отшельником, поселившимся в самом сердце Парижа".
С раннего детства родители поощряли интерес ребенка к рисованию и приобщали его к классическому искусству. Гюстав много читал, любил рассматривать альбомы с репродукциями шедевров из коллекции Лувра, а в 1844 году по окончании школы получил степень бакалавра - редкое достижение для юных буржуа.
поступил в мастерскую художника-неоклассициста Франсуа-Эдуарда Пико (1786-1868), где получил необходимую подготовку для поступления в Школу изящных искусств, куда в 1846 году успешно сдал экзамены.
Осенью 1857 года, стремясь восполнить пробел в образовании, Моро отправился в двухлетнюю поездку по Италии.По возращению из поездки он познакомился с гувернанткой, которая служила в доме неподалеку от его мастерской. Молодую женщину звали Александрина Дюре. Моро влюбился и, несмотря на то, что категорически отказался жениться, был верен ей более 30 лет.
В 1888 году его избрали членом Академии изящных искусств, а в 1892 году 66-летний Моро стал руководителем одной из трех мастерских Школы изящных искусств.
Моро умер от рака 18 апреля 1898 года и был похоронен на кладбище Монпарнас в одной могиле с родителями.
"Песнь Песней"
его работы выполненные в романтической манере, отличались пронзительным колоритом и неистовым эротизмом
"Юноша и Смерть"-посвятил другу Шассерио
"Женихи Пенелопы"
"Дочери Тезея"
"Орфей у гробницы Эвридики"-посвятил Александрине Дюре